Pintando perros (XXIX)

Los perros de / The Dogs of George Stubbs

"El perro blanco de Lord Gormanston / Lord Gormanston's White Dog"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1781. Colección privada / Private Collection

George Stubbs fue un pintor nacido en Liverpool en 1724 y fallecido en Londres en 1806, conocido sobre todo por sus pinturas de caballos.

La información que se conserva sobre su vida hasta los treinta y tres está muy dispersa. Fue durante algún tiempo aprendiz de un pintor y grabador de Lancashire llamado Hamlet Winstanley, pero pronto le abandonó disgustado por el método, que consistía en copiar otras obras. Entonces empezó un aprendizaje autodidacta. En la década de 1740 trabajó como retratista en el norte de Inglaterra y, desde 1745 a 1751 estudió anatomía humana en el Hospital del Condado de York.

En 1754 visitó Italia. Más tarde alquiló una granja en Linclnshire y pasó 18 meses diseccionando caballos. Se trasladó a Londres alrededor de 1759 y en 1766 publicó “La anatomía del caballo”. Sus dibujos originales se encuentran actualmente en la colección de la Royal Academy.

"El perro blanco de Lord Gormanston / Lord Gormanston's White Dog" (detalle / detail)

"Cinco sabuesos en un paisaje / Five Hounds in a Landscape", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1762. 

Colección privada / Private Collection

Los dibujos de Stubbs fueron vistos por mecenas de la aristocracia, que reconocieron que su trabajo era más preciso que los de anteriores pintores equinos como James Seymour y John Wootton. En 1759 el tercer Duque de Richmond le encargó tres grandes pinturas, lo que aseguró su carrera. Para 1763 había producido trabajos para muchos más duques y otros señores, lo que le permitió comprar una casa en Marylebone, una zona elegante de Londres, donde vivió el resto de su vida.

"Sir John Nelthorpe cazando con dos pointers / Sir John Nelthorpe at hunt with two pointers"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1776

Su trabajo más famoso es probablemente Whistlejacket, una pintura de un caballo encabritado que le encargó el Marqués de Rockingam. También realizó pinturas históricas, mucho menos apreciadas. Desde finales de la década de 1760 produjo algunas obras en esmalte. En la década de 1770 pintó retratos de perros aislados por primera vez, lo que le procuró también numerosos encargos de señores que querían retratar sus cacerías con perros. Siguió pintando activamente hasta una avanzada edad.

"El perro faldero de la Srta. French / Mrs. French's Lap Dog", 1782

"El perro faldero de la Srta. French / Mrs. French's Lap Dog" (detalle / detail)

"Trabajadores y recuperadores de caza / Labourers & Game Keepers", mediatinta coloreada a mano / 

mezzotint hand coloured, 44 x 65 cm., 1790. Grabado por / engraved by Henry Birche

George Stubbs was a painter born in Liverpool in 1724, died in London, 1806, famous for his paintings of horses. The Information on his life up to age thirty-five is sparse. Stubbs was briefly apprenticed to a Lancashire painter and engraver named Hamlet Winstanley. He soon left as he objected to the work of copying to which he was set. Thereafter as an artist he was self-taught. In the 1740s he worked as a portrait painter in the North of England and from about 1745 to 1751 he studied human anatomy at York County Hospital.

In 1754 Stubbs visited Italy. In 1756 he rented a farmhouse in the village of Horkstow, Lincolnshire, and spent 18 months dissecting horses. He moved to London in about 1759 and in 1766 published The anatomy of the Horse. The original drawings are now in the collection of the Royal Academy.

"Perro de aguas irlandés / Water Spaniel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1769.

Yale Center for British Arts (New Haven, Estados Unidos / USA)

"Perro de aguas irlandés de Norfolk marrón y blanco / Brown and White Water Spaniel"

Stubbs's drawings were seen by leading aristocratic patrons, who recognised that his work was more accurate than that of earlier horse painters such as James Seymour, Peter Tillemans and John Wootton. In 1759 the 3rd Duke of Richmond commissioned three large pictures from him, and his career was soon secure. By 1763 he had produced works for several more dukes and other lords and was able to buy a house in Marylebone, a fashionable part of London, where he lived for the rest of his life.

