Johan Barrios [Pintura, dibujo / Painting, Drawing]

Johan Barrios

(Barranquilla, Atlántico, Colombia, 1982-)

en Houston, Texas, EE.UU./ at Houston, TX, USA

Johan Barrios frente a su obra "Trazabilidad" / in front of his work "Traceability"

Johan Barrios es un artista colombiano nacido en 1982 en Barranquilla, que vive y trabaja en Texas, Estados Unidos.

Recibió su maestría en Bellas Artes de la Universidad de Antioquia en Medellín, Colombia, y desde entonces ha expuesto su obra en todo el mundo en ciudades tan importantes como Zürich (Suiza), Los Ángeles, Nueva York (EE.UU.), Barcelona (España), Colonia (Alemania), Montreal (Canadá) y Aalborg (Dinamarca). Su obra ha aparecido en muchas publicaciones de renombre, impresas y en línea, como ArtMaze, Hi Fructose, Juxtapoz y muchas más. (3)

"Trazabilidad / Traceability", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 88", 2019

"Acumulación / Accumulation", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 48", 2017

«Mi primera venta oficial fue cuando estaba en el instituto. ¡Le vendí tres dibujos a mi director!. Mi profesora de arte nos introdujo en el mundo de los pasteles de tiza y, cuando vio que me interesaba mucho experimentar con ellos, me envió a casa con un bloc nuevo de papel Canson y pasteles prestados. Al día siguiente me presenté con unos dibujos; la impresionaron tanto que decidió enseñárselos a nuestro director. Es justo decir que mi carrera ha evolucionado mucho desde entonces, pero una de las cosas que he conservado de esa historia es la pasión por la sencillez en cosas básicas como el dibujo.» (1)

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 78", 2017

"Sin título / Untitled", grafito y acuarela sobre panel / graphite and watercolor, paper on panel, 35 x 28 cm.

Al hablar de su proceso creativo, Johan ha dicho que "generalmente comienza con un pensamiento, luego un rápido boceto o palabras en papel que evolucionan hacia un proceso meticuloso para capturar mi idea en fotografía. Luego paso a pintar o dibujar a partir de una selección de las fotos que he tomado". (1)

Los cuadros de Johan se caracterizan por la presencia de personajes en poses generalmente incómodas y extrañas, con sus rostros casi siempre ocultos por la propia pose o por alguno de los pocos accesorios representados, como prendas de vestir o cojines, de modo que el papel relevante lo desempeña la expresión corporal. Hay una cuidada atención al dibujo que define a los personajes, y una paleta que tiende a la monocromía. Las obras dan a veces la engañosa impresión de un trabajo inacabado, con fondos neutros y, como decíamos, muy pocos elementos complementarios: muebles, algunas plantas, vajilla y poco más.

"Mimesis", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 48", 2020

"Refugio / Haven", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152 x 122 cm., 2020

«La acción fotográfica se perpetúa con la pintura, en la que los ojos del espectador exploran para reconocer, entre los cuerpos, la existencia de un paisaje abstracto y el encuadre del objeto que acompaña la escena, pero que mantiene su carácter independiente.» (1)

«La luz es uno de los factores más importantes tanto en mis dibujos como en mis pinturas. Por ejemplo, a menudo utilizo el flash o una fuente de luz intensa para generar un contraste dramático que añada misterio a la cuestión de dónde están mis personajes. Con la simple visibilidad de las sombras en mi obra, una pared cercana o un suelo aparecen en un espacio vacío. Tengo una interesante relación con el color a la hora de pintar. Ajusto constantemente mi propia paleta desaturada, que se ha convertido en vital para crear la atmósfera adecuada en mi obra.» (1)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 68", 2019

"Insomnio / Insomnia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 48", 2017

«Es importante señalar que gran parte de lo que es la referencia final proviene de los momentos efímeros en los que estoy allí interactuando y fotografiando a los modelos.» (2)

Esos modelos suelen ser amigos, pero, como dice Johan, en su trabajo se convierten en atrezzo en los escenarios. Le gusta trabajar con modelos que a su vez son creativos, como artistas, diseñadores, fotógrafos, etc., porque aportan mucho más al trabajo. (1)

Para su exposición de 2019 "Monólogo", Johan se utilizó a sí mismo como modelo, creando "retratos psicológicos llenos de contradicciones, dudas, belleza y ansiedad, que existen entre la superficie del lienzo y la ilusión del trampantojo". Barrios presta atención a todos los detalles, representando con maestría el tono muscular, las manos, las arrugas de las telas y los pelos sueltos. Traduce sin esfuerzo las luces y las sombras, ejecutando sus obras con la maestría de los antiguos maestros. Representado en un estado de tensión suspendida, el sujeto no tiene identidad, ni narrativa, ni ubicación, pero conlleva una difusa resonancia emocional que aborda temas existenciales como la soledad, el autodescubrimiento, la intimidad y la fragilidad. (3)

"Sustained / Sostenido", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 172 cm.

«Para mí, todas las piezas que forman parte de este proyecto llamado Monólogo son el resultado de cuestionar lo que llamamos identidad. Todos estos autorretratos tratan de dar una mirada irracional a cómo estamos expuestos a una soledad simbólica que nos aleja de cualquier sistema colectivo. Desde mi punto de vista, estas figuras sustituyen a una determinada emoción que muchas veces puede estar relacionada con los miedos y los fracasos, y se vuelven vulnerables a los conflictos que surgen en la propia obra creando un amplio abanico de preguntas entre la imagen y los espectadores.» (3)

"Escultura Domestica 1 / Domestic Sculpture #1"

Carboncillo y acuarela sobre papel / charcoal and watercolor on paper, 16" x 12", 2018

Johan Barrios frente a su obra "Sin título" / in front of his work "Untitled" (2017)

Johan Barrios is a Colombian artist born in 1982 in Barranquilla, living and working in Texas, USA.

He received his Master in Fine Arts from the Universidad de Antioquia in Medellín, Colombia, and has since exhibited his work across the globe in such major cities as Zürich, Switzerland; New York City, New York; Barcelona, Spain; Cologne, Germany; Montreal, Canada; Los Angeles, California; and Aalborg, Denmark. His work has been featured in many renowned print and online publications, including ArtMaze, HI FRUCTOSE, Juxtapoz, and many more. (3)

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66" x 64", 2017

"Puente / Bridge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 180 cm.

«My first official sale was when I was in high school. I sold three drawings to my principal! My art teacher introduced us to chalk pastels and when she saw I was really interested in experimenting with them, she sent me home with a brand new pad of Canson paper and borrowed pastels. I showed up with drawings the next day that impressed her so much, she decided to show our principal. Fair to say that my career has dramatically evolved since then, but one of the things I´ve conserved from that story is the passion for the simplicity in basic things like drawing.» (1)

"Material Adjunto / Attached Material", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 84", 2017

"Gravitación / Gravitation", carboncillo y acrílico sobre lino / charcoal and acrilyc on linen, 40" x 30"

Talking about his creative process, Johan said "it generally begins with a thought, then a quick sketch or words on paper that evolve into a meticulous process to capture my idea in photograph. I then move on to painting or drawing from the selected photos I’ve taken." (1)

Johan's paintings are characterized by the presence of characters in generally awkward, strange poses, with their faces almost always hidden by the pose itself or by one of the few accessories represented, such as garments or cushions, so that the relevant role is played by the corporal expression. There is a careful attention to the drawing that defines the characters, and a palette that tends to monochrome. The works sometimes give the deceptive impression of an unfinished work, with neutral backgrounds and, as we said, very few complementary elements: furniture, some plants, crockery and little else.

