Hans Holbein el Joven, Retratos (I) [Pintura]

Siempre me han fascinado los retratos de Hans Holbein, no sólo por la bellísima factura de los mismos, sino también por la época en que fueron creados, la misma durante la cual estaban activos artistas de la talla de Durero o Lucas Cranach. Aprovechando la alta definición de las imágenes disponibles, selecciono algunos detalles que permiten apreciar la soberbia calidad técnica en la representación de los rostros.

I've always been fascinated by the portraits of Hans Holbein, not only for the beautiful making, but also the time they were created, the same during which were active artists like Dürer and Lucas Cranach. Taking advantage of the high definition of images available, I select some details that allow to appreciate the superb technical quality in the rendering of faces.

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Hans Holbein el Joven / The Younger

"Autorretrato / Self-Portrait"

Tiza de color, pluma y oro / color chalk, pen and gold, 32 x 26 cm., 1542-43

Galería Uffizi (Florencia, Italia)

Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497? - Londres, entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543) fue un artista y grabador alemán que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del siglo XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e hizo una significativa contribución a la historia del diseño de libro. Diseñó xilografías, vidrieras y piezas de joyería. Se le llama "el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un dotado pintor de la escuela gótica tardía.

"Autorretrato / Self-Portrait", detalle / detail

Nacido en Augsburgo, Holbein trabajó principalmente en Basilea. Al principio pintó murales, obras religiosas, y diseños para vidrieras y libros impresos. También pintó ocasionalmente retratos, destacando internacionalmente con retratos del humanista Desiderio Erasmo de Róterdam. Cuando la Reforma alcanzó Basilea, Holbein trabajó para clientes reformistas mientras continuaba sirviendo a patrones religiosos tradicionales. Su estilo gótico tardío fue enriquecido por las tendencias artísticas en Italia, Francia y los Países Bajos, así como por el Humanismo renacentista. El resultado fue una combinación estética única en sí misma.

"Los embajadores / The Ambassadors"

Oil on oak / óleo sobre roble, 209,5 x 207 cm., 1533. National Gallery (Londres, UK)

La pintura presenta a dos ricos, educados y poderosos hombres jóvenes. A la izquierda está Jean de Dinteville, de 29 años, embajador francés en Inglaterra en 1533. A la derecha, su amigo Georges de Selve, de 25 años, obispo de Lavanur, quien se desempeñó en varias ocasiones como embajador del Emperador en la República de Venecia y la Santa Sede.

La pintura está realizada según un estilo tradicional en el que se presentan hombres cultos con libros e instrumentos. Los objetos sobre el estante incluyen una esfera celeste, un reloj de sol y otros varios instrumentos utilizados para el estudio de los cielos y la medida del tiempo. Entre los objetos del estante inferior, hay un laúd, una caja de flautas, un libro de himnos, un libro de aritmética y un globo terráqueo.

Más información en ficha de la obra, en la web de la National Gallery.

"Los embajadores / The Ambassadors", detalles / detail

This picture memorializes two wealthy, educated and powerful young men. On the left is Jean de Dinteville, aged 29, French ambassador to England in 1533. To the right stands his friend, Georges de Selve, aged 25, bishop of Lavaur, who acted on several occasions as ambassador to the Emperor, the Venetian Republic and the Holy See.

The picture is in a tradition showing learned men with books and instruments. The objects on the upper shelf include a celestial globe, a portable sundial and various other instruments used for understanding the heavens and measuring time. Among the objects on the lower shelf is a lute, a case of flutes, a hymn book, a book of arithmetic and a terrestrial globe.

More information: artwork record in the National Gallery website.

"Los embajadores / The Ambassadors", detalles / detail

"Retrato de / Portrait of Benedikt von Hertenstein"

Oil on panel / óleo sobre tabla, 52,4 x 38,1 cm., 1517. 

