Koo Schadler
Koo Schadler es una artista estadounidense nacida en 1962, conocida por sus trabajos en temple al huevo, un método utilizado como principal forma de expresión en la pintura hasta el Renacimiento, cuando muchos artistas se pasaron al óleo.
Koo se graduó de la Universidad Tufts en 1984 con una licenciatura en Historia del Arte. Después de su graduación, viajó por toda Europa y finalmente se estableció en Florencia, Italia, para poder ver el arte del Renacimiento a diario. Al regresar a los Estados Unidos, en 1986, se mudó a California, donde conoció el temple al huevo a través del artista Chester Arnold en el College of Marin.
"Conejo belga y Miguel Ángel / Belgian Hare and Michelangelo"
Temple al huevo y barniz oleoso sobre panel / egg tempera and oil glazes on panel, 11" x 11" © Koo Schadler
"Uvas y porcelana azul / Grapes and Blue Porcelain"
Temple al huevo y barniz oleoso sobre panel / egg tempera and oil glazes on panel, 10 1/2" x 10" © Koo Schadler
En los años '90 regresó al este y se instaló en una pequeña ciudad en el sur de New Hampshire. Durante tres años estudió pintura al óleo clásica con Numael y Shirley Pulido, mientras estudiaba el temple al huevo por su cuenta. Eventualmente escogió el temple al huevo y la punta de plata como sus medios principales.
Koo es pintora maestra de la Sociedad Copley de Boston. Es editora colaboradora de The Artist's Magazine y miembro de la junta directiva de la Society of Tempera Painters. Enseña talleres de pintura y diseño en los Estados Unidos y en el extranjero. Su obra está representada por la Galería Arden en Boston. Sus pinturas y dibujos se encuentran en más de 400 colecciones privadas y corporativas, y en muchos museos de todo el país.
"Chico con violín / Boy with Violin"
Temple al huevo sobre panel de yeso, acabado con óleo /
egg tempera, on true gesso panel, finished with oil, 14 1/2" × 10 3/4" © Koo Schadler
"Tres conchas / Three Shells", Temple al huevo sobre panel de yeso /
egg tempera, on true gesso panel, 8,5" x 11,5" x 1,6" © Koo Schadler
"Una ronda perfecta - Liebre ártica y paisaje (tríptico) / A Perfect Round - Snow Hare & Landscape (triptych)"
Temple al huevo sobre panel de yeso / egg tempera, on true gesso panel, 10 1/8" x 22 5/8" x 1" © Koo Schadler
«Al principio me sorprendió escuchar describir a mis conejitos como "lindos". Pinto conejos por la misma razón por la que pinto niños: me gusta la geometría en su forma, su aspecto, y la mezcla de inocencia y astucia en sus naturalezas. Sin embargo, dejando a un lado lo que me gusta de pintar conejos, no puedo menos que reconocer que, efectivamente, son lindos.
Con respecto a los prejuicios en el mundo del arte, las personas más influyentes (los principales directores de museos y galerías, críticos de arte, etc.) son predominantemente hombres, y siempre hay beneficios para los artistas masculinos. Cuando menciono esta circunstancia a los pintores masculinos, muchos (aunque ciertamente no todos) parecen sorprendidos u ofendidos. Me arriesgo a parecer estridente. Por todos lados, es un tema incómodo.
¿Ser una mujer que pinta lindos conejitos afecta la seriedad con que se me considera? No lo sé. Amo mi trabajo, tengo estudiantes entusiastas y galerías que me apoyan, y me gano la vida. Me siento muy afortunada.»
"Reinita azulada hembra y narcisos / Black Throated Blue Warbler Daffodils Female"
Temple al huevo / egg tempera, 7 1/4" x 5 1/2", 2006 © Koo Schadler
"Chica de perfil con cinta púrpura / Girl in Profile, Purple Headband"
Temple al huevo sobre panel de yeso, acabado con óleo /
egg tempera, on true gesso panel, finished with oil, 11 3/8" x 7 3/8" © Koo Schadler
«El temple es un medio relativamente lento. Crear suficientes pinturas para una exposición individual lleva tiempo, lo que significa que pasaré todo este año trabajando exclusivamente para una exposición individual en Arden Gallery programada para diciembre de 2016. Actualmente tengo dos trípticos (pinturas de tres paneles) en el caballete, cada uno con una composición bastante ambiciosa y compleja. Estas dos piezas deberían mantenerme totalmente ocupada durante un par de meses, al menos.»
