domingo, 25 de febrero de 2018

Aniversarios (CCXV) [Febrero / February 19-28]

Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 19 de Febrero es el cumple de

Isidore (o Isidoor) Opsomer, pintor belga flamenco nacido en 1878 en Lier, también grabador y litógrafo.
Fue un pintor realista y postimpresionista de retratos, paisajes urbanos, paisajes y naturalezas muertas. También fue un activo grabador y litógrafo.
Tenía tres años cuando su padre, natural de Waas, murió (1881). Su madre y su abuela se ocuparon de la educación de los cuatro niños. Así pasó gran parte de su infancia en la casa de su abuela ubicada en la plaza principal de Lier, donde se colocó en 1958 una placa en la fachada. En la escuela secundaria descubrió su talento para el dibujo. Estudió en las academias de Lier y Amberes, luego en el NHISKA (Instituto Nacional de Bellas Artes de Amberes), donde tuvo como maestros a los pintores Albrecht De Vriendt (1843-1900) y Juliaan De Vriendt (nl) (1842 - 1935).
En 1903 recibió el Premio Godecharle por un tríptico magistral "Adán y Eva Expulsados ​​del Paraíso" ("El Paraíso Perdido"). Como ganador de la competencia, se fue a Roma en 1904 y se mudó a la villa Medici. Entró en contacto con Raoul Laparra, Louis-Henri Bouchard, Paul Landowski, Eugène-Désiré Piron, Maurice Ravel y Florent Schmitt.
De vuelta en Bélgica (1905) se convirtió en profesor en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes. Entre sus alumnos estuvieron Alphonse Mora, Albert Van Dyck, Louis Jacques Camerlinckx, Franck Mortelmans, Theo Van de Velde, Remy de Pillecyn, Luc De Decker y Albert De Deken. En 1905 visitó Francia, Alemania y Austria.

"El estuario del río Scheldt en Amberes / The Estuary of the River Scheldt at Antwerp"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72,5 x 116 cm., 1945. ArtUK
National Trust, Chartwell, Westerham (Reino Unido / UK)

Los estrechos callejones y casas de Lier formaron su principal fuente de inspiración hasta la Primera Guerra Mundial. Al estallar la Primera Guerra Mundial se fue a Beaconsfield. Poco después se unió a Emile Claus y Albert Baertsoen durante ocho meses en Londres. A propuesta del Ministro Prosper Poullet, se fue a los Países Bajos para organizar exposiciones en nombre del gobierno belga. Se estableció en La Haya. Las impactantes circunstancias en que se produjo este movimiento marcaron un punto de inflexión en su carrera. Entró en contacto con varios pintores holandeses, entre ellos George Hendrik Breitner. Estaba impresionado por cómo se veía la luz en las pinturas de Breitner. Esto afectó su obra posterior.
Después del armisticio regresó a Bélgica. Su estudio en Lier había sido completamente destruido y se estableció en Amberes. Se convirtió en profesor en el Instituto Nacional Superior de Bellas Artes de Amberes. Viajó varias veces a Francia, España, Argelia, Túnez, Sicilia e Italia y se familiarizó con varias direcciones artísticas progresivas, pero ni siquiera Cézanne pudo alejarlo de la dirección que había escogido. "La pintura debe ser una caricia para el ojo" era un ideal que siempre solía destacar. Para él, el contenido de una pintura no es tan importante, sino la forma de retratarlo.
Murió en 1967.

"Rechtestraat in Lier / Calle Rechte en Lier / Rechte Street at Lier", acuarela / watercolor, c.1922. Pinterest

On February 19 is the birthday of

Isidore (or Isidoor) Opsomer, Flemish Belgian painter born in 1878 in Lier, also engraver and lithographer.
He was a realistic and post-impressionist painter of portraits, cityscapes, landscapes, and still lifes. He was also active as an etcher and lithographer.
He was three years old when his father, a native of Waas, dies in 1881. His mother and grandmother take care of the education of the four children. Thus, he spent much of his childhood in the house of his grandmother located on the main square of Lierre, where was affixed in 1958 a plaque on the facade. In high school, he discovered a drawing talent. He studied at the academies of Lier and Antwerp, then at the NHISKA (National Institute of Fine Arts of Antwerp), where he had as teachers the painters Albrecht De Vriendt (1843-1900) and Juliaan De Vriendt (nl) (1842) -1935).
In 1903 he received the Godecharle Prize for a masterly triptych "Adam and Eve Expelled from Paradise" ("The Lost Paradise"). As the winner of the competition, he left for Rome in 1904 and moved into the Medici villa. He came in contact with Raoul Laparra, Louis-Henri Bouchard, Paul Landowski, Eugène-Désiré Piron, Maurice Ravel and Florent Schmitt.

