Uruguayos (L) - Ruben Bello [Pintura, técnicas mixtas / Painting, Mixed media]

En este nuevo artículo (número 50 de la serie dedicada a creadores uruguayos), Shirley Rebuffo continúa con su labor de difusión de la cultura artística del país entrevistando a Ruben Bello, artista plástico, periodista y docente montevideano, cuya obra se constituye en una búsqueda continua de lo lo original, lo primitivo, lo simple, valiéndose de la abstracción y de un simbolismo personal heredado de las viejas culturas continentales.

Texto en inglés al final del post.

In this new article (number 50 of the series dedicated to Uruguayan creators), Shirley Rebuffo continues her work of spreading the country's artistic culture by interviewing Ruben Bello, plastic artist, journalist and teacher from Montevideo, whose work is a continuous search for the original, the primitive, the simple, using abstraction and a personal symbolism inherited from the old continental cultures.

Text in English at the end of this post.

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Ruben Bello Traverso

(Montevideo, Uruguay, 1960-)

Ruben Bello con una de sus obras de la serie "Cuarentena 20-21" / with one work of his Quarantine 20-21 Series

Ruben Bello Traverso nace en Montevideo, Uruguay, el 5 de mayo de 1960.

Luego de realizar estudios de Arquitectura y tomar clases con el profesor Lincoln Presno Hargain, y trabajar con diversas técnicas en el taller de Gustavo Fernández Cabrera, vive y trabaja en Venezuela desde 1981 a 1994, para posteriormente trasladarse a los Estados Unidos hasta el 2017, cuando retorna a Uruguay.

El lenguaje de su obra se ha definido como un neo-contructivismo de la Escuela del Sur, creada por el maestro Torres-García.

Se puede decir que su obra es una búsqueda continua para acercarse más a lo original, a lo primitivo, a lo simple, al abstracto absoluto y a un simbolismo personal hereditario de viejas culturas continentales, sin caer en lo rupestre

Plasma lo que siente, lo que imagina y lo que razona, tomando al arte como elemento de denuncia y convencido de que el artista debe de estar comprometido con su tiempo y con la humanidad.

Luego de un viaje a la península de Yucatán, México, donde toma apuntes y estudia sobre la simbología y escritura Maya (Tulum y Chichen Itzá), complementa en parte esa búsqueda personal que queda reflejada en el trabajo plástico subsiguiente. 

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre tela /

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on canvas, 40 x 50 cm.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo fue tu primer acercamiento al arte?

Ruben Bello: Dibujo desde los 5 años, pero en lo concreto, a los 14 años aprendí papel paché (todas sus técnicas) y cartapesta (*). Los trabajo desde entonces.

(*) La cartapesta es el término originario de Italia para denominar la técnica que utiliza trozos de papel periódico cortados a mano unidos mediante un pegamento para formar objetos, superponiendo las capas de papel entrelazados entre sí y el pegamento una y otra vez por lo que éste al endurecerse ofrece como resultado una superficie mucho más resistente y más rígida, cuantas más capas más rigidez, con un resultado parecido al cartón.

"Elementos / Elements", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 18" x 24", 2013

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

SR: Por un lado, manifiestas que no crees en las escuelas de pintura tradicionales, pero por el otro te expresas, en varias de tus obras, con el lenguaje de Escuela del Sur. ¿Puedes explicarme esta aparente dicotomía?

RB: De hecho, la Escuela del Sur no fue una escuela tradicional de arte. Basta con leer el libro "Estructura" de Torres-García para entender cómo buscó alejarse de las escuelas europeas. En mi caso, en pintura y escultura soy autodidacta, marginal, outsider, como se le nombre, y si bien tuve la oportunidad de ingresar a talleres, decidí mantenerme libre de manipulación directa. Mi acercamiento al Universalismo Constructivo es coincidentemente inevitable, primero, por ser desde siempre un inquieto observador montevideano, lo que me llevó a leer mucho sobre el UC. Además, siendo estudiante de secundaria, la vida me ofreció el honor de visitar a Manolita Piña, viuda de Torres-García, en su casa de Punta Gorda y también poder conocer algunos alumnos directos de Taller como Jonio Montiel.

