Con esta nueva entrevista de Shirley Rebuffo nos acercamos a la obra del artista visual uruguayo radicado en Argentina Uri Negvi.
Un artículo en dos posts: este primero con texto en español, y el segundo en inglés.
With this new interview by Shirley Rebuffo we approach the work of Uruguayan visual artist based in Argentina Uri Negvi.
An article in two posts: this first one with text in Spanish, and the second in English.
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Uri Negvi
Jorge González Mega
(Montevideo, Uruguay, 1949-)
Uri Negvi junto a su obra "El hombre cósmico..." / with his work "The Cosmic Man..."
El artista visual Uri Negvi nació el 15 de noviembre de 1949 en Montevideo, Uruguay. Desde hace 22 años reside en Buenos Aires, Argentina donde tiene su taller y da clases.
A sus 17 años emigra a Israel y, una vez terminado el servicio militar, regresa a Uruguay retomando su formación. Artista polifacético, se ha desarrollado en el estudio de varias técnicas: la cerámica, el grabado, el collage, la pintura y la escultura. Es un artista sensible, marcado por soledades, habiendo recorrido caminos en una permanente búsqueda en la que continúa. Esto lo ha llevado a vivir en varios lugares del mundo, no solo como artista, sino también de su primera profesión en Cultivos intensivos y extensivos, en el kibutz Ein Hashlosha del cual es miembro. De esos tiempos, de su contacto con la tierra y el desierto cultivable, brotan ideas en un acto creativo de obras con vida y sentimientos, dejando entrever sus pensamientos: relatos con vida interior, rozando lo social, sensible con el medio, pero sin entrar en la confusión de lo político.
Sus estudios artísticos están basados en la Escuela del Sur, con los principios de Torres-García, y sus maestros Guillermo Fernández y Nelson Ramos. Expresa circunstancias que corresponden a sus vivencias y objetivación de ideas, teniendo algunas de sus obras notorias influencias del maestro José Gurvich.
Sus trabajos se encuentran expuestos en Galerías y colecciones privadas en Israel, Canadá, Francia e Italia, entre otros.
"El hombre cósmico en la lujuria de la creación (detalle ) /
The Cosmic Man in Lust of Creation (detail)", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 80 cm.
Serie La Lujuria de la creación / The Lust of Creation Series, acrílico / acrylic, 100 x 100 cm.
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Exactamente en qué barrio de Montevideo has nacido y cómo fue tu infancia?
Uri Negvi: Nací en el barrio de la Unión, exactamente en las calles [María Stagnero de] Munar y Joanicó, arriba de la carnicería que había en dicha esquina. Con el correr de los años nos mudamos a una cuadra, en Pernas y Joanicó y, más adelante, a Carlos Crocker y Joanicó, siempre en un radio no mayor que a esas escasas cuatro o cinco cuadras. Mi padre tenía su negocio, una óptica, en la avenida 8 de Octubre, al lado del Liceo 14. Como verás soy de la Unión de raíz, un barrio, en aquellos tiempos, de trabajadores. Fuimos una familia de clase media pobre, de casa alquilada, deseos muchos y logros pocos.
Mi infancia hoy la califico de una gran vida interior, donde la soledad fue refugio de una casa conflictiva. De todas formas, creo que algunas de esas carencias formaron y fomentaron mi imaginación y la libertad crítica de la que gozo. Hoy, a la luz de un razonamiento mayor, agradezco aquellas mañanas y tardes de invierno que esperaba el paso de la lluvia para salir a la calle a jugar con una ramita al costado del cordón de la vereda. Allí dejaba navegar esa ramita sobre el agua que corría. Esa agua se transformaba en caudalosos ríos donde mi humilde e imaginario barco enfrentaba tormentas terribles. Cuando no llovía iba a un aserradero que estaba sobre la calle Joanicó, a la vuelta de mi casa, y trepaba el alto de leños, los que se transformaban en inmensas montañas o trincheras de una sangrienta guerra. Las nubes también eran refugio de mi soledad: en ellas buscaba y veía formas colosales que hacían olvidar todo lo que me rodeaba. Tuve un hermano mayor que me llevaba 5 años. Hoy lamento no haber pasado más tiempo con él. Como notarás, mi infancia da para muchas interpretaciones y diferentes consecuencias, una de ellas es el artista que hoy soy y otra es la búsqueda permanente de la felicidad, derecho de todo humano y no regalía que se otorga.
