jueves, 9 de agosto de 2012

La Colección Bentaberry (II)

Rafael (Rafaello) Sanzio
"La Escuela de Atenas / The School of Athens"

"La scuola di Atene / La escuela de Atenas / The School of Athens", fresco, 500 x 770 cm., 1512-14. 
Museos Vaticanos, Estancias de Rafael (Roma, Italia / Rome, Italy)

La escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista Raffaello Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La Stanza della Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.

Detalle / detail: Averroes, Pitagoras, estudiante / student, Hypatia,
Parménides & Heráclito como Miguel Ángel / as Michelangelo.

Rafael Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Info in english here.

Detalle: Platón y Aristóteles / detail: Plato and Aristotle

Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.
Debido a que estaría ubicada sobre la sección de filosofía del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Esta arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante. Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron considerados como los principales representantes de la filosofía antigua,1 se encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo mientras que Aristóteles la tierra.

Detalle: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes, pintado como Bramante /
Detail: Euclid and Archimedes with a group of students, painted as Bramante

Siempre me encantó éste trabajo, por lo que representa de culto a la sabiduría, la educación, el diálogo, el conocimiento de los clásicos, y por esa fusión entre los grandes de la historia del pensamiento y los artistas de la época en que fue pintado el fresco. Aún teniendo que acomodar el cuerpo entre la masa de observadores en la Estancia de Rafael, y a pesar de las implicaciones del sitio en el que se encuentra (el Vaticano siempre me produce una inevitable repugnancia por todo lo que representa) me generó un placer poco común haber podido ver ésta obra en directo el año pasado.


The School of Athens, or Scuola di Atene in Italian, is one of the most famous frescoes by the Italian Renaissance artist Raphael. It was painted between 1510 and 1511 as a part of Raphael's commission to decorate with frescoes the rooms now known as the Stanze di Raffaello, in the Apostolic Palace in the Vatican. The Stanza della Segnatura was the first of the rooms to be decorated, and The School of Athens the second painting to be finished there, after La Disputa, on the opposite wall. The picture has long been seen as "Raphael's masterpiece and the perfect embodiment of the classical spirit of the High Renaissance."

Rafael en "El Hurgador" / in this blog:


Joseph Mallord William Turner
"Tempestad de nieve en el mar / Snow Storm"

"Tormenta de nieve: un vapor situado delante de un puerto hace señales en aguas poco profundas y avanza a la sonda. El autor se encontraba en esa tempestad la noche en que el Ariel abandonó Harwich" /
"Snow Storm—Steam-Boat off a Harbour's Mouth making Signals in Shallow Water, and going by the Lead. The Author was in this Storm on the Night the Ariel left Harwich"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,5 x 122 cm., Exhibido en / Exhibited 1842
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

La imagen puede ser un recordatorio de una tormenta de nieve particularmente dura en enero de 1842, aunque no ha sido posible situar exactamente el incidente. A pesar del título de Turner, no se conoce ningún barco llamado "Ariel" que se haya perdido o haya estado involucrado en una tormenta en los días inmediatamente precedentes a 1842, ni tampoco se conoce ningún barco con ese nombre que hubiera operado en Harwich por ese entonces. Sin embargo, Charles Ninnis ha sugerido que Turner puede haber confundido el nombre con el Fairy, que levó anclas desde Harwich el 12 de noviembre de 1840 y se hundió completamente durante una tormenta que comenzó el día siguiente y estuvo actuando hasta el 21 de noviembre, "el día en que la Princesa Real nació", como la etiqueta de atrás Nº 480 indica. No se sabe que Turner hubiera estado en Harwich por ese entonces, pero pudo haber sido testigo de la tormenta en Margate, donde a veces pasaba con la Sra. Booth.

El comentario está traducido de la ficha de la obra en la web de la Tate Gallery. Resulta interesante leer todo el texto ya que analiza la eventualidad de que Turner, quien al parecer dijo haber sido atado a un mástil durante horas y vivir la tormenta en su propia piel, no lo hubiera sido en realidad. También se comenta la mala recepción que la obra tuvo entre la crítica, burlándose incluso de esa "masa de espuma de jabón y lechadas de cal", y de cómo el propio Turner recibió a su vez éstas críticas.

