Este post complementa el anterior sobre parecidos razonables que puede verse aquí. Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.
This post complements the previous one about similarities and look-alikes. English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Anna Maria Mengs
"Retrato de / Portrait of Anton Raphael Mengs", pastel sobre papel / pastel on paper, 57 x 44 cm.
Segunda mitad del s.XVIII / second half of the XVIII century.
Museo Nacional del Prado (Madrid, España / Spain)
Anna Maria Mengs, o Ana Carmona, fue una artista alemana. Nacida en Dresde en 1751, fue la hija del pintor Rafael Mengs. En 1777 se casó con el grabador español Manuel Salvador Carmona. Sus obras incluyen retratos al pastel y miniaturas; el de su marido está en la Academia de San Fernando, en la que Mengs fue admitido como miembro de mérito el 29 de agosto de 1790. Murió en 1792.
En 1793, para conmemorar el primer aniversario de su muerte, la Academia de San Fernando presentó una exposición de la obra de Mengs. En 1800, en su Diccionario histórico de los mas ilustres Profesores de las Bellas Artes en España, Juan Agustín Ceán Bermúdez escribió de ella que a pesar de "siete nacimientos, y el cuidado y la educación de sus hijos, no dejó de pintar miniaturas y pasteles con buen gusto y la inteligencia ". [1]
Anton Raphael Mengs en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXIII)], [Asonancias (XXIX, Anexo)]
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Frédéric Auguste Bartholdi
"La libertad iluminando el mundo (Estatua de la Libertad) /
Liberty Enlightening the World (Statue of Liberty)"
La Estatua de la Libertad es una colosal escultura neoclásica en la isla de la Libertad en la bahía de Nueva York, en los Estados Unidos. La estatua, obra de Frédéric Auguste Bartholdi, escultor francés y dedicado el 28 de octubre de 1886, fue un regalo a los Estados Unidos del pueblo de Francia. La estatua es de una figura femenina vestida que representa a Libertas, la diosa romana, que lleva una antorcha y una tabula ansata (una tableta que evoca la ley) sobre la cual está inscrita la fecha de la Declaración de la Independencia Estadounidense, el 4 de julio de 1776. Una cadena rota se encuentra a sus pies. La estatua es un icono de la libertad y de los Estados Unidos: una señal de bienvenida a los inmigrantes que llegan desde el extranjero. [2]
Réplica de la Estatua de la Libertad en / Replica of Statue of Liberty in Île aux Cygnes (Paris, Francia / France)
Frédéric Auguste Bartholdi fue un escultor francés nacido en 1834, conocido por el diseño de la Estatua de la Libertad.
Asistió al Liceo Louis-le-Grand de París, y obtuvo su licenciatura en 1852. A continuación pasó a estudiar arquitectura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, así como pintura con Ary Scheffer en su estudio de la calle Chaptal, ahora el Museo de la Vida Romántica. Más tarde Bartholdi volvió su atención a la escultura, de la que después se ocupó en exclusiva.
Murió en 1904. [3]
Frédéric Auguste Bartholdi en "El Hurgador" / in this blog:
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Vincent Van Gogh
"Autorretrato con sombrero de fieltro / Self-Portrait with Grey Felt Hat"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 × 37,5 cm., Invierno / Winter 1887/88
Van Gogh Museum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)
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Sandro Botticelli
"Adoración de los magos / Adoration of the Magi"
Tempera sobre panel / tempera on panel, 111 x 134 cm., c.1475
Galleria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy)
La obra fue un encargo de Gaspare di Zanobi del Lama, un banquero de origen humilde y dudosa moral, conectado a la Casa de los Medici, para su capilla en la iglesia de Santa Maria Novella (hoy destruida). En la escena están presentes numerosos personajes entre los que se encuentran varios miembros de la familia Medici: Cosimo de Medici (el Mago de rodillas delante de la Virgen, descrito por Vasari como "el más fino de todos los que ahora existen, por su vida y vigor"), sus hijos Piero (el segundo Mago arrodillado en el centro con el manto rojo) y Giovanni (el tercer Mago), y sus nietos Giuliano y Lorenzo. Los tres Medici retratados como Magos estaban todos muertos en el momento en que el cuadro fue pintado, y Florencia era gobernada eficazmente por Lorenzo. [4]
Sandro Botticelli en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Joseph Siffrein Duplessis
"Benjamin Franklin", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1785.
National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (Washington, Estados Unidos / USA
Regalo de / Gift of The Morris and Gwendolyn Cafritz Foundation
Benjamin Franklin en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXLIII)]
Joseph-Siffred Duplessis fue un pintor francés, conocido por la claridad e inmediatez de sus retratos.