Metropolitan Museum of Art (New York City, USA)

En 1517, Holbein decoró la casa del magistrado de Lucerna Jacob von Hertenstein. Simultáneamente hizo éste retrato del hijo mayor del magistrado, Benedikt, quien involucra al espectador tanto con su mirada directa como con la inscripción que reza, como si él estuviera hablando: "Tenía éste aspecto cuando tenía 22 años". A continuación se indica que "H.H." pintó la obra. El uso del artista de papel montado sobre madera es inusual, aunque no único. Inició el retrato como un dibujo sobre papel y continuó trabajando en color con óleo hasta finalizarlo.

Más información en ficha de la obra, en la web del Metropolitan.

In 1517 Holbein decorated the house of the Lucerne magistrate Jacob von Hertenstein. Concurrently, he made this portrait of the magistrate's eldest son, Benedikt, who engages the viewer both with his direct glance and the inscription, which reads as if he is speaking: "When I looked like this I was twenty-two years old." Directly following these words is the declaration, that "H.H." painted the work. The artist’s use of paper mounted on wood is unusual but not unique. He initiated the portrait as a drawing on paper and then continued working up in oil colors to its completion.

More information: artwork record in the Metropolitan website.

"Retrato de / Portrait of Benedikt von Hertenstein", detalle / detail

"Retrato de / Portrait of Bonifacio Amerbach", pino / pine, 28,5 x 27,4 cm., 1519. 

Kunstmuseum Basel, (Basilea, Suiza)

El arte de Holbein fue apreciado desde el principio de su carrera. El poeta y reformador francés Nicholas Bourbon lo llamó "el Apeles de nuestro tiempo", un galardón típico de la época. Holbein también ha sido descrito como un gran "fuera de serie" de la historia del arte, puesto que no fundó ninguna escuela. Después de su muerte parte de su obra se perdió, aunque mucha fue coleccionada. Para el siglo XIX Holbein era reconocido entre los grandes maestros retratistas.

"Retrato de / Portrait of Bonifacio Amerbach", detalle / detail

"Retrato de Cerick Berck de Colonia / Portrait of Cerick Berck from Cologne"

Óleo sobre lienzo transferido a tabla / oil on canvas transferred to panel, 53,3 x 42,5 cm., 1536

Metropolitan Museum (New York City, USA)

Abundante información sobre Holbein en Wiki. Para recorrer su obra en profundidad, Wikipaintings.

"Retrato de Cerick Berck de Colonia / Portrait of Cerick Berck from Cologne", detalle / detail

Hans Holbein the Younger (c. 1497 - between 7 October and 29 November 1543) was a German artist and printmaker who worked in a Northern Renaissance style. He is best known as one of the greatest portraitists of the 16th century. He also produced religious art, satire, and Reformation propaganda, and made a significant contribution to the history of book design. He is called "the Younger" to distinguish him from his father, Hans Holbein the Elder, an accomplished painter of the Late Gothic school.

"Retrato de Enrique VIII, Rey de Inglaterra / Portrait of Henry VIII, King of England"

Óleo sobre panel / oil on panel, 28 × 20 cm., c.1537. 

Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España)

El retrato fue el género más popular en la Inglaterra de la época. A esto contribuyó el cisma de la Iglesia anglicana con la de Roma y que el rey Enrique VIII se convirtiera en cabeza visible de la primera. Con ello, la representación de los géneros pictóricos se restringió enormemente. Este retrato del célebre monarca inglés es una maravillosa muestra del estilo de Holbein, que se caracteriza por la monumentalidad que otorga a sus figuras y la profundidad psicológica que inculca a sus modelos. El pintor consigue retratar el carácter del personaje gracias a recursos como la posición de la figura y las manos, la linealidad y la frontalidad, que en este caso reflejan la regia personalidad de Enrique VIII.

Más información en ficha de la obra, en la web del Museo.