"Mujer en un puente de Delft / Woman on a Bridge in Delft"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 80 cm. Invaluable

Back in Belgium (1905) he became a teacher at the Royal Academy of Fine Arts of Antwerp. His pupils included Alphonse Mora, Albert Van Dyck, Louis Jacques Camerlinckx, Franck Mortelmans, Theo Van de Velde, Remy de Pillecyn, Luc De Decker and Albert De Deken. In 1905 he visited France, Germany and Austria.
The narrow alleys and houses of Lier formed his main source of inspiration until the First World War. At the outbreak of the First World War he left for Beaconsfield. Shortly thereafter he joined Emile Claus and Albert Baertsoen for eight months in London. On the proposal of Minister Prosper Poullet he left for the Netherlands to organize exhibitions on behalf of the Belgian government. He settled in The Hague. The shocking circumstances in which this move took place marked a turning point in his career. He came into contact with various Dutch painters including George Hendrik Breitner. He was impressed by the view of the light in Breitner's paintings. This therefore affects his later work.
After the truce he returned to Belgium. His studio in Lier was completely destroyed and he settled in Antwerp. He became a teacher at the National Higher Institute for Fine Arts in Antwerp. He traveled several times to France, Spain, Algeria, Tunisia, Sicily and Italy and became acquainted with various progressive art directions. But, even Cézanne could not take him away from his own chosen direction. "Painting must be a caress to the eye" was an ideal that he always used to do. For him, the content of a painting is not so important, but the way of portraying it.
He died in 1967.

"Pont à Lierre / Puente en Lier / Bridge at Lier"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51 x 70 cm., c.1922-28. De Vuyst


El 20 de Febrero es el cumple de

Ivan Le Lorraine Albright, pintor y artista realista mágico estadounidense nacido en 1897 en North Harvey, Illinois, conocido por sus autorretratos, estudios de personajes y naturalezas muertas.
Ivan y su hermano gemelo idéntico, Malvin, fueron inseparables durante la niñez, y durante gran parte de su temprana edad adulta. Ambos se matricularon en el Instituto de Arte de Chicago. Tiraron una moneda para decidir que Ivan estudiaría pintura y Malvin escultura. Ivan admiraba particularmente el trabajo de El Greco y Rembrandt, pero rápidamente desarrolló un estilo propio. Adam Albright se mudó con su esposa e hijos a Warrenville, Illinois en 1924.
Albright asistió a la Universidad de Northwestern, pero se retiró y comenzó a estudiar arquitectura en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign. Durante la Primera Guerra Mundial hizo dibujos médicos para un hospital en Nantes, Francia, un trabajo morboso que probablemente influyó en su estilo posterior. Después de trabajar brevemente en arquitectura y publicidad, fue rechazado por el comercialismo y se tomó en serio la pintura. Después de vivir en Filadelfia durante la mayor parte de 1925 y 1926, regresó a Illinois, donde comenzó a alcanzar un éxito sustancial, haciendo su primera muestra en 1930.
No fue hasta la década de 1930 hasta que Albright desarrolló una técnica meticulosa y consistente para sus obras. La técnica incluyó la creación de numerosos dibujos detallados, la creación de su propia paleta de colores y la pintura con cientos de pequeños pinceles. La técnica de Albright, que consumía mucho tiempo, no solo permitía una descripción detallada del deterioro físico de objetos y personas, sino que también le permitió incorporar una multitud de pequeños cambios en el punto de vista y resaltar las relaciones entre los objetos. La combinación de Albright de realismo extremo con una paleta de colores violenta y espeluznante llevó a los críticos de arte a categorizar su obra con la de los Realistas Mágicos Estadounidenses.

"La cocina del granjero / The Farmer's Kitchen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1934
Smithsonian American Art Museum (Washington, EE.UU./ USA)

Entre las obras típicamente oscuras y misteriosas de Albright se encuentran algunas de las pinturas más meticulosamente ejecutadas que se hayan realizado, que a menudo requirieron años para completarse. Las cortinas de encaje o la madera astillada se recreaban utilizando pinceles de un solo cabello. La cantidad de esfuerzo involucrado en sus pinturas lo hizo bastante posesivo con ellas. Incluso durante la Gran Depresión cobraba de 30 a 60 veces lo que los artistas comparables estaban cobrando, con el resultado de que las ventas eran poco frecuentes.
Albright se centró en algunos temas a través de la mayoría de sus obras, particularmente la muerte, la vida, lo material y el espíritu, y los efectos del tiempo. Pintó obras muy complejas, y sus títulos coincidían con su complejidad. No nombraba una pintura hasta que estaba completa, momento en el que presentaba varias posibilidades, más poéticas que descriptivas, antes de decidirse por una.
Albright fue un artista prolífico a lo largo de su vida, trabajando como impresor y grabador, así como pintor. Hizo sus propias pinturas y carboncillo, y talló sus propios marcos elaborados. Fue muy cuidadoso con los detalles, creando configuraciones elaboradas para pinturas antes de comenzar a trabajar. Estaba obsesionado con la iluminación hasta el punto de que pintó el negro de su estudio y se vestía con ropa negra para eliminar el posible resplandor.
Murió en 1893.