Nació en 1725 en Carpentras, cerca de Aviñón, en una familia con inclinaciones artísticas, y recibió su primer entrenamiento de su padre, un cirujano y aficionado talentoso. Posteriormente estudió con Joseph-Gabriel Imbert (1666-1749), que había sido discípulo de Charles Le Brun. Desde 1744 hasta 1747 o más tarde, trabajó en Roma, en el taller de Pierre Subleyras (1699-1749), que también estaba en el sur de Francia. En Italia Duplessis si hizo amigo rápidamente con Joseph Vernet.
Llegó en 1752 a París, donde fue aceptado en la Academia de Saint-Luc y exhibió algunos retratos. Su retrato del Delfín en 1771 y su nombramiento como Peintre du Roi aseguraron su éxito: la mayor parte de sus retratos supervivientes datan de los años 1770 y 1780.
Murió en 1802. [5]
Joseph-Siffred Duplessis en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (L)], [Asonancias (XXVIII, Anexo)]
"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58 × 49 cm., c.1801.
Palace of Versailles (Francia / France)
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"La Dolorosa", Colegio de San Gabriel (Quito, Ecuador)
Los que se creen esas cosas dicen que en 1906 la imagen de la Virgen parpadeó varias veces.
Those who believe such things say that in 1906 the Virgin blinked several times.
Ilustración de / Illustration of "La Dolorosa"
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Escultura en las calles de Roma / Sculpture in the streets of Rome
Busto en mármol de un hombre / Marble portrait bust of a man
Romano, período de Julio-Claudio, mediados del s.I d.C / Roman, Julio-Claudian period, mid-1st century A.D.
Metropolitan Museum of Art (Washington, Estados Unidos / USA)
Este potente retrato en busto, incorpora una gran expansión del pecho, una característica estilística indicativa de que fue esculpido hacia mediados del siglo I d.C. La mayoría de los retratos trabajados en este duro realismo, datan del primer siglo A.C., pero el estilo continuó de moda hasta mediados del s. I d.C., y fue revivido intermitentemente más adelante. [6]
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Lateral Oeste de la Plaza de Platerías / West Side of the Silverware Square
(Santiago de Compostela, España / Spain)
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Frida Kahlo
"La columna rota / The Broken Column"
óleo sobre lienzo, montado sobre masonita / oil on canvas mounted on masonite, 43 x 33 cm., 1944
Colección de / Collection of Dolores Olmedo Patiño (Ciudad de México / Mexico City, México)
Este autorretrato es un gran contraste con otros autorretratos de Frida ya que se pintó sola… sin monos, ni gatos, ni pericos, y sin fondo de hojas protectoras y plantas. En lugar de eso Frida está sola, llorando en una vasta llanura bajo un cielo tormentoso. Quizás es su manera de expresar que tiene que manejar su dolor físico y emocional por sí misma.
En 1944, cuando Frida pintó este autorretrato, su salud se había deteriorado hasta el punto de que tuvo que llevar un corsé de acero para sujetar su columna vertebral durante cinco meses. Describió la experiencia como un "castigo". Las correas del corsé parecen ser lo único que aguanta el cuerpo roto de la artista en una pieza y erecto. Una columna jónica, rota en varias partes, representa su columna dañada. La dramática abertura en su cuerpo y las fisuras del seco paisaje se convierten en símbolos del dolor y la soledad de la artista. Este sentimiento se ve acentuado por el poderoso símbolo de los clavos atravesando su cara y cuerpo. El clavo más largo agujereando su corazón indica la fuente de el dolor emocional causado por Diego. [7]
Información de: Frida Kahlo Fans
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"Pareja en madera / Couple in Wood", c. 3800-1710 a.C / B.C.
Entre el período prehistórico tardío y el Imperio Medio tardío /
From the late prehistoric period to the late Middle Kingdom
Museo del Louvre (París, Francia / France)
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"Retrato de un hombre, de un relieve funerario / Portrait of a man from a funerary relief"
Mármol / marble, 24,4 cm.
Período Imperial temprano, Agustino, s.I a.C tardío / Early Imperial Period, Augustan, late 1st century B.C.
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)
Esta cabeza de un relieve funerario probablemente representa a un liberto, o antiguo esclavo, que alcanzó la prosperidad tras haber obtenido su libertad. Tales relieves mostrando bustos de miembros de la familia dentro de un marco con forma de ventan, a menudo se situaban en la pared exterior de un panteón familiar. [8]
"Cabeza de Augusto / Head of Augustus", loza / faience 14, 7,7 x 6 x 6,5 cm.,
Período romano, Augusto / Roman Period, Augustus, 27 a.C - 14 b.C / 27 B.C. - A.D.
