Liz junto a sus obras / with her works "Gyre" y "Teem", Laundromat Gallery, Sept, 2009
Liz Atzberger (Liz Atz) nació en Columbus, Ohio. Obtuvo su Bachiller en Bellas Artes en la Universidad Estatal de Ohio, y un Master en Bellas Artes de la Escuela de Arte Tyler, Temple University.
Ha enseñado en la Atlantic University de Florida desde 2006 a 2012, y desde octubre de 2011 es Co-directora y Co-comisaria en la Galería AIRPLANE. En la actualidad vive en Bushwick, Brooklyn.
Liz trabaja en todo tipo de medios; desde pintura a objetos tridimensionales y escultura. Utiliza materiales innovadores y colores brillantes. Sus trabajos multimedia están involucrados con los fenómenos físicos, en un abordaje juguetón. Evocan la cautivante complejidad de la investigación científica con imágenes formadas dinámicamente. Liz utiliza materiales no tradicionales y procesos para ir construyendo capa a capa sus experimentos, que a menudo se desarrollan orgánicamente a través de los propios materiales.
Texto traducido libremente de la nota de prensa sobre la exposición "Re/producing Complexity (Re/produciendo la complejidad)", Artlab33, julio de 2010. Texto completo (en inglés) aquí.
"Rods and Cones" (detalle / detail)
"Estanque / Pond", plástico y bandas elásticas sobre lienzo, sobre panel /
Liz Atzberger, aka Liz Atz, was born in Columbus, Ohio. She has a BFA from the Ohio State University and an MFA from Tyler School of Art. Liz taught Foundations and Painting at Florida Atlantic University from 2006-2012, and has been a Co-director and Co-curator at AIRPLANE gallery since October 2011. She currently lives and works in Bushwick, Brooklyn.
Liz Atzberger works in all kinds of media, from painting to 3D objects and sculpture. She uses innovative materials and bright colors. Her multi-media works are involved with physical phenomena in a playful approach. Her work evokes the captivating complexity of scientific research with images formed dynamically. Liz uses nontraditional materials and processes to build in layers her own experiments, which are often developed organically by the materials themselves.
Text partially taken from the press release about the exhibition "Re/producing Complexity", Artlab33, july, 2010. Full text here.
Shingo Matsunuma (Shichigoro) es un artista freelance japonés, residente en Yokohama, que trabaja básicamente con Photoshop. Poca información disponible, salvo que se graduó en la "Tama Art University" en Tokyo (Departamento de Pintura, curso de Pintura al Óleo), y desde que dejó su empleo hace algún tiempo realiza una ilustración al día.
El universo creado por Shichigoro es un espacio de personajes amables que interactúan en armonía: niños, seres biomecánicos y monstruos gigantescos juegan y se divierten. Hasta esos híbridos de humanos y máquinas (que me recuerdan a los trabajos de Giger) y los robots (éstos con un aire bastante en la línea de Brian Despain) tienen un aspecto amable y tranquilo.
"En mi mundo no hay miedo. No hay miedo a las criaturas y no hay miedo a las máquinas. ¡Simplemente, no hay miedo!"
Shingo Matsunuma (Shichigoro) is a freelance artist from Japan based in Yokohama. He works basically with Photoshop.
Not too much information available; graduated from Tama Art University (Department of Painting, Oil Painting Course) in Tokyo. Since he quit his job some time ago, he creates one drawing a day.
The universe created by Shichingoro is an space of gentle characters that interact in harmony: children, bionechanical beings and giant monsters playing and having fun. Those hybrids of human and machines (that remind me the Giger's works) and the robots (in the line of Brian Despain's) have a gentle and peaceful mood.
"In my world there's no fear. No fear of creatures and no fear of the machines. Just no fear!"
"I want many people to experience my works of art. I want someone to use my artworks for something because I want to continue to work on art in the future."
Primero de un par de posts que dedicaré a ésta notable artista estadounidense cuyos dibujos son absolutamente fascinantes.
The first of a couple of posts I'll dedicate to this remarkable American artist whose drawings are absolutely amazing.
Laurie Lipton
Laurie junto a su obra / with her work "Mordida de amor / Love Bite"
Laurie Lipton es una extraordinaria artista nacida en New York que dibuja desde los cuatro años. Ha vivido en Holanda, Bélgica, Alemania, Francia, Londres y actualmente reside en Los Angeles.
