Les presentamos la obra de Vera Sienra, una polifacética artista uruguaya que ha venido expresándose en música, poesía y artes plásticas desde la década de 1960. Entrevistada recientemente por mi buena amiga y colaboradora Shirley Rebuffo, acompañamos con sus reflexiones una selección de sus pinturas e ilustraciones de los últimos años.
Texto en inglés al final del post.
We present you the work of Vera Sienra, a multifaceted Uruguayan artist who has been expressing herself in music, poetry and plastic arts since the 1960s. Recently interviewed by my good friend and collaborator Shirley Rebuffo, we accompany with her reflections a selection of her paintings and illustrations of the last years.
English text at the end of the post.
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Verónica "Vera" Sienra
(Punta Carretas, Montevideo, Uruguay, 1947-)
Vera en su estudio de / at her Studio in Punta Carretas, Montevideo
Verónica "Vera" Sienra nació en Montevideo, Uruguay, el 11 de noviembre de 1947. Si bien aquí nos ocupamos de su obra pictórica e ilustraciones, durante su larga trayectoria ha cultivado el canto, faceta por la que es más conocida, y la poesía.
En el mundo de la música, sus primeras grabaciones se remontan a la década del '60, cuando el musicólogo francés Maurice Bitter la registró en directo para el sello "Otro". Llegaron luego sus álbumes "Nuestra soledad" (1969), "Vera" (De La Planta, octubre 1972), su participación en "Discodromo, 15 años con la música uruguaya" (Clave, 1975), "En Recital, V.S. con Larbaonois-Carrero" (Sondor, 1982), "Reino breve" (Sondor, 1983), "Hada alegría" (La batuta, 1985), a los que siguieron una serie de participaciones en álbumes colectivos, y discos simples.
También publicó algunas de sus poesías: "Raza de abismo" (1975), "Crónica de cornisas" (1982), "Esquelas. Notas para tu música" (2002).
En 1972 realizó su primera exposición individual en la Galería Portón de San Pedro, Montevideo, y siguió haciéndolo periódicamente en Uruguay, Buenos Aires y Zürich. Su participación en exposiciones colectivas ha llevado además su obra a Brasil, Estados Unidos y Tailandia. [1]
"Vínculos indeseados / Unwanted Links", óleo diluido sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 48 x 55 cm., 2017
diluted oil on paper, glued on canvas, 48 x 55 cm., 2017
Entrevista de / Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: Descríbeme un poco tu niñez, el lugar donde naciste y si el entorno influyó en tu futuro artístico.
Vera Sienra: Nací en la casa de Sofía y Juan Antonio, mis padres, en Montevideo al sur, Punta Carretas. Crecí mirando el Río de la Plata tan ancho como mar, en contacto casi cotidiano con el agua, los pescadores, el muelle, el juncal, los bichos, el faro y mucha naturaleza.
Tuve una infancia libre, muy rica en impresiones y experiencias. Hablo de mi realidad, hablo de la realidad del hogar y de la muy cercana realidad barrial y su diversidad de almas. Era la década del 50, la ciudad crecía y aún quedaban varios campos baldíos para jugar e investigar. José Luis Zorrilla, el gran escultor uruguayo, mi vecino, nos atraía con sus cuentos y nos dejaba entrar a su taller de esculturas donde, altísimo, se elevaba un prócer a caballo.
Tuve una caja de carpintero, réplica para niños, con herramientas que no eran de plástico sino con un auténtico destornillador, martillo, serrucho.
Jugué mucho a las cartas, pero la satisfacción profunda era jugar al aire libre. La población infantil era numerosa. Pintar durante horas con amigos, poner sobre la mesa del comedor las acuarelas y los lápices siempre me atrapó.
Visito mucho mi niñez. Es un reino donde el sol y la naturaleza, de algún modo, me plasmaron el alma. Como las caras que no olvido, los momentos trágicos que viví, otros violentos o alegres. El mundo humano. Ese enjambre vital de sentimientos, de impulsos, de asombros que viví en la niñez se desenvuelve a lo largo de toda la vida. Sí, claro que el entorno siempre influye.