"King Charles Spaniel", óleo sobre panel / oil on panel, 59 x 71 cm., 1776

Colección privada / Private Collection. Sotheby's

"El perro español del Sr. Cosway / Mr Cosway's Spanish Dog", 1775

"Retrato de John Nelthorpe de niño / Portrait of Mr. John Nelthorpe as a child"

His most famous work is probably Whistlejacket, a painting of a prancing horse commissioned by the 2nd Marquess of Rockingham. Stubbs also painted historical pictures, but these are much less well regarded. From the late 1760s he produced some work on enamel. In the 1770s he painted single portraits of dogs for the first time, while also receiving an increasing number of commissions to paint hunts with their packs of hounds. He remained active into his old age. 

"Ringwood, perro zorrero de Brocklesby / Ringwood, Brocklesby's Foxhund"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1792. Earal of Yarborough 

"Una pareja de sabuesos zorreros / A Couple of Foxhounds", 101,6 x 127 cm., 1792. 

Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

George Stubbs en "El Hurgador" / in this blog:

[Rinocerontes (XLVIII)], [Recolección (X)], [Aniversarios (CXXXVIII)], [Recolección (LXXXIII)], [Pintando perros (LXIV)]

Paul de Vos

"Cacería de corzos / Hunting deer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 212 x 347 cm., 1637-40. 

Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Paul de Vos fue un pintor barroco flamenco nacido en Hulst (cerca de Amberes) hacia 1591-95, especializado en la pintura de animales.

Estudió con un pintor poco conocido, David Remeeus, quien en 1611 se convirtió en su cuñado. En 1620 fue admitido como maestro en la guilda o gremio de San Lucas.

Especializado en la pintura de animales, principalmente en monumentales cacerías muy demandadas por una clientela aristocrática, su arte aparece influido por el de Frans Snyders, casado con su hermana Margaretha, aunque se irá distanciando de él progresivamente al adoptar una pincelada más fluida, logrando con ella efectos atmosféricos e incorporar a sus composiciones mayor tensión dramática.

"Cacería de corzos / Hunting deer" (detalle / detail)

"Entrada de los animales en el Arca de Noé / Entry of the Animals into Noah’s Ark", 230 x 360 cm. 

Copia a partir de un original de Paul de Vos / Copy after Paul de Vos.

Museo del Louvre (París, Francia / France)

Conforme era costumbre entre los pintores de Amberes, De Vos colaboró frecuentemente con otros artistas, como Thomas Willeboirts Bosschaert, Erasmus Quellinus II, Anton van Dyck y Jan Wildens, además de pintar los animales y motivos de cacería en algunas de las escenas mitológicas de Peter Paul Rubens y de su taller, como la Diana cazadora del Museo del Prado. Entre sus clientes destacaron algunos de los grandes coleccionistas españoles, como los marqueses de Leganés y del Carpio o el propio rey Felipe IV, de cuya colección procede el importante conjunto de pinturas de Paul de Vos conservado actualmente en el Museo del Prado. Murió en Amberes en 1678.

"El perro y la picaza / The dog and the magpie", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 83 cm. 

Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Toro rendido por perros / Bull Defeated by Dogs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 157 x 200 cm.

Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Paul de Vos was a Flemish Baroque painter born in Hulst near Antwerp, now in the Dutch province of Zeeland, in 1591-95. He studied under the little-known painter David Remeeus (1559-1626). He specialized in monumental animal scenes, especially hunts for aristocratic patrons, that are heavily influenced by Frans Snyders (to whom his sister Margaretha was married). De Vos became a master and joined the guild of St. Luke in 1620.

"Toro rendido por perros / Bull Defeated by Dogs" (detalle / detail)

"Un galgo blanco / A White Greyhound", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 105 cm.

Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Un galgo blanco / A White Greyhound" (detalle / detail)

As was frequent amongst artists in Antwerp, De Vos frequently collaborated with other painters. He painted animals in hunting scenes and armor in mythologies by Peter Paul Rubens and his studio. He also worked with Thomas Willeboirts Bosschaert, Erasmus Quellinus II, Anthony van Dyck, and Jan Wildens.

Among his clients highlighted some of the great Spanish collectors, as the Marquis of Leganés and Carpio or King Philip IV himself, from whose collection comes the important collection of paintings by Paul de Vos now preserved in the Museo del Prado (Madrid).

He died in Antwerpen in 1678.

"La caza del leopardo / The Leopard Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 201 x 344 cm., 1630s. 

Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

"Ciervo acosado por una jauría de perros / Deer Hunted by a Pack of Dogs"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 212 x 347 cm., 1637-40. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Un galgo al acecho / A Greyhound lurking", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 84 cm., s.XVII

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Paul de Vos colaboró con Rubens pintando los perros en su "Diana la Cazadora"

Paul de Vos collaborate with Rubens painting the dogs in "Diana The Huntress"

"Diana cazadora / Diana the Huntress", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 184 x 199 cm., 1617-20. 

Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"La diosa Diana se muestra aquí con lanza y la media luna sobre su cabeza como atributos identificativos, mientras, acompañada de sus compañeras las ninfas, se dirige a una partida de caza. Virgen, protectora de los bosques y soberana de los animales salvajes, el mito de la casta, joven y hermosa diosa Diana fue uno de los  que más interesaron a Rubens. Es muy probable que un especialista en la representación de animales como Paul de Vos fuera el autor de los perros."

De la ficha de la obra en la web del Museo del Prado.

"Diana cazadora / Diana the Huntress" (detalle / detail)

"The goddess Diana is shown here with spear and crescent moon on his head as identifying attributes, while accompanied by her fellow nymphs, goes to a hunting party. Virgin, protector of forests and wild animals sovereign, the myth of caste, young and beautiful goddess Diana was one of the greatest interest to Rubens. It is likely that a specialist in representing animals as Paul de Vos was the author of dogs."

From the record of the artwork in the Museo del Prado's website

"Diana cazadora / Diana the Huntress" (detalle / detail)

"Diana y sus ninfas partiendo para la caza / Diana and Her Nymphs Departing for the Hunt"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 261 x 225 cm., c. 1615.
The Cleveland Museum of Art (Estados Unidos / USA)

No sé si éste perro ha sido pintado por algún otro, pero la posición y actitud es muy similar a los de Paul de Vos en la obra anterior.
I do not know if the dog has been painted by someone else, but the position and attitude is very similar to those of Paul de Vos in the earlier work.
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Otro ejemplo de "Diana" de Rubens con sus respectivos perros en dos versiones de la misma obra, por lo visto también en colaboración.
Another example of Rubens' "Diana" with their dogs in two versions of the same work, apparently also in collaboration..

"Diana presentando la captura a Pan / Diana Presentig the Catch to Pan"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 211,5 x 145 cm., c.1615. Museo Nacional de Serbia

"Diana regresa de la caza / Diana Returning from Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136 x 184 cm., c.1615

Gemäldegalerie Alte Meister (Dresden, Alemania / Germany)

Según podemos leer aquí, al menos en ésta versión de Dresden, las frutas y los perros fueron pintados por Frans Snyders Frans Snyders (o Snijders).

As we can read here, at least in this version from Dresden, the animals and the fruits were painted by Frans Snyders Frans Snyders (o Snijders).

Frans Snyders en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XLIII)], [Kate Bergin (Pintura)], [Recolección (LXXXIII)]

 Detalles de las dos obras anteriores / Details of the two previous works

Peter Paul Rubens en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Rinocerontes (XLIII)

Esta entrada del blog es consecuencia directa de nuestro reciente viaje a Suiza y París, en el cual hemos detectado algunos rinocerontes que a su vez me han conducido a otros artistas y trabajos sumamente interesantes.

This post is a direct consequence of our recent trip to Switzerland and Paris in which we've detected some rhinos that eventually lead me to other quite interesting artists and artworks.

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Lugano, Piero Travaglini

"Rinoceronte / Rhinoceros", escultura de piedra / stone sculpture. Foto / Photo: Javier Fuentes.

A orillas del Lago de Lugano, en el sur de Suiza, encontramos esta hermosa escultura perteneciente al artista suizo Piero Travaglini, del cual no he podido encontrar más información.

Piero (Peter) Travaglini fue un pintor, escultor y diseñador gráfico suizo nacido en 1927 en Berna. Tuvo un papel destacado como pionero y protagonista del Pop-Art suizo durante los años setenta.

Después de la escuela obligatoria, Travaglini recibió un aprendizaje para un pintor y estucador con formación profesional en Solothurn (Suiza) (1943-1946) y la escuela de artes aplicadas Vevey (Kunstgewerbeschule) (1944).

