Les presentamos una nueva entrevista de Shirley Rebuffo, esta vez a Néstor Plada, artista y poeta uruguayo con una extensa trayectoria en pintura, grabado, collage y técnicas mixtas.
Texto en inglés al final del post.
We present a new interview by Shirley Rebuffo, this time with Néstor Plada, Uruguayan artist and poet with an extensive career in painting, printmaking, collage and mixed media.
English text at the end of this post.
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Néstor Plada García
(Minas, Lavalleja, Uruguay, 1942-)
Néstor Plada en el taller / at the Studio, 2019
Néstor Plada nace en Minas, capital del departamento de Lavalleja, Uruguay. Maestro de Enseñanza Primaria y Profesor de Arte (dibujo y diseño), ha ejercido la docencia en ambas ramas en Uruguay. Más tarde (1987-2003) emigra a Estados Unidos, radicándose en Nueva Jersey, donde realiza paralelamente las tareas de publicista y pintor-grabador.
Desde el 2003 se establece en España, en la sureña Estepona, Málaga, ciudad andaluza con una maravillosa naturaleza, donde sigue pintando y dando clases de arte.
Ha expuesto individual y colectivamente en distintos puntos de Uruguay, Argentina y en Estados Unidos, en Florida, New Jersey y Nueva York, y también en España. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Australia, Estados Unidos, Sudamérica y Europa.
Bernardo Palomo se refiere a su trabajo como una "plástica contundente donde los esquemas de la realidad quedan desvirtuados en un entramado material lleno de expresionismo e intensidad pictórica."
"Adagio", acrílico, collage y yeso sobre tela / acrylic, collage and plaster on canvas, 52 x 52 cm.
"Otoño / Autumn", técnica mixta / mixed media
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cuándo comenzaste a pintar?
Néstor Plada: Con una cierta disciplina, en mis años de enseñanza secundaria, y como espontáneo siendo un niño de 10 años con las técnicas caseras y elementales que tenía disponibles.
SR: ¿Recuerdas tu primera obra?
NP: No recuerdo una obra en particular. Recuerdo mis primeros trabajos en los años 60, y era un conjunto de ejercicios básicos, con las clásicas directivas de la escuela de Torres (García). Eran muy serios intentos de abordar la figura humana, los bodegones, el paisaje, etc.
Con la invalorable guía del pintor Casimiro Motta, con su orientación y sus análisis críticos, fui incorporando a mis intentos en dibujo pintura y cerámica una fuerte base cultural. Paralelamente ya venía incorporando, como estudiante de secundaria en Arquitectura, con el excelente profesor Oscar Aguirre, arquitecto, pintor y profesor de Historia del Arte, los principios básicos y universales del arte, que interrelacionan las corrientes conceptuales desde el arte prehistórico hasta las corrientes de vanguardia.
"Composición / Composition", técnica mixta / mixed media, 50 x 58 cm., 2010
"Crepúsculo / Dusk", acrílico, collage y yeso sobre madera /
Acrylic, collage and plaster on wood, 50 x 69 cm.
SR: ¿Qué estilos y movimientos artísticos se ven reflejados en tu pintura?
NP: Como mencioné anteriormente me formé conceptual y técnicamente en el Arte Universal de la escuela Torresgarciana, como alumno indirecto del Maestro. Con el paso del tiempo incorporé en mis obras las enseñanzas del abstraccionismo con sus múltiples corrientes (Informalismo, Neoplasticismo, Suprematismo, Expresionismo Abstracto, etc.) principios que, de una forma u otra, ya estaban contemplados en el ideario estético de Torres.
SR: ¿Cómo te relacionaste con el estilo Torres-García?
NP: Concurriendo como becario del taller "Amigos del Arte" de Minas, Lavalleja, fundado, entre otros conocidos artistas, por Edgardo Ribeiro, alumno directo de Torres-García. Allí tome las primeras clases básicas de dibujo, pintura, cerámica y escultura. El taller poseía una biblioteca no muy extensa, pero eso sí, muy selecta, de libros sobre arte y artistas, y ahí conocí los fundamentos estéticos de Joseph Albers, André Lothe o André Malraux, entre otros intelectuales.
"Diciembre / December", técnica mixta / mixed media, 50 x 70 cm., 2009
"Dispersión en blanco / Dispersion in White"
Técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 122 x 122 cm., 2010
SR: ¿Cuáles fueron tus maestros?