De Egipto, región Menfita; posiblemente de Menfis (Mit Rahina) /
From Egypt, Memphite Region; Possibly from Memphis (Mit Rahina)
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)
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Monstruo de cuerpo triple, del frontón del destruido Hecatompedón /
Triple-bodied monster," from the pediment of the destroyed Hekatompedon
caliza policromada / polychromed limestone, c.560 a.C / B.C.
Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia / Acropolis Museum, Athens, Greece
Monstruo de cuerpo triple del friso oeste del Antiguo templo de Atenea. Se trata de una criatura compuesta por tres figuras masculinas unidas por la cintura. La primera figura lleva agua en su mano izquierda, la segunda fuego, y la tercera un pájaro (simbolizando el aire). El monstruo termina en un cuerpo serpentiforme. Friso oeste del Antiguo templo de Atenea o tal vez del Hecatompedón. Fragmento Lenormant. [9]
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"Retrato de Akenatón (Amenhotep IV), faraón egipcio (1364-1347 b.C.) /
Portrait of Akhenaton (Amenhotep IV)", Egyptian Pharaoh (1364-1347 BCE)", estuco / stucco, ca. 1355 B.C.
Agyptisches Museum und Papyrussammlung / Museo Egipcio y colección de papiros /
Aegyptian Museum and Papyrum Collection
Staatliche Museen zu Berlin / Museos estatales de Berlín / State Museums of Berlin
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Quentin Massys
"Una anciana ('La Duquesa Fea') / An Old Woman ('The Ugly Duchess')"
Óleo sobre roble / oil on oak, 62,4 x 45,5 cm., 1513
The National Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)
La pintura muestra a una anciana grotesca, con la piel arrugada y senos marchitos. Lleva el tocado de cuernos aristocrático de su juventud, pasado de moda en la época de la pintura, y sostiene en su mano derecha una flor roja, por aquél entonces en un símbolo de compromiso, lo que indica que está tratando de atraer a un pretendiente. Sin embargo se la ha descrito como un capullo que se 'probablemente nunca florecerá'. La obra es la pintura más conocida Massys '.
Originalmente era la mitad de un díptico, con un retrato de un anciano. [10]
Leonardo da Vinci (atribuído / attributed)
"Cabeza grotesca / Grotesque Head", tiza roja sobre papel / red chalk on paper, 17,2 x 14,3 cm., 1480-1510.
Windsor Castle, Royal Library, Inglaterra / England
Los expertos a menudo han escrito acerca de cuán similar es la pintura de Massys a dos dibujos leonardescos que se supone reflejan un original perdido de Leonardo de alrededor de 1490. La suposición ha sido que Massys imitó las obras, pero la investigación de la Galería Nacional sugiere que este no es el caso. Susan Foister, curadora de "Rostros del Renacimiento", dijo: "Ahora podemos decir con confianza que Leonardo, o al menos uno de sus seguidores, copiaron la maravillosa pintura de Massys, y no a la inversa. Este es un descubrimiento muy emocionante.".
Foister dijo que había descubierto que Massys efectuó modificaciones sobre la marcha, lo que sugiere que estaba haciendo un estudio de cerca. Además, en las dos copias Leonardo, las formas del cuerpo y la ropa son demasiado simplificadas y el ojo izquierdo de la mujer no está en su cuenca.
"Siempre se supuso que un artista del norte de Europa menos conocido habría copiado a Leonardo y realmente no se ha pensado que podría haber sido al revés", dijo Foister. Añadió que ambos artistas eran conocidos por estar interesados en la fealdad e intercambiaron dibujos "pero el crédito para este trabajo magistral pertenece a Massys". [11]
La otra parte del díptico / the other side of the diptych
"Anciano de perfil / Old Man in Profile", óleo sobre roble / oil on oak, 63 x 43 cm., c.1517
Colección privada, Nueva York / Private Collection, New York
Quentin Massys en "El Hurgador" / in this blog: [Arte y humor (VIII) - Referencias]
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Leonardo Da Vinci
Le proporzioni del corpo umano secondo Vitruvio / El hombre de Vitruvio / The Vitruvian Man
Canon de proporciones / Canon of Proportions
Pluma y tinta con aguada en punta de metal, sobre papel /
Pen and ink with wash over metalpoint on paper, 34,4 × 25,5 cm., c.1490
Gabinetto dei disegni e stampe de la Galería de la Academia (Venecia, Italia / Venice, Italy)
El Hombre de Vitruvio - Le proporzioni del corpo umano secondo Vitruvio-, es un dibujo de Leonardo da Vinci de alrededor de 1490. Se acompaña de notas basadas en el trabajo del arquitecto Vitruvio. El dibujo, en pluma y tinta sobre papel, representa a un hombre en dos posiciones superpuestas con sus brazos y piernas separados e inscrito en un círculo y un cuadrado. El dibujo y el texto a veces se llaman Canon de proporciones o, menos a menudo, Proporciones del Hombre. Se conserva en el Gabinetto dei disegni e stampe de la Galería de la Academia, en Venecia, Italia, con la referencia 228. Como la mayoría de obras sobre papel, se muestra al público sólo ocasionalmente.