Su trabajo ha sido exhibido extensivamente en Europa y USA.
Según cuenta:
"Todo era abstracto y conceptual en el arte de mi Universidad. Dejé mis clases y me senté durante horas en la biblioteca a hacer copias de Durero, Memling y Van Eyck. Así que aunque fui a una de las mejores universidades de arte de los Estados Unidos, soy una autodidacta. My extraña manera de dibujar insume una cantidad de tiempo inmensa, pero me permite alcanzar la misma calidad luminosa que alcanzaron los Maestros del Renacimiento."
"Mi interés en el arte y la pintura comenzó... a los 3 años. Mi padre solía llevarnos a museos los domingos para dar un descanso a mi madre. Solía escoger una pintura y quedarme frente a ella al menos durante una hora. Era muy extraño ver a una niñita tan pequeña de pie tan quieta durante tanto tiempo, y solía atraer a una multitud a mi alrededor. Recuerdo que intentaba grabar a fuego las imágenes en mis ojos para así poder recordarlas por siempre... ¡y funcionó!"
Traducido de una entrevista de Eclectix que puede leerse completa (en inglés) aquí.
"Intenté aprender por mí misma a pintar como los maestros del Renacimiento, pero no podía descifrar la complicada técnica del temple al huevo. Mientras era una estudiante pobre que viajaba por Europa, no podía permitirme pintar, así que comencé a utilizar los lápices más y más. Eran baratos y convenientes. Desarrollé mi propia forma particular de dibujar utilizando miles de pequeñas líneas para crear los tonos, imitando la técnica de pintura del temple al huevo. También me inspiraron las imágenes congeladas, perturbadoras de Diane Arbus. Comprendí que el blanco y negro tenía una atmósfera en sí mismo que era perfecta para la imaginería que yo estaba explorando."
Traducido de una entrevista de Eclectix que puede leerse completa (en inglés) aquí.
"Cuando era adolescente estaba muy muy influenciada por Goya y el impacto emocional que él transmitía, y Goya no es un surrealista. Alguien calificó mi obra de Realismo Psicológico, porque no va sobre los sueños, sino sobre lo que siento, sobre lo que veo. El surrealismo habla de los sueños, mi trabajo es una narrativa, es intencionado."
"Otra influencia para mí ha sido Gaudí, y su forma de arquitectura muy orgánica, donde unas cosas se mezclan con otras."
De una entrevista en "Radiotelevision Valenciana", Canal 9, "Colp d'ull" (ver video al final del post)
"Bone China", carboncillo y lápiz sobre papel / charcoal and pencil on paper, 55 x 58 cm., 2010
"Mis padres estaban muy orgullosos de mi trabajo. Pensaban que era una niña prodigio, un genio. Solían mostrar mis obras en las reuniones familiares. ¡Nunca olvidaré las caras de mis tíos y tías cuando miraban mis trabajos! El aspecto de confusión y sospecha.... Yo era una niñita angelical y mi imaginería era brutal y sangrienta. Una de las grandes cosas de mis padres es que nunca me censuraron. Siempre me animaron a hacer exactamente lo que quería artísitcamente. En todo lo demás yo era educada y obediente. ¿Será tal vez por eso que mi imaginería es salvaje pero mi técnica extremadamente controlada?"
"Me autoimpongo tareas imposibles; miles de rostros, una ciudad donde se ve cada ventana, un paisaje con cada brizna de hierba... si me fuera a preocupar por el tiempo que insume, jamás me podría a ello. No soy una masoquista. Abordo cada dibujo con un sentimiento de "¡Uau! ¿Podré?", y a la mierda con el tiempo y las consecuencias. Así que... cuando la gente me pregunta, como inevitablemente sucede, cuánto tiempo me lleva cada dibujo, les miento y me invento un número. En realidad no tengo ni idea."
De una entrevista realizada por Jon Beinart que puede leerse completa (en inglés) aquí.
"El botón de autodestrucción / The Self-Destruct Button"
Laurie Lipton is an extraordinary artist born in New York, and has been drawing since the age of four. She has lived in Holland, Belgium, Germany, France, London and has recently moved to Los Angeles.
Her work has been exhibited extensively throughout Europe and the USA.