"Alterado / Altered", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 65,5", 2019

"Simbiosis / Symbiosis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 68", 2020

«The photographic action is perpetuated by the painting, which the eyes of the spectator explore in order to recognize, amongst the bodies, the existence of an abstract landscape and the framing of the object that accompanies the scene but which maintains its independent character.» (1)

«Light is one of the most important factors in both my drawings and paintings. For example, I often use flash or a strong light source to generate dramatic contrast that adds mystery to the question of where my characters are. With the simple visibility of shadows in my work, a close wall or a floor appears in an empty space. I have an interesting relationship with color when it comes to painting. I am constantly adjusting my very own desaturated palette that has become vital to creating the right atmosphere in my work.» (1)

"Sobre papel II / On paper II"

Grafito y acuarela sobre papel / graphite and watercolor on paper, 9" x 12", 2015

"Interponer / Interpose", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 64", 2019

«It’s important to note that so much of what is the final reference comes from the ephemeral moments when I’m there interacting and shooting the models.» (2)

Those models are typically friends, but as Johan said, in his work they become props in his scenarios. He enjoys working with models that themselves are creative, like artists, designers, photographers etc., because they bring much more to the work. (1)

For his 2019 exhibition Monologue, Johan used himself as his own model, creating "psychological portraits full of contradictions, doubt, beauty and anxiety, that exist between the surface of the canvas and trompe l’oeil illusion. Barrios pays close attention to every detail, expertly rendering muscle tone, hands, fabric wrinkles and flyaway hairs. He effortlessly translates light and shadow, executing his pieces with the proficiency of old masters. Depicted in a state of suspended tension, the subject has no identity, no narrative, no location, yet carries a diffused emotional resonance that addresses existential issues such as loneliness, self-discovery, intimacy and fragility. (3)

"Sombra / Shadow", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 x 152 cm

"Expansión / Expansion", carboncillo y acrílico sobre lino / charcoal and acrilyc on linen, 36" x 48", 2020

«For me, all the pieces that are part of this project called Monólogo are the result of questioning what we call identity. All these self-portraits try to give an irrational look at how we are exposed to a symbolic solitude that distances us from any collective system. From my perspective, these figures are a replacement for a certain emotion that can often be related to fears and failures and become vulnerable to the conflicts that arise in the work itself creating a wider range of questions between image and spectators.» (3)

"Set up", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 68", 2019

Johan Barrios trabajando en su pintura / at work with his painting "Set Up"

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Fuentes / Sources:

* Website

* (1) "Visita al estudio de Johan Barrios: Trabajando con la luz y desafiando los límites del medio /

Studio Visit With Johan Barrios: Working with light and challenging the limits of the medium"

Por / by Layla Leiman. ArtMaze Mag

* (2) Johan Barrios: Misterioso desprendimiento de la identidad humana /

Mysterious Detachment From Human Identity, por / by Natalie Klotok, Minus 37, 9/2018

* (3) Exposición "Monólogo" / Exhibition Monologue, Oct.25 - Nov.30, 2019. Anya Tish Gallery

Johan Barrios en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XIII)], [Asonancias (XXXVII)]

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Uruguayos / Uruguayans (XLVI) - Marcela Ambrois [Pintura / Painting, Collage]

Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, en esta ocasión a la artista uruguaya Marcela Ambrois. Su obra presenta dos vertientes claramente diferenciadas; por un lado el paisaje, con lienzos atmosféricos en tonos tenues y evocadores, y por otro la geometría de sus composiciones utilizando el collage, el papel y una variedad de técnicas mixtas.

Texto en inglés al final del post.

New interview by Shirley Rebuffo, this time with Uruguayan artist Marcela Ambrois. Her work presents two clearly differentiated aspects; on the one hand the landscape, with atmospheric canvases in tenuous and evocative tones, and on the other hand the geometry of her compositions using collage, paper and a variety of mixed techniques.

Text in English at the end of the post.

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Marcela Ambrois

(Montevideo, Uruguay, 1988-)

Marcela Ambrois nace en Montevideo, Uruguay, el 27 de julio de 1988. Es una artista espontánea al hablar, y sumamente expresiva, lo que luego se deja ver en su obra. Dado el entorno familiar (madre y abuela artistas), el arte siempre estuvo presente. Las vivencias del paisaje, sea campo o playa, y los animales, no le son ajenos, ya que hasta sus 12 años vive en una zona rural, muy cerca de la ciudad de Mercedes, Soriano, Uruguay. En su adolescencia se traslada para realizar sus estudios secundarios y la carrera universitaria (Psicología) a Montevideo, trabajando en paralelo con carbonilla y óleo en el taller del artista Walter Nadal. Realiza el Nivel para Avanzados del International Baccalaureate en el Colegio para la asignatura de arte, haciendo el examen internacional, y en el Taller Casablanca, estudiando con Ignacio Iturria, Diego Píriz y Martín Rodríguez.

Como la presencia del campo es muy fuerte, realiza retiros artísticos en Colonia, Uruguay. Asimismo participa del grupo formado por el mismo Iturria, en la colonia para artistas dedicados en Miami, EEUU. 

"Horizonte / Horizon", acrílico y témpera sobre tela / acrylic and tempera on canvas, 114 x 160 cm., 2017

"Ensamblaje / Assemblage", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 80 x 120 cm., 2019

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cuándo dijiste "esta es mi vocación, lo que me gusta es esto"?

Marcela Ambrois: Es largo, tiene que ver con el pasaje de los años. Un camino que fui tomando sin darme tanta cuenta, y a la vez la decisión de elegirlo como parte de mi vida. Es un lenguaje en el que siento que "es por ahí", que mi vida está conformada por el crear, el pensar en forma de arte, pintura, y los diversos lenguajes que lo componen. Desde chica me gustaba estar entre tantos elementos que están asociados al crear (lápices, plantas, ramas, hojas, papeles, barro, bichos, etc.), los cuales me permitían inventar algo y jugar. Con el tiempo me di cuenta que es la mejor forma que he encontrado para expresar lo que siento, o viceversa; sentir junto con la creación, lo que se manifiesta y esto me dice de mí y del mundo. El arte es eterno, es completo, a diario se aprende, y todos los días, aunque no esté trabajando en una obra específica, tengo mi foco en eso. No hay nada más certero para mí que esa forma de estar en el mundo. Me permite disfrutar de la soledad o el concentrarme en mí misma. 

"Atmósfera de río / River Atmosphere", óleo sobre tela / oil on canvas, 115 x 150 cm., 2019

"Composición con formas / Composition With Shapes", papel / paper, 44 x 33 cm., 2020

SR: ¿Dónde has estudiado? Nombrame algunos de tus maestros y cuéntame qué crees que te han aportado.

MA: Mi primer maestro como guía completo en el arte fue Ignacio Iturria. Siguen siempre resonando en mi sus palabras y gestos. Tuve varios profesores o maestros, pero quien me llevó por el camino, a adentrarme en serio como vocación y como forma de vida, fue Ignacio.

Aunque fue significativo lo formal y aprender técnicas, donde hubo varios profesores. El primero, a mis 14 años, fue Walter Nadal en el dibujo, la carbonilla, proporciones, seguido por Diego Píriz con el manejo del óleo y sus grandes teóricos. En el Colegio (The British Schools) tuve a Nadine Mizrahi, que era muy estricta y sensible a la vez. Cada uno aportó algo que me llevo. Tuve un guía, Eduardo Cardozo. También más adelante, en el Museo Torres-García, con el profesor y artista Federico Méndez y sus alumnos, que allí estaban, aprendí mucho: la pintura al fresco, pintar rodeada con los aires de Torres-García, geometrizar y componer. Todo eso te brinda estructura y libertad a la vez, y más aprender y, fundamentalmente, trabajar en colectivo. Al ser uruguaya, no podría obviar la influencia del gran Maestro Torres-García. Otro aprendizaje fue junto al artista Rimer Cardillo con quien manipulé papel hecho a mano con plantas, pasto u hojas de árboles encontradas, experiencia táctil-visual y a la vez ecológica.

Y, por último, ahora, exponer junto a Marcelo Larrosa, que es un gran profesor, persona y artista con tanto conocimiento y vocación que te transmite incesantemente. Allí conocí un grupo de personas increíbles con quienes expusimos en la Fundación Pablo Atchugarry (un gran maestro y persona maravillosa, de una generosidad extraordinaria). Estela Brítez, una gran artista, y el maestro Juan De Andrés. De todos modos, el aprender en mí seguirá por siempre. Me faltaron nombrar dos figuras escenciales, mi abuela materna "Chiqui", pintora, y mi madre Cecilia Pollio, artista también.

Considero, además, que los maestros fundamentales son los libros de arte y museos que he recorrido en distintas partes del mundo, donde se puede apreciar a los grandes Maestros del Arte como Monet, Cézanne, Klee, Miguel Ángel, y tantos.

Mi formación como Psicóloga y alineación en Gestalt me ha dado un conocimiento sobre mí misma y la complejidad del ser humano, todo tiene que ver.