"Castaño / Chestnut", acrílico / acrylic, 80 x 80 cm., 2015
En la serie de los árboles, Uri Negvi, cuenta sobre un mundo mágico, onírico, de sueños profundos ligados a la naturaleza. Son viajes a través de la diversidad de cada planta, de cada árbol, que, dentro de sí guarda un mundo imaginario único, cada uno con una historia y un hilo conductor particular. La vida toma forma en estos árboles soñados.
"El honorable salvaje Nº1 / The Honorable Savage #1", 100 x 100 cm.
SR: ¿Cómo comenzaste con el arte?
UN: Creo que hay dos hechos que me condujeron a este resultado.
Uno de ellos, es que frente a mi casa de la calle Carlos Crocker vivía un señor mayor. Tendría yo unos seis o siete años. Éste dejaba las puertas del garaje abiertas, y yo cruzaba la calle a verlo pintar. Pasábamos horas sin hablar, él pintando y yo mirando con asombro cómo, de a poco, todo se iba transformando. Veía los colores que se unían bajo la magia de aquél hombre que para mí fue un mago. Un día me puse a pintar en la vereda de mi casa, bien frente a él, para mostrarle que yo también, si quería, hacía lo mismo que él. Fue entonces que él salió de su garaje, cruzó la calle y me regaló la paleta con la que estaba pintando.
Otro de los motivos fue un concurso para niños de Punto Publicidad que gané. Como mencioné, mi padre tenía una óptica (Óptica González-Pérez en 8 de Octubre y Propios) que funcionaba en el edificio de la Agrícola Italiana. Con frecuencia iba a cebarle mate a mi padre, y, aprovechando que arriba de la óptica funcionaba una biblioteca barrial donde se impartían clases de dibujo, me quedaba a esas clases. Creo que es muy probable que mi vocación haya nacido gracias a estos hechos.
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Serie La Lujuria de la creación / The Lust of Creation Series, acrílico / acrylic, 240 x 150 cm.
Serie Ludibrium / Ludibrium Series
Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.
SR: ¿Qué historia hay detrás de tu nombre?
UN: El nombre con el que fui registrado cuando nací es el de Jorge González Mega. Pero la vida es una acumulación de historias que nos va llevando a la construcción de un ser único, afectado por los acontecimientos. Nos va proponiendo a diario nuevos caminos, los que nosotros optamos por tomar o no, ya sea en el error o en el acierto.
Esto lo digo porque considero a mi generación una frontera entre un mundo de ideales, utópico y pragmático, y otro sin tiempos para hablar con uno mismo, sin considerar la exploración del alma. Toda mi vida se encuentra reflejada en mi nombre. En él están incluidos los sueños y causas que me llevaron a ser un guardián de historias, conquistas, logros y fracasos de un mundo que nunca más será el mundo que es hoy. Mi nombre significa mucho, cuando lo escucho es como si escuchara el llamado de mi alma.
Mi nombre en hebreo lo tomé cuando emigré a Israel, por el año 1967. Estuve en un kibutz que forma parte de un movimiento político de izquierda, que se llama Ein Ashlosha en el desierto del Negev, al sur de Israel, haciendo frontera con la franja de Gaza. Mi nombre significa muchas cosas, en lo referente a su construcción gramatical, por lo tanto, Negev es en referencia al sitio donde vivía en ese desierto. Uri es un nombre bastante popular, que es tomado generalmente por quienes se llaman Jorge y gramaticalmente quiere decir "la luz de mi desierto".