"Jarra mexicana y cosmos / Mexican Jug and Cosmos"
Temple al huevo y barniz oleoso sobre panel / egg tempera and oil glazes on panel, 7" x 5" © Koo Schadler
"Las partes más pequeñas (tríptico) / Smallest Parts (triptych)"
Temple al huevo / egg temple, 8 1/2" x 12 7/8", 2008 © Koo Schadler
El panel central presenta dos manzanas, una roja vibrante con hojas brillantes, la otra manchada y cetrina, junto con una sinuosa lagartija naranja. Los paneles laterales representan, respectivamente, un jarrón transparente de flores silvestres y una mariposa sobre un montón de tres piedras. Todo descansa en un estante de piedra que recorre los tres paneles, con un texto: "Si deseas que el todo refresque tu corazón, debes descubrir el todo en cada pequeña parte / If you wish the whole to refresh your heart you must glimpse the whole in the smallest part" (Goethe). Se necesita un momento para descifrar las letras sutilmente cinceladas, que se suman a la ilusión del trampantojo; la sombra de la lagartija trepando por la cara de piedra es un buen toque.
The central panel presents two apples—one vibrant red with glossy leaves, the other spotted and sallow—along with a sinuous orange lizard. The flanking wings depict, respectively, a clear vase of wild flowers and a butterfly atop a pile of three stones. Everything rests on a stone shelf, running continuously across the three panels, with a text: "If you wish the whole to refresh your heart you must glimpse the whole in the smallest part" (Goethe). It takes a moment to decipher the subtly chiseled letters, which adds to the trompe l’oeil illusion; the shadow of the lizard crawling across the stone face is a nice touch.
"Libros, girasoles, picogruesos / Books, Sunflowers, Grosbeaks"
Temple al huevo sobre panel de yeso / egg tempera, on true gesso panel, 10" x 12" © Koo Schadler
«No sé cómo describir mi estilo. Mi abordaje consiste en intentar, tanto como me sea posible, pintar algo sincero y hermoso.»
"Dulces flores (díptico) / Sweet Flowers (diptych)", temple al huevo sobre panel de yeso acabado al óleo /
egg tempera, on true gesso panel, finished with oil, 11 3/4" x 13" x 1" © Koo Schadler
Koo durante un taller de pintura con temple al huevo /
during an egg tempera workshop, NESBA
Koo Schadler is an American artist born in 1962, known for her works in egg tempera, a method used as a main way of expression in painting until the Renaissance, when many artists switched to oil.
Koo graduated from Tufts University in 1984 with a BA in Art History. After graduation she traveled throughout Europe and eventually settled in Florence, Italy, so she could look at Renaissance art daily. On returning to the states in 1986 she moved to California where she was introduced to egg tempera through artist Chester Arnold at the College of Marin.
"Urraca y peonías / Magpie and Peonies", temple al huevo y barniz oleoso sobre panel /
egg tempera and oil glazes on panel, 10 1/8" x 8 1/2" © Koo Schadler
"Todo lo que es armonía / All That is Harmony"
Temple al huevo sobre panel de yeso / egg tempera, on true gesso panel, 11 1/2" x 10 3/4" © Koo Schadler
In the 90's Koo returned east and settled in a small town in Southern New Hampshire. For three years she studied classical oil painting with Numael and Shirley Pulido, while pursuing egg tempera studies on her own. Eventually she selected egg tempera and silverpoint as her primary mediums.
Koo is a Master painter of The Copley Society of Boston. She is a contributing editor at The Artist’s Magazine and a board member of the Society of Tempera Painters. She teaches painting and design workshops around the US and abroad. Her work is represented by the Arden Gallery in Boston, MA. Her paintings and drawings are in more than 400 private and corporate collections, and many museums nationwide.