NP: Los referentes de mi formación artísticas, en diferentes niveles de influencia, fueron profesores entre los que destaco a: Carlos Carvalho, Wilson Amaral, Oscar Aguirre, Casimiro Motta, a nivel local en Minas. Luego debo sumar la admiración y el asombro que me fueron produciendo el descubrimiento de los grandes maestros del Abstraccionismo, el Expresionismo Abstracto de los 50, el Informalismo, y por supuesto las mejores corrientes artísticas desde la prehistoria a la actualidad.
SR: ¿Cómo defines tu dimensión interior volcada a la pintura?
NP: Más o menos todos quienes abordamos la tarea de expresarnos a través de las Artes Plásticas, seguimos ciertos principios de estética general que ajustan la interacción entre la idea y la emoción, en la búsqueda de una obra sensible y sensibilizadora. En esa tarea, por momentos ardua y sutil, técnica, creatividad y elementos culturales son de una importancia relevante. Mi dimensión interior volcada a la pintura, se canaliza sobre esas premisas. Pienso además que, en esos términos generales, se apoya la esencia misma de una obra de arte.
"Déjà vu", óleo, collage y tinta / oil, collage and ink, 70 x 52 cm.
"Horizonte / Horizon", técnica mixta / mixed media
SR: ¿Qué buscas al realizar una obra? ¿Qué intentas transmitir?
NP: Parte de la respuesta está contenida en la respuesta anterior. Creo que agregaría que busco ordenar sobre una superficie bidimensional, sea cual sea el material del soporte, los elementos de mi lenguaje plástico personal, sometido a una composición global equilibrada. Mi búsqueda, en lo estrictamente técnico, se basa en el uso ponderado del valor (claroscuro), la relatividad del color, la expresividad visual de las texturas, la intensidad de la pigmentación, y demás recursos materiales. En lo temático y/o conceptual busco aquellas imágenes y formas que además de poseer una carga emotiva, o ser parte de mis experiencias visuales, soporten una transformación en el campo de la abstracción, sin perder frescura y emotividad. En el ejercicio de la creatividad trato de que lo plástico prevalezca sobre lo anecdótico, idea de Arte Universal ya expuesta ampliamente, entre otros, por Torres-García en su Universalismo Constructivo. Sintetizando, quiero que lo que comunico al observador sea un mensaje de reflexión y emoción, e implica un tránsito por los conceptos básicos de la Abstracción. Tal vez sea movido en mi repuesta por mi pasión por la Didáctica.
"Hueco azul / Blue Hollow", técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 120 x 95 cm., 2010
"Transmite su bien provisto bagaje plástico en la manifestación de un paisaje muy esencial y básico pero que reúne contundentes registros expresivos. Desde una gran contención representativa, con un dominio absoluto de los materiales conformantes y una capacidad absoluta para estructurar los distintos elementos, el artista uruguayo nos posiciona en un paisaje que, a fuerza de cercanía, plantea nuevos registros donde se adivinan muchos elementos presentidos. Estamos ante una pintura muy bien conformada, con las formas plásticas acertadamente yuxtapuestas y acondicionadas para que consigan efectos inesperados." - Bernardo Palomo
"La sorpresa / The Surprise", técnica mixta / mixed media, 95 x 120 cm., 2010
"Paisaje / Landscape", yeso, acrílico y collage sobre madera /
plaster, acrylic and collage on wood, 115 x 115 cm.
SR: ¿Qué te inspira en la cotidianidad?
NP: La creación artística extrae sus leitmotivs de distintas fuentes, y lo cotidiano entre otras cosas, lo que vemos con nuestros ojos cerca o lejos, conforman la memoria visual. David Hockney, el maestro, dice que el arte es básicamente la expresión de la memoria visual. En verdad la experiencia visual cotidiana deja huellas conscientes o inconscientes, de remarcable fuerza y se manifiestan en la concreción de una obra. A veces las cosas más simples o cotidianas, se convierten en el centro de energía del acto creativo. El arte valoriza en sus formas interpretativas más hondas, la presencia de los objetos que consideramos rutinarios o vulgares.
SR: ¿Cómo juegas con los colores, las líneas, los planos?
NP: No podría sintetizar la repuesta para esta pregunta, pues involucra, sobre todo, los aspectos técnicos y conceptuales, que aplico físicamente sobre el soporte, y sería una larga y árida respuesta, muy técnica en esencia.
"Lejano e incierto / Far And Uncertain", técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 50 x 50 cm.
"Meditación / Meditation", acrílico y yeso sobre tela / acrylic and plaster on canvas, 70 x 85 cm.