"Tenedor rugiente / Roaring Fork", óleo sobre lienzo / oil on canvas, Wyoming, 1948.
Whitney Museum of American Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
© Estate of Ivan Le Lorraine Albright

On February 20 is the birthday of

Ivan Le Lorraine Albright, American magic realist painter and artist born in 1897 in North Harvey, Illinois,  most renowned for his self-portraits, character studies, and still lifes.
Ivan Albright and his identical twin brother, Malvin, were inseparable during childhood, and throughout much of their young adulthood. Both enrolled in The Art Institute of Chicago, a coin-flip deciding that Ivan would study painting and Malvin sculpture. Ivan particularly admired the work of El Greco and Rembrandt, but was quick to develop a style all his own. Adam Albright moved his wife and sons to Warrenville, Illinois in 1924.
Albright attended Northwestern University, but dropped out and took up studies in architecture at the University of Illinois at Urbana-Champaign. During World War I he did medical drawings for a hospital in Nantes, France, morbid work that probably influenced his later style. After working in architecture and advertising briefly he was pushed away by commercialism and took seriously to painting. After living in Philadelphia through most of 1925 and 1926, he returned to Illinois, where he began to achieve some substantial success, having his first show in 1930.
It was not until the 1930s until Albright developed a meticulous and consistent technique for his works. The technique included creating numerous detailed drawings, creating his own color palette and painting with hundreds of little brushes. Albright's time-consuming technique not only allowed for detailed depiction of the physical deterioration of objects and people, but also enabled him to incorporate a multitude of slight shifts in point-of-view and highlight the relationships between the objects. Albright’s combination of extreme realism with a violent and lurid color pallette led art critics to categorize his work with the works of American Magic Realists.

"Al mundo llegó un alma llamada Ida / Into the World There Came a Soul Called Ida"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 142,9 x 119,2 cm., 1929-30

Among Albright's typically dark, mysterious works are some of the most meticulously executed paintings ever made, often requiring years to complete. Lace curtains or splintered wood would be recreated using brushes of a single hair. The amount of effort that went into his paintings made him quite possessive of them. Even during the Great Depression he charged 30 to 60 times what comparable artists were charging, with the result that sales were infrequent.
Albright focused on a few themes through most of his works, particularly death, life, the material and the spirit, and the effects of time. He painted very complex works, and their titles matched their complexity. He would not name a painting until it was complete, at which time he would come up with several possibilities, more poetic than descriptive, before deciding on one.
Albright was a prolific artist throughout his life, working as a printer and engraver as well as a painter. He made his own paints and charcoal, and carved his own elaborate frames. He was a stickler for detail, creating elaborate setups for paintings before starting work. He was obsessive about lighting to the point that he painted his studio black, and wore black clothing to cut out potential glare.
He died in 1893.

"Barriles de arenque / Herring Barrels"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 15" x 17 1/4", c.1944. Richard Norton Gallery


El 21 de Febrero es el cumple de

Rafał Olbiński, ilustrador, pintor y educador polaco, nacido en 1943.
Se graduó en el programa de arquitectura de la Universidad Tecnológica de Varsovia en 1969.
Olbinski emigró a los Estados Unidos en 1981, donde pronto se estableció como un prominente pintor, ilustrador y diseñador. La obra de Olbinski es muy similar a la del famoso surrealista belga Rene Magritte; Olbinski describe su enfoque de la pintura y la ilustración como "surrealismo poético". Entre sus influencias, ha citado a Saul Steinberg, Milton Glaser, Marshall Arisman y Brad Holland.

"Cuentos de amor (Tucán) / Tales of Love (Toucan)", 61 × 44 cm. Artsy

Sus obras están incluidas en las colecciones del Museo de Arte Moderno (Colección de Carteles), la Fundación Carnegie en Nueva York, el National Arts Club en Nueva York, la Institución Smithsonian y la Biblioteca del Congreso en Washington, el Museo Suntory en Osaka, Japón, el Museo del Cartel en Varsovia, Polonia y otros en Europa y los Estados Unidos.
En 1992 Olbinski comenzó una estrecha colaboración con Sheri y Kenneth Nahan de Patinae, Inc. y Nahan Galleries. Continúan representando sus obras en todo el mundo desde esa fecha.
Ha completado muchos murales grandes para instalaciones en espacios públicos en Europa. Ha producido más de 100 ilustraciones de ópera para portadas de discos para la serie Opera D'Oro de Allegro-Music.