Info in english in Tate Gallery's website catalogue entry for this piece.


Más allá del análisis, Turner me apasiona. La fuerza de sus cielos tempestuosos es abrumadora. Tuve la oportunidad de ver algunas de sus obras en una muestra sobre el pintor inglés realizada en el Museo del Prado, en Madrid, y en verdad transmite una sensación de elementos desencadenados, de naturaleza en bruto muy estimulante.

"Paz - Entierro en el mar / Peace - Burial at Sea", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87,0 x 86,7 cm.
Exhibido en / Exhibited 1842. Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775 - Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo.

Info in english here.

Joseph Turner en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XII)]


Michelangelo Merisi da Caravaggio
"La conversión de San Pablo en el camino a Damasco / 
Conversion on the Way to Damascus"

"La conversión de San Pablo en el camino a Damasco / Conversion on the Way to Damascus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 230 x 175 cm., 1601
Iglesia de Santa Maria del Popolo (Roma, Italia / Rome, Italy)

La verdad es que casi cualquier obra de Caravaggio me parecería digna de una colección "absoluta", así que dejo aquí tres que me gustan especialmente.

Conversión de San Pablo o caída en el camino de Damasco son denominaciones de un episodio neotestamentario (Hechos de los apóstoles, 9:1-18; Primera epístola a los corintios 15:8-9 ), muy representado en el arte.
Pablo de Tarso había recibido el mandato de las autoridades judías de perseguir a los cristianos de Damasco. Mientras cabalgaba a ese destino, un resplandor del cielo (que sólo el vio) le hizo caer del caballo dejándolo ciego, mientras se oía una voz que decía Saulo, Saulo, por qué me persigues (Saulo era su nombre hebreo y Pablo su nombre romano). Tras esta fuerte vivencia (Pablo la describe como un abortivo), Pablo se encuentra en Damasco con Ananías, que le impone las manos en nombre de Jesús, lo que le devuelve la vista. Inmediatamente, Pablo es bautizado.
Tradicionalmente se ha considerado este episodio como el que mejor representa el tema espiritual de la conversión, de modo que la expresión camino de Damasco ha pasado a ser sinónimo de "conversión".
Info in english here and here


La conversión de San Pablo es un cuadro del pintor manierista Caravaggio. De nuevo, usa el mismo lenguaje que en La crucifixión de San Pedro para dar a conocer el mensaje bíblico. Esta no fue aceptada, pero sí ésta otra versión pictórica del mismo tema bíblico, (La conversión de San Pablo en el camino a Damasco), sí lo fue. La primera mostraba al santo empequeñecido ante el caballo, provocando un intercambio de palabras entre un soldado y Caravaggio: «¿Por qué has puesto al caballo en medio y a San Pablo en el suelo. ¿Es acaso el caballo Dios? ¿Por qué?», a lo que Caravaggio respondió: «No, pero el animal está en el centro de la luz de Dios». (Lambert, p.66)

Personalmente me gusta mucho más ésta versión que la otra, tal vez precisamente por el caballo y por esa composición apretada dentro del marco...

"Cena en Emaús / Supper at Emaus"

"Cena in Emmaus / Cena en Emaús o Los discípulos de Emaús / Supper at Emaus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 197 cm., 1596-1602. National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

La cena de Emaús de Londres es contemporánea del San Juan Bautista, y es reconocida como el encargo del noble romano Ciriaco Mattei1 por el que pagó 150 escudos el 7 de enero de 1602. Más tarde fue adquirido por el cardenal Scipione Borghese. Al igual que ocurrió con otras obras de Caravaggio, causó gran polémica debido a la forma de tratar un tema religioso, lo que obligó al autor a pintar una nueva versión.
Considerada una de las obras maestras de su autor, su popularidad hizo que el fotógrafo y cineasta holandés Erwin Olaf lo recrease en una serie de interpretaciones libres de obras de pintores célebres que realizó por encargo del teatro de la Universidad Laboral de Gijón en el 2008.
Info in english here.