Por lo tanto, mi nombre refleja una necesidad de construir una vida nueva, propia, fuera de la soledad que me acompañó gran parte de mi existencia. Con ese nombre formé una personalidad que pretende dar lugar al cuestionamiento, a la libertad del pensamiento y a la necesidad de superación.
Con este nombre me enrolé y pertenecí al cuerpo de paracaidistas 890. Fui herido, perdí amigos y solo debo decir que las historias son muchas. Hay veces que me parecen eternas. Por eso cuando me dicen Jorge me cuesta reaccionar, en cambio por Uri... Uri soy yo, soy el que subió a su tractor, y mientras araba en el kibutz, detonaron dos minas explosivas y sobrevivió. Soy el que pasó 3 años en el Canal de Suez. Lo más importante no son las interminables historias que tengo para contar, lo más importante es que Uri es una persona de bien. Es tanto, porque he vivido. Hay momentos en que estoy cansado, pero generalmente mi amor por la vida me da las fuerzas para concluir esta gran pintura que es la existencia.
He aprendido a cargar la mochila del héroe que nunca fui. He aprendido que es mucho lo que viví y sufrí, pero soy feliz con un gran amor, donde rescato todas estas historias y muchas más. Imagínate, Uri nació por el año 1967. Estaban Los Beatles, Mao, Vietnam, Fidel, Uganda, Nikita Khrushchev, Cassius Clay, Sputnik, Pablo VI, Kennedy. En fin, como verás, me gusta mi nombre, este nombre elegido por mí, que no es consecuencia de otros, por eso concluyo con este pensamiento: "Vida, nada te debo. Vida, estamos en paz".
"Soñar no cuesta nada / Dreaming Does Not Cost Anything", 80 x 89 cm.
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"Objetos inútiles / Useless Objects"
SR: Has viajado mucho y en algunos lugares te has establecido por algún tiempo. ¿Por qué finalmente es Buenos Aires tu lugar de resindecia definitiva?
UN: Vivo en Buenos Aires desde hace 21 años, por lo que hoy la puedo llamar "mi adorada Buenos Aires". Adorada porque tiene embrujo, nostalgia de una Europa que supo ser y "ese qué sé yo" (*) que le da tanto la luz del día en los parques y paseos, como la media luz de sus bares y boliches, dejando "rodar la luna por Corrientes y Callao" (*). Pero hay más que te hará pensar en ángeles o demonios. Elegí Buenos Aires por una razón poco exclusiva, la elegí por una razón que ha sido causa de caídas de imperios o gloria de conquistadores: la elegí por amor.
Una noche de invierno hace 21 años atrás arribaba a Uruguay de un viaje a Israel. Decidí, a la mañana siguiente, pasar a visitar una exposición, que hacía un tiempo había dejado instalada en el Cabildo de Montevideo llamada "La Ruta de la Sal", curada por el profesor Alfredo Torres Tejera [1941-2018]
Estando ahí, antes de retirarme, por curiosidad, fui a ver qué noticias había en el cuaderno de artista, y, para mi gran sorpresa, había una nota de un argentino que ¡me conocía por mi trayectoria en el ejército! Quedamos en vernos. El día del encuentro vino acompañado por una amiga argentina. Fue tal la comunicación que nació entre ella y yo, que lo único que importaba eran nuestras palabras y nuestros ojos anclados los unos en los del otro. Así nació nuestro amor que se fue alimentando durante estos 21 años y que muchas veces salvó mi vida de heridas del pasado.
Hoy somos un matrimonio, casado bajo la orden judía y católica también. Hay mucho más que quizás surja de esta entrevista cuando la sed de saber lo pida.
(*) Versos de la letra del conocido tango "Balada para un loco", compuesto por el músico argentino Astor Piazzolla con letra del poeta uruguayo Horacio Ferrer.
"Momentos / Moments", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 35 x 45 cm., 2015
"La esencia interior / The Inner Essence", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 80 cm.
SR: ¿Te gusta experimentar y sortear etapas en su pintura?