"Umbral / Threshold", óleo diluido sobre papel, pegado en tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 33 x 27 cm., 1984.
"Sobrevivientes / Survivors", óleo diluido sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 45 x 45 cm., 1978
diluted oil on paper, glued on canvas, 45 x 45 cm., 1978
SR: ¿Hay artistas en tu familia?
VS: No se dedicaron. Mi hermana Raquel, mayor que yo, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Mi madrina Malvina cantaba en un coro. El tío Alex me regaló un ajedrez confeccionado por él mismo, tallado al detalle. Las hermanas de mi madre y ella misma tenían manos de artesanas, sabían hacer una alfombra, por ejemplo.
Mi padre dibujaba y pintaba a la acuarela. Lo hizo en su juventud. Nunca lo vi pintar, pero aún conservo algunas evidencias de que sí lo hacía. Cuántas impresiones imborrables en la infancia al ver esas láminas a color de obras maestras, de pintores modernos, libros que mi padre compraba con mucho sacrificio.
Mi madre Sofía narraba cuentos como ninguna. Influyó mucho en el desarrollo de mi fantasía. Después que contraje la polio que fue a los 8 años nos acercamos mucho. Creo que ella intuyó que el arte me haría conocer otra libertad, un modo no tradicional de sentir y encarar mi vida. En aquella época y hasta mi juventud, era mal visto que las mujeres se dedicaran a las artes.
SR: ¿Quién te guió por el amplio camino de las artes?
VS: Los sueños fueron los primeros en guiarme. Después caminando el proceso, los artistas amigos fueron un estímulo para mí.
"Mariposa y flor / Butterfly And Flower", técnica mixta sobre papel (oleo y tintas) /
mixed media on paper (oil and inks), 24 x 30 cm., 2020
Grafito / graphite
Una de esas tardes me interné, casi sin querer, en un paisaje fantástico habitado por seres. Seres únicos. Indudablemente engendrados en alguna matriz del alma. Son corpóreos pero al mismo tiempo de aire, hechos con luz y transparencia.
Seres que se comunican conmigo sin voces, ni palabras.
Casi humanos, casi vegetales, casi animales, casi minerales, o todo, o nada de esto junto.
No se alimentan de pan, ni agua, ni respiran.
Te piden sensaciones.
No se diferencian, pero se aman y aquí está la clave.
Porque están hechos de amor.
Emanación maravillosa de Vera Sienra que nos regala, como el pan y la sal nuestros, cotidianos.
Te doy las gracias Vera en nombre de todos los humanos y los duendes que entramos a tu mundo.
Antonio Pujía. [2]
"América", óleo diluido sobre papel / diluted oil on paper, 60 x 50 cm.
SR: ¿Quiénes fueron tus maestros?
VS: Me nutrí de muchos maestros. Eduqué mis sentimientos con ellos, que cimentaron las bases mi sensibilidad artística. Son tantos los maestros en las artes que me ayudaron y me conmovieron conociendo sus obras. No tuve maestros para el uso del pincel, me formé a los “ponchazos”. Soy autodidacta. Inicié la Escuela Nacional de Bellas Artes, pero poco después fue clausurada por la dictadura militar en 1973. Y la guitarra, bueno, mirando tocar algo se aprende.
En las décadas 60 y 70 nuestra región era un enjambre de artistas, escritores, cantautores, poetas.
En Brasil, Chile, Argentina, Uruguay estallaba la música y las más bellas canciones. Cantaban y componían los que ahora son maestros y que también lo fueron para su generación y me formaron.
Trabajé por 40 años en el Museo Nacional de Artes Visuales como bibliotecaria. Tuve literalmente entre mis manos con guantes blancos las obras de Klee. Ayudaba a Alejandro Casares, a Jorge Damiani y a Leonilda González en el montaje de obras para exposiciones.
He visto innumerables exposiciones de los exponentes más conocidos del arte internacional acá, en Montevideo, y ciertamente del arte uruguayo.