"La única novedad (tríptico) / The Only News (triptych)"
Temple al huevo sobre panel de yeso / egg tempera, on true gesso panel, 14" x 20,25" x 1" © Koo Schadler
"Odesa y azulejo / Odessa and Bluebird"
Temple al huevo sobre panel de yeso, acabado al óleo /
egg tempera, on true gesso panel, finished with oil, 9,5" x 7,75", 2009 © Koo Schadler
"Herrerillo crestinegro y manzanas silvestres / Black-crested Titmouse and Wild Apples"
Temple al huevo sobre panel de yeso, acabado al óleo /
egg tempera, on true gesso panel, finished with oil, 12" x 9", 2014 © Koo Schadler
«Tempera is a relatively slow medium. Creating enough paintings for a solo exhibition takes time, which means I will spend this entire year working exclusively for a solo show at Arden Gallery scheduled for December 2016. I currently have two triptychs (three-paneled paintings) on the easel, each with a fairly ambitious and complex composition. These two pieces should keep me fully occupied for a couple of months, at least.»
"Hermano / Brother II (Ethan) & Hermana / Sister II (Lily)"
Temple al huevo sobre panel de yeso acabado al óleo / egg tempera, on true gesso panel, finished with oil,
Cada panel / each panel 10" x 6 5/8", 2006 © Koo Schadler
"Conejo blanco y zinnias / White Rabbit and Zinnias"
Temple al huevo sobre yeso, acabado con óleo /
egg tempera, on true gesso panel, finished with oil, 11 1/4" x 10 3/4" © Koo Schadler
«Initially I was surprised to hear my bunnies described as "cute". I paint rabbits for the same reason I paint children: I like the geometry in their form, their outfits, and the mix of innocence and cunning in their natures. However if I step back from what I love about painting rabbits, I concede the point: they are cute.
Regarding prejudices in the art world, the most influential people - major museum and gallery directors, art critics, etc - are predominantly men, and there are ways in which this benefit male artists. When I mention this possibility to male painters, many (although certainly not all) seem surprised or perhaps offended. I risk appearing strident. On all sides it is an uncomfortable topic.
Does being a woman who paints cute bunnies affect how seriously I'm regarded? I don't know. I love my job, I have enhusiastic students and supportive galleries, and I make a living. I feel very fortunate.»
"Chica con banda elástica blanca / Girl with White Scrunchie"
Temple al huevo, barniz, sobre panel / egg tempera, glaze, panel, 25 x19 x 6 cm., 2010 © Koo Schadler
"Mi carta (tríptico) / My Letter (triptych)"
Temple al huevo sobre panel de yeso / egg tempera, on true gesso panel, 12,6" x 22,25" x 1" © Koo Schadler
«I don't know how to describe my style. My approach is that I am trying, as best as I'm able, to paint something unaffected and beautiful.»
"Peonías y mascarita común / Peonies and Commons Yellowthroat Warbler"
Temple al huevo sobre panel de yeso / egg tempera, on true gesso panel, 10,25" x 10,75" x 1,6" © Koo Schadler
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Fuentes / Sources:
* Website
* "Creando imágenes convincentes / Creating Compelling Images"
Entrevista de / Interview by Lauren Mills. International Artists Magazine
Edición Nº 90 abril / mayo, 2013 / Issue #90 April / May 2013. Link
* Perfil / Profile, iGavel Auctions
* Newington Cropsey Cultural Studies Center. Koo Schadler
American Arts Quartery, Invierno 2009, Volumen 26, Número 1 / Winter 2009, Volume 26, Number 1
Koo Schadler en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXXII-2)]
Fuentes / Sources:
* Website
* "Creando imágenes convincentes / Creating Compelling Images"
Entrevista de / Interview by Lauren Mills. International Artists Magazine
Edición Nº 90 abril / mayo, 2013 / Issue #90 April / May 2013. Link
* Perfil / Profile, iGavel Auctions
* Newington Cropsey Cultural Studies Center. Koo Schadler
American Arts Quartery, Invierno 2009, Volumen 26, Número 1 / Winter 2009, Volume 26, Number 1
Koo Schadler en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXXII-2)]
Más sobre / More about Koo Schadler: Website, Arden Gallery
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Koo!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Koo!)