Mientras trabajaba en el negocio de pintura de su padre creó varias pinturas al óleo figurativas, exhibidas más adelante en Grenchen, Solothurn y Lugano. En 1953 Travaglini realizó sus primeras esculturas de piedra caliza y un relieve de bronce para el edificio municipal del ayuntamiento de Büren an der Aare. Siguieron una fuente de piedra arenisca y una pequeña fuente de piedra caliza en Meienried, cerca de Büren an der Aare.

En la década de 1960 abordó el movimiento del tachismo y el expresionismo abstracto. Siguieron las primeras piezas de fundición de aluminio y monotipos.

Desde 1976 enseñó en la Academia Internacional de Bellas Artes (NBA) en Niderbipp, posteriormente en la Künstlerhaus de Solothurn, que también fundó. A principios de los 80 se convirtió en miembro del Comité de Arte del Cantón de Berna y de la Ciudad de Bienne. En 2007 se realizó una doble exposición en el Kunsthaus en Grenchen y en Büren an der Aare, con ocasión de su octogésimo cumpleaños. Además Travaglini participó repetidamente en el Art Basel, la exposición de escultura abierta de Vira (Gambarogno), la exposición de escultura de Bienne en Suiza, las exposiciones en el Bienne Center PasquArt, las reseñas anuales de Solothurn y Bienne, así como en la Internationale Triennale für Originalgrafik de Grenchen. Desde principios de los setenta y durante las dos décadas siguientes, fue presidente de la Comisión para el centro histórico de Büren an der Aare, convirtiéndose en restaurador. También fue nombrado responsable de la reconstrucción del puente de madera y del plan para la el coloreado de las fachadas del casco antiguo de Büren an der Aare.

El dominio de una variedad de técnicas y materiales como el bronce, el aluminio y la madera, el cemento, el granito y el ladrillo, así como la elección de no trazar un límite claro entre el arte y la artesanía, son la base de la obra de Travaglini. El contraste simbólico entre piedra y agua fue revalorizado con más de 70 fuentes. El trabajo por encargo se convirtió en una cuestión fundamental para Travaglini, pero subrayó una relación constante y estrecha de reciprocidad con su libertad creativa.

Murió en 2015.

Wikipedia (en italiano)

Foto / Photo: Javier Fuentes.

On the shores of Lake Lugano in southern Switzerland, we found this beautiful sculpture created by the Swiss artist Piero Travaglini, which I could not find more information.

Piero (Peter) Travaglini, Swiss painter, sculptor and graphic designer, born in 1927 in Bern. He had a prominent role as pioneer and protagonist of Swiss Pop-Art during the 1970s.

After the compulsory school, Travaglini received an apprenticeship for a painter and stuccoer with vocational training at Solothurn (Switzerland) (1943-1946) and Vevey's (Kunstgewerbeschule) school of applied arts (1944).

While working at his father's painting business, he created various figurative oil paintings, later exhibited at Grenchen, Solothurn and Lugano. In 1953 Travaglini performed the first limestone sculptures and a bronze relief for the municipal building of the town hall of Büren an der Aare. They followed a sandstone fountain and a small limestone fountain in Meienried, near Büren an der Aare.

In the 1960s, Travaglini approached the movement of the Tachism and the abstract expressionism. The first aluminum jets and monotypes followed.

Since 1976 he taught at the International Academy of Fine Arts (Internationale Akademie für bildende Künste IABK) in Niderbipp, later at the Künstlerhaus in Solothurn, which he founded. In the early 1980s, Travaglini became a member of the Art Committee of the Canton of Bern and of the City of Bienne. In 2007 at the Kunsthaus in Grenchen and at Büren an der Aare, a double show took place on the occasion of his eighteenth birthday. In addition, Travaglini participated repeatedly at Art Basel, the Vira (Gambarogno) open-sculpture exhibition, the Bienne sculpture exhibition of Switzerland, exhibitions at the Bienne Center PasquArt, the annual reviews of Solothurn and Bienne as well as at the Internationale Triennale für Originalgrafik by Grenchen. From the early 1970s and during the next two decades, he was chairman of the Commission for the historic center of Büren an der Aare, becoming a restorer. He was also appointed responsible for the rebuilding of the wooden bridge and for the plan for the color configuration of the facades of the old town of Büren an der Aare.

The mastery of a variety of techniques and materials such as bronze, aluminum and wood, cement, granite and brick, as well as the choice of not tracing a clear boundary between art and crafts, are the basis of the work Of Travaglini. The symbolic contrast between stone and water was valued with over 70 fountains. The commissioned work became a fundamental issue for Travaglini, but underlined a constant and close relationship of reciprocity with his creative freedom.