"Principios / Beginnings II", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 36" x 36", 2006

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

SR: La palabra como periodista, la imagen como artista plástico. ¿Qué puedes expresar en uno que en el otro no?

RB: Como periodista solo trabajé en radio y ya de grande. En uno de los programas se abordaban temas de análisis importantes y el otro programa era de corte cultural, donde difundimos y resucitamos el trabajo de los hacedores culturales continentales, a muchos de los cuales se intentó relegar al olvido colectivo. La diferencia es que, en lo periodístico, todo análisis está condicionado a una realidad concreta, objetiva, mientras que en la creación, en este caso la pintura, considero que debe primar lo subjetivo por sobre el oficio.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

"Destino / Destiny", acrílico, tinta y pastel sobre lienzo / acrylic, ink & pastel on canvas, 36" x 36", 2011

SR: Has elegido la paleta de la Escuela del Sur para expresarte en tu serie "El Petróleo en la Venezuela Bolivariana". ¿Tiene esto alguna connotación simbólica?

RB: La paleta de la Escuela del Sur, que coincide, probablemente de manera pensada, intencional, con los llamados Colores Originarios, además de ser mi paleta, tiene el peso de los colores ancestrales del Abya Yala (*). Ahí estuvo la idea, en reforzar la afinidad de los ideales del Proceso Revolucionario de Venezuela con todo el Continente.

(*) Abya Yala, que en lengua guna significa "tierra en su plena madurez" o "tierra de sangre vital", es el nombre utilizado por la nación indígena americana del pueblo guna, que habita cerca de la Brecha del Darién (hoy noroeste de Colombia y sureste de Panamá) para referirse a su sección del continente americano desde tiempos precolombinos. El término es utilizado por algunos pueblos indígenas de América del Norte y del Sur para describir los dos continentes, y es asumido como una posición ideológica por quienes lo usan, argumentando que el nombre "América" o la expresión "Nuevo Mundo" son propias de los colonizadores europeos y no de los pueblos originarios del continente americano.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

SR: Tu paleta es limitada. ¿Existe alguna búsqueda intencionada emocional o simbólica en la elección de tu paleta de colores?

RB: Si, existe. Solo trabajo con los cuatro colores ancestrales, los colores de los cuatro puntos cardinales, los cuatro colores del maíz, el color del inframundo, de las cuatro razas.

SR: Tus obras pueden leerse como "aproximaciones a la vida", sin llegar a ser vida. Esto lo leo al ver lo matérico, quizá pulpa de papel (celulosa), quizá madera (celulosa). ¿Cómo es para vos trabajar el material?

RB: Tiene mucho que ver el haberme iniciado en la forma, en el moldeado y amasado del papel o del aserrín.

"Tres cúpulas innecesarias / Three Unnecessary Domes"

Acrílico, tinta y pastel sobre lienzo / acrylic, ink & pastel on canvas, 36" x 36", 2011

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre tela /

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on canvas, 40 x 50 cm.

SR: Tus dibujos tienen un aura perturbadora con recorridos sensoriales, ¿cuál es el porqué de esta sensación que generas?

RB: Trabajo para mí, para expresarme como creador. Luego, probablemente haya personas que captan o leen correctamente lo que quise expresar. La enorme mayoría de mis trabajos están relacionados con lo que sucede en nuestro tiempo, en el lugar donde nací y en el que me toca vivir al momento de la concepción.

"Tritanopia", acrílico, tinta y pastel sobre lienzo / acrylic, ink & pastel on canvas, 36" x 36", 2006

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

SR: ¿Qué te han dejado tus viajes?

RB: Viajar abre todo, cabeza, espíritu, tolerancia, sentidos. Vivir en otras culturas diferentes siempre es enseñanza, más allá de la nostalgia que se tenga o no. Hubo un viaje en especial que fue punto de quiebre total: la primera vez que visité México.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

SR: La pandemia ha roto planes expositivos, ha hecho temblar el sector del arte en un silencioso terremoto. De todas formas, tú has trabajado bastante. Cuéntame sobre esta nueva serie, ¿qué te impulsó a realizarla?