"Caballo negro / Black Horse", serigrafía / serigraphy, 25 x 19 cm., c. 2016. Artsy

On February 21 is the birthday of

Rafał Olbiński, Polish illustrator, painter, and educator, born in 1943.
He graduated from the architecture program of the Warsaw University of Technology in 1969.
Olbinski immigrated to the United States in 1981, where he soon established himself as a prominent painter, illustrator and designer. Olbinski's work is very similar to the work of the famous Belgian surrealist Rene Magritte; Olbinski describes his approach to painting and illustrating as "poetic surrealism". He has cited his influences as "everybody", specifically Saul Steinberg, Milton Glaser, Marshall Arisman and Brad Holland.

"Esperanza / Hope", acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 31" x 22½", 2016. Link

His works are included in the collections of the Museum of Modern Art (Poster Collection), the Carnegie Foundation in New York, National Arts Club in New York, the Smithsonian Institution and the Library of Congress in Washington, Suntory Museum in Osaka, Japan, the Poster Museum in Warsaw, Poland, and others throughout Europe and the United States.
In 1992 Olbinski began a close collaboration with Sheri and Kenneth Nahan of Patinae, Inc. and Nahan Galleries. They continue to represent his works world wide since that date.
He has completed many large murals for installations in public space in Europe. He has produced more than 100 opera illustrations for album covers for Allegro-Music’s Opera D’Oro Series.

"Producto impersonal del tiempo / Impersonal Product of Time"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 23" x 17", 2003


El 22 de Febrero es el cumple de

Norman Alfred William Lindsay, artista, grabador, escultor, escritor, caricaturista editorial, maquetador y un consumado boxeador aficionado australiano.
Nació en 1879 en Creswick, Victoria.
En 1895 se mudó a Melbourne para trabajar en una revista local con su hermano mayor Lionel. En 1901 ambos se unieron al personal del Sydney Bulletin, un periódico y revista  semanal. Su asociación allí duraría cincuenta años.
Lindsay viajó a Europa en 1909. En Nápoles comenzó 100 ilustraciones a pluma y tinta para el Satiricón de Petronio. Visitas al entonces Museo de South Kensington, donde realizó bocetos de modelos de barcos en la colección del Museo, estimularon un interés de por vida en los modelos de barcos. Los Lindsay regresaron a Australia en 1911.
Escribió el clásico infantil "El pastel mágico / The Magic Pudding", que se publicó en 1918.
Muchas de sus novelas tienen una franqueza y vitalidad que coinciden con su arte. En 1930 creó un escándalo cuando su novela Redheap (supuestamente basada en su ciudad natal, Creswick) fue prohibida debido a las leyes de censura.

"El desafío / The Challenge"
Acuarela y grafito sobre papel / watercolour and graphite on paper, 58 x 46 cm. Deutscher and Hackett

En 1938 Lindsay publicó "Edad de consentimiento / Age of Consent", que describía la experiencia de un pintor de mediana edad en un viaje a un área rural, que conoce a una adolescente que le sirve como modelo, y luego de amante. El libro, publicado en Gran Bretaña, fue prohibido en Australia hasta 1962.
Lindsay también trabajó como caricaturista editorial, notable por ilustrar a menudo las inclinaciones políticas racistas y derechistas que dominaban The Bulletin en ese momento; la "amenaza roja" y el "peligro amarillo" fueron temas populares en sus caricaturas.
Lindsay se asoció con una serie de poetas, como Kenneth Slessor, Francis Webb y Hugh McCrae. Influyó en numerosos artistas, especialmente los ilustradores Roy Krenkel y Frank Frazetta. También fue un buen amigo de Ernest Moffitt.
Murió en 1969.

"Damas por rescate / Ladies for Ransom"
Acuarela sobre papel / watercolour on paper, 66 x 61 cm., c.1938. Deutscher and Hackett

On February 22 is the birthday of

Norman Alfred William Lindsay, Australian artist, etcher, sculptor, writer, editorial cartoonist, scale modeller, and an accomplished amateur boxer.
He was born in 1879 in Creswick, Victoria.
In 1895, Lindsay moved to Melbourne to work on a local magazine with his older brother Lionel. In 1901, he and Lionel joined the staff of the Sydney Bulletin, a weekly newspaper, magazine and review. His association there would last fifty years.
Lindsay travelled to Europe in 1909. In Naples he began 100 pen-and-ink illustrations for Petronius' Satyricon. Visits to the then South Kensington Museum where he made sketches of model ships in the Museum's collection stimulated a lifelong interest in ship models. The Lindsays returned to Australia in 1911.
Lindsay wrote the children's classic The Magic Pudding which was published in 1918.
Many of his novels have a frankness and vitality that matches his art. In 1930 he created a scandal when his novel Redheap (supposedly based on his hometown, Creswick) was banned due to censorship laws.