"Formas I / Shapes I", papel / paper, 30 x 40 cm., 2020

"Álamos de otoño / Autumn Poplars", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2018

SR: ¿Cómo definirías el trabajo que haces?

MA: En el encare de una obra tomo como clave la intuición, el mundo interno que adquiere una forma, una estructura, y de ahí todo el bagaje que uno tiene, tanto en lo que absorbí como lo que vivo y lo que me rodea, mezclando presente, pasado, la historia, las vivencias, el colectivo, lo fascinante de imaginarse viviendo en otra época, la soledad. Son cosas que tal vez no se ven fiscamente cuando ves una de mis obras, pero está todo ahí, en mi mundo.

La cultura griega me fascina y me interesa mucho, el paisaje y los enigmas de la naturaleza me atrapan. El misterio de las cosas creo que define bastante mi hacer y la soledad. Además también soy algo austera, o de tendencia minimalista. Pienso que la clave es tratar de mostrar lo esencial y lo espiritual, dándole valor a lo estético, que no es solamente lo racional o lo que tiene que ver con lo puramente contemporáneo o lo conceptual. Me gusta el concepto y creo que da mucho valor a una obra, pero soy más romántica o amante de los misterios y el no tenerle miedo a que una obra muestre un lado puramente estético, con un tanto del drama que la vida nos regala, obviamente todo con espíritu y ánimo, si no, no emerge, y hay que luchar por ello. 

Es difícil definir la estética ya que, por lo general, se confunde, es llevada por un lugar superfluo. Pero creo que la estética en el arte tiene que ser espiritual per se, algo así como lo definiría Kandinsky, y tener alma.

"Invisibilidad / Invisibility", papel / paper, 40 x 30 cm., 2019 

"Arboles que bailan / Dancing Trees"

Acrílico y tinta sobre tela / acrylic and ink on canvas, 117 x 146 cm., 2018

SR: ¿Cuál es el momento más interesante desde el instante en que te planteas una obra?

MA: Lo más interesante es el momento del "darse cuenta", es decir, que va por ahí lo que quiero manifestar, que es eso, o que algo "encontré" y se me presenta de forma ininterrumpida. Puedo fluir con esa sensación. Aunque en el mismo instante puedo poner en práctica mi acumulación de conocimientos, técnicas, formas, que en realidad hay un estilo que naturalmente me sale o me fluye. Pero nada es más importante que enfrentarse a una tela o papel (en general esos son mis elementos) y poder seguir con la noción que tengo de lo que quiero expresar.

"Quietud / Stillness", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 110 x 120 cm., 2016

"Formas III / Shapes III", papel / paper, 30 x 40 cm., 2020

SR: Si te digo agua, mar, playa, ¿te lleva a recordar algún lugar que puedas plasmar en un cuadro? 

MA: Si, bueno, sobre la playa y el mar, hay un lugar en especial al que vamos siempre con mis tíos y primas, y son los veranos por Rocha, muy alejado de todo, cerca del Cabo Polonio. Un lugar que me genera muchísima inspiración además de disfrutar estar ahí con el ruido del mar, el viento, la arena, encontrar objetos por la playa, los bosques naturales, casi nadie o muy pocas personas...  pasa que disfruto del silencio y me ayuda a contactarme mucho con mis emociones y estados más profundos.

SR: ¿Qué es para ti la belleza y dónde crees que reside?

MA: La belleza para mi es el alma de las cosas. Reside en casi todo lo que tenga esa alma, esa atmósfera, lo que es puro. Inevitablemente lo veo sobre todo en la naturaleza, aunque el mundo tiene infinidad de belleza. Los animales, los objetos, las frutas, los seres humanos, entre esos grupos, seleccionando algunos de ellos, tienen la capacidad de transmitir esa belleza. Hay un mirar de forma amorosa que nos hace apreciarlo más intensamente.

"Paisaje despojado / Stripped Landscape"

Óleo y técnica mixta sobre tela / oil and mixed media on canvas, 142 x 150 cm., 2020

"Composición con formas en relieve / Composition With Relief Shapes"

Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 2019

SR: Has incursionado ahora en una nueva forma de trabajar que se relaciona un poco más con la línea, la simetría. ¿Cómo surgió trabajar así? ¿Te sientes cómoda con esa posibilidad de geometrizar?

MA: Sí, me siento muy cómoda porque me ayuda a dar estructura. Hace tiempo incorporo el papel en algunas de mis obras, y para trabajar el papel y componer, hacerle cortes, ponerlos de tal o cual forma; para todo eso ayuda el estudiar la proporción áurea y geometrizar.

Antes no era tan consciente de ello, pero sin duda la intuición va por ahí, ya se sabe cómo es la armonía, no te engaña. La línea surge de muchísimas formas o está en todos lados: en la naturaleza, por ejemplo al descomponer un paisaje, aparece inevitablemente la línea; en un árbol, en el horizonte, en las plantas, flores, ramas, las rocas y en la arquitectura que vemos. La geometría está en todo lo que nos rodea. Yo soy más bien de línea sinuosa o descontracturada. Podría decirse: mancha y línea, forma y deformar, algo así. Me ayuda a entender nuestro mundo y es fascinante.

"Tarde de campo / Afternoon in the Field", óleo sobre arpillera / oil on burlap

"Médanos", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 90 cm., 2020

SR: Los colores que usas son muy neutros, suaves, como sacados de un ensueño. ¿Existe alguna búsqueda emocional o simbólica en la elección de tu paleta cromática? ¿Qué técnica utilizas para lograr esa pátina tan melancólica que recubre tus obras?

MA: Realmente desde un principio no fui tan consciente que tendía a entonar dejándome llevar hacia la colorimetría alta. Luego fui dándome cuenta de la preferencia por esos tonos. Podría decirse pintura en luz. Como muchas veces admiro tanto el paisaje, encuentro esos tonos en el paisaje del día y la luz, y lo atmosférico que me gusta representar. Nada que disfrute más que pintar al aire libre (“au plein air”) y dejarme invadir por la luz, la que a veces me encandila, y me gusta. Es una tendencia propia, y a veces intento generar contraste sin dudas, pero el tema del ensueño entona bien con el misterio que me hace sentir fascinada. Y en ese misterio, o en los mundos inconscientes veo también algo de drama (si no lo siento con fuerza), o como una vez me dijo un amigo: son paisajes en los que hay una "calma inquietante". Emocional o simbólicamente tal vez lo asocio con ese misterio en un cosmos tan cambiante. Lo que no cambia tal vez es la esencia de las cosas.  

En realidad mezclo muchísimos colores, aunque no parezca en un primer golpe de vista. Tal vez sí con predominancia de amarillos, azules y blancos, también negros. Se forman verdes, a veces en la combinación de pinceladas y otros verdes que elijo. Sería difícil describir una técnica porque utilizo muchas y varios elementos: pinceles diversos, espátulas, brocha gorda. Y en su forma tal vez la mancha, aguadas y otros más empastados.

"Ensamblaje II / Assemblage II", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 100 x 85 cm., 2019

SR: ¿Qué te atrae de lo onírico?

MA: Lo onírico es la magia de la imaginación, del dejar fluir, de lo que surge espontáneamente. Casi como flotar, como alucinar algo sin que intervenga la razón. ¡Es maravilloso! Luego viene la razón que muchas veces complementa y da sentido, pero cuando se vuelve excesiva es cuando la realidad se complica. Pero también es bueno combinar ambas, se da inevitablemente si logramos escuchar todo o entrar en estado de ensoñación, o parecido a una meditación. También es humana la búsqueda, el dar sentido a lo que hacemos. Creo que soñar o el estado onírico es un misterio fantástico.

"Atmósfera / Atmosphere", acrílico y tinta sobre tela / acrylic and ink on canvas, 120 x 180 cm., 2018

SR: ¿Qué intentan exteriorizar tus obras?

MA: Exteriorizan sin duda mi mundo interno, o lo que yo interpreto del mundo en el que estamos, aunque termina siendo personal y a la vez hay algo del colectivo, del entorno en el que estamos viviendo y en el que me crié. La realidad como la veo: sensaciones, sentimientos, y luego pintar por el hecho de pintar, es decir, la pintura como pretexto que es lo sublime. Exteriorizan también el alma de la naturaleza, a la cual tanto respeto, porque debe ser la manifestación mas grande de algún Dios.