UN: Esta pregunta viene bien para los momentos en que vivimos, no solo en el arte sino como sociedad toda.
En lo que a mi persona respecta, creo, sin aseverar, que soy capaz de sortear etapas permanentemente. Tanto es así que, de no venir ellas a mí, yo las voy a buscar. Creo que esto funciona debido a que nada del arte me es ajeno y soy un apasionado con la dicha de haber tenido a dos grandes, no solo como maestros, sino también como amigos: Guillermo Fernández y Nelson Ramos.
En lo referente a experimentar, es algo que todo artista debería hacer en forma constante. Probar, ensayar, con la modestia de enfrentar al fracaso sin sentirlo como derrota. Ahora creo que mi pintura, como toda la actividad de artes visuales que ejerzo, requiere de una formación de sacrificio en la vía de la experimentación.
SR: ¿Qué temáticas son las que más te gustan?
UN: Soy un hombre de ideales y un librepensador. Esto me lleva a estar siempre atento a la problemática social y a sus representantes. Lo banal no va conmigo y nunca dejo que el orgullo de ser el creador de una obra anule al espectador.
De acuerdo a lo hablado con mis maestros, la temática va cambiando según la edad, pero eso no es justificativo del desorden, de la desprolijidad y de la falta de herramientas que, como dije anteriormente, son el producto de la experimentación. Otra de las cosas que busco es que el tema me represente y, a la vez, que sea documento de hechos reales y no interpretaciones que permitan ser el disfraz de carnavales políticos. La elección del tema lleva a entender los objetivos del artista, así como la posible participación del espectador. De suceder que el espectador participe, generalmente todo el andamiaje falso que fue usado se vendrá abajo dejando al desnudo al artista.
Como ejemplo en mi obra nombraré algunas exposiciones.
Italia: "La follia", una sociedad amorosa y un país único que vive apasionadamente la locura de la política. Trata sobre la crudeza que se vive en las grandes ciudades.
En Buenos Aires: "La Lujuria de la Creación", el desentendimiento con la naturaleza.
"El cabaré de las plantas", Argentina.
"Identidad Judía": Museo Pissarro, Paris.
"Ludibrium": Un juego con el destino Pandemia.
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"Lila / Lilac", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm.
"El inicio / The Beginning", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 90 cm.
SR: La "locura" social, ¿afecta tu obra?
UN: La locura social me estremece, me provoca. Trata de absorberme y se siente amenazada ante mi libre pensamiento. Creo que le cuesta entender por qué no saco beneficio personal de la incoherencia con la que se vive.
Yo no diría que afecta mi obra, más bien lo que hace con mi obra es ubicarla dentro de la razón de mis ideas y deja al descubierto los intereses con que se maneja la fábrica de artistas noveles.
Es necesario estar bien sólido para enfrentar los diferentes "porqués" que nos han llevado a la situación histórica en que vivimos, y esa solidez no se obtiene con la cosa fácil y menos aún con la pleitesía del poder.
Vivimos, con el nuevo milenio, tiempos tormentosos, y yo me refugio en mi arte para cuidar más de 6000 años de cultura, la que no puede ni debe quedar fuera de la esencia humana.
SR: ¿Qué colores puedes decir que marcan tu obra?
UN: El dilema del color es el mismo dilema de la tela en blanco: ambos marcan la disyuntiva del comienzo, las dudas y el temor.
Me sucede lo mismo, aunque ya con los años en esto el sufrimiento no es tanto. De todas formas, las tierras me conmueven y los rojos desbordan mi pasión. Pero hay un color que se empeña en complicarme y creo que se burla de mí; es el verde.
Según tengo oído, de mis maestros y en los talleres, los colores dicen mucho de lo que vendrá. Es algo así como que vaticinan el futuro. Creo que eso es muy posible debido a las sensaciones que producen.
Serie Ludibrium / Ludibrium Series
Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.
"Ceiba", 100 x 100 cm.
SR: ¿Podrías hablarnos de sus cerámicas? ¿Cómo surgió ese arte en ti?
