Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Noviembre aquí / All anniversaries for November here.
Todos los aniversarios de Noviembre aquí / All anniversaries for November here.
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El 20 de Noviembre es el cumple de
Guy Anderson, pintor estadounidense nacido en 1906.
Junto con Kenneth Callahan, Morris Graves y Mark Tobey, Anderson fue identificado en un artículo de Life Magazine como uno de los "místicos del noroeste", también conocido como la Escuela Noroeste.
Algunas de sus primeras pinturas retrataron la casa familiar. Un piano era una presencia importante en su casa. Su padre, Irving Anderson, era un carpintero-constructor y también músico. Desde temprana edad Guy estuvo intrigado por otras culturas. Le fascinaban particularmente las tallas de madera de tribus nativas de la costa norteña, y la colección de grabados japoneses que poseía su profesor de piano. Tan pronto como fue lo bastante mayor para hacerlo por su cuenta, comenzó a viajar a la Biblioteca Pública de Seattle en autobús para estudiar libros de arte.
Óleo sobre papel / oil on paper, 94" x 144", 1984
En 1929 Anderson montó un estudio en una dependencia en la propiedad de sus padres, y había pinturas suyas incluidas en un grupo de espectáculos en la Galería Quinta Avenida en el centro de Seattle. Con la apertura del Museo de Arte de Seattle en 1933, Anderson hizo amistad con su fundador, el Dr. Richard Eugene Fuller, y trabajó allí durante varios años alternativamente, como instalador y maestro de arte para niños.
Como muchos artistas durante la Gran Depresión trabajó para el Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras. A lo largo de los años 40 y 50 estuvo muy involucrado en la bulliciosa comunidad artística de Seattle.
En 1959 dejó Seattle para siempre. Alquiló una casa en el borde de La Conner, donde encontró la inspiración de los cielos vastos y de los escenarios naturales del área circundante. A lo largo de los años su arte varió desde imágenes figurativas densamente trabajadas y firmemente compuestas de paisajes del Noroeste hasta grandes y radicales pinceladas con formas fluidas, simbólicas e iconográficas.
En 1966 viajó a Europa por primera vez con sus amigos y compañeros artistas Clayton y Barbara James. En 1975 fue galardonado con una beca Guggenheim.
Murió en 1998.
Óleo sobre papel montado sobre panel / oil on paper mounted on board, 49" x 97", 1986
El 21 de Noviembre es el cumple de
Jeanne Mammen, pintora e ilustradora alemana del período de Weimar. Nació en 1890 y su trabajo se asocia con los movimientos de la Nueva Objetividad y el Simbolismo. Es conocida por sus representaciones de mujeres fuertes y sensuales, y la vida en la ciudad de Berlín.
Fue educada en París y estudió pintura en Bruselas y Roma. Sus primeros trabajos, influenciados por el simbolismo, el Art Nouveau y el movimiento decadente, se exhibieron en Bruselas y París en 1912 y 1913.
Acuarela y lápiz sobre papel velo ligeramente nacarado, montado sobre cartón /
watercolour and pencil on slightly nacreous wove paper, mounted on cardboard, 151,8" x 111,4"
En 1916 ella y su familia huyeron de París para evitar el internamiento. Mientras sus padres se mudaban a Ámsterdam, Mammen eligió volver a Berlín. Estaba financieramente sola por primera vez, ya que el gobierno francés había confiscado todas las propiedades de su familia. Durante varios años, Mammen luchó por sobrevivir, con cualquier trabajo que pudiera encontrar y pasando el tiempo con gente de diferentes orígenes. Estas experiencias y nuevas simpatías se reflejan en su obra de la época.
A lo largo de la década de 1920 y principios de 1930 trabajó principalmente en lápiz con aguadas de acuarela, y en pluma y tinta.