Portraiture was the most popular genre in sixteenth-century England, and indeed one of the few available to artists following the schism between the Church of Rome and the Church of England, of which Henry VIII became head. This likeness of the famous Tudor king is a magnificent example of Holbein’s remarkable style, characterised by a monumental rendering of figures which are nonetheless endowed with considerable psychological depth. In this markedly linear portrait, Holbein uses the frontal pose of the regal model and the position of his hands to convey the sitter’s powerful personality and majestic bearing.

More information: artwork record in the Museum website.

"Retrato de Enrique VIII, Rey de Inglaterra / Portrait of Henry VIII, King of England", detalle / detail

Born in Augsburg, Holbein worked mainly in Basel as a young artist. At first he painted murals and religious works and designed for stained glass windows and printed books. He also painted the occasional portrait, making his international mark with portraits of the humanist Desiderius Erasmus of Rotterdam. When the Reformation reached Basel, Holbein worked for reformist clients while continuing to serve traditional religious patrons. His Late Gothic style was enriched by artistic trends in Italy, France, and the Netherlands, as well as by Renaissance Humanism. The result was a combined aesthetic uniquely his own.

"Retrato de / Portrait of Sir Brian Tuke", óleo sobre roble / oil on oak, 49,1 × 38.5 cm., 1533-35.

National Gallery of Art (Washington, USA)

"Retrato de / Portrait of Sir Brian Tuke", detalle / detail

"Retrato de / Portrait of Thomas Cromwell", óleo sobre tabla / oil on canvas, 61 x 76 cm., c.1533

Frick Collection (New York, USA)

"Retrato de / Portrait of Thomas Cromwell", detalle / detail

Holbein's art was prized from early in his career. The French poet and reformer Nicholas Bourbon dubbed him "the Apelles of our time," a typical contemporary accolade. Holbein has also been described as a great "one-off" of art history, since he founded no school. After his death, some of his work was lost, but much was collected, and by the 19th century, Holbein was recognised among the great portrait masters. 

"Retrato de Tomás Moro / Portrait of Thomas More"

Óleo sobre panel de roble / oil on oak panel, 74,9 x 60,3 cm., 1527. Frick Collection (New York, USA)

"Retrato de Tomás Moro / Portrait of Thomas More", detalle / detail

Tomás Moro fue un humanista, autor y hombre de Estado al servicio de Enrique VIII. Tras rehusar la firma del Acta de Supremacía que hacía al Rey jefe de la Iglesia en Inglaterra, fue condenado y decapitado por alta traición. Venerado por la Iglesia Católica como mártir, fue beatificado y canonizado en 1935. La simpatía de Holbein por este hombre, de quien fue huésped cuando llegó por primera vez a Inglaterra, es evidente en este retrato. Su brillante representación del rico atuendo y accesorios, hacen de esta pintura de Holbein una de las más populares. Hay varias versiones del retrato, pero esta es sin duda la original.

Más información en ficha de la obra, en la web del Museo.

Thomas More was an humanist scholar, author, and statesman, served Henry VIII. After he refused to subscribe to the Act of Supremacy making the King head of the Church of England, he was convicted of high treason and beheaded. Venerated by the Catholic Church as a martyr, More was beatified in 1886 and canonized in 1935 on the four-hundredth anniversary of his death. Holbein’s sympathy for the man whose guest he was upon first arriving in England is apparent in the Frick portrait. His brilliant rendering of the rich fabrics and adornments make this one of Holbein’s best and most popular paintings. Various versions of the portrait exist, but this is undoubtedly the original. 

More information: artwork record in the Museum website.

 "Retrato de un miembro de la familia Wedigh / Portrait of a Wedigh Family Member"

(Probablemente / Probably Hermann von Wedigh)

Oil on panel / óleo sobre tabla, 42,2 × 32,4 cm., 1532. Metropolitan Museum (New York City, USA)

A lot of information about Holbein in Wikipedia. To deeply enjoy his work, Wikipaintings.