UN: Mis trabajos en cerámica surgen porque, como ya mencioné, nada del arte me es ajeno. No soy un ceramista, soy sencillamente un autodidacta que compró un horno de cerámica y se puso a jugar. Luego viendo los resultados incorporé alguna cerámica en mis collages.
Como amante apasionado de lo estético y a todo lo que remonta a nuestros orígenes, las estatuillas que hago me dan protección, juegan con los duendes que habitan conmigo.
No tengo mucho más para agregar sobre la cerámica.
SR: ¿Qué opinión te merece el mercado actual del arte?
UN: Linda pregunta para el momento histórico que vive la humanidad. Me tomo mi tiempo para no contestar con vulgaridades o frases ya hechas y políticamente correctas.
El mercado del arte es un ítem más en la cultura de un país y lo que se espera de ella. Sin entrar en los que trafican sueños y son parte de la formación de opinión e imagen. Y resumiendo que las sociedades actuales adolecen de muchas cosas, entre ellas que todo debe ser rápido, los logros con el menor esfuerzo posible y sacando el mayor beneficio, que el resultado aparente un éxito, aunque sea momentáneo, etc. Perdiéndose incluso la personalidad. No dejo afuera a quienes, acompañando a estos pseudo artistas, se convierten en traficantes del arte, que son parte de la destrucción de 7000 años de cultura. Ahora, esto me lleva a tratar de entender tanta mediocridad y nada mejor para ello que hacerlo bajo la forma de lo hoy llamado “hamparte”, palabra que viene de la conjunción de Hampa (conjunto de personas para delinquir) y Arte. Acá se puede apreciar tanto la creatividad como la estupidez. Se puede ver el lavado de dinero como la maravillosa síntesis de una hoja de papel en blanco o un lienzo colgado en blanco. Pero también estudiando este problema, me encontré con la redefinición del arte, como el deseo de la evolución nos presenta la tentación de incorporarnos a la masa de la estupidez.
¿A que me refiero con la redefinición del arte y la estupidez? Ejemplo, con los adelantos tanto técnicos como científicos se puede decir que Kandinsky no fue el padre de la abstracción, pero también vemos que los diferentes grupos “cool”, esos jóvenes eternamente jóvenes y esos mayores, superficiales, presentan bajo el apodo de artista, una pelota de papel arrollado en el medio de una sala vacía, o un vaso de agua medio lleno, o una pirámide de papel higiénico, y miles de vulgares transgresiones, que no son tales, como hay un mercado para todo, también lo hay para la estupidez. Resumiendo, no soy quién para impedir nada, pero lo que se logró con estas manifestaciones es que surja el casillero del Arte Menor.
"Serie Atentados / Attack Series", collage, 280 x 120 cm.
Serie El cabaré de las plantas / The Cabaret of Plants Series, acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm.
SR: Ser docente implica algo más que transmitir contenido, también hay un intercambio de ideas con una exigencia de rigor y valoración de conocimientos. ¿Qué buscas trasmitir a sus alumnos?
UN: En mi modesto conocimiento y opinión los talleres de artes visuales han dejado de ser el lugar donde se buscaba tanto el crecimiento profesional como intelectual. En el mundo la palabra discípulo ha desaparecido y es víctima de un cambio de vida que no va acorde con lo que son los sentimientos. Hoy se busca el mejor resultado con el mínimo de esfuerzo, todo es rápido y el éxito es la búsqueda inmediata que no deja lugar a la maduración.
Y qué decir del que ve en el taller un lugar de entretenimiento para con su tiempo libre. Yo pertenezco a un tiempo donde el rigor del esfuerzo siempre es necesario y la búsqueda de la excelencia iba en cada trabajo. Hoy tenemos en muchos casos talleres o universidades que proponen ser fábricas de artistas, algo así como 2 + 2 sale 4 y esta ecuación en el arte no funciona así. Los sentimientos, los valores y la constancia hacen crecer la sensibilidad necesaria para el logro de un buen trabajo. La sensibilidad es un elemento indispensable, difícil de construir y muy fácil de perder, más aún cuando crees que encontraste una fórmula de realización. El taller es el lugar donde no solo se aprende a construir una obra, es el lugar donde la vida muestra la luz interior que llevamos adentro y eso requiere sacrificio y constancia. Esto, y mucho más, busco transmitir.