SR: ¿Cuánto hay de pensado y cuánto de espontáneo en tus obras?

MA: Es una ardua combinación de ambas. Ardua porque lo complejo es unir ambas. Generalmente me gusta trabajar puramente desde la intuición, me sale naturalmente, pero desde que una tiene cierta formación y consciencia es inevitable que ésta se entrecruce y conforme la obra. A la obra le da forma la línea, la composición, aunque, por lo general, esto se da de forma muy espontánea y natural, casi de manera explosiva y después despacio, como una sonata, un ir y venir.

SR: ¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?

MA: Utilizo todos los que conozco, pero adecuados a lo que esté haciendo. Elijo aquellos con los que me siento más cómoda, y a la vez me desafío en nuevos caminos y aprendizajes. 

"Árboles / Trees", lápiz y tinta sobre papel / pencil and ink on paper, 20 x 25 cm.,

"Pradera / Meadow", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 180 cm., 2016

SR: ¿Qué te interesa que generen tus obras en el espectador?

MA: Me interesa que generen conciencia de alguna forma (definición en términos generales: conocimiento que el ser humano tiene de su propia existencia, de sus estados y de sus actos) sobre nosotros y lo que nos rodea (animales, personas, pobreza, riqueza, sociedad, valores morales, ética, entre muchos otros) y el valor de lo esencial. A la vez que funcione estéticamente (entendido desde lo sensorial) y la armonía. La idea es que cada uno pueda ver lo que le resuene en su interior y pueda apreciarlo.  

SR: ¿Vas a estudiar a Río de Janeiro? ¿Seguirás trabajando?

MA: Estaré trabajando allá. Veré cómo funciona. Pero pienso que al ser un entorno de tanta vegetación sé que me funcionará y me inspiraré bastante. También hay espacios y galerías de arte muy interesantes. ¡Por ahora no puedo decir mucho más! Pasada la experiencia podré contarte. 

¡Te agradezco por tan linda entrevista!

"Incisiones en ritmo / Incisions in Rhythm", papel / paper, 15 x 11,5 cm., 2020

"Algo como agua / Something Like Water", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 130 cm., 2017

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Texto en inglés / Text in English

Marcela Ambrois was born in Montevideo, Uruguay, on July 27, 1988. She is a spontaneous artist when speaking, and extremely expressive, which is later shown in her work. Given the family environment (mother and grandmother artists), art was always present. The experiences of the landscape, whether it is the countryside or the beach, and the animals are not strange to her, since until she was 12 she lived in a rural area, very close to the city of Mercedes, Soriano, Uruguay. In her adolescence she moved to Montevideo to pursue her secondary studies and her university career (Psychology), working in parallel with charcoal and oil in the workshop of the artist Walter Nadal. He took the Advanced Level of the International Baccalaureate at the College for the subject of Art, taking the international exam, and at the Casablanca Workshop, studying with Ignacio Iturria, Diego Píriz and Martín Rodríguez.

As the presence of the countryside is very strong, she takes artistic retreats in Colonia, Uruguay. She also participates in the group formed by Iturria himself, in the colony for artists in Miami, USA.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: When did you think "this is my vocation, what I like is this"?

Marcela Ambrois: It's long, it has to do with the passage of time. A path that I took without realizing so much, and at the same time the decision to choose it as part of my life. It is a language in which I feel that "it is that way", that my life is made up of creating, thinking in the form of art, painting, and the diverse languages that compose it. Since I was a child I liked to be among so many elements that are associated with creating (pencils, plants, branches, leaves, paper, clay, bugs, etc.), which allowed me to invent something and play. As time went by I realized that this is the best way I have found to express what I feel, or vice versa; to feel along with the creation, what is manifested and this tells me about me and the world. Art is eternal, it is complete, you learn it every day, and every day, even if I am not working on a specific piece, I have my focus on it. There is nothing more certain for me than that way of being in the world. It allows me to enjoy solitude or to concentrate on myself. 

SR: Where did you study? Name some of your teachers and tell me what you think they brought to you.

MA: My first teacher as a complete guide in art was Ignacio Iturria. His words and gestures still resonate with me. I had several teachers, but the one who led me along the way, to enter seriously as a vocation and as a way of life, was Ignacio.

Although it was significant the formal and learn techniques, where there were several teachers. The first one at my age of 14 was Walter Nadal in drawing, charcoal, proportions, followed by Diego Píriz with the handling of oil and the great theorists of this technique. In the School (The British Schools) I had Nadine Mizrahi, who was very strict and sensitive at the same time. Each one brought something that I took with me. I had a guide, Eduardo Cardozo. Also later, at the Torres-García Museum, with the teacher and artist Federico Méndez and his students, who were there, I learned a lot: fresco painting, painting surrounded by the airs of Torres-García, geometrizing and composing. All this gives you structure and freedom at the same time, and more learning and, fundamentally, working as a collective. Being Uruguayan, I could not ignore the influence of the great Master Torres-García. Another learning experience was with the artist Rimer Cardillo, with whom I manipulated handmade paper with plants, grass or leaves from found trees, a tactile-visual experience and at the same time an ecological one.

And finally, now, I exhibit with Marcelo Larrosa, who is a great teacher, person and artist with so much knowledge and vocation that he transmits to you incessantly. There I met a group of incredible people with whom we exhibited at the Pablo Atchugarry Foundation (a great teacher and wonderful person, of extraordinary generosity). Estela Brítez, a great artist, and the master Juan De Andrés. Anyway, the learning in me will go on forever. I had to name two essential figures, my maternal grandmother "Chiqui", a painter, and my mother Cecilia Pollio, an artist as well.

I consider, in addition, that the fundamental teachers are the books of art and museums that I have traveled in different parts of the world, where the work of the great Masters of the Art like Monet, Cézanne, Klee, Miguel Angel, and so many, can be appreciated.

My training as a Psychologist and Gestalt alignment has given me a knowledge about myself and the complexity of the human being, everything has to do with it.

SR: How would you define the work you do?

MA: When I face a work I take intuition as the key, the internal world that takes on a form, a structure, and from there all the baggage one has, both in what I absorbed as what I live and the world in which I am immersed, mixing present, past, history, experiences, the collective, the fascinating of imagining living in another time, loneliness. These are things that perhaps you don't see physically when you see one of my works, but it's all there, in my world.

Greek culture fascinates and interests me a lot, the landscape and the enigmas of nature capture me. The mystery of things I think defines my work and loneliness quite a bit. Then I'm also a bit austere or minimalist. I think that the key is to try to show the essential and the spiritual, giving value to the aesthetic, which is not only the rational or what has to do with the purely contemporary or the conceptual. I like the concept and I think it gives a lot of value to a work, but I am more romantic or lover of the mysteries and not being afraid that a work shows a purely aesthetic side, with some of the drama that life gives us, obviously all with spirit and courage, if not, it does not emerge, and we must fight for it. 

It is difficult to define aesthetics because the world confuses it, it takes it to a superfluous place. But I think that aesthetics in art has to be spiritual per se, something like Kandinsky could define it, and have a soul.

SR: What is the most interesting moment since you are considering a work?

MA: The most interesting is the moment of "realizing", that is, that what I want to manifest is going around, that it is that, or that I "found" something and is presented to me in an uninterrupted way. I can flow with that feeling. Although in the same instant I can put into practice my accumulation of knowledge, techniques, forms, that in reality there is a style that naturally comes out or flows to me. But nothing is more important than facing a canvas or paper (in general those are my elements) and being able to continue with the notion that I have what I want to express.

SR: If I tell you water, sea, beach, does that remind you of any place you can paint? 

MA: Yes, well, on the beach and the sea, there is a place in particular where we always go with my uncles and cousins, and it's the summers in Rocha, very far from everything, near the Polonio Cape. A place that generates a lot of inspiration in addition to enjoying being there with the noise of the sea, the wind, the sand, finding objects on the beach, the woods, almost nobody or very few people... it happens that I enjoy silence and it helps me to contact a lot with my emotions and deeper states.

SR: What is beauty to you and where do you think it resides?

MA: Beauty for me is the soul of things. It resides in almost everything that has that soul, that atmosphere, that is pure. Inevitably I see it mostly in nature, although the world has infinite beauty. The animals, the objects, the fruits, the human beings, among those groups, selecting some of them, have the capacity of to transmit that beauty. There is a loving look that makes us appreciate it more intensely.