He died in 2015.

Wikipedia (Italian)

Otra obra del mismo artista en el paseo. / Another work of the same artist on the promenade.

"La Cadena / Chain", escultura en piedra / stone sculpture, 1968. Foto / Photo: Javier Fuentes.

Foto / Photo: Esther Frías.

Gèneve (Ginebra), "Jiraceronte"

Foto / Photo: Esther Frías.

Divertida fusión de rinoceronte y jirafa en el Parc Saint-Jean.

Very funny fusion of a rhino and a giraffe in the Parc Saint-Jean.

Fribourg (Friburgo), Niki de Saint Phalle

"Rhinocéros", técnica mixta / mixed media, años '60 / sixties. Foto / Photo: Javier Fuentes.

En la bonita ciudad de Friburgo, tuvimos la oportunidad de visitar el "Espacio Jean Tinguely - Niki de Saint Phalle", donde encontramos esta construcción rinoceróntica. Las fotografías no son muy buenas debido a los reflejos del vidrio. Tampoco encontré otras.

In the beautiful city of Freiburg, we had the opportunity to visit the "Espace Jean Tinguely - Niki de Saint Phalle", where we find this Rhinocerotic construction. The photos are not very good due to reflections from the glass. I didn't found any other.

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Catherine Marie-Agnes Fal de Saint Phalle, más conocida como Niki de Saint Phalle fue una escultora, pintora y cineasta francesa nacida en 1930. Fue mujer del también escultor y pintor Jean Tinguely.

Su familia se trasladó desde Francia a Estados Unidos en 1933 y en su adolescencia fue modelo, apareciendo en revistas como LIFE y Vogue.

Participó alrededor de 1962 en la exposición "El arte del montaje" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1964 comienza a realizar una serie de obras titulada "Nanas", que constaba de figuras femeninas de formas voluptuosas y vivos coloridos. 

Foto / Photo: Javier Fuentes.

Fue en 1966 cuando realiza la escultura de cuerpo de mujer más grande de la historia del arte, que también formaba parte de la serie "Nanas" y cuyo título fue "Hon-en katedral" ("Ella-una catedral" en sueco). Fue instalada en la Moderna Musset de Estocolmo, bajo secreto ya que suponía un acto bastante revolucionario teniendo en cuenta la época en la que la realizó, así que a los pocos días de abrirla al público, clausuraron la exposición. Se entraba al interior de la escultura a través de la vagina.

En 1982 lleva a cabo, junto a su marido Jean Tinguely la "Fontaine Stravinsky" o "Fuente de los autómatas", situada junto al Centro Pompidou, en París.

Más información en Wiki.

"Rhinocéros", gouache y collage de papel plateado / gouache and silver paper collage, 1995

Niki utilizó en más de una oportunidad el motivo del rinoceronte con diferentes técnicas y variantes...

Niki depicted many times the rhino subject using several variants and techniques...

Izq. / Left: "Rhinoceronte", serigrafía coloreada / coloured serigraph, 43,5 x 55,7 cm., 1998

Der. / Right: "Rhinoceronte", litografía / lithograph, 30.5 x 45.7 cm., 1999

Niki de Saint Phalle, born Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle (29 October 1930 - 21 May 2002) was a French sculptor, painter, and film maker.

The family moved from France to the United States in 1933. During her teenaged years, Saint Phalle was a fashion model; at the age of eighteen, she appeared on the cover of Life and three years later, on the November 1952 cover of French Vogue.

Con similar motivo, este rinoceronte situado frente al Museo de Historia Natural en Rotterdam.

Ambas fotografías están tomadas de aquí.

With similar motif, this rhino situated in front of the Natural History Museum in Rotterdam.

Both images from here.

Her first art exhibition was held in 1956 in Switzerland, where she displayed her naïve style of oil painting.

In 1966, Saint Phalle collaborated with fellow artist Jean Tinguely and Per Olof Ultvedt (sv) on a large-scale sculpture installation, "hon-en katedral" ("she-a cathedral") for Moderna Museet, Stockholm, Sweden. The outer form of "hon" is a giant, reclining 'Nana', whose internal environment is entered from between her legs. The piece elicited immense public reaction in magazines and newspapers throughout the world.