Huntington Museum of Art presenta a / presents Koo Schadler
Referencias / References
Temple al huevo
La témpera o temple, es un medio de pintura de secado rápido y permanente que consiste en pigmentos coloreados mezclados con un medio aglutinante soluble en agua (generalmente material glutinoso como la yema de huevo o algún otro por el estilo). También se refiere a las pinturas hechas con este medio. Las pinturas hechas con témpera son muy duraderas, y todavía existen ejemplos del primer siglo después de Cristo. El temple al huevo fue un método primario de pintura hasta después de 1500 cuando fue reemplazado por la invención de la pintura al óleo.
Se ha encontrado témpera en las primeras decoraciones de los sarcófagos egipcios. Muchos de los retratos de momias de Fayum están hechos a témpera, a veces en combinación con encáustica.
Esta técnica artística era conocida desde el mundo clásico, donde parece haber tomado el relevo de la pintura encáustica y fue el medio principal utilizado para la pintura de paneles y los manuscritos iluminados en el mundo bizantino y en la Europa renacentista medieval. La pintura de témpera fue el medio principal de pintura de paneles para casi todos los pintores en el período europeo medieval y renacimiento temprano hasta 1500. Wikipedia
«La transición del témpera al petróleo a menudo se explica como una innovación tecnológica repentina. La teoría es que el temple al huevo era la única opción durante muchos siglos, y el arte estaba limitado por las limitaciones inherentes a la témpera. Entonces se inventó óleo a principios del siglo XV. La pintura se vuelve cada vez más realista y los artistas cambian al medio más maleable y expresivo del óleo. En resumen, una innovación en la pintura cambió la dirección del arte.
Hay otra perspectiva. El pintor Cennino Cennini del siglo XIV dijo que el propósito del arte era pintar otros mundos, no este mundo. La pintura al temple es muy fina y a base de agua. Tiene una calidad etérea. Se aplica de forma gradual y meditativa. Es difícil representar una forma robusta en tres dimensiones, y los tonos oscuros no son tan saturados y profundos como en el óleo. Estas llamadas "limitaciones" de la témpera son las que la hicieron ideal para la época medieval. Creo que la pintura al óleo se habría sentido incómodamente gruesa, material y mundana para un pintor del siglo XIV.
Hubo un cambio profundo en la conciencia en el siglo XV, es decir, el "Renacimiento". La gente se centra menos exclusivamente en los cielos y se interesa cada vez más en el mundo material. La pintura al óleo en realidad había existido durante siglos, pero nunca había evolucionado más allá de aplicaciones relativamente toscas. Tan pronto como la cultura tuvo un deseo de mayor realismo en el arte, la pintura al óleo rápidamente se convirtió en un medio sofisticado y bien entendido. Es difícil creer que solo 25 años separan el Díptico de Wilton (ver más abajo) y las creaciones de Jan van Eyck. Desde esta perspectiva, el arte no fue influenciado por una innovación en la pintura, sino que fue la cultura, como se refleja en el arte, lo que provocó una nueva forma de ver y, en consecuencia, una nueva forma de pintar.
Por lo tanto era natural que los pintores del siglo XV se sintieran atraídos por el óleo. Es un poco mejor que el témpera en la representación de la materia, y los artistas del Renacimiento se encontraban dentro de, y también creaban, una cultura que estaba cada vez más interesada en la materia.
Es interesante observar a los pintores que no se pasaron al óleo, como Fra Angelico. Él era un hombre muy devoto. Botticelli se sintió atraído tanto por el humanismo como pro una religiosidad. Su temática abarcó desde la mitología hasta el misticismo, y pasó del témpera al óleo, para luego regresar a la témpera.
Piero della Francesca se pasó al óleo al principio de su carrera y nunca volvió atrás.
Me asemejo a Botticelli en que me siento atraída por dos mundos. Amo la naturaleza etérea de la témpera, pero aprecio la materialidad del óleo. Esta es la razón por la que los métodos de trabajo tradicionales del temple, desarrollados en la época medieval, no me satisfacen del todo. Intento extraer del temple un poco más de realismo. De hecho, me pregunto si algunas de las frecuentes limitaciones de la témpera no son inherentes al medio, sino que son atributos retenidos desde la época medieval en la que floreció. Creo que el temple es más material de lo que a veces se supone.» K.S.