"La gota de Noe / Noah's Drop", acrílico / acrylic, 120 x 150 cm., 2013
Serie Ludibrium / Ludibrium Series
Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.
SR: ¿En qué estás trabajando ahora?
UN: Hoy me encuentro trabajando en una serie llamada Ludibrium.
Ludibrium es un juego de zonas donde se adelanta y atrasa con el destino de cada uno. Cada uno ve reflejado muchas veces los caminos optados en el trayecto de su vida. Otras veces se produce la burla al destino, ya que puedes recurrir a la corrección de lo pasado.
Son hojas de papel de importante tamaño: 40 x 70 y 100 x 70, trabajadas con tinta y grafo color, este año, 2022, se hará una muestra en Buenos Aires.
"Urano y Gea en la Lujuria de la Creación / Uranus and Gaea in the Lust of Creation"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 90 cm., 2017
"Tehaní (nombre africano que significa celebración) / (African name meaning 'celebration')"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm., 2015
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Sobre los artistas mencionados:
Guillermo Fernández: Wikipedia
Nelson Ramos: [Parques de esculturas (II)], [Recolección (LXXII)]
Joaquín Torres-García:
Uri Negvi en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (LXIII-2)], [Libros de artista (XIV)]
¡Muchas gracias por la entrevista, Uri!
Thanks a lot for this interview, Uri!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Hola. Estas 2 últimas publicaciones de Uruguayos 63 tienen algún problema, pues no puedo visualizar algunas imágenes. Te pido por favor si las puedes corregir. Gracias
ResponderEliminarMe gustó, como siempre, conocer otro artista. En este caso, Uri Negvi presenta un conjunto de reflexiones que me parecen trascendentales en el campo del arte. La relación que expone sobre los inicios de su vida con el arte, esas experiencias de la infancia en las que su imaginación cobraba vida para elevarlo a concebir figuras transformando lo pequeño, sencillo y cotidiano en un evento impactante y que, de hecho, lo marcó para siempre. La búsqueda del silencio en ese momento, la búsqueda de lo otro, la búsqueda de sí mismo, me parece fantástico. Lo retrata como un hombre de una gran sensibilidad. Obviamente todo lo vivido es fuente para su mirada al mundo, desde el significado de su nombre, hasta el relato poético y hermoso de cómo conoció a su esposa. Siento que su vida es una red de hechos conectados, preciosamente predestinados. La postura sobre el mercado del arte, definitivamente deja clara una realidad que padecen los creadores en distintos lugares del mundo. Estupendo ese nombre: Hamparte. Igualmente, la manera de interpretar la educación en arte y el taller como espacio. Saludo con respeto el modo en que responde cuando no desea hablar más de un tema, como en el caso de la cerámica. Me pareció contundente lo que apunta sobre los temas políticos y el respeto hacia las religiones. Es un viajero en todos los sentidos, sobre todo se percibe el viaje hacia sí mismo. La obra me da la impresión de ser su propio relato, expresiva, como invitando a entrar para ser parte de la narración; los títulos muy sugestivos, nos van llevado por las líneas de las formas y entrelazamientos en los que cada pintura tiene un mundo propio. Es una obra para quedarse mirando, recorrerla, girarla, verla en todas las posturas, sobre todo porque reta al concepto de perspectiva, haciendo un tratamiento personal de la misma. Algunas vivaces, otras sutiles. En algunas de ellas me dejé llevar por las líneas que creo juegan un papel central. Es un artista pensador, sensible y crítico. Excelente. Genial Shirley, nuevamente gracias...
ResponderEliminarLo recomiendo...
Carmen Araujo, Venezuela