Acuarela y lápiz sobre papel velo / watercolour and pencil on wove paper, 35,6 x 48,6 cm., c. 1930. E&R Cyzer
En 1930 realizó una gran exposición en la galería Fritz Gurlitt. Durante los dos años siguientes, a propuesta de Gurlitt, creó una de sus obras más importantes: una serie de ocho litografías que ilustran Les Chansons de Bilitis, una colección de poemas amorosos lesbianos de Pierre Louÿs.
Al parecer, sus retratos de mujeres eran inquietantes para los nazis. En 1933, después de su inclusión en una exposición de artistas femeninas en Berlín, las autoridades denunciaron sus motivos y temas como "judíos", y prohibieron sus litografías para Les Chansons de Bilitis. Los nazis cerraron la mayoría de las revistas para las que había trabajado y ella se negó a trabajar para aquellas que cumplían con sus políticas culturales. Hasta el final de la guerra practicó una especie de "emigración interior". Dejó de exponer su trabajo y se centró en la publicidad. Durante un tiempo también vendió libros de segunda mano con un carro.
En los años cuarenta comenzó a experimentar con el cubismo, un movimiento arriesgado dado la condena nazi del arte abstracto como "degenerado". Después de la guerra se dedicó a recoger alambres, cuerdas y otros materiales de las calles de Berlín bombardeada para crear relieves. A finales de la década de 1940 comenzó a exponer su obra nuevamente, así como a diseñar sets para el cabaret Die Badewanne. Creó collages abstractos de diversos materiales, incluyendo envolturas de caramelo. En la década de 1950 adoptó un nuevo estilo, combinando capas gruesas de pintura al óleo con unas cuantas marcas finas en la superficie.
Murió en 1976.
"Sie repraesentiert / Ella representa / She represents"
Acuarela y lápiz sobre papel / watercolour and pencil on paper, c.1928
El 22 de Noviembre es el cumple de
Consuelo Fould, pintora francesa nacida en 1862 en Colonia, Alemania.
Fould fue hija de la actriz Josephine Wilhelmine Valérie Simonin, más conocida bajo sus seudónimos Gustave Haller y Gustave Fould. Fue adoptada junto con su hermana, la pintora Georges Achille Fould, por el príncipe Stirbey
Musée Roybet Fould (Courbevoie, París, Francia / France)
Fue alumna de Antoine Vollon y Léon Comerre y expuso en el Salón de París. Consuelo Fould se casó con el marqués de Grasse. Fue fundadora del Museo Roybet Fould en Courbevoie.
Murió en París en 1927.
El 23 de Noviembre es el cumple de
Rafael Soriano, pintor cubano nacido en 1920 que vivió en los Estados Unidos.
Después de completar siete años de estudios en la prestigiosa Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, se graduó en 1943 como Profesor de Pintura, Dibujo y Escultura. Luego regresó a Matanzas donde enseñó artes visuales durante cerca de dos décadas. Fue uno de los fundadores y más tarde Director de la Escuela de Bellas Artes de Matanzas, la escuela de arte más importante de Cuba, fuera de La Habana. Es uno de los principales artistas latinoamericanos de su generación y uno de los principales pintores de Cuba.
Colección / Collection John Amat y Fernando Martínez
En 1962 Soriano se exilió, estableciéndose en Miami con su esposa Milagros y su hija Hortensia hasta su muerte en 2015. Trabajó como diseñador gráfico y ocasionalmente enseñó.
Soriano evitó los temas vernáculos que dominaron el arte cubano desde su aparición con las primeras vanguardias a mediados de los años veinte.
Su obra se desarrollo a lo largo de los caminos de la abstracción geométrica en el curso de los años '50 y era uno de los diez pintores geométricos concretos. Pero a finales de los años '60, la obra de Soriano dió un giro radical. Su pincel empezó a crear formas asombrosas, expresiones abstractas relacionadas con las emociones, los sentimientos, las meditaciones y las introspecciones místicas. Un nuevo tratamiento de la luz y el color, las transparencias y las formas colocaron a Soriano en una nueva dimensión estética y lo liberaron de sus primeros apegos a escuelas y tendencias.
Murió en 2015.