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El Jardín del Tarot / Tarot Garden

La fotografía es de aquí / Photo from here.

Tal vez el proyecto más conocido y espectacular de Niki de Saint Phalle, el Jardín del Tarot (Giardino Dei Tarocchi) es una exploración de la condición humana utilizando como medio los mosaicos a una escala monumental. Estas combinaciones casi imposibles de construcciones y esculturas en colores brillantes reflejan las cualidades metafísicas representadas por las 22 cartas principales del Tarot (los arcanos mayores). No se ocupan del uso de las cartas como instrumentos de adivinación, sino más bien en los elementos de la experiencia humana, personalidad y autoconocimiento a los que refieren. Los trabajos en el Jardín comenzaron en 1979 y el grueso de la obra se llevó adelante durante los años '80. Se abrió oficialmente al público en mayo de 1998.

Está situado cerca de las cosas de la sureña provincia italiana de la Toscana, alrededor de 110 km. al noroeste de Roma, cerca del pueblo de Capalbio.

La información está traducida de aquí.

El patio central de "El Emperador", con las columnas de cerámica.

The courtyard at the heart of "The Emperor", with ceramic built in columns.

Foto de aquí / Photo from here.

Maybe the most important Niki's project was The Tarot Garden (Giardino Dei Tarocchi). Is an exploration of the human condition whose medium is mosaic on a monumental scale. These almost impossibly brightly coloured combinations of buildings and sculpture reflect the metaphysical qualities represented by the 22 main tarot cards (the major arcana). They're not concerned with the fortune-telling uses of the cards, rather the elements of life's experience, personality and self-knowledge they refer to. Work on the garden began in 1979 and the main part of the work was carried out in the 1980s; it was officially opened to the public in May 1998.

The Garden is situated close to the coast in the south of the Italian province of Tuscany. It is about 70 miles (110 kilometres) northwest of Rome, near the town of Capalbio.

Information from here.

...y detrás de las columnas, un rinoceronte. Foto / Photo: Andrea Martines (flickr)

...and behind the columns, a rhino. Foto / Photo: Stefano F. (flickr)

Niki de Saint Phalle en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (XLI)], [Aniversarios Fotografía (CLXIV)]

Montmartre, Espacio / Space Salvador Dalí

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ACTUALIZACIÓN / UPDATE: 6/2/2014

Debido a las amenazas de acciones legales por parte de la Fundación Gala-Salvador Dalí, he procedido a retirar las imágenes referentes a Salvador Dalí de este post. Para más información sobre el tema, veáse el siguiente post

Due to threats of legal action by the Gala-Salvador Dalí Foundation, I proceeded to remove all images about Salvador Dalí in this post. For more information on the topic, see the following post:

La Fundación Gala-Salvador Dalí y el Copyright.

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De esta imágen obviamente no hay otra en la red, porque la fotografía es mía. La quito por precaución ya que desconozco mis derechos sobre una fotografía mía de una obra de Dalí.

"Rhinocéros Cosmique / Rinoceronte cósmico / Cosmic Rhinoceros"

Bronce con pátina verde florentino y oro / bronze with green Florentine patina and gold, 93 x 30 x 15 cm.

Foto / Photo: Javier Fuentes.

En Galerie Montmartre, en la Place du Tertre (París), encontré este inconfundible rinoceronte daliniano. No dispongo de mayor información ya que la galería estaba cerrada y sólo pude tomar la fotografía desde fuera.

Aquí otra versión:

In the art gallery Galerie Montmartre (Paris), I found this unmistakable Dali-esque rhino. I have no further information as the gallery was closed and I could only take the picture from outside.

Here another version:

http://www.aglaenoticias.com/dali-y-miro-no-seducen-en-bonhams/html

"Chair de poule rhinocérontique ou Rhinocéros Cosmique / 

Piel de gallina rinoceróntica o Rinoceronte Cósmico /

Rinoceros Goosebump or Cosmic Rhinoceros"

Bronce con pátina de verde / bronze with green patina, 140 cm.

Concebido en 1956 y realizado por Fundición Valsuani en 1991 / Conceived in 1956 and cast by the Valsuani Foundry in 1991

En una entrevista con Alain Bosquet en 1969, Dalí declaró que soñaba con ver su estatua monumental erigida "en el Trocadero, exactamente en el punto donde hubo un día una figura de bronce de un rinoceronte. Quiero que sea un rinoceronte cósmico". Quizá recordaba el "Rinoceronte atacado por dos tigres", de 1882 [ver más abajo] que está en las Tullerías a la vista del que era su apartamento den el Hotel Meurice.