SR: ¿Qué te inspira? ¿El pasado, está presente en tus obras?
VS: Estoy presente yo. No me ocupo en principio de si me inspira el pasado. El porvenir me ocupa. Incluyo el futuro. Necesito leer cómo vamos y qué hacemos con el arte.
"Raíces / Roots", óleo diluido sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 63 x 50 cm., 1987
SR: Tus composiciones pictóricas son etéreas y sugestivas, como si fueran tus poemas ¿Esto responde a un estado de ánimo?
VS: No y sí. En primer lugar, responde a una necesidad expresiva, pues la imaginación pasa por algunos seres como nubes, o descarnados, puede ser que quisiera pintar un ala de mariposa, esto pide una forma de aplicar el agua.
Si te referís a estados de ánimo fugaces, pintar un momento de ira, cualquier tipo de desahogo personal, te digo que no. Si esos estados de ánimo son sentimientos durables del alma, entonces te digo que sí.
La imaginación es como una conciencia que propone. Me propongo expresar lo que quiere surgir.
Hay otro estado de ánimo al que es necesario respetar y ser con él: el ánimo del color.
SR: En tus obras hay posibilidad de ver matices y perspectivas diversas de ensueño, ¿es calculado o espontáneo?
VS: Ambas cosas son ciertas. Pintar aguado pide ayuda a la condición del agua. ¿Ahí estaría lo espontáneo? ¿Dejar hacer al agua?
Hace un tiempo, la necesidad de expresar la temática de la muerte me impulsó a pintar azul. Planeo en la idea, sigo el curso de una curva, hago un cierre o una apertura de luz; decido en el azul. Sin embargo, el asombro está, el misterio está cuando el azul se manifiesta. Hay micro mundos que aparecen que sólo tengo que acentuar.
Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Viajando hacia el Cosmos / Traveling to The Cosmos", técnica mixta / mixed media
"Bajo el agua / Under The Water", óleo diluido sobre papel /
diluted oil on paper, 43 x 37 cm., 1987
SR: Por lo general la figura humana esta apenas sugerida. A mí me sugieren alegorías correspondientes a la personificación de determinadas ideas abstractas, tales como vicios o virtudes, sufrimientos, alegrías. ¿Cómo podrías explicármelo tú?
VS: ¿Vicios y virtudes? ¿Sufrimientos y alegrías? Es probable, pues de todo eso estoy hecha.
No creo que sean “alegorías”. En algunas pinturas se dan más bien ambientes anímicos humanos.
SR: Veo que también trabajas con los reflejos.
VS: Una palabra con misterio “reflejo”.
SR: ¿Con qué técnica pictórica te encuentras más cómoda? ¿O con qué materiales te sientes más cómoda para trabajar?
VS: Siempre trabajé con óleo diluido. Últimamente lo hago con témperas, tintas y acuarelas. Se elabora otra cosa con el óleo, distinto a lo que produce el aguado. Como verás trabajo “en vivo”. El soporte físico es el papel. Con esto quiero decirte que ya no me da el tiempo para investigar si la realidad técnica de hoy me llevaría por caminos plásticos virtuales. Voy por externamente como por fuera de otras cosas. ¿Qué puedo hacer? El tiempo es menos, me expreso con lo que tengo y con lo que está a mi alcance.
La artista trabajando / The Artist at Work
SR: Tienes una formación constante en otras ramas de la cultura artística. Me gustaría me contases un poco sobre la música, las escritura, la poesía.
VS: Era una adolescente cuando escribí las primeras canciones. Una facultad que surgió de un día para el otro. Irrumpió. Claro que, en las reuniones, -realizadas a partir de sexto, último año de primaria, hasta entrando a la universidad- siempre estuvo el canto, la poesía y las guitarras. Aprendí a cantar en rondas de amigos. ¡Qué boleros más lindos!, ¡qué zambas! Todo eso generó tal vez la fantasía y podría explicar mi capacidad para hacer canciones.