"Tom O'Bedlam"
Pluma y tinta sobre lápiz, sobre cartulina / pen and ink over pencil on card, 32,7 × 23,1 cm., c.1918
National Gallery of Victoria (Australia) © The artist's estate

In 1938, Lindsay published Age of Consent, which described the experience of a middle-aged painter on a trip to a rural area, who meets an adolescent girl who serves as his model, and then lover. The book, published in Britain, was banned in Australia until 1962.
Lindsay also worked as an editorial cartoonist, notable for often illustrating the racist and right-wing political leanings that dominated The Bulletin at that time; the "Red Menace" and "Yellow Peril" were popular themes in his cartoons.
Lindsay was associated with a number of poets, such as Kenneth Slessor, Francis Webb and Hugh McCrae. He influenced numerous artists, notably the illustrators Roy Krenkel and Frank Frazetta; he was also good friends with Ernest Moffitt.
He died in 1969.

"El tocador de laúd / The Lute Player"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,5 x 100 cm., c.1924. Deutscher and Hackett

Norman Lindsay en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XLV)]


El 23 de Febrero es el cumple de

Eduardo Kingman Riofrío, uno de los artistas más grandes de Ecuador del siglo XX, entre los círculos artísticos de otros maestros artistas como Oswaldo Guayasamin y Camilo Egas.
Nació en 1913 en Loja.
Primero estudió con Victor Mideros en la Escuela de Bellas Artes, en Quito. Otros estudios lo llevaron a Venezuela, Perú, Bolivia y finalmente al San Francisco Art Institute, California (1945-1946).
La gente de los Estados Unidos se familiarizó por primera vez con el arte de Kingman en 1939, cuando ayudó a Camilo Egas con las pinturas y decoraciones para el Pabellón de Ecuador en la Feria Mundial de Nueva York.

"Figura afligida / Afflicted Figure", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,7 x 78,1 cm., 1963. Pinterest

Durante un período de veinte años ocupó el cargo de profesor principal en la Escuela de Bellas Artes de Quito, así como director del Museo de Arte Colonial de Quito. En 1940 fundó la Galería Caspicara en Quito. En esta época y más tarde, sus grabados y pinturas originales se exhibieron internacionalmente en ciudades como París, Washington, San Francisco, Ciudad de México, Caracas y Bogotá. Cerca del final de su carrera, Kingman fue honrado con una exposición individual de su arte en las Naciones Unidas, Nueva York.
El tema unificador de las pinturas, litografías y xilografías de Kingman es la expresión de las realidades sociales de los pueblos indígenas de Ecuador. Era conocido como "el pintor de manos".
También tuvo actividad como escritor y activista social.
Murió en Quito en 1997.

"Fiesta de Otávalo / Otavalo Party", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 124 x 148 cm. Pinterest

On February 23 is the birthday of

Eduardo Kingman Riofrío, one of Ecuador's greatest artists of the 20th century, among the art circles of other master artists such as Oswaldo Guayasamin and Camilo Egas.
He was born in 1913 in Loja.
He first studied under Victor Mideros at the Escuela de Bellas Artes, in Quito. Further studies took him to Venezuela, Peru, Bolivia and finally to San Francisco Art Institute, California (1945–1946).
People from the United States first became acquainted with Kingman's art in 1939, when he assisted Camilo Egas with the paintings and decorations for the Ecuadorian Pavilion at the New York World's Fair.
For a period of twenty years, Eduardo Kingman held the post of principal professor at Quito's Escuela de Bellas Artes (School of Fine Arts) as well as Director of the Museo de Arte Colonial de Quito. In 1940, Kingman founded the Caspicara Gallery in Quito. At this time and later his original prints and paintings were exhibited internationally in such cities as Paris, Washington, San Francisco, Mexico City, Caracas and Bogotá. Near the end of his career, Kingman was honored with a one-man exhibition of his art at the United Nations, New York.
The unifying theme of Kingman's paintings, lithographies and woodcuts is the expression of the social realities of Ecuador's indigenous peoples. He was known as "the painter of hands."
Kingman was also active as a writer and social activist.
He died in Quito, Ecuador in 1997.

"Mujer con la cabeza en la mano / Woman with Head in Hand"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 99,7 cm., 1962. Christie's

Eduardo Kingman en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LVI)]


El 24 de Febrero es el cumple de

Franz Skarbina, pintor impresionista, dibujante, grabador e ilustrador alemán nacido en 1849 en Berlín.
De 1865 a 1869 estudió en la Academia de Artes de Prusia. Después de la graduación pasó dos años como tutor de las hijas del Conde Friedrich von Perponcher-Sedlnitzky (1821-1909), tiempo durante el cual viajó a Dresde, Viena, Venecia, Munich, Nuremberg y Merano. En 1877, había adquirido los fondos para hacer un viaje de estudios de un año a los Países Bajos, Bélgica y Francia, donde cayó bajo la influencia del impresionismo.
Se convirtió en profesor asistente en la Academia Prusiana en 1878, y en 1881 enseñó dibujo anatómico en el Kunstgewerbemuseum de Berlín. Al año siguiente regresó a París y expuso en el Salón. De 1885 a 1886 estuvo nuevamente en París, realizando en paralelo viajes al norte de Francia, Bélgica y los Países Bajos. Este es considerado uno de sus períodos más productivos.