SR: You have now made a foray into a new way of working that relates a little more to line, symmetry. How did working like this come about? Are you comfortable with that possibility of geometrizing?

MA: Yes, I feel very comfortable because it helps me give structure. Some time ago I incorporated paper in some of my works, and to work on the paper and compose it, cut it out, put it in this or that shape; for all that it helps to study the golden ratio and to geometrize.

I wasn't so aware of it before, but without a doubt intuition goes that way, you know how harmony is, it doesn't fool you. The line emerges from many forms or is everywhere: in Nature, for instance, when a landscape is decomposed, the line inevitably appears; in a tree, on the horizon, in plants, flowers, branches, rocks, and in architecture that we see. Geometry is in everything around us. I rather like the sinuous or uncontracted line. You could say: stain and line, shape and deformity, something like that. It helps me understand our world and it is fascinating.

SR: The colors you use are very neutral, soft, as if taken from a dream. Is there any emotional or symbolic search in the choice of your chromatic palette? What technique do you use to achieve that melancholic patina that covers your works?

MA: Actually, from the beginning I wasn't so aware that I tended to work towards high colorimetry. Then I became aware of the preference for those tones. You could say painting in light. Since I often admire the landscape so much, I find those tones in the landscape of the day and the light, and the atmospheric that I like to represent. Nothing I enjoy more than painting outdoors ("au plein air") and letting myself be invaded by the light, which sometimes dazzles me, and I like it. It's a tendency of my own, and sometimes I try to generate contrast without a doubt, but the theme of the dreaming fits in well with the mystery that makes me feel fascinated. And in that mystery, or in the unconscious worlds, I also see some drama (if I don't feel it strongly), or as a friend once told me: they are landscapes in which there is a "disturbing calm". Emotionally or symbolically, perhaps I associate it with that mystery in such a changing world. What does not change is perhaps the essence of things.  

In fact I mix a lot of colors, even though it may not seem at first glance. Perhaps I do so with a predominance of yellows, blues and whites, and also blacks. Greens are formed, sometimes in the combination of brushstrokes and other greens that I choose. It would be difficult to describe a technique because I use many and various elements: different brushes, palette knives, large brush. And in its form perhaps the stain, gouaches and others more filled.

SR: What attracts you to the oneiric?

MA: The oneiric is the magic of imagination, of letting it flow, of what emerges spontaneously. Almost like floating, like hallucinating something without the intervention of reason. It's wonderful! Then comes the reason that many times complements and gives sense, but when it becomes excessive is when reality becomes complicated. But it is also good to combine both, it happens inevitably if we manage to listen to everything or enter into a state of dreaming, or similar to a meditation. It is also human to search, to give meaning to what we do. I think that dreaming or the dream state is a fantastic mystery. 

SR: What are your works trying to show?

MA: They exteriorize without a doubt my internal world, or what I interpret from the world we are in, although it ends up being personal and at the same time there is something of the collective, of the environment in which we are living and in which I grew up. Reality as I see it: sensations, feelings, and then painting for the sake of painting, that is, painting as a pretext that is the sublime. Also they externalize the soul of Nature, which I respect so much, because it must be the greatest manifestation of some God. 

SR: How much thought and how much spontaneity is there in your work?

MA: It's an arduous combination of both. It's hard because the complex thing is to bring the two together. Generally I like to work purely from intuition, it comes naturally to me, but since one has a certain formation and consciousness, it is inevitable that this formation is intertwined and in accordance with the work. The work is shaped by the line, the composition, although, in general, this happens very spontaneously and naturally, almost explosively and then slowly, like a sonata, a coming and going.

SR: What tools, materials and themes do you work with the most? Why do you choose the materials you use to work?

MA: I use all the ones I know, but they are appropriate for what I am doing. I choose those with which I feel most comfortable, and at the same time I challenge myself in new ways and learning. 

SR: What do you want your works to generate in the viewer?

MA: I am interested in them generating awareness in some way (definition in general terms: knowledge that the human being has of his own existence, of his states and of his actions) about us and what surrounds us (animals, people, poverty, wealth, society, moral values, ethics, among many others) and the value of the essential. At the same time that works aesthetically (understood from the sensory) and in harmony. The idea is that everyone can see what resonates within them and can appreciate it.  

SR: Are you going to study in Rio de Janeiro? Will you continue working?

MA: I will be working there. I will see how it works. But I think that since it is such a vegetated environment, I know that it will work for me and I will be quite inspired. There are also some very interesting spaces and art galleries, but I can't say much more about that right now! After the experience I will be able to tell you. 

I thank you for such a nice interview!

Hilary Harkness [Pintura / Painting]

Hilary Harkness

(Detroit, Michigan, EE.UU./ MI, USA, 1971-)

en Brooklyn, Nueva York / at Brooklyn, NY

Hilary Harkness es una artista estadounidense nacida en 1971 en Detroit.

Se graduó en la Universidad de Berkeley, California, en 1993, y recibió su Máster en Bellas Artes en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut, en 1996. Antigua violinista profesional, Harkness perfeccionó su singular visión del mundo artístico mientras vivía en San Francisco, California, y actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Su obra se ha expuesto en todo el mundo, incluido el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España) y la Fundación Deste de Atenas (Grecia), y forma parte de la colección del Whitney Museum of American Art de Nueva York. Harkness ha aparecido en publicaciones como The New York Times, The New Yorker, Interview Magazine y Esquire, entre otras. Ha enseñado pintura y escultura como artista residente en la Escuela de Verano de Arte y Música de Yale, y ha impartido numerosas conferencias en instituciones como la Universidad de Columbia, la Universidad de Boston, la Universidad de Yale, la Universidad de Brandeis y el Museo de Arte de Baltimore. (1)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Bolas en punto / Balls O'Clock", óleo sobre lino / oil on linen, 27" x 23 ⅜", 2015

«Se trata más bien de sexo y poder, no de violencia. Estas dos cosas tienen un atractivo a la vez inmediato y oculto. Llaman tu atención. Mis pinturas van sobre esto, pero también mucho más. Las utilizo para atraer al espectador; a partir de ahí exploro los temas con más detalle, a veces con giros, y a veces hasta en su propia banalidad. También creo que es importante la forma como las pinto: lenta, pequeña, detallada. Esto me permite investigar estos temas de sexo y poder de una manera más detallada, articulada y tal vez más reflexiva. Espero infundir a estos temas significados más profundos e idiosincrásicos que los que se suelen encontrar en la cultura en general. No puedo separar la forma en la que pinto de las cosas que pinto; los cuadros no tratan sólo de una cosa o la otra, y espero que el cómo y el qué contrasten y se combinen de forma que creen algo interesante, con carga.» (3)

"Bolas en punto / Balls O'Clock" (detalle / detail)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series

"Permiso concedido / Permission Granted (Francis & Harriet)"

Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 7" x 6", 2019

Hilary Harkness representa meticulosamente historias reimaginadas que comentan las fuerzas socioculturales con una sensibilidad claramente contemporánea. Sus obras exploran la dinámica personal a través de una lente que permite que las luchas de poder inherentes a los sistemas de sexo, raza y clase se desarrollen en un escenario sin censura. En esta instalación, Harkness expone una serie de pinturas inspiradas en Prisioneros del frente (1866) de Winslow Homer (ver más abajo). Su interpretación de esta obra icónica se desarrolla a lo largo de una serie de escenas narrativas, que incluyen un romance interracial entre el general de la Unión Francis Channing Barlow y Arabella Freeman, una terrateniente de Virginia. A medida que la serie se desarrolla, la fiesta atraviesa América. Las pasiones se intensifican, las lealtades se ponen a prueba y se forjan incómodas alianzas en la fantasiosa y erótica visión de Harkness sobre la creación de la mitología estadounidense de mediados del siglo XIX. Las escenas narrativas están contextualizadas por una serie en curso de pinturas de paisajes íntimos que ha ejecutado constantemente desde 2016. (7)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Flipwreck", óleo sobre panel / oil on panel, 13" x 22", 2004