Aparece. La primera oración está en el aire, la traigo, viene silabeada en melodía. Surge la idea, anoto lo que tengo y comienzo a buscar toda oídos y concentración. Traigo la guitarra y ahí mismo la canción se asienta, toma cuerpo y me hace feliz. Así de simple y así de complejo. No es un trabajo muy racional sino un estar despierta, hacer las conexiones correctas para que un texto cobre vida y belleza.
SR: ¿Trabajas a diario en la pintura, o alternas entre la música y la poesía? Cuéntame cómo distribuyes tu tiempo entre tus artes.
VS: Es imposible no trabajar a diario cuando estás en vena. No alterno, excepto se imponga una melodía, un texto, entonces lo atiendo. Por lo general no ocurre. Trabajar en la imagen exige compenetración.
En muchas ocasiones tengo que dejar el taller para atender la casa, la vida cotidiana no puede interrumpirse.
"Corona / Crown", óleo diluido sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 30 x 40 cm, 2017
"Alma grupal 1 / Group Soul 1", técnica mixta témperas y tintas sobre tela /
mixed media, tempera and ink on canvas, 18 x 24 cm., 2019
SR: ¿Cómo ha influido la naturaleza sobre tu universo creativo?
VS: La naturaleza siempre ejerce una fuerte influencia. Para sentirla hay que unirse a lo que se observa, a lo que se oye, develar lo que nos dicen las cosas que observamos. Ando atenta, alerta. Cuando la naturaleza se te presenta así de misteriosa, un bosque, una costa de mar, cuando hay amor por ella y te sales de ti con pleno interés, entonces pueden nacer pensamientos, renovadas ideas y sentimientos. Y ahí te surgen unas frases para que sigas y encuentres la canción, o también, con seguridad, te vinculas con un clima de luz que luego te lleva a pintar, en fin, largo tránsito, experiencias para contar hay muchas. La naturaleza es inspiradora, pero hay personas que sólo transitan por ella de cacería, haciendo deporte. Recuerdo a una mujer que no soportaba el aburrimiento que le provocaba unas horas con la naturaleza.
"Un alma y su tronco / A Soul And Its Trunk", técnica mixta / mixed media
Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Tránsito / Transit", técnica mixta / mixed media, 24 x 30 cm.
SR: ¿Qué evento en particular, en tu vida ha hecho que realices algún desvío en tu forma de trabajar?
VS: ¿Desvío?
Con respecto a la pintura y el último cambio en mi modo de trabajar fue dejar atrás la técnica de pintar al óleo diluido y a convenir con nuevos elementos como las tintas y las témperas. De los aceites y sustancias más volátiles como el disán (disolvente) pasé al agua. Hice una serie en formatos chicos, una veintena. De la “mancha” a la imaginación.
Un desvío del canto autoral, quizá pueda verse así cuando acepté interpretar tangos y canciones criollas. Lo hice durante más de diez años a partir de 2001, cuando volví a cantar. De cantautora a intérprete. De solista al canto y la música grupal.
Viví mi primer y único embarazo a los 42 años. Dejé de lado las exposiciones, dejé de cantar en público y por lo tanto la vida social. Y en mi taller no estuve más que muy esporádicamente. Me dediqué a la crianza de Antonia, continué trabajando en la biblioteca del Museo Nacional de Artes Visuales y estudiando Antroposofía. Cuando la niña cumplió dos, la retomé. En mayo de 1992 viajé a Buenos Aires para integrarme a un grupo de estudio acerca de la Esencia de las Artes. Digo esto porque en este estudio puse la misma actitud, la misma intensidad que he puesto en mis creaciones. Es la vida a veces que te propone “desvíos”. A veces te obstruye. O una misma descuida ciertas cosas y protege otras. Se puede decir que mi modo de trabajar, disciplinado, constante, apasionado tuvo un desvío de 14 años. Mentiría si dijera que lo sufrí.