_________________________________________Egg Tempera
Tempera is a permanent, fast-drying painting medium consisting of colored pigments mixed with a water-soluble binder medium (usually glutinous material such as egg yolk or some other size). Tempera also refers to the paintings done in this medium. Tempera paintings are very long lasting, and examples from the first century AD still exist. Egg tempera was a primary method of painting until after 1500 when it was superseded by the invention of oil painting.
Tempera painting has been found on early Egyptian sarcophagi decorations. Many of the Fayum mummy portraits use tempera, sometimes in combination with encaustic.
The art technique was known from the classical world, where it appears to have taken over from encaustic painting and was the main medium used for panel painting and illuminated manuscripts in the Byzantine world and Medieval and Early renaissance Europe. Tempera painting was the primary panel painting medium for nearly every painter in the European Medieval and Early renaissance period up to 1500. Wikipedia
«The transition from tempera to oil often is explained as a sudden technological innovation. The theory is that egg tempera was the only option for many centuries, and art was constrained by the limitations inherent to tempera. Then oil was invented in the early 15th century. Painting become increasingly realistic and artists switched to the more malleable and expressive medium of oil. In short, an innovation in paint changed the direction of art.
There is another perspective. The 14th century painter Cennino Cennini said the purpose of art was to paint other worlds, not this world. Tempera paint is water based and thin. It has an ethereal quality. It is applied in a gradual, meditative way. It's difficult to render robustly three-dimensional form, and the darks aren't as saturated and deep as in oil. These so-called "limitations" of tempera are what made it ideally suited to the medieval era. I think oil paint would have felt uncomfortably thick, material, and worldly to a 14th century painter.
There was s profound shift in consciousness in the 15th century, i.e. the "Renaissance". People become less exclusively focused on the heavens, and increasingly interested in the material world. Oil paint actually had been around for centuries but never had evolved beyond relatively crude applications. As soon as the culture had a desire for greater realism in art, oil painting quickly developed into a sophisticated, well-understood medium. It is hard to believe that only 25 years separate the Wilton Diptych (see below) and Jan van Eyck's creations. From this perspective art wasn't influenced by an innovation in paint. Instead it was the culture, as reflected in art, that caused a new way of seeing, and consequently created a new way of painting.
So it was natural for 15th century painters to be drawn to oil. Oil is slightly better than tempera at representing matter, and Renaissance artist were within, as well as creating, a culture that was increasingly interested in matter.
It is interesting to look at the painters who did not switch to oil, as Fra Angelico. He was a very devout man. Botticelli was drawn to both humanisn and intense religiosity. His subject matter ranged from mythology to misticism, and he went from tempera to oil, then back to tempera.
Piero della Francesca switched to oil early in his career and never looked back.
I am akin to Botticelli in that I am drawn to two world. I love the ethereal nature of tempera but appreciate the materiality of oil. This is why the traditional working methods of tempera, developed in the medieval era, don't fully suit me. I try to extract from tempera a bit more realism. In fact, I wonder if some of the oft' stated limitations of tempera are not actually inherent to the medium, but instead are attributes held over from the medieval age in which the medium flourished. I think tempera is capable of more materiality than is sometimes presumed.» K.S.
_________________________________________Chester Arnold
"Operación a pequeña escala / Small Time Operation", óleo sobre lino / oil on linen, 46" x 56", 2012
Chester Arnold nació en 1952 en Santa Mónica, California, pero fue criado en la Alemania de la posguerra y durante los años 1966 y 1969 estudió arte en Maestros Privados en Munich. A princípio de los años 70 regresó a California y entre 1970 y 1974 estudió en el College of Marin en Kentfield, California, antes de obtener en 1988 su Máster en Bellas Artes del instituto del arte de San Francisco. Popular en los museos del área de la bahía, su trabajo tiende a ser a gran escala, rico en detalles, e irónicamente humorístico. Con frecuencia presenta acumulaciones de objetos.
«Mis pinturas son parte de un diálogo visual que abarca todo lo largo de la historia humana. La búsqueda de la excelencia en este Arte y Artesanía me ha llevado a explorar el mundo natural y los eventos humanos que lo habitan, construyendo narrativas que celebran y cuestionan nuestra presencia en el mundo.