RB: Sin duda que esto nos tomó por sorpresa a todos, y la cultura es quizás el sector que más ha sufrido. Algo paradójico, porque resultaría mucho más trabajoso para la gente, pasar esta pandemia sin cultura, sea música, cine, lectura, etc.

Al mismo tiempo, los creadores hemos tenido más tiempo para pensar, repensar, sentir, absorber todo, experimentar, crear, más allá de la tragedia que representa la pandemia en sí misma y de lo que supuso para los trabajadores de la cultura económicamente, creo que siempre el acto creativo supo sacar luz de las sombras.

La Serie Cuarentena trata de cómo pueden llegar a brotar las miserias humanas en situaciones límite, porque estamos educados bajo estigmas tenebrosos que alientan el miedo antes que la razón, y el individualismo antes que lo colectivo.

Estoy preparando una muestra colectiva llamada "Encontrarte con ellos", a llevarse a cabo a finales del 2021, o sea, siempre hay espacios para expresar.

"Verano / Summer", acrílico, tinta y pastel sobre lienzo / acrylic, ink & pastel on canvas, 36" x 36", 2011

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre tela /

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on canvas, 40 x 50 cm.

SR: ¿Crees que esto nos va a llevar a un cambio en la percepción del mundo, y con ella, la creación contemporánea?

RB: El mundo es un lugar peligroso desde hace tiempo, porque está en las manos equivocadas. Constantemente nos bombardean con referencias y modelos que nos destruyen como sociedad. La pandemia sacó las bajezas de muchos, pero por suerte, las maravillas de otros tantos y muchos creadores están siendo parte del lado bueno de la historia, una vez más…

"Un buen momento / A Good Moment", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 9" x 12", 2015

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre tela /

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on canvas, 40 x 50 cm.

SR: ¿Qué otros proyectos tienes a futuro?

RB: En lo que a mi trabajo se refiere, dar clases de creación plástica.

Serie "Cuarentena 20-21" / Quarantine 20-21 Series

"Sin título / Untitled", acrilicos, aquatones, tinta china y lápiz pastel sobre papel 120 gr./

acrylics, aquatones, Chinese ink and pastel pencil on paper 120 gr., 25 x 35 cm.

Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Más sobre / More about Ruben Bello: Blog, facebook

¡Gracias por la entrevista y las imágenes, Ruben!

Thanks a lot for the interview and images Ruben!

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Texto en inglés / Text in English

Ruben Bello Traverso was born in Montevideo, Uruguay on May 5, 1960.

After studying architecture and taking classes with Professor Lincoln Presno Hargain, and working with various techniques in the workshop of Gustavo Fernández Cabrera, he lived and worked in Venezuela from 1981 to 1994, later moving to the United States until 2017, when he returned to Uruguay.

The language of his work has been defined as a neo-constructivism of the School of the South, created by the master Torres-García.

It can be said that his work is a continuous search to get closer to the original, to the primitive, to the simple, to the absolute abstract and to a personal symbolism inherited from old continental cultures, without falling into the rupestrian.

He expresses what he feels, what he imagines and what he reasons, taking art as an element of denunciation and convinced that the artist must be committed to his time and to humanity.

After a trip to the Yucatan Peninsula, Mexico, where he takes notes and studies the Mayan symbology and writing (Tulum and Chichen Itza), he complements in part that personal search that is reflected in the subsequent plastic work.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How was your first approach to art?

Ruben Bello: I have been drawing since I was 5 years old, but concretely, at the age of 14 I learned Papier Mache (all its techniques) and cartapesta (*). Since then I have been working on them.

(*) Cartapesta is the Italian term for the technique that uses hand-cut pieces of newsprint glued together to form objects, superimposing the layers of paper intertwined with each other and the glue over and over again, so that when it hardens it gives a much stronger and stiffer surface, the more layers the stiffer, with a result similar to cardboard.

SR: On the one hand, you state that you don't believe in the traditional schools of painting, but on the other hand you express yourself, in several of your works, with the language of the School of the South. Can you explain this apparent dichotomy?