«Cuando tenía 20 años, Frida Kahlo se me apareció en un sueño y me dijo qué tenía que pintar (sus ideas no eran tan malas). No había estudiado arte en Berkeley, así que tuve que apresurarme a terminar la carrera de arte a tiempo para graduarme. Un año más tarde, en Yale, llegué al final de la vieja guardia de la facultad, como William Bailey, y los recientes profesores eméritos Andrew Forge y Bernie Chaet, que seguían en activo. Nos destrozaron y pulverizaron todo lo que creíamos saber sobre el arte y nuestra pintura. No nos nutrieron, pero nos dieron un kit de herramientas básicas: cómo conseguir que la pintura se adhiera al lienzo, el propósito, los límites y los beneficios de los medios de pintura, cómo crear la ilusión de espacio. En Yale, a mediados de los años noventa, no se hablaba de estrategia profesional, ni de cómo encontrar una galería, y como el profesorado había intentado convencerme de que estaba loca, me trasladé a San Francisco para reconstruirme como artista lejos del dogma pictórico de la Costa Este.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Veta madre / Mother Lode", óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 30" x 33", 2005-06

«Como pinto cuadros con una narrativa histórica, es importante para mí crear escenas que sean precisas y creíbles. Por ejemplo, si pinto un acorazado, obtengo los planos de la planta y me aseguro de que todo (incluso los compactadores de basura) esté pintado en el lugar correcto. En general, creo un entorno y luego un escenario: lo investigo para poder creer en él. Me vendo la idea a mí misma. Sólo entonces suelto a los personajes para ver qué hacen.»

«No espero que los espectadores tengan una emoción o reacción concreta. En general, mi objetivo es doble: crear una obra de arte que me intrigue lo suficiente como para forzar su creación, y abordar temas más amplios, que pueden ir, según el cuadro, desde el capitalismo hasta la dinámica del poder interpersonal. Pintar algo hiperhermoso o decorativamente sangriento es, en cierto modo, lo mismo: ambos son grotescos en el sentido de que son distorsiones.» (4)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series

"Pedido al cuartel: el general Francis Channing Barlow visita la casa de Arabella Freeman (aparece su hermano Charles) /

Request to Quarter: General Francis Channing Barlow visits the home of Arabella Freeman (feat. her brother Charles)"

Óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 15 ¾", 2019

"Pedido al cuartel / Request to Quarter" (detalle / detail)

«Cuando se añade color a una imagen lineal, los pesos visuales de cada elemento cambian tanto que un buen dibujo puede llevar a un proceso de pintura muy difícil. Puede que las sucesivas capas de pintura no den lugar a nada. Por eso, cuando me desespero, viajo al lugar real que ha inspirado mi cuadro, me siento fuera y pinto del natural. Por ejemplo, una vez estuve pintando y repintando una escena minera porque el suelo parecía demasiado carnoso. Volé a Gold Country y me dirigí al lugar de una mina hidráulica del siglo XIX y descubrí que tenía que cambiar el amarillo ocre por el amarillo del óxido de hierro.

Como no podía terminar un cuadro del Pacífico Sur, me fui a la playa de Kauai, donde se rodó la película South Pacific, y pinté unos siete estudios. Viajar puede ahorrar mucho tiempo.

La ventaja de pintar despacio es que el subconsciente trabaja durante más tiempo: los detalles inventados el último día de pintura son los mejores.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Cruzando el Ecuador / Crossing the Equator", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31" x 28", 2003

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Clase Iowa / Iowa Class", óleo sobre lino / oil on linen, 14" x 22", 2003

«El Museo Metropolitano de Arte está empezando a ser algo como un segundo hogar para mí. Mis obsesiones pictóricas siguen evolucionando con el tiempo, pero una constante es el "Retrato de la Princesa de Broglie" de Ingres, en la colección Lehman (ver más abajo). La expresiva pincelada con la que se creó su falda mantiene la ilusión de la tela incluso a muy corta distancia. Me acerco todo lo que puedo y dejo que mi cerebro alterne entre la ilusión de la falda y la realidad de la pintura. Es alucinante. Sería curioso ver un escáner de mi cerebro mientras miro.» (4)

«Una pintora contemporánea que admiro es Ellen Altfest (ver más abajo). Ella es capaz de pintar un fragmento de una pierna peluda con tanta intensidad que tiene la fuerza de un edificio de Gaudí.» (5)

Serie "Historia, algunas revisiones / History, Some Revisions Series

"Nervios en el servicio / Nervous in the Service", óleo sobre panel / oil on panel, 25" x 31", 2009

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Totalmente comprometido: Mighty Mo, 11/4/1945 / Fully Committed: Mighty Mo, April 11, 1945"

Óleo sobre lino montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 36" x 48", 2008

El USS Missouri (BB-63) es un acorazado clase Iowa de la Armada de los Estados Unidos, apodado por su tripulación como "Mighty Mo", encargado en 1940 y puesto en servicio en junio de 1944. En el Teatro del Pacífico de la Segunda Guerra Mundial luchó en las batallas de Iwo Jima y Okinawa y bombardeó las islas japonesas.

Mientras operaba con los portaaviones el 11 de abril, el Missouri fue atacado por un kamikaze que golpeó el costado del buque por debajo de la cubierta principal. El impacto destrozó el avión, arrojando gasolina sobre la cubierta que se encendió rápidamente, aunque la tripulación del Missouri la sofocó de inmediato. El ataque causó daños superficiales y el buque permaneció en su puesto. (6)

USS Missouri (BB-63) is an Iowa-class battleship ordered in 1940 and commissioned in June 1944. In the Pacific Theater of World War II she fought in the battles of Iwo Jima and Okinawa and shelled the Japanese home islands.

While operating with the carriers on 11 April, Missouri came under attack from a kamikaze that struck the side of the vessel below the main deck. The impact shattered the aircraft, throwing gasoline on the deck that rapidly ignited, though Missouri's crew quickly suppressed it. The attack caused superficial damage and the ship remained on station. (6)

Hilary Harkness, junto a su obra "Cielo rojo en la mañana" / With her Work "Red Sky in the Morning" 

The Flag Art Foundation, 2013

Hilary Harkness is an American artist born n 1971 in Detroit, MI.

Graduated Phi Beta Kappa from the University of California, Berkeley, CA, in 1993, she received her M.F.A. from Yale University School of Art, New Haven, CT, in 1996. A former professional violinist, Harkness honed her unique artistic worldview while living in San Francisco, CA, and now lives and works in Brooklyn, NY.

Her work has been exhibited worldwide, including the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, Spain, the Deste Foundation in Athens, Greece, and is in the collection of the Whitney Museum of American Art, New York, NY. Harkness has been featured in publications including The New York Times, The New Yorker, Interview Magazine, Esquire, among others. She taught painting and sculpture as Artist in Residence at Yale Summer School of Art and Music, New Haven, CT, and has lectured widely at institutions such as Columbia University, Boston University, Yale University, Brandeis University, and the Baltimore Museum of Art. (1)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Cielo rojo en la mañana / Red Sky in the Morning"

Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 37" x 42", 2011

«It's more about sex and power, not violence. These two things have a simultaneously immediate yet hidden appeal. They draw you in. My paintings are about these, but also much more. I use them to pull the viewer in; from there, I explore the issues in more detail, sometimes in twists-and-turns and sometimes to the point of their own banality. I also think the manner in which I paint them is important: slow, small, detailed. This allows me to investigate these issues of sex and power in a more detailed, articulated, and maybe thoughtful manner. I hope to infuse these issues with meanings deeper and more idiosyncratic than typically found in the culture at large. I cannot separate how I paint from what I paint, the paintings are not just about one or the other, and hopefully the how and what contrast and combine in a way that creates something interesting, charged.» (3)

"Al amanecer / Crack of Dawn"

Grafito, óleo y acuarela sobre papel / graphite, oil and watercolor on paper, 10" x 8 ¾", 2005

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Cruceros pesados / Heavy Cruisers (*)", óleo sobre lino / oil on linen, 33" x 37", 2004

(*) Juego de palabras. "Cruise" es "crucero" en inglés, y el "cruising" o cancaneo, en el contexto LGTB, es la práctica de buscar una pareja sexual caminando o conduciendo por un lugar público, por lo general de manera anónima, ocasional y para una sola vez.