"Retrato de un miembro de la familia Wedigh / Portrait of a Wedigh Family Member", detalle / detail

Hans Holbein en "El Hurgador" / in this blog:

[Hans Holbein el Joven, Retratos (II) (Pintura)], [Las referencias de Rumsey (Pintura, Grabado)]

Kyle Fisher [Pintura]

Kyle Fisher

Kyle Fisher es un joven pintor estadounidense nacido en Trenton, New Jersey. 

Estudió en el Colegio de Arte y Diseño de Savannah, Georgia (SCAD), y también a tiempo parcial en la galería / taller que junto con otros 7 muchachos graduados en el SCAD iniciaron en la Frankford Avenue of the Arts, en Philadelphia.

"Por encima del Hudson / Above the Hudson", acrílico sobre abedul / acrylic on birch, 96" x 45" © Kyle Fisher

"Orgullo / Pride", óleo sobre panel / oil on panel, 42" x 58" x 3" © Kyle Fisher

En los últimos años, el trabajo de Kyle se ha centrado en la madera como superficie para sus pinturas. Según escribe:

"Comenzó como una apreciación de la superficie en sí misma; la forma como asimilaba tanto el acrílico como el óleo. Sin embargo gradualmente me descubrí utilizando las imágenes existentes: el dinamismo y belleza de la veta de la madera, como parte del producto terminado. Desde entonces he estado explorando las ideas de belleza natural, belleza creada por el hombre y la interconectividad."

"Samurai (Díptico / Diptych), acrílico y tintes sobre abedul / acrylic and stain on birch, 84" x 48" © Kyle Fisher

"Las teorías presentes en los trabajos de Piet Mondrian siguen siendo una fuente de inspiración para mí. Utilizando sólo colores primarios y líneas verticales y horizontales, ha creado algunos de los trabajos más visualmente balanceados que se conocen. Cuando paso un tiempo frente a un panel intacto, me fascinan las muchas formas en que el color, la forma y las puras líneas pueden cargar y balancear de manera análoga el movimiento y composición de la madera"

"Selecciono cada panel en función de la inmediata conexión que siento. Cada uno es increíblemente único, y puede haber movimiento, peso visual o una composición que me fascina. Abordo cada pieza con lápiz. Instintivamente, formas gestuales se van garabateando a medida que comienzo a centrarme en la pieza. Es en éste momento que ocurre mi parte favorita del proceso."

"Floración / Bloom", acrílico y grafito sobre abedul / acrylic & graphite on birch, 35" x 62" © Kyle Fisher

"Sudario / Shroud", acrílico sobre abedul con vidrio tonal grabado al ácido / 

acrylic on birch with acid etched toned glass, 50" x 16"  © Kyle Fisher

Le he preguntado a Kyle acerca de la relación entre su referencia a Mondrian y sus últimos trabajos figurativos, concretamente pensando en "Bloom" y "Pride". Me escribe que "en lo que respecta a la ideología de Mondrian, la relación estriba en el papel que juegan esas formas gestuales y cómo se balancean con la veta natural de la madera en mis trabajos abstractos." En cuanto a ésta nueva serie "que busca influir en las connotaciones que aplicamos a lo reconocible", pendiente una declaración artística más inclusiva, Kyle me ofrece algunas claves:

"La iconografía que recopilamos a partir de la vida salvaje, de lo mundano y de las señales presentes en el espacio físico, así como nuestra experiencia del mundo visual, es procesada de innumerables e inimaginables maneras y de forma diferente por cada uno de nosotros. Una aguada de color puede resultar estridente. Por otra parte, una línea que imita un jirón de tela evoca familiaridad.

Formamos nuestra comprensión de la física de las cosas solos y de forma unívoca. Creo que reinterpretando lo representable utilizando la propia y única comprensión de cómo las cosas sienten, se pliegan, se mueven, se rasgan, florecen y caducan, estamos en condiciones de presentar las imágenes de una forma que desafía las tendencias naturales. Somos entonces capaces de comunicar mejor los matices de percepción que nos conectan."