"Judith decapitando a Holofernes / 
Judith Beheading Holofernes"

"Judith decapitando a Holofernes / Judith Beheading Holofernes"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 144 x 195 cm. c. 1598-1599.
Galleria Nazionale d'Arte Antica di Palazzo Barberini (Roma, Italia / Rome, Italy)

Judit y Holofernes es un cuadro de inspiración bíblica, de Caravaggio, pintado en 1599. La pintura muestra a un general muerto (Holofernes) decapitado por Judith, la mujer que lo sedujo en menos de una noche. Provocaba reacciones de horror y sorpresa entre los visitantes de su primera sede, pues Caravaggio logró dotar a la obra de gran realismo y crudeza. Judith se muestra de pie, majestuosa e impertérrita, mientas que su criada, quien le proporciona la espada, está nerviosa y al acecho de lo que pueda pasar. Los efectos de la obra serían recreados más tarde por las versiones de Artemisia Gentileschi (Judit decapitando a Holofernes, 1620) y Francisco de Goya (Judith y Holofernes, de 1820).
Info in english here.

"Judith decapitando a / beheading Holofernes" (detalle / detail)

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 – Porto Ércole, 18 de julio de 1610) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.

«Después de varios años de trabajo, Caravaggio pasó de una ciudad a otra sirviendo a varios señores importantes. Es una persona trabajadora, pero a la vez orgullosa, terca y siempre dispuesta a participar en una discusión o a enfrascarse en una pelea, por lo que es difícil llevarse bien con él». Floris Claes van Dijk.

Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición. En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros. Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva –se decía que el modelo era uno de sus amantes. La posición de la Iglesia al respecto da testimonio de cierta esquizofrenia: por una parte, este tipo de vulgarización de la religión le interesa mucho en una época en la que la contrarreforma se extiende por la Italia católica, con el fin de mostrarse bajo una apariencia humana en contraste con la austeridad pregonada por el protestantismo: por otra parte, la representación de los santos bajo rasgos vulgares de golfos salidos de los bajos fondos fue juzgado incompatible con los valores de pureza y de santidad quasiaristocráticos que transmitía la Iglesia de aquella época. Este sentimiento se reforzó por la elección de Caravaggio de preocuparse enormemente por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos. Por ejemplo, la primera versión de su San Mateo y el ángel fue rechazada no sólo por la sensualidad del ángel, que fue juzgada como trivial, sino también por la suciedad de los pies del santo, minuciosamente reproducida del modelo.
Info in english here.

Me gusta el morbo de la escena en varias de sus representaciones (Gentileschi, Miguel Ángel, Donatello y tantas otras). El tema es recurrente en la historia del arte. Aquí se pueden ver unas cuantas versiones. La de Caravaggio es notable, sobre todo por la expresión del rostro de la criada y la tranquilidad con que Judith decapita.

Caravaggio en "El Hurgador" / in this blog:


Domenico Ghirlandaio
"Retrato de / Portrait of Giovanna Tornabuoni"

"Retrato de / Portrait of Giovanna Tornabuoni"
Técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 77 x 49 cm., 1489-1490. 
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Esta excepcional obra es un ejemplo espléndido del retrato en el Quattrocento florentino. Los pintores, siguiendo modelos de la Antigüedad clásica, creaban cuerpos de proporciones idealizadas y rostros inexpresivos que a la vez debían reflejar los rasgos personales del individuo. La modelo, de estricto perfil y busto, está retratada con los brazos en reposo y las manos juntas. Al fondo, en un sencillo marco arquitectónico, aparecen algunos de sus objetos personales. A la derecha, un cartellino con un fragmento de un epigrama de Marcial lleva inscrita en números romanos la fecha de su muerte. La modelo se ha identificado como Giovanna Tornabuoni a partir de una medalla con su efigie y su nombre, obra del grabador Niccolò Fiorentino. Ghirlandaio la representó también de cuerpo entero en el fresco de la Visitación de la capilla Tornabuoni de la basílica de Santa María Novella (Florencia).
Comentario en la ficha de la obra en la web del Thyssen.