SR: ¿Qué motiva cada día a seguir pintando y/o dando clases?
NP: Quisiera decir que pinto todos los días, pero eso no pasa, a mi pesar. Pero si es cierto, que vuelvo siempre a pintar, porque siempre están ahí las ganas de intentar, de explorar, y es una atrapante posibilidad de conseguir una esquiva y desafiante felicidad.
Voy a pintar con una prudente alegría, y como en el azar, suelo encontrar la frustración, sí, pero no la derrota. Para el próximo intento siempre tengo un plan.
La enseñanza es una posibilidad de reafirmar mis ideas, y de aprender de mis alumnos, que, con su espontánea y libre experimentación, logran por momentos increíbles hallazgos.
SR: ¿Algo curioso que le haya pasado como artista, y que recuerde con satisfacción?
NP: Algo que recuerdo no tanto como curioso, sino como inusual, fue haber sido por un par de años, socio del Guggenheim Museum de Nueva York. Los socios teníamos acceso a las inauguraciones de exhibiciones exclusivas, con la presencia de los artistas o personalidades del arte en Estados Unidos. Allí conocí a referentes mundiales de las artes plásticas, como Robert Morris, Robert Rauschenberg y Claes Oldenburg entre otros.
"Migración / Migration", acrílico y collage sobre lienzo / acrylic and collage on canvas, 105 x 160 cm., 2010
"Madre mística / Mystic Mother", óleo y papel sobre tela / oil and paper on canvas, 79 x 64 cm.
SR: Cómo artista, ¿qué valoras realmente?
NP: La fusión del talento, la originalidad, y el trabajo permanente. También valoro la perseverancia de los artistas de todas las edades, que siguen trabajando y buscando, nuevos caminos en las rutas trazadas por los grandes maestros de toda la historia del arte.
En un mundo de globalización del consumismo, la pintura en particular y las Artes Plásticas en general, como medios creativos, están perdiendo terreno frente a corrientes expresivas al servicio de ese consumismo. Ante esa realidad valoro especialmente a los artistas que continúan bregando por difundir sus obras, siempre fieles a sus principios.
SR: ¿Qué has aprendido de la experiencia?
NP: Que siempre hay y habrá, algo que decir. He aprendido que el Arte expresa la vida en su conjunto, y desde las experiencias individuales, hasta las manifestaciones colectivas que transforman conceptualmente la orientación cultural de las sociedades a través de la Historia. Se aprenden más cosas que no debes hacer en el arte, y menos cosas que debes hacer. Los altamente talentosos y los genios pueden revertir esa ecuación. De ellos hay que aprender.
"Nocturno / Nocturne"
Acrílico, papel de seda y yeso / acrylic, silk paper and plaster, 127 x 190 cm., 2010
"Mirador / Overlook", óleo, papel seda, collage y tinta / oil, silk paper, collage and ink, 60 x 90 cm.
SR: ¿Hay algún reto pendiente?
NP: Reto tiene varios significados: 1) “Provocación o citación al duelo o desafío“; 2) “Acción de amenazar”; 3) “Objetivo o empeño difícil de llevar a cabo, y que constituye por ello, un estímulo y un desafío para quien lo afronta”.
Yo me quedo con la segunda acepción. Cada vez que me enfrento a una tela o soporte elegido, formulo la amenaza que ahora si, por fin, haré la primera obra de una saga brillante. Por ahora sólo han sido retos inefectivos, o al menos inconclusos.
SR: ¿Tienes algún proyecto en desarrollo, o algún plan a mediano o largo plazo?
NP: Saliendo de este período de confinamiento e incertidumbre, me he propuesto el comienzo de una serie de obras, de formato pequeño, y mediano, y serán enfocadas a desarrollar trabajos semi abstractos. Este proyecto está vinculado conceptualmente con obras que expuse en galerías de Andalucía entre 2010 y 2015. Las referencias temáticas son, el paisaje andaluz, la figura humana, y composiciones abstractas con sugerencias figurativas.
"Refracción / Refraction", acrílico, yeso, collage y plata a la hoja sobre madera /
acrylic, plaster, collage and silver leaf on wood, 50 x 50 cm., 2010
"Samurai", técnica mixta / mixed media, 80 x 50 cm., 2010
SR: ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que has trabajado en una obra?