"Espíritu viajero (Díptico) / Wanderlust (Diptych)"

Acrílico y esmalte sobre abedul / acrylic and enamel on birch, 102" x 48" © Kyle Fisher

Kyle forma parte como miembro fundador de la Galería y colectivo Part-Time Studios. Se puede echar un vistazo a ésta propuesta aquí. Más obras e información sobre Kyle en su sitio web.

"Festín / Feast", acrílico y tintes sobre abedul / acrylic and stain on birch, 40" x 32" © Kyle Fisher

Kyle Fisher is a young American painter born in Trenton, New Jersey.

He Went to school in Savannah, Georgia at the Savannah College of Art and Design. Part time studios was a gallery / workspace that he and 7 other kids who graduated from SCAD started on Frankford Avenue of the Arts in Philadelphia. 

"Retrospectiva / Retrospective", acrílico y grafito sobre abedul y metacrilato antibalas / 

acrylic and graphite on birch and bulletproof plexiglass, 35" x 57" © Kyle Fisher

"Sonograma / Sonogram", acrílico sobre abedul / acrylic on birch, 98" x 44" © Kyle Fisher

Over the past couple years, Kyle's work had focused on wood as the surface for his paintings. As he wrote:

"It started as an appreciation for the surface itself; the way it held both acrylic and oils. I gradually, however, found myself using the existing imagery; the dynamism and beauty within the wood’s grain as part of the finished product. Since then, I’ve been exploring the concepts of natural beauty, man-made beauty, and inter-connectivity."

"Inmersión / Immersion", óleo y grafito sobre abedul / oil and graphite on birch, 78" x 53" © Kyle Fisher

"Corazón y alma / Heart and Soul", acrílico sobre abedul / acrylic on birch, 98" x 50" © Kyle Fisher

"Inversion", óleo y grafito sobre abedul / oil and graphite on birch, 34" x 25" x 3" © Kyle Fisher

"The theories found in the works of Piet Mondrian remain an inspiration in my own. Using just primary colors and vertical/horizontal lines, he created some of the most visually balanced works known. When I spend time in front of an untouched panel, I’m amazed at the many ways color, form, and clean line, can similarly charge and balance the wood’s movement and composition.

I select each panel because of an immediate connection I’m able to feel. Each is incredibly unique, and it may be movement, visual weight, or a composition that fascinates me. Each piece is approached with a pencil. Instinctive, gestural shapes are scrawled as I begin to focus the piece. It is at this moment that my favorite part of the process happens."

"Hibernación / Hibernation"

Acrílico y tintes sobre abedul / acrylic and stain on birch, 30" x 41" © Kyle Fisher

"En el núcleo / At The Heart Of It", acrílico sobre abedul con metacrilato esmerilado / 

acrylic on birch with frosted plexiglass, 44" x 34" © Kyle Fisher

I asked Kyle about the relationship with Mondrian concerning his latest figurative works, specifically thinking of "Bloom" and "Pride". He wrote me that "As far as Mondrian's ideology is concerned - that mostly relates to my abstract works where the gestural shapes simply play into / balance out the existing composition of the woodgrain.". About this series "interested in influencing the connotations we apply to the recognizable", pending a more inclusive artistic statement, Kyle gives me some clues:

"The iconography we gather - of wildlife, the mundane, markings of physical space - and our experience of the visual world is processed differently by all - in countless and unimaginable ways.  A spattered wash of color may resonate.  For another, a line mimicking brittle, tattered fabric conjures familiarity.   

We form our grasp of the physicality of things uniquely and alone. I believe through reinterpreting the representational using one's unique understanding of how things feel, fold, move, tear, bloom and decay, we're able to introduce imagery in a way that challenges predispositions.  We're then able to better communicate the nuances of perception that connect us."