"Das rote Service / El servicio rojo / The Red Service"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96,5 × 66 cm., c.1907. Wikimedia Commons

En 1888 fue nombrado profesor en la Academia Prusiana y en 1892 se convirtió en miembro de pleno derecho de la misma. Un año después, sin embargo, renunció a su puesto docente debido a desacuerdos con el director de la Academia, Anton von Werner. El problema surgió de su participación en el "Grupo de los Once", una asociación de artistas dedicada a promover sus propias exposiciones de lo que entonces se consideraba arte "radical", libre de la influencia de la Academia. Esto finalmente (en 1898) condujo al establecimiento de la Secesión de Berlín, de la cual Skarbina fue cofundador.
En 1895 se convirtió en miembro de la Junta de Supervisión de la revista Pan. En 1898 fue uno de los jueces en un concurso celebrado por Ludwig Stollwerck para seleccionar a los artistas para una nueva serie de cartas coleccionables.
Murió en 1910 en su casa en Berlín. Todas sus propiedades fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial.

"Bildnis eines Mädchens im Festkleid mit Haube / Retrato de una niña con vestido de fiesta con capucha /
Portrait of a Girl in Festival Dress With Hood", Lápiz y aguada gris sobre vitela color gamuza /
pencil, partly whisked, gray washed, on chamois-colored vellum, 28 x 21 cm., 1882. Wikimedia Commons

On February 24 is the birthday of

Franz Skarbina, German impressionist painter, draftsman, etcher and illustrator born in 1849 in Berlin.
From 1865 to 1869, he studied at the Prussian Academy of Arts. After graduation, he spent two years as a tutor to the daughters of Count Friedrich von Perponcher-Sedlnitzky (1821-1909), during which time he travelled to Dresden, Vienna, Venice, Munich, Nuremberg and Merano. In 1877, he had acquired the funds to make a year-long study trip to the Netherlands, Belgium and France, where he came under the influence of impressionism.

"Die Maler Alessandro Altamura und Othmar Brioschi im Hotel Pagano auf Capri /
El pintor Alessandro Altamura y Othmar Brioschi en el Hotel Pagano de Capri /
The painter Alessandro Altamura and Othmar Brioschi at the Pagano Hotel, Capri"
Acuarela y aguada sobre papel montado sobre cartón /
watercolor and gouache on paper mounted on cardboard, 39 x 29,3 cm., 1883. Wikimedia Commons

He became an assistant teacher at the Prussian Academy in 1878 and, in 1881, he taught anatomical drawing at the Kunstgewerbemuseum Berlin. The following year, he returned to Paris and exhibited at the Salon. From 1885 to 1886, he was in Paris again, with side trips to Northern France, Belgium and the Netherlands. This is considered to be one of his most productive periods.
In 1888, he was appointed a Professor at the Prussian Academy and, in 1892, became a full member there. A year later, however, he resigned his teaching position due to disagreements with the Academy's Director, Anton von Werner. The problem stemmed from his participation in the "Group of Eleven", an association of artists dedicated to promoting their own exhibitions of what was then considered "radical" art, free of the Academy's influence. This eventually (in 1898) led to the establishment of the Berlin Secession, of which Skarbina was a co-founder.

"Jeanette", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68 x 44 cm., 1894. Wikimedia Commons

In 1895, he became a Supervisory Board member for the magazine Pan. In 1898, he served as one of the judges in a contest held by Ludwig Stollwerck to select the artists for a new series of trading cards.
He died in 1910 at his home in Berlin. All of the items in his estate were destroyed during World War II.

"Dame auf der Wandelbahn eines Seebads / Dama en la pasarela de un balneario /
Lady on the Walkway of a Seaside Resort", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1883
Berlinische Galerie (Berlín, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


Hoy, 25 de Febrero, es el cumple de

Acácio Lino de Magalhães, pintor, escultor y profesor portugués nacido en 1878 en Travanca (Amarante).
Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Oporto (Escola de Belas-Artes do Porto), terminando su formación con distinciones; durante su esta estancia en la Escuela fue discípulo del pintor Marques de Oliveira, en los cursos de escultura, arquitectura, dibujo y pintura.
Seguidamente viajó a Francia (con Jean-Paul Laurens y Carmon), Italia y Suiza.

"O Grande Desvairo", óleo sobre lienzo / oil on canvas

Tras el fallecimiento del escultor Teixeira Lopes, ocupó su puesto en la Escuela de Bellas Artes de Oporto. Está representado en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Portugal conocido como Museo de Chiado (Museu Nacional de Arte Contemporânea) en Lisboa, también en el Museo Nacional Soares dos Reis (Museu Nacional Soares dos Reis) en Oporto, en el Museu Grão Vasco en Viseu y en el Museu de José Malhoa, en Caldas da Rainha. Fue uno de los responsables de la decoración del Teatro Nacional S. João de Oporto.
Murió en 1956.