NP: Cuando dedico demasiado tiempo a una obra, tengo casi siempre el temor perder la espontaneidad, y que un detallismo exagerado enfríe la forma y el contenido. No puedo decir que pinto rápido, pero tampoco que lo hago a largo plazo. Trato siempre en un cuadro que aquellas zonas trabajadas en muchas sesiones luzcan frescas, espontáneas. Durante el confinamiento he tardado 3 meses en una obra de solo 46 x 55. Sin duda considerando el tamaño, es la obra en la que he trabajado por más tiempo.
"Veneciano / Venetian", técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 50 x 50 cm.
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text
Néstor Plada was born in Minas, capital of the department of Lavalleja, Uruguay. Primary school teacher and Art teacher (drawing and design), he has taught in both branches in Uruguay. Later (1987-2003) he emigrates to the United States, settling in New Jersey, where he worked simultaneously as a publicist and painter-printmaker.
Since 2003 he has been living in Spain in the southern town of Estepona, in Malaga, an Andalusian city with a wonderful natural environment, where he continues to paint and give art classes.
He has exhibited individually and collectively in different parts of Uruguay, Argentina and in the United States, in Florida, New Jersey and New York, and also in Spain. His works are part of private collections in Australia, the United States, South America and Europe.
Bernardo Palomo refers to his work as a "forceful plastic where the schemes of reality are distorted in a material framework full of expressionism and pictorial intensity."
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: When did you start painting?
Néstor Plada: With a certain discipline, in my high school years, and as a spontaneous child of 10 years with the homemade and elementary techniques I had available.
SR: Do you remember your first work?
NP: I don't remember a particular work. I remember my first work in the 1960s, and it was a set of basic exercises, with the classic directives of the school of Torres (García). They were very serious attempts to address the human figure, still lifes, landscape, etc.
With the invaluable guidance of the painter Casimiro Motta, with his orientation and critical analysis, I incorporated a strong cultural base into my attempts at drawing, painting and ceramics. At the same time I was already incorporating, as a high school student in Architecture, with the excellent teacher Oscar Aguirre, architect, painter and professor of Art History, the basic and universal principles of art, which interrelate conceptual currents from prehistoric art to avant-garde currents.
SR: What artistic styles and movements are reflected in your painting?
NP: As I mentioned before, I was conceptually and technically trained in the Universal Art of the school of Torres-García, as an indirect student of the Master. With the passage of time I incorporated in my works the teachings of abstractionism with its multiple currents (Informalism, Neoplasticism, Suprematism, Abstract Expressionism, etc.) principles that, in one way or another, were already contemplated in Torres' aesthetic ideology.
SR: How did you relate to the Torres-García style?
NP: As a scholarship holder at the "Amigos del Arte" workshop in Minas, Lavalleja, founded, among other well-known artists, by Edgardo Ribeiro, a direct student of Torres-García. There I took the first basic classes in drawing, painting, ceramics and sculpture. The workshop had a not very extensive, but very select library of books on art and artists, and there I met the aesthetic foundations of Joseph Albers, André Lothe or André Malraux, among other intellectuals.
SR: What were your teachers?
NP: The references of my artistic training, at different levels of influence, were teachers among which I highlight a: Carlos Carvalho, Wilson Amaral, Oscar Aguirre, Casimiro Motta, locally in Minas. Then I must add the admiration and amazement that the discovery of the great masters of Abstractionism, the Abstract Expressionism of the 50's, Informalism, and of course the best artistic currents from prehistory to the present.
SR: How do you define your inner dimension in painting?
NP: More or less all of us who approach the task of expressing ourselves through the plastic arts, follow certain principles of general aesthetics that adjust the interaction between the idea and the emotion, in the search for a sensitive and sensitizing work. In this sometimes arduous and subtle task, technique, creativity and cultural elements are of a relevant importance. My inner dimension, turned to painting, is channelled on these premises. I also think that, in those general terms, the very essence of a work of art is supported.
SR: What do you look for when you perform a work? What are you trying to convey?
NB: Part of the answer is contained in the answer above. I think I would add that I am looking for order on a two-dimensional surface, whatever the material of the medium, the elements of my personal plastic language, subjected to a balanced overall composition. My search, in the strictly technical, is based on the weighted use of the value (chiaroscuro), the relativity of color, the visual expressiveness of textures, the intensity of pigmentation, and other material resources. In the thematic and / or conceptual I look for those images and forms that, besides being emotionally charged, or being part of my visual experiences, support a transformation in the field of abstraction, without lose freshness and emotion. In the exercise of creativity I try to make the plastic prevail over the anecdotal, an idea of Universal Art already widely exposed, among others, by Torres-García in his Constructive Universalism. In summary, I want what I communicate to the observer to be a message of reflection and emotion, and it implies a passage through the basic concepts of Abstraction. Perhaps I am moved in my response by my passion for Didactics.