"Sweep the Jacks", acrílico sobre luaun / acrylic on luaun, 65" x 32" © Kyle Fisher

"Vanidad / Vanity", acrílico y tintas sobre abedul / acrylic and stain on birch, 30" x 25" © Kyle Fisher

"Trabajo de oficina / Paperwork", acrílico sobre luaun / acrylic on luaun 40" x 26" © Kyle Fisher

Kyle is a founding and current member of Part Time Studios – a gallery and artist collective. You can get more information about this project here.

More works and information about Kyle in his website.

"Realeza / Royalty", acrílico sobre abedul / acrylic on birch", 54" x 36" © Kyle Fisher

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Kyle!)
Agradezco también a mi amigo Pedro que me echó una mano con la traducción.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Kyle!)
I also thank my friend Pedro that helped me with the translation.

Hanneke Beaumont [Escultura]

Descubrí la obra de ésta interesantísima escultora a través de su escultura "Courage", situada en la Plaza del Príncipe, en Santa Cruz de Tenerife. Se trata de una instalación con varios personajes en bronce sumamente llamativa. Vamos a conocer un poco más a su creadora.

I discovered the work of this very interesting sculptor through her artwork "Courage", located in the Plaza del Principe, in Santa Cruz de Tenerife. Is a very striking installation with several bronze characters. Let's know a little bit more about her creator.

Hanneke Beaumont

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

Hanneke Beaumont es una escultora nacida en Maastricht, Holanda, en 1947. Sus obras se centran en la figura humana y están realizadas en terracota, bronce y hierro fundido.

Estudio odontología en los Estados Unidos, pero regresó a Europa mudándose a Bélgica, donde vive actualmente. Comenzó sus estudios artísticos en 1977 en la Académie de Braine l'Alleud, luego en La Cambre y en Anderlecht. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1983.

"Instalación IV, Terracotas Nº 27 y 29 / Installation IV, Terracottas #27 and #29", 2006

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Terracota Nº 27, detalle / #27, detail, 2006. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"¿Quiénes somos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?". Hanneke se hace eco en su trabajo de las preguntas que permanentemente se ha hecho el hombre, pero también trata temas más específicamente contemporáneos, como en su obra "Abundancia y Caos". Muchas de sus figuras no parecen hombres ni mujeres, ni jóvenes ni viejos. No parecen retratos de individuos en particular, ni están modelados a partir de formas humanas estilizadas. Físicamente, son aproximaciones a los seres humanos y como tales ofrecen una forma de considerar, con cierta distancia, ideas generales acerca de la naturaleza de la raza humana. Sus posiciones no son agresivas o provocativas, pero tampoco están resignados. Frágiles pero fuertes, inmóviles pero listos para moverse, éstas figuras parecen estar en un equilibrio espacial ingrávido; su carácter humano atado a las cuerdas del pensamiento. Vestidos con "ropas" intemporales, con materiales parcialmente estructurados, entrelazados con el cuerpo, que desafían nuestra percepción sin escandalizar nuestra sensibilidad.

"Bronce Nº 102 / Bronze #102", 122 x 46 x 52 cm. 

Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

"Terracota Nº 82 (también en bronce) / Terracotta #82 (also available in bronze)"

2006-07, 28" x 60 5/8" x 27 1/8". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Yo trabajo en arcilla. Construyo en hueco, que es una forma muy complicada de hacer esculturas, pero creo que es la única forma en que puedo hacerlo, porque no me gusta estar pendiente de un armazón y luego hacer el molde, y luego la terracota, así que trabajo la terracota en hueco desde el principio. Es un trabajo lento y creo no hay muchos artistas que trabajen así a ésta escala en terracota"

"Bronce Nº 116 / Bronze #116", 85 x 30 x 80 cm. 