Óleo diluido / diluted oil
«La pintora uruguaya Vera Sienra merece la atención que brindamos al artista cuando tiene algo que decir. Esta precondición que justifique una muestra puede parecer perogrullesca, pero la verdad es que demasiado a menudo nos enfrentamos con tareas visuales bien realizadas, pero que poco o nada añaden al mundo de nuestra experiencia estética.
Sienra, además de demostrar solvencia y probidad en el empleo de los instrumentos expresivos, tiene mundo propio que se comunica con el nuestro por el camino de la fascinación.
Sus paisajes lunares poblados de extraños animales ejerce sobre nuestra imaginación un estímulo de filiación musical.
El parentesco de tal sentido es tan estrecho que cuesta mirar estas pinturas, sin sentir en el proceso algún preludio de Debussy, algún vals hipnótico de Ravel.
Las imágenes de Sienra pretenecen en lo esencial a la dimensión de la poesía sugerida a través de valederas experiencias plásticas.
No se trata, a mi entender, del tipo de ensoñación caro a los surrealistas, sino de ese otro mundo de la fantasía poblado de Titanias y Oberones, de Calibanes y de Arieles, que merecieron valor de símbolo al pensamiento lúcido de su compatriota Rodó.». Rafael Squirru. [3]
"Alma grupal 2 / Group Soul 2", técnica mixta y témperas / mixed media and tempera, 24 x 30 cm., 2020
"Despertar / Awake", óleo diluido / diluted oil, 30 x 30 cm., 2017
SR: ¿Qué valor tiene para ti el pasado y el presente en tus obras? ¿Tus obras se nutren de los tiempos?
VS: Si se nutren. Es necesario interpretar la época que nos toca vivir, el devenir anímico que subyace. ¿No es extraño que, por lo alto, mente maga, vemos un tiempo donde la inteligencia llega a progresos impresionantes y por lo bajo, los sentimientos humanos se van degenerando? ¿Acaso la inteligencia audaz, super potente, va por un lado y el sentir por otro?
SR: Las letras de tus canciones, ¿son autorreferenciales?
VS: Lo son en el sentido de que las emociones que se expresan han pasado por mí.
Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Bosque de ventanas / Forest of Windows", técnica mixta / mixed media
SR: ¿Qué aceptas y que rechazas?
VS: Acepto que cada cual viva libremente, creo en el respeto hacia la libertad del otro. Rechazo la ironía, la inteligencia maliciosa que se aplica, por ejemplo, al sentido del humor. Qué sano el buen sentido del humor. Saber reírse de sí mismo no puede faltar en la mezcla de condimentos humanos. Libera.
Rechazo la necedad. Acepto los cambios.
Rechazo que el arte sea un ornamento, otro placer de consumo, una banalidad, un asombro momentáneo, ¿cómo se dice? Que sea un regodeo mental, un malabarismo técnico.
SR: ¿Qué estudias?
VS: Creo que ya te respondí. Desde 1983, que me traje un libro de Buenos Aires, continué luego disciplinando mi lectura sobre la cosmovisión antroposofía. Luego conocí personas que como yo habían buscado durante largo tiempo un estudio del mundo espiritual serio, científico. Desde ese tiempo hasta hoy es junto con el arte mi alimento fundamental.
Si quieres leer algo de la poesía de Vera / If you want to read some of Vera's poetry: Link
Si quieres escuchar (y ver) algo de su música / If you want to hear (and see) some of her music: Link
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text
[1]
Verónica "Vera" Sienra was born in Montevideo, Uruguay, on November 11, 1947. Although here we deal with her pictorial work and illustrations, during her long career she has cultivated singing, the facet for which she is best known, and poetry.
In the world of music, her first recordings date back to the 1960s, when French musicologist Maurice Bitter recorded her live for the "Otro" label. Then came her albums "Nuestra soledad / Our loneliness" (1969), "Vera" (De La Planta, October 1972), his participation in "Discodromo, 15 años con la música uruguaya / 15 Years With Uruguayan Music" (Clave, 1975), "En Recital. V.S. con / In Concert, V.S. With Larbaonois-Carrero" (Sondor, 1982), "Reino breve / Short Kingdom" (Sondor, 1983), "Hada alegría / Fairy Happiness" (La batuta, 1985), which were followed by a series of participations in collective albums, and singles. She also published some of her poetry: "Raza de abismo / Race of Abyss" (1975), "Crónica de cornisas / Chronicle of cornices" (1982), "Esquelas. Notas para tu música / Notepapers. Notes for your music" (2002).