This superb panel is a fine example of fifteenth-century Florentine portraiture. Artists of the time followed classical dictates: body proportions were idealised while faces left devoid of expression were expected to convey character. In this half-length portrait, the sitter appears in strict profile, with her arms bent and her hands clasped together. In the background, a selection of personal belongings appears within a simple architectural frame. The cartellino to the right bears part of an epigram by Martial and the date of his death in Roman numerals. The model has been identified as Giovanna Tornabuoni on the basis of a medallion by Niccolò Fiorentino showing her likeness and her name. She is also portrayed full length in the Visitation fresco painted by Ghirlandaio for the Tornabuoni chapel in the church of Santa Maria Novella (Florence).
Comments for this piece entry on Thyssen's website. 

Lo qué más me gusta de éste trabajo es cómo el artista consigue dar ese realismo al rostro, aún ciñéndose a los cánones clásicos de proporción e idealización de los personajes. En ese perfil tan "estricto", no hace falta mucho esfuerzo para encontrar la humanidad de la mujer y su serena belleza. 

Capilla Mayor de la Basílica Santa Maria Novella de Florencia, Italia. Capilla Tornabuoni.

En los frescos de la Capilla Tornabuoni aparece la misma imagen de Giovanna. Concretamente en el fresco de la pared derecha, "La Visitación", que corresponde al inicio de la historia de San Juan Bautista. 
En 1485, cuando estaba terminando los frescos de la Iglesia de la Santa Trinidad, Giovanni Tornabuoni le llamó para refrescar la propia capilla mayor de Santa Maria Novella con escenas de la vida de María y de Giovanni Battista (San Juan Bautista) (homónimo de Giovanni Tornabuoni y patrón de la propia ciudad de Florencia, por lo que fue bien recibido por sus habitantes). Este refrescamiento siguió el modelo de las anteriores escenas de Orcagna. 
Más vistas de la capilla aquí.

"La Visitación / The Visitation", fresco, 1485-1490

The Tornabuoni Chapel (Italian: Cappella Tornabuoni) is the main chapel (or chancel) in the church of Santa Maria Novella, Florence, Italy. It is famous for the extensive and well-preserved fresco cycle on its walls, one of the most complete in the city, which was created by Domenico Ghirlandaio and his workshop between 1485 and 1490.


Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio (Florencia, 1449 - 11 de enero de 1494) fue un pintor cuatrocentista italiano. Entre sus muchos aprendices estuvo Miguel Ángel.
Trabajó sobre todo en su ciudad natal, encontrándose entre los protagonistas del renacimiento en la época de Lorenzo el Magnífico. Hacia 1480 se convirtió de hecho en el retratista oficial de la alta sociedad florentina, gracias a su estilo preciso, amable y veloz. Jefe de un nutrido y eficiente taller, en el que dio sus primeros pasos en el campo del arte un Miguel Ángel de trece años, es recordado sobre todo por los grandes ciclos de frescos, como son algunas escenas de la Capilla Sixtina en Roma, la Capilla Sassetti y la Capilla Tornabuoni en su ciudad natal.1 Domenico formó parte así de la llamada "tercera generación" del renacimiento en Florencia, junto a maestros como Verrocchio, los hermanos Pollaiolo y el joven Sandro Botticelli.
Info in english here.