"O Grande Desvairo (estudio / study)", óleo sobre tela / oil on canvas, 49 x 68,5 cm., 1916. CML

Today, February 25, is the birthday of

Acácio Lino de Magalhães, Portuguese painter, sculptor and teacher born in 1878 in Travanca (Amarante).
He studied painting at the School of Fine Arts of Oporto (Escola de Belas-Artes do Porto), finishing his training with distinctions; during his stay at the School he was a disciple of the painter Marques de Oliveira, in the courses of sculpture, architecture, drawing and painting.
He then traveled to France (with Jean-Paul Laurens and Carmon), Italy and Switzerland.

"O menino e o burro / El Niño y el Burro / The Boy and the Donkey"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 70 cm., 1944. CML

After the death of the sculptor Teixeira Lopes, he held his post at the School of Fine Arts in Oporto.
It is represented in the National Museum of Contemporary Art of Portugal known as Chiado Museum (National Museum of Contemporary Art) in Lisbon, also in the National Museum Soares dos Reis in Oporto, in the Grão Vasco Museum in Viseu and in the Museum of José Malhoa, in Caldas da Rainha. He was one of the responsible for the decoration of the National Theater S. João de Oporto.
He died in 1956.

"Luzia Joaquina Bruce", óleo sobre tela / oil on canvas, 1933
Museu da Misericórdia (Porto, Portugal)


El 26 de Febrero es el cumple de

Myint Naing, dibujante, pintor y acuarelista de Myanmar, nacido en 1967 en Taunggoke, pueblo de Giwa, estado de Rakhine.

Acuarela / watercolor, 2016

Se graduó de la Escuela Estatal de Bellas Artes (Yangon) (1986-1989). Continuó estudiando con U Kyaw Lay, U Mya Aye, U Say Yoe, U Thit Lwin Soe y U Thukha.
Está bien versado en pinturas al óleo y acuarelas. Utiliza el óleo con delicadeza y suavidad. En sus obras de acuarela, opta por un derroche de colores y pinceladas rápidas que crean resultados impresionantes.

Dibujo / drawing, 2016

On February 26 is the birthday of

Myint Naing, Myanmar watercolour artist, painter and draftsman born in 1967 in Taunggoke, Giwa village, Rakhine State.

"Desnudo / Nude", 2018

He graduated from the State School of Fine Arts (Yangon) (1986–1989). He continued studying under U Kyaw Lay, U Mya Aye, U Say Yoe, U Thit Lwin Soe and U Thukha.
He's well-versed in both oil and watercolour paintings. He uses oil paints delicately and smoothly. In his watercolor works, he opts for a riot of colours and swift brushstrokes that create breathtaking results.

Acuarela / watercolor, 2016


El 27 de Febrero es el cumple de

Samella Sanders Lewis, artista afroamericana, que trabaja principalmente como grabadora y pintora. Nació en 1924 en Nueva Orleans, Louisiana, y es también autora, historiadora del arte y ex educadora.
Ampliamente exhibida y coleccionada como artista, Lewis es conocida como historiadora, crítica y coleccionista de arte, especialmente afroamericano. Ha obtenido cuatro títulos, realizado cinco películas, siete libros y un cuerpo sustancial de obras de arte que han recibido gran respeto crítico. Estudió arte comenzando en la Universidad de Dillard en 1941, pero dejó Dillard por el Hampton Institute en Virginia, obteniendo su maestría en 1947. Obtuvo su Graduado en la Universidad de Hampton, luego completó su maestría y doctorado en historia del arte y antropología cultural en la Universidad Estatal de Ohio en 1951. Lewis es la primera mujer afroamericana en obtener un doctorado en bellas artes e historia del arte.
En las décadas de 1960 y 1970, su obra, que incluye litografías, linograbados y serigrafías, refleja la humanidad y la libertad.
Fue la fundadora de la Review of African American Art en 1975.

"Te veo / I See You", linograbado / linocut, 12” x 11,75”, 2005. Ed.20. Alternet

En 1976 fundó el "Museo de Artes Afroamericanas" con un grupo de líderes artísticos, académicos, empresariales y comunitarios en Los Ángeles, California. Estos fundadores tenían objetivos similares, como aumentar la conciencia pública sobre el arte afroamericano. Muchas personas y corporaciones, como Macy's, hicieron generosas donaciones al museo, que continúa operando con estas donaciones hasta el día de hoy. Además, el personal y los voluntarios del museo están dedicados a apoyar el museo. Lewis mencionó una vez un "arte de inspiración" basado en las experiencias de los propios afroamericanos.
Samella Lewis, como curadora principal del equipo del museo, no solo organizó un gran número de exposiciones sino que también desarrolló diversas formas de educar al público sobre las artes afroamericanas.
Lewis fundó otros tres museos en Los Ángeles, California. También tiene un museo al oeste de Mississippi.