El dibujo se basa en las correlaciones de las proporciones humanas ideales con la geometría descrita por el antiguo arquitecto romano Vitruvio en el libro III de su tratado De Architectura. Vitruvio describió la figura humana como la principal fuente de la proporción entre los órdenes clásicos de la arquitectura. Vitruvio determinó que el cuerpo ideal debería ser de ocho cabezas de altura. El dibujo de Leonardo es tradicionalmente denominado en honor al arquitecto. [12]
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"Busto de un hombre, probablemente un sacerdote / Bust of a man, possibly a priest"
Caliza / limestone, 17,5 cm., c. 2000 a.C / BCE.
De Mohenjo Daro, Civilización del Valle del Indo / From Mohenjo Daro, Indus Valley Civilization
Museo Nacional de Pakistán (Karachi, Pakistán)
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Jean-Auguste-Dominique Ingres
"Jacques Marquet de Montbreton, Baron de Norvins"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,7 x 97,2 cm., 1811. National Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)
Jean-Auguste-Dominique Ingres en "El Hurgador" / in this blog:
[Lalla Essaydi (Fotografía)], [Uruguayos (XXIII)], [Aniversarios (XXXI)], [Thom Puckey (Escultura)], [Recolección (L)]
Textos en inglés / English Translation
[1]
Anna Maria Mengs, or Ana Carmona, was a German artist. Born in Dresden in 1751, she was the daughter of the painter Raphael Mengs. In 1777, she married the Spanish engraver Manuel Salvador Carmona. Her works include portraits in pastel and miniature; that of her husband is in the Academy of San Fernando, to which Mengs was admitted as a member of merit on August 29, 1790. She died in 1792.
In 1793, to mark the first anniversary of her death, the Academy of San Fernando presented an exhibition of Mengs' work. In 1800, in his Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Bellas Artes en España, Juan Agustín Ceán Bermúdez wrote of her that despite "seven births, and the care and education of her children, she did not stop painting miniatures and pastels with good taste and intelligence."
[2]
The Statue of Liberty is a colossal neoclassical sculpture on Liberty Island in New York Harbor in New York City, in the United States. The statue, designed by Frédéric Auguste Bartholdi, a French sculptor and dedicated on October 28, 1886, was a gift to the United States from the people of France. The statue is of a robed female figure representing Libertas, the Roman goddess, who bears a torch and a tabula ansata (a tablet evoking the law) upon which is inscribed the date of the American Declaration of Independence, July 4, 1776. A broken chain lies at her feet. The statue is an icon of freedom and of the United States: a welcoming signal to immigrants arriving from abroad.
[3]
Frédéric Auguste Bartholdi, was a French sculptor born in 1834, best known for designing the Statue of Liberty.
He attended the Lycee Louis-le-Grand in Paris, and received a BA in 1852. He then went on to study architecture at the École nationale supérieure des Beaux-Arts as well as painting under Ary Scheffer in his studio in the Rue Chaptal, now the Musée de la Vie Romantique. Later, Bartholdi turned his attention to sculpture, which afterward exclusively occupied him.
He died in 1904.
[4]
The work was commissioned by Gaspare di Zanobi del Lama, a banker of humble origins and dubious morality connected to the House of Medici, for his chapel in the church of Santa Maria Novella (now destroyed). In the scene are present numerous characters among which are several members of the Medici family: Cosimo de' Medici (the Magus kneeling in front of the Virgin, described by Vasari as "the finest of all that are now extant for its life and vigour"), his sons Piero (the second Magus kneeling in the centre with the red mantle) and Giovanni (the third Magus), and his grandsons Giuliano and Lorenzo. The three Medici portrayed as Magi were all dead at the time the picture was painted, and Florence was effectively ruled by Lorenzo.
[5]
Joseph-Siffred Duplessis was a French painter, known for the clarity and immediacy of his portraits.