Texto traducido e imágenes de aquí.

http://www.aglaenoticias.com/dali-y-miro-no-seducen-en-bonhams/html

"Chair de poule rhinocérontique ou Rhinocéros Cosmique", detalle / detail

In an interview with Alain Bosquet in 1969 Dalí declared that he dreamt of seeing his monumental statue erected 'exactly at the spot where, at the Trocadéro, a bronze effigy of a rhinoceros once existed. I want it to be a cosmic rhinoceros.' (quoted in R. and N. Descharnes, op. cit., p.70). He was perhaps remembering August Cain's Combat between a rhinoceros and two tigers of 1882 [see below] which stood in the Tuilleries within sight of his apartment at the Hôtel Meurice.

Text and images from here.

En realidad el rinoceronte del Trocadero es el que actualmente se encuentra fuera del Museo de Orsay, realizado por Henri Alfred Marie Jacquemart, del cual ya publiqué algunas imágenes aquí:

The Trocadero's rhino is actually the one placed today outside the Orsay Museum, created by Henri Alfred Marie Jacquemart. I've posted a couple of images here:

[Rinocerontes (VII)]

Salvador Dalí en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Jardin des Tuileries: Auguste Cain

"Rhinocéros attaqué par deux tigres / Rinoceronte atacado por dos tigres

Rhino attacked by two tigers", bronce / bronze, 1882. Imagen de aquí / Image from here.

Auguste Nicolas Cain fue un escultor francés especializado en el retrato de animales, nacido el 10 de noviembre de 1821 en París y fallecido el 25 de agosto de 1894 en la misma ciudad. Es el padre del pintor y escritor Georges Cain, y del hombre de letras y pintor Henri Cain.

Tras haber trabajado en la carnicería familiar, Auguste Cain entra al taller de Alexandre Guionnet y posteriormente es alumno de François Rude. Como Antoine-Louis Barye algunos años antes, estudió la anatomía de los animales dibujando en el Jardín de las Plantas de París. En la década de 1840 proporcionó modelos de orfebrería para los hermanos Fannière, Rudolfi y la Maison Christophe.

Desde la década de 1860, reconocido como escultor de animales, Auguste Cain comenzó a recibir órdenes oficiales. Entre ellas, las esculturas monumentales todavía ubicadas en los grandes jardines parisinos. Las obras más conocidas de Auguste Cain representan los grandes carnívoros y sus presas, a veces en lucha, pero también tomó los modelos animales domésticos, el ganado, o animales de la caza mayor.

"Rhinocéros attaqué par deux tigres / Rinoceronte atacado por dos tigres

Rhino attacked by two tigers", yeso / plaster, 1882.

Imagen de un álbum de obras adquiridas por el Estado para el Salón de 1882. Foto / Photo: G. Michelez

Auguste Nicholas Cain (November 16, 1822 – August 6, 1894) was a noted French sculptor in the Animaliers school, known for his portrayals of wild and domesticated animals.

Cain was born in Paris, and studied under Rude, Guionnet, and Pierre-Jules Mêne (whose daughter he married in 1852). His first exhibit in the Salon of 1846 was a wax model of a linnet defending her nest from a rat, later cast in bronze and shown at the 1855 Salon. Between 1846-1888, Caïn exhibited 38 models at the Salon.

From 1868 onwards he concentrated on monuments, including the Chiens de meute at the Château de Chantilly, Le Lion de Nubie et sa proie in the Jardin du Luxembourg, and Tigress and Peacock in the Gardens of the Tuileries. In 1879 he assumed management of his father-in-law's foundry upon Mêne's death.

Otra obra de Cain en el Jardín de las Tullerías / Another work of Cain in the Tuileries Garden

"Tigresse portant un paon a ses petits / Tigresa entregando un pavo real a sus cachorros / 

Tigress delivering a peacock to her cubs", bronce / bronze, 1873-76. Foto / Photo: Esther Frías.

Auguste Cain en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XLIII)], [Recolección (CXIII)]

Todas las fotografías de Esther Frías y mías pueden utilizarse libremente con sólo citar la fuente.

All photographs by Esther Frías and mine can be used freely just by quoting the source.