El 24 de Noviembre es el cumple de
Francisco Antonio Cano Cardona, pintor, escultor, escritor y grabador colombiano nacido en Antioquía en 1865, famoso por sus obras en las que retrata la identidad cultural del país y de la región.
Colección / Collection Banco República (Bogotá, Colombia)
Una de sus obras más conocidas es Horizontes (ya publicada en el blog aquí), que representa el inicio de la colonización de Antioquia (1913) que tuvo lugar durante la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. En sus últimos años fue también profesor y más tarde director de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. También fue mentor de otros famosos artistas colombianos, como Pedro Nel Gómez y Marco Tobón Mejía.
Museo de Antioquía (Medellín, Colombia)
Museo de Antioquía (Medellín, Colombia)
Recibió clases de pintura de Angel María Palomino, y con Horacio Rodríguez Marino aprendió técnicas de dibujo. También participó en varias exposiciones de arte.
De 1898 a 1901, recibió una beca para estudiar en Francia, donde asistió a cursos de Bellas Artes en la Académie Julian y de Claude Monet. Cuando regresó a Colombia, abrió su propio taller.
Fue miembro de la Academia Colombiana de Bellas Artes.
Murió en 1935.
Colección / Collection Banco República (Bogotá, Colombia)
Francisco Antonio Cano en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXXV)], [Recolección (CXXII-2)]
El 25 de Noviembre es el cumple de
John Christen Johansen, retratista danés-estadounidense, nacido en Copenhague en 1876.
Llegó a Estados Unidos siendo un bebé. Estudió en Cincinnati con Frank Duveneck y más adelante en la escuela del instituto del arte de Chicago en donde enseñó a partir de 1901 a 1911. Mientras era miembro de la facultad del instituto del arte conoció, y más tarde se casó con la conocida retratista M. Jean McLane 1878-1964). Antes de centrarse principalmente en el retrato Johansen pintó paisajes. En 1915 fue elegido para la Academia Nacional de Diseño.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,2 x 101 cm., 1924. Sotheby's
En 1919 dejó Chicago por París. Estudió en la Académie Julian donde aprendió técnica académica mientras recibía las ideas del modernismo. Mantuvo amistades con otros artistas incluyendo James Abbott McNeill Whistler y John Singer Sargent.
The Vanderpoel Museum (Chicago, Illinois, EE.UU./ IL, USA)
The Frick Collection (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
Al finalizar la Primera Guerra Mundial, el Gobierno de los EE.UU. le encargó documentar la firma del tratado de Versalles. La obra cuelga hoy en la galería nacional del retrato, en el Smithsonian. También pintó el retrato presidencial original del presidente Herbert Hoover, un retrato oficial para el Departamento de Justicia estadounidense del Procurador General Robert H. Jackson, el retrato oficial del gobernador Percival Clement para la Vermont State House, dos obras para el Capitolio de los Estados Unidos y obras en las colecciones del Museo de Arte de Dallas, Galería Nacional, Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Museo Metropolitano de Arte, la Academia Nacional de Diseño, El Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Richmond.
Murió en New Canaan, Connecticut, en 1964.
Hoy, 26 Noviembre, es el cumple de
Kara Elizabeth Walker, artista y pintora afroamericana nacida en 1969, que explora en su obra la raza, el género, la sexualidad, la violencia y la identidad. Es conocida para sus retablos de gran tamaño hechos con siluetas negras de papel recortado. Walker vive en la ciudad de Nueva York y ha enseñado durante largo tiempo en la Universidad de Columbia.
Burning African Village Play Set with Big House and Lynching"
acero cortado a láser pintado / painted laser cut steel, 2006
The Broad (Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA)
Walker recibió su Bachiller en Bellas Artes del Colegio de Arte de Atlanta en 1991 y su Máster en Bellas Artes de la Escuela de Rhode Island de Diseño en 1994. Se encontraba incómoda y temerosa de abordar la raza dentro de su arte durante sus primeros años de universidad. Sin embargo encontró su voz en este tema mientras asistía a la Rhode Island School of Design para su Maestría, donde comenzó a introducir temas raciales en su obra. Le preocupaba que el hecho de introducir la raza como núcleo del contenido de su obra hiciera que fuera recibido como "típico" u "obvio".