"Cruceros pesados" presenta en un corte transversal las entrañas de un barco muy poblado de marineras ocupadas por igual con la náutica y las travesuras. Si el título es un juego de palabras adecuado, el manejo de diferentes medios revela sin embargo el extraordinario toque y control de esta extraña joven. La firme delicadeza de su dibujo lineal, por ejemplo, que tiene una exactitud legada de los grabados, recuerda al dibujante neoclásico John Flaxman (ver más abajo). Esto hace pensar que si Flaxman hubiera honrado sus habilidades a Sade en vez de a Dante, la historia del arte habría tenido su Harkness dos siglos antes. (2)

"Cruceros pesados / Heavy Cruisers" (detalle / detail)

"Heavy Cruisers" presents in a cut-away cross section the bowels of a ship heavily populated by sailorettes equally busy with the naughte and the nautical. If the title is a suitable pun, the handling of different mediums nonetheless reveals the extraordinary touch and control of this weird young woman. The firm delicacy of her line drawing, for instance, which have the legato exactitude of engravings, recall the neoclassical draughtsma John Flaxman (see below). It means one think: if Flaxman had honred his skills to Sade rather Dante art history would have had its Harkness two centuries earlier. (2)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Hundiendo el Bismack / Sinking the Bismarck", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 36", 2002

«When I was 20, Frida Kahlo came to me in a dream and told me what to paint (her ideas weren’t so bad). I hadn’t been studying art at Berkeley, so I had to scramble to complete a major in art in time to graduate. A year later at Yale, I caught the very end of the old-guard faculty, such as William Bailey, and the recent Professors Emeriti Andrew Forge and Bernie Chaet were still hanging out. They broke us down and pulverized everything we thought we knew about art and our painting. We weren’t nurtured, but we were given a basic tool kit: how to get paint to cleave to the canvas; the purpose, limits, and benefits of painting mediums; how to create the illusion of space. At Yale in the mid-nineties, there was no talk of career strategy, such as how to find a gallery, and as the faculty had tried to convince me I was daft, I moved to San Francisco to rebuild myself as an artist away from East Coast painting dogma.» (4)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series

"Arabella y el general / and the General"

Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 10" x 8", 2020

«It’s important for me — since I create paintings with a historical narrative — to create scenes that are accurate and believable. For instance, if I paint a battleship, I will obtain the floor plans and ensure that everything — even down to the trash compactors — is painted in the correct place. In general I make an environment, then a scenario - I research it so I can believe in it. I sell the idea to myself. Only then do I unleash the characters into it to see what they do.»

«There’s not a particular emotion or reaction I’m hoping viewers will have. In general, my goal is two-fold: to create a work of art that intrigues me enough to force its creation, and to grapple with larger issues — which could range, depending on the painting, from capitalism to interpersonal power dynamics. Painting something either hyper-beautiful or decoratively gory is, in some ways, the same thing: they are both grotesque in that they are distortions.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Matterhorn", óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 27", 2003-04

"Las orgías sadomasoquistas sólo de mujeres de Harkness y sus aventuras en el mar son un frío matrimonio entre el medievalismo y el cómic. En "Matterhorn" (2003-04), por ejemplo, El Bosco y Lucas Cranach se alían con Quentin Tarantino, Henry Darger, Balthus y su extraño hermano ocultista Pierre Klossowski, el ilustrador gay Tom of Finland y el pornógrafo vintage Eric Stanton. En lo que parece una casa de muñecas abierta en rodajas, ofrece vistas transversales y compartimentadas de un ejército de mujeres jóvenes y delgadas vestidas de negro con botas sexys, pantaloncitos, bikinis y gorras militares que en cada habitación torturan, abusan, molestan y despachan mortalmente a compañeros sartorial y anatómicamente similares. De hecho, como no se muestra ninguna emoción discernible en los rostros perfumados ni en los cuerpos estandarizados de ninguna de las participantes, no es demasiado fácil decir qué criterio, destino o preferencia determina si uno es un perpetrador o una víctima, aunque la mayoría de estos últimos llevan calcetines blancos, lo que podría significar algo. Nadie registra mucha expresión de placer o dolor en sus lindas y tontas caras." (2)

"Matterhorn" (detalle / detail)

"Ms. Harkness’s all-female S/M orgies and girl’s own adventures at sea are a chilly marriage of medievalism and the comic strip. In “Matterhorn,” (2003-04) for instance, Hieronymous Bosch and Lucas Cranach team up with Quentin Tarantino, Henry Darger, Balthus and his oddball occultist brother Pierre Klossowski, gay illustrator Tom of Finland, and vintage bandes-dessinées pornographer Eric Stanton. In what reads like a sliced-open doll’s house, she offers cross-sectional, compartmentalized views of an army of skinny young women kitted out in black with sexy boots, hotpants, bikinis, and military caps who in each room torture, abuse, molest, and mortally dispatch sartorially and anatomically similar fellows. In fact, as no discerible emotion is displayed on the perfunctory faces or standarized bodies of any of the participants, it is not too easy to say what criterion, fate, or preference determines whether you are a perpetrator or a victim, although the majority of the latter are wearing white socks, which might signify something. No one registers much by way of pleasure or pain on their cute, dumb faces." (2)

Serie "Historia, algunas revisiones" / History, Some Revisions Series

"Chica borracha observando una flor / Drunk Girl Observing a Flower"

Óleo sobre panel / oil on panel, 13" x 19", 1999

«When color is added to a linear image, the visual weights of every element change so much that a good drawing can lead to a very difficult painting process. Maybe the successive layers of paint won’t add up to anything. So when I despair, I travel to the actual place that inspired my painting and sit outside and paint from life. For instance, once I was painting and repainting a mining scene because the soil looked too fleshy. I flew to Gold Country and trekked to the site of a 19th century hydraulic mining and discovered that I needed to switch from using yellow ocher to yellow made from iron oxide.

When couldn’t finish a painting of the South Pacific, I went to the beach in Kauai where the movie South Pacific was filmed and painted seven or so studies. Traveling can save a lot of time.

The benefit to slow painting is that the subconscious gets to work longer — the details invented on the last day of painting are the best.» (5)

"Prisioneros del frente (1866), por encargo de Arabella Freeman /

Prisoners From the Front (1866), Commissioned by Arabella Freeman"

Óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 19", 2019

Hilary Harkness meticulously renders reimagined histories that comment on sociocultural forces with a distinctly contemporary sensibility. Her works explore personal dynamics through a lens that allows the power struggles inherent in sex, race, and class systems to play out on an uncensored stage. In this installation, Harkness exhibits a series of paintings inspired by Winslow Homer’s Prisoners from the Front (1866) (see below). Her interpretation of this iconic work takes place over a number of narrative scenes, including an interracial romance between Union General Francis Channing Barlow and Arabella Freeman, a Virginia landowner. As the series unfolds, the party traverses America. Passions escalate, loyalties are tested, and uneasy alliances are forged in Harkness’s fanciful and erotic take on the making of mid-19th century American mythology. The narrative scenes are contextualized by an ongoing series of intimate landscape paintings that she has steadily executed since 2016. (7)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Muro de Pomerania / Pomeranian Line", óleo sobre lino, montado sobre panel /

oil on linen mounted on panel, 21 ¼" x 26 ¾", 2007

«El Museo Metropolitano de Arte está empezando a ser algo como un segundo hogar para mí. Mis obsesiones pictóricas siguen evolucionando con el tiempo, pero una constante es el "Retrato de la Princesa de Broglie" de Ingres, en la colección Lehman (see below). La expresiva pincelada con la que se creó su falda mantiene la ilusión de la tela incluso a muy corta distancia. Me acerco todo lo que puedo y dejo que mi cerebro alterne entre la ilusión de la falda y la realidad de la pintura. Es alucinante. Sería curioso ver un escáner de mi cerebro mientras miro.» (4)

«One contemporary painter I admire is Ellen Altfest (see below). She can paint a fragment of a hairy leg so intensely that it has the power of a Gaudi building.» (5)

"Muro de Pomerania / Pomeranian Line" (detalle / detail)

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Fuentes / Sources:

* Website

* (1) Reseña de la exposicion / Review of the exhibition "Hilary Harkness", 8/2 - 18/5, 2013

The Flag Art Foundation (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

* (2) "Implacable pero desapasionada: Hilary Harkness en el Fundación Flag Art /

Relentless Yet Dispassionate: Hilary Harkness at Flag Art Foundation"

Por / by David Cohen. Artcritical, 2013

* (3) Entrevista de / Interview by Laura Smith, Fnews Magazine, 11/2004

* (4) Entrevista de / Interview by David Galenson, Huffington Post, 9/2012

* (5) Entrevista de / Interview by David Galenson, Huffington Post, 5/2015

* (6) USS Missouri (BB-63), Wikipedia (Spanish / English)

* (7) "Prisioneros del frente / Prisoners from the Front". P.P.O.W., Art Basel

Hilary Harkness en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XXXV)]

Más sobre / More about Hilary Harkness: Website, Wikipedia (English), Instagram

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Hilary!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hilary!)