RB: In fact, the School of the South was not a traditional school of art. It is enough to read Torres-Garcia's book "Structure" to understand how it sought to move away from the European schools. In my case, in painting and sculpture I am self-taught, marginal, outsider, whatever you call it, and although I had the opportunity to join workshops, I decided to remain free of direct manipulation. My approach to Constructive Universalism is coincidentally inevitable, first, because I have always been a restless observer of Montevideo, which led me to read a lot about the Constructive Universalism. In addition, as a high school student, life offered me the honor of visiting Manolita Piña, Torres-García's widow, at her home in Punta Gorda and also to meet some direct students of Taller, such as Jonio Montiel.

SR: The word as a journalist, the image as a visual artist. What can you express in one that you can't in the other?

RB: As a journalist I only worked in radio and only when I grew up. One of the programs dealt with important analytical issues and the other was a cultural program, where we disseminated and revived the work of continental cultural makers, many of whom we tried to relegate to collective oblivion. The difference is that, in journalism, all analysis is conditioned to a concrete, objective reality, while in creation, in this case painting, I believe that the subjective must prevail over the craft.

SR: You have chosen the School of the South palette to express yourself in your series "Oil in Bolivarian Venezuela". Does this have any symbolic connotation?

RB: The palette of the School of the South, which coincides, probably in a thoughtful, intentional way, with the so-called Original Colors, besides being my palette, has the weight of the ancestral colors of the Abya Yala (*). That was the idea, to reinforce the affinity of the ideals of the Revolutionary Process of Venezuela with the whole continent.

(*) Abya Yala, which in the Guna language means "land in its full maturity" or "land of vital blood", is the name used by the Native American nation Guna people, that inhabit near the Darién Gap (today North West Colombia and South East Panama) to refer to their section of the American continent since Pre-Columbian times. The term is used by some indigenous peoples of North and South America to describe the two continents, and is assumed as an ideological position by those who use it, arguing that the name "America" or the expression "New World" are those of the European colonizers and not of the original peoples of the American continent.

SR: Your palette is limited. Is there any intentional emotional or symbolic search in the choice of your color palette?

RB: Yes, there is. I only work with the four ancestral colors, the colors of the four cardinal points, the four colors of corn, the color of the underworld, of the four races.

SR: Your works can be read as "approximations to life", without being life. I read this when I see the material, maybe paper pulp (cellulose), maybe wood (cellulose). What is it like for you to work with the material?

RB: It has a lot to do with having been initiated in the form, in the molding and kneading of paper or sawdust.

SR: Your drawings have a disturbing aura with sensory paths, what is the reason for this sensation you generate?

RB: I work for myself, to express myself as a creator. Then, there are probably people who grasp or read correctly what I wanted to express. The vast majority of my works are related to what happens in our time, in the place where I was born and where I live at the moment of conception.

SR: What have your travels left you with?

RB: Traveling opens everything, head, spirit, tolerance, senses. Living in other different cultures is always a teaching, beyond the nostalgia you may or may not have. There was one trip in particular that was a total turning point: the first time I visited Mexico.

SR: The pandemic has broken exhibition plans, it has shaken the art sector in a silent earthquake. Anyway, you've done quite a bit of work. Tell me about this new series, what prompted you to do it?

RB: No doubt this took us all by surprise, and culture is perhaps the sector that has suffered the most. Something paradoxical, because it would be much more difficult for people to go through this pandemic without culture, be it music, cinema, reading, etc.

At the same time, we creators have had more time to think, rethink, feel, absorb everything, experiment, create, beyond the tragedy that the pandemic itself represents and what it meant for cultural workers economically, I believe that the creative act always knew how to bring light out of the shadows.

The Quarantine Series is about how human miseries can sprout in extreme situations, because we are educated under dark stigmas that encourage fear rather than reason, and individualism rather than the collective.

I am preparing a collective exhibition called "Encountering them", to be held at the end of 2021, that is, there are always spaces to express.

SR: Do you think this will lead to a change in the perception of the world, and with it, contemporary creation?

RB: The world has been a dangerous place for a long time, because it is in the wrong hands. We are constantly bombarded with references and models that destroy us as a society. The pandemic brought out the lows of many, but luckily, the wonders of so many others and many creators are being part of the good side of history, once again....

SR: What other projects do you have in the future?

RB: As far as my work is concerned, to give classes in plastic creation.