Siendo figurativo, busco una forma de pintar que sea ricamente tradicional, pero radical y sorprendentemente nueva. Intento articular más que las superficies y dimensiones de la realidad, convocando los significados sin palabras y sensaciones que solo el arte visual puede.»
Chester Arnold was born in 1952 in Santa Monica, California, but was raised in postwar Germany and during the years 1966 and 1969 he studied art in Private Masters in Munich. At the beginning of the 70s he returned to California and between 1970 and 1974 he studied at the College of Marin in Kentfield, California, before obtaining his MFA from the San Francisco Institute of Art in 1988. Popular in the bay area museums, his work tends to be large scale, rich in detail, and ironically humorous. It often presents accumulations of objects.
Crocker Art Museum (Sacramento, California, EE.UU./ CA, USA)
«My paintings are part of a visual dialogue running the length and breadth of human history. The search for excellence in this Art and Craft has led me to explore the natural world and the human events that inhabit it, constructing narratives that celebrate and question our presence in the world.
Although representational, I seek a way of painting that is richly traditional, yet radically and surprisingly new. I attempt to articulate more than the surfaces and dimensions of reality, summoning the wordless meanings and sensations that only visual art can.»
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Shirley Pulido
Shirley Pulido, nacida Shirley Burke en Rochester New York, asistió a la Universidad de Syracuse, la Universidad de Rochester, la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn y la Cooper Union.
Recibió una beca Fulbright para estudiar en la Sorbona y el Gran Chaumier (París) en 1957. Luego vivió y trabajó en Francia durante cuatro años, con un compromiso cada vez más profundo con los Maestros, a pesar de su temprana inmersión en una educación artística moderna.
Continuó encontrando su propia conexión con la pintura clásica en el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje. Finalmente regresó a la ciudad de Nueva York y reanudó su carrera, añadiendo pintura mural a su repertorio.
Está casada con el pintor, Numael Pulido.
En 1970 los Pulido trasladaron su estudio a Hancock, New Hampshire, donde Shirley estableció una carrera en el retrato y la pintura animal, y más recientemente se convirtió en un una devota pastelista.
En los años 80 ella y su esposo tomaron un interludio de tres años en Inglaterra donde ejecutaron murales y trampantojos.
Las obras de Shirley Pulido se encuentran en colecciones de todo el mundo. Blog
Shirley Pulido, born Shirley Burke, Rochester New York, attended Syracuse University, The University of Rochester, The Brooklyn Museum Art School and Cooper Union.
She received a Fulbright scholarship to study in Paris at the Sorbonne and the Grand Chaumier in 1957. She then lived and worked in France for four years, with an ever deepening commitment to the Masters, despite her early immersion in a modern art education.
She continued to find her own connection to Classical painting - in portraiture, still life and landscape. Eventually returning to New york City she resumed her career, adding mural painting to her repertoire.
She is married to the painter, Numael Pulido.
In 1970 the Pulidos moved their studio to Hancock, New Hampshire where Shirley has established a career in portraiture and animal painting, as well as more recently having become a devoted pastelist.
In the 80's, she and her husband took a three year interlude in England where they executed murals and trompe l'oeil.
Shirley Pulido's works are in collections far and wide. Blog
Numael Pulido
Numael Pulido nació en Colombia en 1939. Llegó a los Estados Unidos en 1958 para estudiar pintura y se matriculó en la Art Student's League, donde estudió con George Gross y Frank Mason. Siendo aún era estudiante ganó el premio SJ Wallace en la Academia Nacional de Diseño y posteriormente fue representado por la Galería Bernard Black.
Ya en 1970 se retiró del mundo de las galerías y se mudó a New Hampshire, sintiendo la necesidad de adquirir mayor libertad de técnica, algo tan evidente en la obra de los Maestros Clásicos. Allí comenzó a experimentar en profundidad con las técnicas de la pintura al óleo.
A mediados de los '80 se mudó a Inglaterra y reanudó su carrera profesional, exponiendo en la Royal Academy de Londres. Estuvo representado por John Noote Galleries en Worcestershire.