In 1972, she had her first individual exhibition at Portón Gallery in San Pedro, Montevideo, and continued to do so periodically in Uruguay, Buenos Aires and Zürich. Her participation in collective exhibitions has also taken her work to Brazil, the United States and Thailand.
Shirley Rebuffo: Describe to me a little bit your childhood, the place where you were born and if the environment influenced your artistic future.
Vera Sienra: I was born in the house of Sofía and Juan Antonio, my parents, in Punta Carretas, a southern neigborhood of Montevideo. I grew up looking at the Rio de la Plata, as wide as the sea, in almost daily contact with the water, the fishermen, the dock, the reed, the bugs, the lighthouse and a lot of nature.
I had a free childhood, very rich in impressions and experiences. I talk about my reality, I talk about the reality of home and the very close neighborhood reality and its diversity of souls. It was the 50's, the city was growing and there were still several empty fields to play and investigate. José Luis Zorrilla, the great Uruguayan sculptor, my neighbor, attracted us with his stories and let us enter his sculpture workshop where, very high up, a hero was raised on horseback.
I had a carpenter's box, a replica for children, with tools that were not made of plastic but with a real screwdriver, hammer, saw.
I played a lot of cards, but the deep satisfaction was playing outdoors. The child population was numerous. Painting for hours with friends, putting watercolors and pencils on the dining room table always caught me.
I visit my childhood a lot. It is a kingdom where the sun and nature somehow shaped my soul. Like the faces I don't forget, the tragic moments I lived, other violent or happy ones. The human world. That vital swarm of feelings, of impulses, of surprises that I lived in my childhood unfolds throughout my life. Yes, of course the environment always influences.
SR: Are there artists in your family?
VS: They didn't go through with it. My sister Raquel, older than me, studied at the National School of Fine Arts. My godmother Malvina sang in a choir. Uncle Alex gave me a chess set made by himself, carved in detail. My mother's sisters and she herself had the hands of artisans, they knew how to make a carpet, for example.
My father drew and painted in watercolors. He did it in his youth. I never saw him paint, but I still have some evidence that he did. How many indelible impressions I had as a child when I saw those color plates of masterpieces, of modern painters, books that my father bought with a lot of sacrifice.
My mother Sofia told stories like no other. She had a great influence on the development of my fantasy. After I contracted polio at the age of 8, we became very close. I think she sensed that art would give me another freedom, a non-traditional way of feeling and facing my life. At that time and until my youth, it was frowned upon for women to devote themselves to the arts.
SR: Who was your guide through the broad path of the arts?
VS: Dreams were the first to guide me. After walking the process, the artist friends were an encouragement to me.
SR: Who were your teachers?
VS: I was nourished by many teachers. I educated my feelings with them, which laid the foundation for my artistic sensitivity. There are so many masters in the arts who helped me and moved me by knowing their works. I didn't have masters for the use of the brush, I trained myself with great difficulty. I am self-taught. I started the National School of Fine Arts, but soon after it was closed by the military dictatorship in 1973. And the guitar, well, by watching people playing you learn something.
In the 60s and 70s our region was a swarm of artists, writers, songwriters, poets.
In Brazil, Chile, Argentina, Uruguay, music and the most beautiful songs exploded. Those who sang and composed were those who are now masters and who were also masters for their generation and trained me.
I worked for 40 years at the National Museum of Visual Arts as a librarian. I literally held Klee's works in my hands with white gloves. I helped Alejandro Casares, Jorge Damiani and Leonilda Gonzalez to mount their works for exhibitions.
I have seen countless exhibitions of the most famous exponents of international art here in Montevideo, and certainly of Uruguayan art.