The Broad (Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA)
En la obra de Walker destacan sus frisos panorámicos de siluetas de papel recortado, generalmente figuras negras contra una pared blanca, que tratan la historia de la esclavitud y el racismo estadounidenses a través de imágenes violentas e inquietantes. También ha producido obras en aguada, acuarela, animación en video, títeres de sombra, proyecciones de "linterna mágica", así como grandes instalaciones escultóricas como su ambiciosa exposición pública con Creative Time, llamada "Una sutileza" (2014). Las siluetas en blanco y negro se enfrentan a las realidades de la historia, al mismo tiempo que utilizan los estereotipos de la era de la esclavitud para relacionarse con las persistentes preocupaciones modernas. Su exploración del racismo estadounidense puede ser aplicada a otros países y culturas con respecto a las relaciones entre raza y género, y nos recuerda el poder del arte para desafiar las convenciones.
A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby, an Homage to the unpaid and overworked Artisans who have refined our Sweet tastes from the cane fields to the Kitchens of the New World on the Occasion of the demolition of the Domino Sugar Refining Plant"
bloques de poliestireno cortado a máquina recubiertos con azúcar /
machine-cut blocks of polystyrene covered with sugar, 2014. Foto / Photo
En mayo de 2014, Walker debutó con su primera escultura, una pieza monumental. La masiva obra fue instalada en la abandonada refinería Domino, en Brooklyn, y fue un encargo de Creative Time. La instalación consistió en una colosal esfinge femenina, de aproximadamente 75 pies de largo por 35 de alto, precedida por quince figuras masculinas jóvenes de tamaño natural, llamadas asistentes. La esfinge, que llevaba la cabeza y las características del arquetipo de la mamita (nodriza negra), se hizo cubriendo un núcleo de bloques de poliestireno cortados a máquina con una lechada de azúcar blanco. Domino donó 80 toneladas de azúcar para la pieza de Walker.
Foto / Photo: Jason Wyche
In May 2014, Walker debuted her first sculpture, a monumental piece. The massive work was installed in the derelict Domino Sugar Refinery in Brooklyn and commissioned by Creative Time. The installation consisted of a colossal female sphinx, measuring approximately 75-feet long by 35-feet high, preceded by an arrangement of fifteen life-size young male figures, dubbed attendants. The sphinx, which bore the head and features of the Mammy archetype, was made by covering a core of machine-cut blocks of polystyrene with a slurry of white sugar; Domino donated 80 tons of sugar for Walker's piece.
Textos en inglés / English translation
On November 20 is the birthday of
Guy Anderson, American painter born in 1906.
Along with Kenneth Callahan, Morris Graves, and Mark Tobey, Anderson was identified in a Life Magazine article as one of the "northwest mystics," also known as the Northwest School.
Some of his early paintings portrayed his family home. A piano was an important presence in his house. His father, Irving Anderson, was a carpenter-builder and also a musician. From an early age Guy was intrigued by other cultures; he was particularly fascinated by the woodcarvings of Northern Coastal native tribes, and by the collection of Japanese prints owned by his piano teacher. As soon as he was old enough to do so on his own, he began commuting to the Seattle Public Library by bus to study art books.
In 1929 Anderson set up a studio in an outbuilding on his parents' property, and had paintings included in a group show at the Fifth Avenue Gallery in downtown Seattle. With the opening of the Seattle Art Museum in 1933, Anderson befriended its founder, Dr. Richard Eugene Fuller, and worked there for several years, off-and-on, as an installer and children's art teacher.
Like many artists during the Great Depression, Anderson worked for the Works Progress Administration's Federal Art Project. Throughout the 1940s and 50s Anderson was very much involved in Seattle's bustling art community.