"Campo / Field", linocut / linograbado, 88,9 x 72,1 cm., Ed.25, 1968
Colección de la artista / Collection of the artist. Foto / Photo: Ed Glendinning
El grabado muestra a un hombre de pie en un campo, los brazos alzados al aire con fuerza, una mano con el puño apretado. El puño en alto ha sido utilizado como símbolo de solidaridad por muchos grupos izquierdistas, incluidos el movimiento Black Power (Poder negro) y los Black Panthers (Panteras negras) en los años '60. Al describir a este trabajador de campo bajo un sol masivo y abrumador, Lewis se refiere a la difícil situación de los esclavos y los trabajadores migrantes.

This print shows a man standing in a field, his arms raised strongly in the air, with one hand clenched in a fist. The raised fist has been used as a symbol of solidarity by many leftist groups, including the Black Power movement and the Black Panthers in the 1960s. By depicting this field worker under the massive, overpowering sun, Lewis refers to the plight of slaves and migrant workers.
Hammer Museum (Los Angeles, California, EE.UU./ USA)

On February 27 is the birthday of

Samella Sanders Lewis, African-American artist, working primarily as a printmaker and painter. She was born in 1924 in New Orleans, Louisiana, and is also a published author, art historian and a former educator.
Widely exhibited and collected as an artist herself, Lewis is better known as a historian, critic and collector of art, especially African-American art. Lewis has completed four degrees, five films, seven books and a substantial body of artworks which have received critical respect. She pursued an art degree starting off at Dillard University in 1941, but left Dillard for Hampton Institute in Virginia, earning her master's degree in 1947. She earned her B.A. degree at Hampton University, then completed her master and doctorate in art history and cultural anthropology at the Ohio State University in 1951. Lewis is the first female African American to earn a doctorate in fine art and art history.
In the 1960s–1970s her work, which includes lithographs, linocuts, and serigraphs, reflected humanity and freedom.
Lewis is the founder of the International Review of African American Art in 1975.

"Chico en un banco / Boy on a Bench"
Litografía / lithography, 30" x 13", 2007. Thelma Harris Art Gallery

In 1976, Samella Lewis founded the "Museum of African-American Arts" with a group of artistic, academic, business and community leaders in Los Angeles, California. These founders had similar goals including increasing the public's awareness of African American art. Many individual and corporations, such as Macy's, made generous donations to the museum. The museum continues to operate on these donations to this day. Additionally, the museum's staff and volunteers are dedicated to supporting the museum. Lewis once mentioned an "art of inspiration" based on the experiences of African Americans themselves.
Samella Lewis, as the staff's senior curator in the museum, not only organized great numbers of exhibitions but also developed diverse ways of educating the public on African American arts.
Lewis founded three other museums in the Los Angeles, California. She also has a museum west of Mississippi.

"Migrantes / Migrants"
Linograbado / linocut, 45,7 x 61 cm., 1968. Louis Stern Fine Arts


El 28 de Febrero es el cumple de

Stephen Namara, artista figurativo estadounidense contemporáneo nacido en 1953 en Kenia.
Sus dibujos capturan la fluidez del sujeto y el misterio de su subtexto, dejando el papel para revelar rastros del proceso. Sus pinturas se presentan en colores profundos, ricos en textura y evocando una profundidad y humanidad realizadas sensualmente.

"Sin título / No Title", pigmento seco sobre papel / dry pigment on paper, 32" x 46", 2006

En 2009 Stephen Namara dijo:
"En lo que respecta a mi obra, intento crear atmósferas. Tal vez no me interesan tanto las cuestiones de detalles, sino la forma en que la superficie absorbe o refleja la luz. Empleo la tensión de la luz y la sombra para realzar la sugerencia de cualidades espirituales, al igual que los realistas españoles del siglo XVII. Y siempre trato de reflejar el presente. Porque el presente contiene la memoria del pasado, aunque la pintura es el resultado de un extenso lapso."

"Paraíso / Heaven", pigmento seco sobre papel / dry pigment on paper, 36" x 36", 1999

On February 28 is the birthday of

Stephen Namara, American Contemporary figurative artist born in 1953 in Kenya.
His drawings capture the fluidity of the subject and the mystery of its subtext, leaving the paper to reveal traces of the process. His paintings are brought forth in deep colors, rich in texture and evoking a depth and humanity which are sensuously realized.

"Un día de invierno en San Francisco / A San Francisco Winter's Day"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 80", 2013

In 2009, Stephen Namara said:
"In regards to my work, I am trying to create atmospheres. I am, perhaps, not so much interested in the questions of details but on the way that the light is absorbed or reflected by the surface. I employ the tension of light and shadow to heighten the suggestion of spiritual qualities, much like the Spanish Realists of the 17th century. And always I am trying to reflect the present. For the present contains the memory of the past, even though the painting is the result of an extensive span."

"Concha / Shell", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 80", 2010

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