[2]
One of those afternoons I went inside, almost by accident, a fantastic landscape inhabited by beings. Unique beings. Undoubtedly engendered in some soul matrix. They are corporeal but at the same time aerial, made with light and transparency.
Beings that communicate with me without voices or words.
Almost human, almost vegetable, almost animal, almost mineral, or all or none of these together.
They do not feed on bread, or water, or breathe.
They ask for sensations.
They don't differ, but they love each other and here is the key.
Because they are made of love.
Wonderful emanation of Vera Sienra who gives us, as our daily bread and salt.
I thank you Vera on behalf of all humans and elves who entered your world.
Antonio Pujía.
SR: What inspires you? Is the past present in your work?
VS: I am present. I'm not concerned with whether the past inspires me in principle. The future occupies me. I include the future. I need to read how we are doing and what we are doing with art.
SR: Your pictorial compositions are ethereal and suggestive, just like one of your poems. Does this respond to a mood?
VS: No and yes. First of all, it responds to an expressive need, because the imagination goes through some beings like clouds, or stark, maybe I would like to paint a butterfly wing, this asks for a way to apply the water.
If you refer to fleeting moods, paint a moment of anger, any kind of personal relief, I say no. If those moods are lasting feelings of the soul, then I say yes.
Imagination is like a consciousness that proposes. I propose to express what wants to emerge.
There is another mood that needs to be respected and be with it: the colored one.
SR: In your works there is a possibility to see diverse nuances and perspectives of dreaming, is it calculated or spontaneous?
VS: Both are true. Painting watery calls for help from the condition of the water. Is that where the spontaneous would be? Letting the water do its thing?
Some time ago, the need to express the theme of death prompted me to paint in blue. I plan on the idea, follow the course of a curve, make a closing or an opening of light; I decide on the blue. However, the amazement is there, the mystery is there when the blue manifests itself. There are micro worlds that appear that I only have to accentuate.
SR: Usually the human figure is just suggested. To me they suggest allegories corresponding to the personification of certain abstract ideas, such as vices or virtues, sufferings, joys. How could you explain it to me?
VS: Vices and virtues? Sufferings and joys? Probably, because I am made of all that.
I don't think they are "allegories". In some paintings there are rather human emotional environments.
SR: I see you're also working on reflections.
VS: A word with a mystery "reflection".
SR: What painting technique do you feel most comfortable with, or what materials do you feel most comfortable working with?
VS: I've always worked with diluted oil. Lately I've been working with tempera, inks and watercolors. Something else is made with oil, different from what gouache produces. As you can see I work "live". The physical medium is paper. With this I want to tell you that it no longer gives me the time to investigate whether today's technical reality would take me down plastic paths virtual. I go around externally, as outside of other things. What can I do? Time is less, I express myself with what I have and with what is within my reach.
SR: You have a constant formation in other branches of artistic culture. I would like you to tell me a little about music, writing, poetry.
VS: I was a teenager when I wrote my first songs. A faculty that came up from one day to the next. It broke out. Of course, in the meetings, - done from the sixth grade onwards, In the last year of primary school, until entering university -, there was always singing, poetry and guitars. I learned to sing on friend rounds. What nice boleros!, what zambos! All that generated perhaps the fantasy and could explain my ability to make songs.
Show up. The first sentence is in the air, I bring it, it comes syllabicated in melody. The idea comes up, I write down what I have and start looking for, all ears and concentration. I bring the guitar and right there the song settles down, takes shape and makes me happy. It's that simple and that complex. It's not a very rational job but it's a waking up, doing the correct connections to make a text come alive and beautiful.
SR: Do you work daily in painting, or do you alternate between music and poetry? Tell me about how you distribute your time among your arts.
VS: It's impossible not to work daily when you're in the mood. I don't alternate, except when a melody, a text is imposed, then I attend to it. It usually doesn't happen. Working on the image requires rapport.
On many occasions I have to leave the workshop to attend to the house, daily life cannot be interrupted.
SR: How has nature influenced your creative universe?