In 1959 Anderson left Seattle for good. He rented a house on the edge of La Conner, where he found inspiration from the vast skies and natural settings of the surrounding area. Over the years his art ranged from densely worked and tightly composed figurative images of Northwest landscapes to large, sweeping brushstrokes with flowing, symbolic and iconographic forms.
In 1966 Anderson traveled to Europe for the first time with friends and fellow artists Clayton and Barbara James. In 1975 he was awarded a Guggenheim Fellowship.
He died in 1998.
On November 21 is the birthday of
Jeanne Mammen, German painter and illustrator of the Weimar period. She was born in 1890, and her work is associated with the New Objectivity and Symbolism movements. She is best known for her depictions of strong, sensual women and Berlin city life.
She was raised and educated in Paris, and studied painting in Brussels and Rome. Her early work, influenced by Symbolism, Art Nouveau, and the Decadent movement, was exhibited in Brussels and Paris in 1912 and 1913.
In 1916 she and her family fled Paris to avoid internment. While her parents moved to Amsterdam, Mammen chose instead to return to Berlin. She was now financially on her own for the first time, as the French government had confiscated all of her family's property. For several years Mammen struggled to make ends meet, taking any work she could find, and spending time with people from different class backgrounds. These experiences and newfound sympathies are reflected in her artwork from the period.
Throughout the late 1920s and early 1930s she worked mainly in pencil with watercolor washes, and in pen and ink.
In 1930 she had a major exhibition in the Fritz Gurlitt gallery. Over the next two years, at Gurlitt's suggestion, she created one of her most important works: a series of eight lithographs illustrating Les Chansons de Bilitis, a collection of lesbian love poems by Pierre Louÿs.
Apparently her portrayals of women were disturbing to the Nazis. In 1933, following her inclusion in an exhibition of female artists in Berlin, the authorities denounced her motifs and subjects as "Jewish", and banned her lithographs for Les Chansons de Bilitis. The Nazis shut down most of the journals she had worked for, and she refused to work for those that complied with their cultural policies. Until the end of the war she practiced a kind of "inner emigration". She stopped exhibiting her work and focused on advertising. For a time she also peddled second-hand books from a handcart.
In the 1940s she began experimenting with Cubism, a risky move given the Nazis' condemnation of abstract art as "degenerate". After the war she took to collecting wires, string, and other materials from the streets of bombed-out Berlin to create reliefs. In the late 1940s she began exhibiting her work again, as well as designing sets for the Die Badewanne cabaret. She created abstract collages from various materials, including candy wrappers. In the 1950s she adopted a new style, combining thick layers of oil paint with a few fine marks on the surface.
She died in 1976.
On November 22 is the birthday of
Consuelo Fould, French painter born in 1862 in Cologne, Germany.
Fould was the daughter of the actress Josephine Wilhelmine Valérie Simonin, better known under her pseudonym Gustave Haller, and Gustave Fould. She was adopted along with her sister, the painter Georges Achille Fould, by the Prince Stirbey.
She was a pupil of Antoine Vollon and Léon Comerre and exhibited at the Paris Salon. Consuelo Fould married the Marquis de Grasse. She was the founder of the Museum Roybet Fould in Courbevoie.
She died in Paris in 1927.
On November 23 is the birthday of
Rafael Soriano, Cuban painter born in 1920 who lived in the United States.
After completing seven years of study at Havana’s prestigious Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, he graduated in 1943 as Professor of Painting, Drawing and Sculpture. He then returned to Matanzas where he taught visual arts for close to two decades. He was one of the founders, and later Director, of the Escuela de Bellas Artes de Matanzas, the most important art school in Cuba outside of Havana. He is one of the major Latin American artists of his generation and one of the premier painters of Cuba.
In 1962 Soriano went into exile, settling in Miami with his wife Milagros and his daughter Hortensia until his death in 2015. He worked as a graphic designer and occasionally taught.