Ferdinand Hodler
"El Lector / The Reader"

"El lector / The Reader", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31 x 28 cm., c.1885.
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Ferdinand Hodler (Gurzelen, cerca de Berna, 14 de marzo de 1853 – Ginebra, 19 de mayo de 1918) fue uno de los más destacados pintores suizos del siglo XIX.
Hodler nació en Berna pero se trasladó a Ginebra a los 18 años de edad para comenzar su carrera como pintor. Sus primeras obras fueron paisajes, composiciones figurativas y retratos, tratados con un vigoroso realismo.
En la última década del siglo XIX su obra evolucionó para combinar influencias de diversos géneros, entre ellos el simbolismo y el art nouveau. Desarrolló un estilo que él llamaba «Paralelismo», caracterizado por agrupaciones de figuras simétricamente colocadas en poses que sugerían un ritual o una danza.
La obra de Hodler en su fase final adoptó un aspecto expresionista con figuras fuertemente coloreadas y geométricas. Los paisajes quedaron reducidos a lo esencial, a veces consistiendo en una franja de tierra entre el cielo y el agua. No obstante, las pinturas más famosas de Hodler representan escenas en las que los caracteres están implicados en actividades cotidianas, como el famoso leñador (Der Holzfäller, Museo de Orsay, París). Este cuadro acabó apareciendo en el dorso del billete de 50 francos suizos emitido por el Banco Nacional de Suiza.
Info in english here.


Entre los años 1875 y 1890 Hodler pinta principalmente representaciones idealizadas de artesanos, como Carpintero en su mesa de trabajo , que eran un modo de recordar su propio origen artesano. En todas estas composiciones el artista intenta concentrarse en el potencial expresivo de los personajes. Por otra parte, su interés reverencial por los ancianos, como el que aparece en esta composición, le llevó a utilizar como modelos a algunos de los octogenarios que frecuentaban el café situado junto a su casa de Ginebra: «Ellos se confesaban conmigo y yo les escuchaba mientras posaban. Ninguno de ellos esperaba ya nada de la vida. Todos se caracterizaban por una sumisión desesperanzada a un destino inevitable e inconsolable. Por esa razón los pinté» . El modelo utilizado en El lector también aparece en El trabajador filosófico, de 1884 , y en Mirada a la eternidad, de 1885.
Comentarios de Paloma Alarcó en la ficha de la obra en la web del Thyssen.

"El trabajador filosófico / Der philosophierende Arbeiter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1884

Between 1875 and 1890 Hodler chiefly painted idealised pictures of craftsmen, such as Carpenter at his Workbench, as a means of recalling his own origins as an artisan. In all these compositions the artist attempts to concentrate on the expressive potential of the human figures. His reverential interest in elderly men, such as the one in this composition, led him to use as sitters some of the eighty-year olds who frequented the café near his Geneva home: “they confided in me and I listened to them while they posed. None of them any longer expected anything of life. They were all characterised by a desperate submission to an inevitable and inconsolable destiny. that is why I painted them”. The sitter used in The Reader is also found in The Philosophical Worker, executed in 1884, and in A Glimpse into Eternity of 1885.
Comments of Paloma Alarcó in the record for the piece, Thyssen's website.

"Der Holzfäller / El leñador / The Lumberjack", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 101 cm., 1910.
Musée d'Orsay (Paris, Francia / France)

Los trabajos de éste suizo tienen una gran fuerza expresiva, sobre todo los que representan a individuos solos trabajando, meditando o padeciendo las duras situaciones de la vida, como en "Arbeitslos (El desempleado)", 1891 o "Enttäuschte Seele (Un alma frustrada)", c.1890. "El lector" me gusta especialmente, no sólo por mi afición a los libros y la lectura, sino por la actitud y grandeza de ese anciano concentrado, como si en vez de leer un periódico estuviera desentrañando los misterios de un jeroglífico. Descubrí a éste pintor repasando la colección del Thyssen, y en el futuro le dedicaré más espacio a sus obras. Para los curiositos, aquí les dejo una reproducción del billete de 50 francos con la imagen de "El leñador".

 Billete de 50 francos suizos de 1926 (reverso) con la imagen de "El leñador" de Hodler /
Banknote, 50 Swiss Francs (back) with the image of "The Lumberjack" by Hodler

 Billete de 50 francos suizos de 1926 (anverso) / Banknote, 50 Swiss Francs, 1926 (front)

Ferdinand Hodler en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (VI)]

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