VS: Nature always has a strong influence. To feel it, we have to join what we observe, what we hear, to reveal what the things we observe tell us. I am attentive, alert. When nature presents itself to you as mysterious as this, a forest, a sea coast, when there is love for it and you walk away from yourself full of interest, then thoughts, renewed ideas and feelings can be born. And there you will find some phrases to follow and find the song, or also, surely, you link with a climate of light that then leads you to paint, in short, long transit, there are many experiences to tell. Nature is inspiring, but there are people who only go hunting, doing sports. I remember a woman who couldn't stand the boredom that a few hours with nature would cause her.
SR: What particular event in your life has caused you to make a detour in the way you work?
VS: Detour?
With regard to painting and the last change in my way of working was to leave behind the technique of painting in diluted oil and start working with new elements such as inks and tempera. From oils and more volatile substances such as solvent I moved to water. I made a series in small formats, about twenty. From the "stain" to the imagination.
A deviation from the author's song, maybe it could look like that when I accepted to perform tangos and Creole songs. I did it for more than ten years from 2001, when I sang again. From singer-songwriter to interpreter. From soloist to singing and group music.
I lived my first and only pregnancy at the age of 42. I gave up exhibitions, stopped singing in public and therefore social life. And in my studio I was only very sporadic. I dedicated myself to raising Antonia, I continued working in the library of the National Museum of Visual Arts and studying Anthroposophy. When she turned two, I took up my social life again. In May 1992 I traveled to Buenos Aires to join a study group about the Essence of the Arts. I say this because in this study I put the same attitude, the same intensity that I have put in my creations. It is life that sometimes proposes "detours". Sometimes it obstructs you. Or one neglects certain things and protects others. It can be said that my way of working, disciplined, constant, passionate had a deviation of 14 years. I'd be lying if I said I suffered from it.
[3]
«The Uruguayan painter Vera Sienra deserves the attention we give to the artist when he has something to say. This pre-condition that justifies an exhibition may seem obvious, but the truth is that all too often we are faced with visual tasks that are well done, but that add little or nothing to the world of our aesthetic experience.
Sienra, besides demonstrating solvency and probity in the use of expressive instruments, has a world of her own that communicates with ours along the path of fascination.
Her lunar landscapes populated by strange animals exert on our imagination a stimulus of musical affiliation.
The relationship of such a sense is so close that it is difficult to look at these paintings, without feeling in the process some prelude of Debussy, some hypnotic waltz of Ravel.
Sienra's images essentially aim at the dimension of poetry suggested through valid plastic experiences.
In my opinion, this is not the kind of dreaming so valuable to the surrealists, but that other world of fantasy populated by Titans and Oberons, Calibans and Ariels, which deserved to be a symbol of the lucid thought of his compatriot Rodó.» Rafael Squirru.
SR: What value do the past and present have for you in your works? Are your works nourished by the times?
VS: Yes, they do. It is necessary to interpret the time that we live in, the underlying state of mind development. Isn't it strange that, from above, magician mind, we see a time where intelligence reaches impressive progress and from below, human feelings degenerate? Perhaps the audacious intelligence, super powerful, goes on one side and the feeling on the other?
SR: Are the lyrics of your songs self-referential?
VS: They are in the sense that the emotions that are expressed have passed through me.
SR: What do you accept and reject?
VS: I accept that everyone lives freely, I believe in respecting the freedom of others. I reject irony, the malicious intelligence that is applied, for example, to the sense of humor. How healthy is a good sense of humor. Knowing how to laugh at oneself cannot be lacking in the mixture of human seasonings. It frees.
I reject foolishness. I accept change.
I reject that art is an ornament, another pleasure of consumption, a banality, a momentary amazement, how do you say? That it's a mental indulgence, a technical juggling.
SR: What are you studying?
VS: I think I already answered you. Since 1983, when I brought a book from Buenos Aires, I continued to discipline my reading on the anthroposophical worldview. Then I met people who like me had long sought a serious, scientific study of the spiritual world. From that time until today it is, together with art, my fundamental nourishment.
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