He was born in 1725 in Carpentras, near Avignon, into a family with an artistic bent and received his first training from his father, a surgeon and talented amateur. He subsequently studied with Joseph-Gabriel Imbert (1666–1749), who had been a pupil of Charles Le Brun. From 1744–47 or later he worked in Rome, in the atelier of Pierre Subleyras (1699–1749), who was also from the south of France. In Italy Duplessis became fast friends with Joseph Vernet.
Arrived about 1752 in Paris, where he was accepted into the Académie de Saint-Luc and exhibited some portraits. His portrait of the Dauphine in 1771 and his appointment as a peintre du Roi assured his success: most of his surviving portraits date from the 1770s and 1780s.
He died in 1802.
[6]
This powerful portrait bust incorporates a large expanse of chest, a stylistic characteristic indicating that it was carved toward the middle of the first century A.D. Most surviving portraits worked in this hard realistic manner date to the first century B.C., but the style continued in fashion until the mid-first century A.D. and was revived intermittently thereafter.
[7]
This self-portrait is in sharp contrast to Frida's other self-portraits, 'cause here she is all alone… no monkeys, no cats, no parrots, and no background of protective leaves and plants. Instead, Frida stands all alone crying on a vast baron plain beneath a stormy sky. Perhaps it's her way of expressing that she must deal with her physical and emotional pain on her own.
In 1944 when Frida painted this self-portrait, her health had deteriorated to the point where she had to wear a steel corset for five months. She described the experience as a "punishment". The straps of the corset seem to be all that is holding the artist's broken body together and upright. An Ionic column, broken in several places, symbolizes her damaged spine. The yawning cleft in her body is repeated in the furrows of the bleak fissured landscape. An even more powerful symbol of her pain are the nails piercing her face and body. The nails represent the physical pain she has endured since her accident. The larger nail piercing her heart represents the emotional pain caused by Diego.
Information from: Frida Kahlo Fans
[8]
This head from a funerary relief probably represents a freedman, or former slave, who achieved prosperity after obtaining his freedom. Such reliefs showing busts of family members within a window-like frame were often set into the outer wall of a family's funerary building.
[9]
Triple-Bodied Monster on the west pediment of the Old Temple of Athena. It's about a creature composed of three male figures joined at the waist. The first figure holds in its left hand water, the second fire, and the third a bird (symbolizing air). The monster ends in a body with shape of serpent. West pediment of the Old Temple of Athena or perhaps of the Hekatompedon. Lenormant fragment.
[10]
The painting shows a grotesque old woman with wrinkled skin and withered breasts. She wears the aristocratic horned headdress of her youth, out of fashion by the time of the painting, and holds in her right hand a red flower, then a symbol of engagement, indicating that she is trying to attract a suitor. However, it has been described as a bud that will 'likely never blossom'. The work is Matsys' best-known painting.
It was originally half of a diptych, with a Portrait of an Old Man.
[11]
Experts have often written about how similar the Massys painting is to two Leonardesque drawings that are supposed to reflect a lost original by Leonardo from about 1490. The assumption has been that Massys imitated the works but the National Gallery research suggests that this was not the case. Susan Foister, curator of Renaissance Faces, said: "We can now say with confidence that Leonardo - or, at least, one of his followers - copied Massys's wonderful painting, not the other way around. This is a very exciting discovery."
Foister said they had discovered that Massys made amendments as he went along, suggesting he was making a study from close quarters. Also, in the two Leonardo copies, the forms of the body and clothes are oversimplified and the woman's left eye is not in its socket.
"It was always assumed that a lesser known northern European artist would have copied Leonardo and it has not really been thought that it could have been the other way round," said Foister. She added that both artists were known to be interested in ugliness and exchanged drawings "but credit for this masterful work belongs to Massys".
[12]
The Vitruvian Man - Le proporzioni del corpo umano secondo Vitruvio-, is a drawing by Leonardo da Vinci around 1490. It is accompanied by notes based on the work of the architect Vitruvius. The drawing, which is in pen and ink on paper, depicts a man in two superimposed positions with his arms and legs apart and inscribed in a circle and square. The drawing and text are sometimes called the Canon of Proportions or, less often, Proportions of Man. It is kept in the Gabinetto dei disegni e stampe of the Gallerie dell'Accademia, in Venice, Italy, under reference 228. Like most works on paper, it is displayed to the public only occasionally.
The drawing is based on the correlations of ideal human proportions with geometry described by the ancient Roman architect Vitruvius in Book III of his treatise De Architectura. Vitruvius described the human figure as being the principal source of proportion among the Classical orders of architecture. Vitruvius determined that the ideal body should be eight heads high. Leonardo's drawing is traditionally named in honor of the architect.
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