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Bronce Nº 80 / Bronze #80", 12 1/4" x 9 7/8" x 6 3/4"

Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

"Ahora trabajo a menudo en hierro fundido, que últimamente se ha convertido en un medio que utilizo más y más, y que me brinda también la posiblidad de volver un poquito sobre la terracota. Una vez más, el hierro fundido tiene esa oxidación natural y encuentro que expresa muy bien lo que pretendo cuando utilizo la arcilla."

 Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Conectado-Desconectado / Connected-Disconnected", bronce / bronze, 2010

(Bronces Nº 91, 93 y 99 / Bronzes #91, #93 and #99).

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Al principio, cuando comencé con la escultura, hacía muchos retratos de personas trabajando a partir de un modelo. Y la gente me pedía cada vez más retratos. Yo realmente no quería involucrarme en ello más aún, así que de alguna manera dejé de lado esa parte de mi trabajo y busqué trabajar sin modelo para expresar más lo que me preocupaba, lo que notaba en la gente, lo que me impactaba a veces en ciertas situaciones, y eso era a lo que yo quería dar expresión. O sea que la forma como está hecho, ya sea sólo anatómicamente o a quién se parezca la figura no tiene importancia, sólo hago salir de mi cabeza todas esas figuras y las hago como surgen.

Y supongo que la forma como salen de mi cabeza es pura intuición que se concreta en mis figuras, porque así es como las veo y así es como me siento, así que parecen todas hermanos y hermanas o algo así. Se ven más o menos similares precisamente porque no trabajo con modelos."

"Bronce Nº 91 / Bronze #91", altura, 116 cm. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

Ella prefiere dejar la mayoría de sus trabajos sin título.

"Cuando tienes un título, más o menos sientes que fuerza tu pensamiento en una dirección. Si lo dejas neutral, lo interpretarán como quieran", dice. "Me gusta cuando la gente se siente libre de interpretar la escultura."

"Bronce Nº 99, maqueta / Bronze #99, Maquette", 57 x 16 x 32 cm.

Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

Los textos están tomados del sitio web de la artista, de un artículo de Jeffrey Kaczmarczyk en "The Grand Rapids Press" que puede leerse completo (en inglés) aquí, y de partes de la entrevista de Joseph A. Becherer cuyo video puede verse completo al final del post.

Se puede disfrutar del trabajo de Hanneke en su sitio web y en los de varias galerías, por ejemplo en "Bowman Sculpture".

Más información (en inglés) en Wikipedia.

"Bronce Nº 99, detalle / Bronze #99, Detail". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Bronce y hierro fundido Nº 48, Melancolía / Bronze and Cast Iron #48, Melancholia"

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

Hanneke Beaumont is a Dutch sculptor born in Maastricht, 1947. Her sculptures focus on the human figure and are realized in Terracotta, Bronze and Cast iron.

She studied dentistry in the United States, but moved back to Europe, to Belgium, where she still lives today. Beaumont started her artistic studies in 1977 at the Académie de Braine l'Alleud, then at La Cambre and in Anderlecht; she received her first solo exhibition in 1983.

Hanneke trabajando en / working on "Melancolía / Melancholy"

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Hierro fundido Nº 107 / Cast Iron #107", 2010. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

«Who are we? What are we? Where are we going?». Man’s perennial questions are echoed by Hanneke Beaumont’s work , but she also raises more specifically contemporary issues as in her cast iron sculpture «Abundance & Chaos». Many of her figures appear neither male nor female, neither young nor old. They do not appear as portraits of particular individuals, nor are they modeled after idealized human forms. Physically, they are approximations of human beings, and as such, they provide a way to consider, from a distance, general ideas about the nature of the human race. Their positions are not aggressive or provocative, but neither are they resigned. Fragile but strong, motionless but ready to move, these figures seem in a weightless spatial equilibrium - their human character tied to a string of thought. Dressed in timeless « clothes », partly structured material, intertwined with the body, they defy our perception without shocking our sensibility.