"He transmits his well-provided plastic baggage in the manifestation of a very essential and basic landscape but one that brings together forceful expressive registers. From a great representative containment, with an absolute command of the conforming materials and an absolute capacity to structure the different elements, the Uruguayan artist positions us in a landscape that, by dint of proximity, poses new registers where many presentimental elements can be guessed at. We are before a very well shaped painting, with the plastic forms correctly juxtaposed and conditioned to achieve unexpected effects." - Bernardo Palomo
SR: What inspires you in everyday life?
NP: Artistic creation draws its leitmotifs from different sources, and the everyday among other things, what we see with our eyes close or far away, make up the visual memory. David Hockney, the Master, says that art is basically the expression of visual memory. In truth, the everyday visual experience leaves conscious or unconscious traces, of remarkable strength and are manifested in the realization of a work. Sometimes the simplest or everyday things become the center of energy of the creative act. Art values in its deepest interpretative forms, the presence of objects that we consider routine or vulgar.
SR: How do you play with colors, lines, planes?
NP: I couldn't summarize the answer to this question, because it involves, above all, the technical and conceptual aspects, which I apply physically on the support, and it would be a long and arid answer, very technical in essence.
SR: What motivates you every day to continue painting and/or teaching?
NP: I'd like to say that I paint every day, but that doesn't happen, to my regret. But it's true, I always go back to painting, because there's always the desire to try, to explore, and it's an exciting possibility to achieve an elusive and challenging happiness.
I will paint with a prudent joy, and as in chance, I usually find frustration, yes, but not defeat. For the next attempt I always have a plan.
Teaching is a possibility to reaffirm my ideas, and to learn from my students, who, with their spontaneous and free experimentation, achieve at times incredible discoveries.
SR: Anything funny that happened to you as an artist that you remember with satisfaction?
NP: Something I remember not so much as being curious, but as being unusual, was being a partner of the Guggenheim Museum in New York for a couple of years. The partners had access to exclusive exhibition openings, with the presence of artists or art personalities in the United States. There I met worldwide references of the plastic arts, such as Robert Morris, Robert Rauschenberg and Claes Oldenburg among others.
SR: As an artist, what do you really value?
NP: The fusion of talent, originality, and hard work. I also value the perseverance of artists of all ages, who continue to work and seek new paths on the routes traced by the great Masters of all the history of art.
In a world of globalization of consumerism, painting in particular and the visual arts in general, as creative media, are losing ground to currents expressive in the service of that consumerism. In the face of this reality, I especially value the artists who continue to struggle to disseminate their works, always faithful to their principles.
SR: What have you learned from the experience?
NP: That there is, and always will be, something to say. I have learned that Art expresses life as a whole, and from individual experiences to collective manifestations that conceptually transform the cultural orientation of societies throughout history. You learn more things you shouldn't do in art, and less things you should do. The highly talented and the geniuses they can reverse that equation. From them we must learn.
SR: Are there any outstanding challenges?
NP: Challenge has several meanings: 1) "Provocation or summons to mourning or defiance"; 2) "Threatening action"; 3) "Objective or endeavor that is difficult to carry out, and which constitutes a stimulus and a defiance for those who face it.
I'll take the second meaning. Every time I am faced with a chosen canvas or support, I formulate the threat that now, at last, I will make the first work of a brilliant saga.
For now, these have only been ineffective challenges, or at least unfinished ones.
SR: Do you have any projects under development, or any medium or long term plans?
NP: Coming out of this period of confinement and uncertainty, I have proposed the beginning of a series of works, of small and medium format, and they will be focused on to develop semi-abstract works. This project is conceptually linked with works that I exhibited in galleries in Andalusia between 2010 and 2015. Thematic references are, the Andalusian landscape, the human figure, and abstract compositions with figurative suggestions.
SR: What is the longest you have ever worked on a painting?
NP: When I spend too much time on a work, I'm almost always afraid I'll lose my spontaneity, and that exaggerated detail will cool down the form and content. I can't say I paint fast, but I don't paint long term either. I always try in a painting that those areas worked on in many sessions look fresh, spontaneous.
During the confinement I have taken 3 months in a work of only 46 x 55. Without a doubt, considering the size, it is the work I have worked on the longest.
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