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Algunas referencias / Some References

Jean-Auguste-Dominique Ingres

(Montauban, Francia / France, 1780 - París, 1867)

"Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825–1860), Princesse de Broglie"

Obra y detalle del vestido / work and gown detail.

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,3 x 90,8 cm., 1851–1853

The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Pintura ya publicada en el blog aquí / Painting already posted in this blog here: [Uruguayos (XXIII)]

Ingres, el artista neoclásico francés por excelencia, pintó esta obra maestra hacia el final de su vida, cuando su reputación como retratista de ciudadanos prominentes y aristócratas orleanistas estaba ya muy consolidada. Pauline de Broglie posó para el último encargo del artista. Ingres capta la tímida reserva de su retratada, a la vez que ilumina, con una pincelada perfecta, la calidad material de sus numerosos y bellos atributos: su rico vestido de baile de satén azul y encaje, el chal bordado en oro y la silla de damasco de seda, junto con las joyas finamente labradas de perlas, esmalte y oro. El retrato fue encargado por el marido de la modelo, Albert de Broglie, unos años después de su malogrado matrimonio. Fuente: MET

Ingres, the neo-classical French artist par excellence, painted this masterpiece toward the end of his life when his reputation as a portraitist to prominent citizens and Orléanist aristocrats had been long established. Pauline de Broglie sat for the artist’s final commission. Ingres captures the shy reserve of his subject while illuminating through seamless brushwork the material quality of her many fine attributes: her rich blue satin and lace ball gown, the gold embroidered shawl, and silk damask chair, together with finely tooled jewels of pearl, enamel, and gold. The portrait was commissioned by the sitter’s husband, Albert de Broglie, a few years after their ill-fated marriage. Source: MET

Ingres en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

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Ellen Altfest

(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1970-)

"La pierna / The Leg", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20,3 x 27,9 cm., 2010. White Cube

Ellen Altfest es una pintora estadounidense nacida en 1970 en Nueva York. Es conocida por sus representaciones realistas de paisajes y bodegones.

Se graduó en la Universidad de Cornell con una licenciatura en pintura y otra en inglés, y obtuvo un máster en pintura en Yale, y estudió en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan.

Desde que dejó la Escuela de Arte de Yale, ha desarrollado su propio enfoque distintivo de una pintura figurativa y representativa. El escritor y artista David Humphrey ha señalado que "sus cuadros celebran el modo en que los objetos se ven envueltos por su entorno y los simples actos de identificación se multiplican y transforman".

Altfest siempre pinta a partir del natural, atraída por las plantas domésticas, los vegetales y, más recientemente, los modelos masculinos. Se sumerge en un intenso análisis y un compromiso personal con el tema, llevando su visión más allá de lo real.

La composición de los cuadros está estrechamente editada y enmarcada, casi invadiendo el espacio del sujeto, ya sea el núcleo de las plantas rodadoras o la piel arrugada de un cactus junto al escote del modelo. Altfest aborda sus diversos temas con una intención similar, dedicando horas de cuidadosa observación y estudio que dan como resultado imágenes que, aunque parezcan voyeuristas, están retratadas con un humor inexpresivo y la máxima vigilancia hacia su proceso de pintura.

Fuentes: White Cube, Wikipedia (English)

"Árbol / Tree", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 8 1/8" x 11 1/4", 2013. White Cube

Ellen Altfest is an American painter born in 1970 in New York. She is best known for her realist depictions of landscapes and still lifes.

Altfest graduated from Cornell University with a BFA in Painting and a BA in English, an MFA in Painting from Yale, and studied at the Skowhegan School of Painting and 

Sculpture.

Since leaving Yale School of Art Ellen Altfest has developed her own distinct and devoted approach to a figurative and representational painting. The writer and artist David Humphrey has remarked that ‘her paintings celebrate the way objects become engulfed by their surroundings and simple acts of identification multiply and transform’.

Altfest always paints from life, drawn towards domestic plants, vegetables and more recently, male models. Altfest immerses herself in an intense analysis and personal engagement with the subject that pushes her vision beyond the real.

Compositionally the paintings are all tightly edited and framed, almost encroaching on the subject’s space whether it be the nucleus of tumbleweed through to the wrinkled skin of a cacti next to the neckline of the sitter. Altfest approaches her various subjects with a similar intent, spending hours of careful observation and study that results in images that although appear voyeuristic are portrayed with a deadpan humour and utmost vigilance towards her painting process.

Sources: White Cube, Wikipedia

"Axila / Armpit", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 21,2  x 17,8 cm., 2011. MK Gallery

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John Flaxman

(York, Inglaterra / England, 1755 - 1826)

"Lì veggio d'ogne parte farsi presta

ciascun'ombra e basciarsi una con una /

Por ambas partes vi apresurarse

todas las sombras, y besarse unas a otras... /

The shadows all press forward, severally

Each snatch a hasty kiss, and then away"

Purgatorio / Purgatory, Canto 26

Ilustración para "La Divina Commedia", de Dante Alighieri /

Illustration for Divine Comedy", by Dante Alighieri

Diseño de / designed by John Flaxman, grabado de / engraved by Tommaso Piroli, 1793

Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library

(Ithaca, Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

John Flaxman fue un escultor, ilustrador y dibujante inglés nacido en 1755, que tuvo un papel muy destacado en el movimiento neoclásico en Inglaterra.

Estudió en la Royal Academy school de Londres. Entre 1775 a 1787 realizó delicados relieves decorativos para el reputado ceramista Josiah Wedgwood, inspirados en vasos y vasijas griegas y romanas. Desde 1787 hasta 1794 vivió en Roma, donde produjo excelentes dibujos de temas épicos de los poemas de Homero la ilíada y la Odisea, con gran fineza en sus líneas (1793).

Regresó a Londres en 1794, realizando notables ilustraciones del antiguo dramaturgo griego Esquilo y una serie inspirada en el Infierno de Dante.

Fue un prolífico escultor de monumentos funerarios.

Murió en 1826.

Wikipedia 

Ilustración para "El progreso del peregrino" (1678), de John Bunyan /

Illustration to Pilgrim's Progress (1678) by John Bunyan

Tinta negra sobre papel de trama media, ligeramente texturizado, de color crema /

black ink on medium, slightly textured, cream wove paper, 22,2 x 27,3 cm., 1792

Yale Center for British Art (Inglaterra / England). GAP

John Flaxman was an English sculptor, illustrator and draughtsman born in 1755, who played a very prominent role in the neoclassical movement in England.

He studied at the Royal Academy school in London. Between 1775 and 1787 he made delicate decorative reliefs for the renowned ceramist Josiah Wedgwood, inspired by Greek and Roman vases and vessels. From 1787 to 1794 he lived in Rome, where he produced excellent drawings of epic themes from Homer's poems the Iliad and the Odyssey, with great finesse in his lines (1793).

He returned to London in 1794, producing remarkable illustrations of the ancient Greek playwright Aeschylus and a series inspired by Dante's Inferno.

He was a prolific sculptor of funerary monuments.

He died in 1826.

Wikipedia

"Vider Beatrice volta in su la fiera

ch'è sola una persona in due nature /

Vieron a Beatriz sentada sobre la fiera

que es una sola persona en dos naturas. /

Beatrice; she, who toward the mystic shape,

That joins two natures in one form, had turn’d"

Purgatorio / Purgatory, Canto 31

Ilustración para "La Divina Commedia", de Dante Alighieri /

Illustration for Divine Comedy", by Dante Alighieri

Diseño de / designed by John Flaxman, grabado de / engraved by Tommaso Piroli, 1793

Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library

(Ithaca, Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

Dante Alighieri en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

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Winslow Homer

(Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1836 -

Prouts Neck, Scarborough, Maine, 1910)

"Prisioneros del frente / Prisoners From the Front"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,7 × 128,6 × 11,4 cm., 1866

The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Winslow Homer en "El Hurgador" / in this blog:

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