En 1989 regresó y se estableció de forma permanente en los Estados Unidos para pintar y enseñar en Hancock, New Hampshire, donde ha introducido a muchos artistas ahora reconocidos a los principios de la pintura clásica. Sus retratos están representado por Vose Galleries en Boston.
Los retratos de Numael Pulido se pueden encontrar en numerosas colecciones privadas en EE.UU. y en Europa, así como en prestigiosas instituciones. Blog
"Christopher", óleo / oil
Numael Pulido was born in Colombia, South America in 1939. He arrived in United States in 1958 to study painting and enrolled at the Art Student's League where he studied with George Gross and Frank Mason. While still a student he won the SJ Wallace prize at the National Academy of Design and was subsequently represented by the Bernard Black Gallery.
As early as 1970 he withdrew from the gallery world and moved to New Hampshire, feeling the need to acquire further freedom of technique, that which is so evident in the work of the Classical Masters. There he commenced to experiment in depth with the techniques of oil painting.
In the mid 80's, he moved to England and resumed his professional career, exhibiting at the Royal Academy in London; he was represented by the John Noote Galleries in Worcestershire for the duration of his stay in England.
In 1989, he returned and settled permanently in the United States to paint and teach in Hancock, NH. where he has introduced many now recognized artists to the principles of Classical Painting. His portraiture is represented by the Vose Galleries in Boston, Ma.
Numael Pulido's portraits can be found in numerous private collections in USA and in Europe, as well as in prestigious institutions. Blog
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El Díptico Wilton / The Wilton Diptych
Témpera sobre roble báltico / tempera on baltic oak, 53 x 37 c.1395-99
National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
El Díptico Wilton es un pequeño díptico portátil de dos paneles con bisagras, pintado por ambos lados. Es caso extremadamente raro de supervivencia de una pintura de panel religiosa medieval tardía de Inglaterra. El díptico fue pintado para el rey Ricardo II de Inglaterra, quien aparece arrodillado ante la Virgen y el Niño en lo que se conoce como retrato de un donante. Él es presentado por su santo patrón, Juan el Bautista, y por los santos reales ingleses Eduardo el Confesor y Edmundo el Mártir. La pintura es un excelente ejemplo del estilo gótico internacional.
Cuando está cerrado, el díptico revela en un lado un ciervo blanco, el emblema de Ricardo, con una corona dorada alrededor de la garganta y una cadena de oro, echado en un prado cubierto de hierba con ramas de romero de Ana, con un "cielo" dorado. Por el otro, un escudo con los brazos asociados con el rey Eduardo el Confesor empalado con los brazos de los reyes de Inglaterra. Estas armas fueron adoptadas por Ricardo aproximadamente en 1395. Las armas de Eduardo fueron una invención posterior, ya que los escudos de armas no se habían inventado en el siglo XI cuando él vivió. Wikipedia
El díptico cerrado / The Diptych closed
The Wilton Diptych is a small portable diptych of two hinged panels, painted on both sides. It is an extremely rare survival of a late Medieval religious panel painting from England. The diptych was painted for King Richard II of England who is depicted kneeling before the Virgin and Child in what is known as a donor portrait. He is presented to them by his patron saint, John the Baptist, and by the English royal saints Edward the Confessor and Edmund the Martyr. The painting is an outstanding example of the International Gothic style.
When closed, the diptych reveals on one side a white hart or stag, Richard's emblem "gorged" with a golden coronet around its throat and a golden chain, "lodged" (the heraldic term for sitting) on a grassy meadow with branches of rosemary, with a gold "sky". On the other is a coat of arms with arms associated with King Edward the Confessor impaled with the arms of the Kings of England. These arms were adopted by Richard in about 1395. The arms of Edward were a later invention, as coats-of-arms had not been invented in the eleventh century when he lived. Wikipedia
_________________________________________Otros artistas mencionados, en el blog / Other artists mentioned, in this blog:
Cennino Cennini en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXXII)]
Fra Angelico en "El Hurgador" / in this blog: [Fred Wessel (Pintura)], [Arte y humor (VIII) - Referencias]
Sandro Botticelli en "El Hurgador" / in this blog:
[Vania Elettra Tam (Pintura)], [Arte y Humor (IX) - Referencias], [Salomé y el Bautista (I)], [Sucedió en el museo (V-Anexo)]
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