"Hierro fundido Nº 72 / Cast Iron #72", 185 x 34 x 35 cm. incluyendo la base / including base.

Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

"Hierro fundido Nº 72 / Cast Iron #72". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"I work in clay. I build it up hollow which is a very complicated way of making sculptures, but I think is the only way I can do it because I don't like working with an armature and then later making a mould and then making it in terracotta, so my terracotta is actually build up hollow from the start. Is a slow work and I think not many artists that make'em that scale in terracotta."

"Dando un paso adelante / Stepping Forward"

Bronce patinado / patinated bronze, 600 x 196 x 145 cm., 2007

Frente al Consejo Europeo de Ministros en Bruselas / In front of European Council of Ministers in Brussels.

Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

El video grabado durante la instalación de ésta obra puede verse al final del post /

You can see the video recorded during the installation of this sculpture at the end of this post.

"Bronce Nº 73, El tedio / Bronze #73, L'Ennui", 2005.

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Bronce Nº 105 / Bronze #105", 32 ¼" x 13" x 27 ½", 2010.

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"I work often now also in cast iron, which lately has become a media I use more and more, and which brings me also again a little bit back to the terracotta, and the cast iron again I have this natural oxidation and I get also that expresses very well the way I want to use the clay."

"Bronce Nº 115 / Bronze #115", 40 x 21 x 27 cm. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"At the beginning, when I started with the sculpture, I did a lot of portraits of people, I worked out from a model. And the people asked me more and more to do portraits. I didn't really want to get into this more. So I sort of slope that part of my work down and wanted to work completely without the model, and express more what's preoccupying me what I'm notice in people, what strikes me sometimes in situations and that's what I wanted to give expression to. So the way it was done, what it was anatomically just or whether that figure was resembling then make any  ... no more importance, so I just make him out of my head all of this figures since then I made like that. And I suppose the way the head comes out is just pure intuition they become my figures because that's the way I see him and that's the way I feeling, so they looks like they're all brothers and sisters or whatever. They all look more or less the same, that's because I don't work with models."

"Bronce Nº 25 / Bronze #25". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

She also prefers to leave most of her work untitled.

"When you have a title, you pretty much feel that forces you to think in a direction. If you leave it neutral, they will interpret it in their way," she said. "I like it when people feel free to interpret the sculpture."

"Valor / Courage", bronce / bronze. Foto / Photo. Wikimedia Commons

Plaza del Príncipe, Santa Cruz de Tenerife, Canarias, España

"Valor / Courage", detalle / detail. Foto / Photo: Mine d'Art

En 1994, Hanneke fue reconocida por éste grupo escultórico con el premio mayor del Centre International d’Art Contemporain Château Beychevelle.

In 1994, Hanneke was awarded for her sculpture group «Le Courage», the major award of the Centre International d’Art Contemporain Château Beychevelle.

"Valor / Courage", detalle / detail. Foto / Photo: Juan Yanes

Texts are taken from artist's website, from an article by Jeffrey Kaczmarczyk in "The Grand Rapids Press" you can fully read here and from an interview by Joseph A. Becherer whose video you can see at the end of this post. 

You can enjoy Hanneke's work in her website and in the sites of several galleries, for example in "Bowman Sculpture".

More information in Wikipedia.

"Valor / Courage", detalle / detail. Foto / Photo: Javier Fuentes, 9/2013

Post publicado con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mijntje y Hanneke!)

Post published here with artist's permission (Thanks a lot, Mijntje and Hanneke!)

Entrevista a Hanneke realizada por Joseph a. Becherer, Curador y Vice Presidente de Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park.
Interview of Hanneke, by Joseph A. Becherer, Chief Curator & Vice President of the Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park.


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Instalación de "Un paso hacia adelante". La obra se instaló frente al nuevo edificio dedicado al Consejo de Ministros Europeo en Bruselas.
Installation of "Stepping Forward". Artwork was installed in front of the new building dedicated to the European Council of Ministers in Brussels.