As she told:
"It was all abstract and conceptual art at my university. I cut my classes and sat for hours in the library copying Durer, Memling and Van Eyck. So even though I went to one of the best universities for art in the USA, I am self-taught. My weird way of drawing took a horrendous amout of time, but I was able to get the same kind of luminous quality that the Renaissance Flemish painters had achieved."
"My interest in art/painting started …. at the age of three. My father used to take us to museums on Sundays to give my mother a break. I used to pick one picture & stand in front of it for at least an hour. It was very odd seeing a small child standing so still for so long, and I used to attract a crowd around me. I remember trying to burn the images into my eyeballs so that I would remember them always… and it worked!"
"I tried to teach myself how to paint like the early Renaissance Masters but couldn’t figure out the complicated egg-tempera technique. While I was a poor student traveling around Europe, I couldn’t afford paint so I began to use pencils more & more. They were cheap & convenient. I developed my own peculiar way of drawing using thousands of tiny lines to build-up tone, mimicking egg tempera painting technique. I was also inspired by the frozen, disturbing photos of Diane Arbus. I realized that black & white had an atmosphere all its own and that it was perfect for the imagery I was exploring."
From an interview by Eclectix you can fully read here.
"My parents were very proud of my work. They thought I was a child prodigy, a genius. They used to show my artwork at family gatherings. I'll never forget the faces of my aunts & uncles when they looked from me to my drawings! The look of confusion and suspicion…. I was a cherubic child and my imagery was brutal and bloody. One of the great things about my parents was that they never censored me. I was always encouraged to do exactly what I wanted art-wise. In everything else I had to be polite and obedient. Perhaps that's why my imagery is savage but my technique is extremely controlled?"
"I set impossible tasks for myself; a thousand faces, a city with every window showing, a landscape with each blade of grass……… if I were aware of the time it took, I really wouldn't bother to put myself through it. I'm not a masochist. I approach each drawing with a "Wow! Can I?" feel, and damn the time and consequences. So….. when people ask, as they inevitably do, how long a drawing took me, I lie to them and make up a number. I really have no idea."
From an interview by Jon Beinart you can fully read here.
"When I was a teenager I was very very influenced by Goya, and the emotional impact that he gave, and Goya is not a surrealist. Someone call my work Psychological Realism, because is not about dreams, is about what I'm feeling, is about what I see. Surrealism is about dreams, my work is a narrative, in intentional."
"Another influence for me was Gaudi and his very organic kind of achitecture, and the way things melt to each other."
From an interview in the Valentian Television, Channel #9, "Colp d'ull" (Check the video at the end of this post)
"Cuando visité México para ver el festival del "Día de los Muertos", hace algunos años, no pude evitar sentir envidia por su abordaje de la mortalidad. Familias reunidas en las tumbas de picnic, pueblos enteros se presentaban con comida para las familias en duelo. La muerte se considera algo normal, incluso tonto. Cientos de cráneos confitados sonriendo y esqueletos bailando en una atmósfera de feria. Decidí rebelarme contra mi herencia y crear dibujos inspirados por el clima y atmósfera de los mexicanos. Decidí entrar en contacto con mis huesos desnudos. Mi cultura huye de la muerte a los gritos. Adornamos la juventud con la belleza y la ilusión de que tenemos todo el tiempo del mundo. Nos sometemos frenéticamente a liftings y al botox, arrojándole píldoras, cremas y dinero a la muerte. Nos engañamos pensando que la muerte sólo sucede a otra gente y sólo los perdedores mueren. ¿Tal vez la broma está en nosotros?"
Comentarios de Laurie Lipton acerca de su muestra "Carnaval de la Muerte" en la Galería Last Rites de New York, en octubre de 2011. Más información (en inglés) aquí.
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Laurie!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Laurie!)
Un par de videos con entrevistas. A couple of videos with interviews.
Laurie en la inauguración internacional de su nueva obra "Dibujos Extraordinarios" en Liverpool (en inglés). Laurie at the international opening of her her new work "Extraordinary Drawings" in Liverpool.
La 1 TVE, Nota en el noticiero de la noche. TVE 1, Evening News (in spanish)
Entrevista para Radiotelevision Valenciana, Canal 9, "Colp d'ull" Interview for te Valentian TV, Channel #9, "Colp d'ull"
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