Soriano avoided vernacular themes which dominated Cuban art from its emergence with the first Vanguard in the mid-twenties. His work proceeded along the paths of geometric abstraction in the course of 1950's and was part of the Ten Concrete Geometric painters but by the late 1960s, Soriano’s work took a radical turn. His brush began to create amazing shapes; abstract expressions related to the emotions, feelings, meditations and mystical introspections. A novel treatment of light and color, transparencies and forms placed Soriano in a new aesthetic dimension and freed him from his earlier attachments to schools and tendencies.
He died in 2015.
On November 24 is the birthday of
Francisco Antonio Cano Cardona, Colombian painter, sculptor, writer, and engraver from Antioquia born in 1865, who is famous for his works in which he portrays the cultural identity of the country and region. One of his best known works is Horizons (already published in this blog here), which depicts the beginning of the colonization of Antioquia (1913) that took place during the second half of the nineteenth and early twentieth centuries. In his later years he was also a professor and late director of the School of Fine Arts in Bogotá. He was also a mentor to other famous Colombian artists, such as Pedro Nel Gomez and Marco Tobon Mejia.
He received painting classes by Angel Maria Palomino and with Horacio Rodríguez Marino, he learned drawing techniques. He also took part in various art exhibitions.
From 1898 to 1901, he received a scholarship to study in France, where he attended courses in Fine Arts at the Académie Julian and by Claude Monet. When he returned to Colombia, he opened his own workshop.
He was a member of the Colombian Academy of Fine Arts.
He died in 1935.
John Christen Johansen, Danish-American portraitist, born in Copenhagen in 1876.
He came to America as an infant. He studied in Cincinnati under Frank Duveneck and later at the School of the Art Institute of Chicago where he taught from 1901 to 1911. While a member of the faculty of the Art Institute he met, and later wed, recognized portraitist M. Jean McLane (1878–1964). Before focusing primarily on portraiture Johansen painted landscapes. In 1915 he was elected to the National Academy of Design.
Leaving Chicago in 1919, Johansen moved to Paris where he studied at the Académie Julian where he learned academic technique while being exposed to the ideas of modernism. He maintained friendships with other artists including James Abbott McNeill Whistler and John Singer Sargent.
At the conclusion of World War I, Johansen was commissioned by the U.S. government to document the signing of the Treaty of Versailles which today hangs in the National Portrait Gallery, Smithsonian Institution. Other portraits include the original Presidential portrait of President Herbert Hoover[a], official U.S. Department of Justice portrait of Attorney General Robert H. Jackson, official Vermont State House portrait of Governor Percival Clement, two works in the United States Capitol, and works in the collections of the Dallas Museum of Art, National Gallery, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Metropolitan Museum of Art, the National Academy of Design, the Art Institute of Chicago and the Richmond Art Museum.
He died in New Canaan, Connecticut, in 1964.
Today, November 26, is the birthday of
Kara Elizabeth Walker, African American artist and painter born in 1969, who explores race, gender, sexuality, violence and identity in her work. She is best known for her room-size tableaux of black cut-paper silhouettes. Walker lives in New York City and has taught extensively at Columbia University
Walker received her BFA from the Atlanta College of Art in 1991 and her MFA from the Rhode Island School of Design in 1994. Walker found herself uncomfortable and afraid to address race within her art during her early college years. However, she found her voice on this topic while attending Rhode Island School of Design for her Master's, where she began introducing race into her art. She had a distinct worry that having race as the nucleus of her content would be received as "typical" or "obvious."
Walker is best known for her panoramic friezes of cut-paper silhouettes, usually black figures against a white wall, which address the history of American slavery and racism through violent and unsettling imagery. She has also produced works in gouache, watercolor, video animation, shadow puppets, "magic-lantern" projections, as well as large-scale sculptural installations like her ambitious public exhibition with Creative Time called A Subtlety (2014). The black and white silhouettes confront the realities of history, while also using the stereotypes from the era of slavery to relate to persistent modern-day concerns. Her exploration of American racism can be applied to other countries and cultures regarding relations between race and gender, and reminds us of the power of art to defy conventions.
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