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lunes, 29 de febrero de 2016

Bruno Pontiroli [Pintura / Painting]

En las imágenes creadas por Bruno Pontiroli todo está cabeza abajo. Las nubes arden, los muñecos de nieve sangran... Trabajos sumamente imaginativos llenos de humor, absurdos y paradojas.

In the images created by Bruno Pontiroli everything is upside down. The clouds burn, snowmen bleed ... highly imaginative works full of humor, absurd and paradoxes.
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Bruno Pontiroli
(Francia / France, 1981-)

Bruno trabajando en su estudio / at work in his Studio

Bruno Pontiroli es un artista francés que pinta un mundo vuelto del revés, en el que las leyes de la física se distorsionan y nada es como debería ser.
Se crió en el sur de Francia, y también pasó unos años en Guadalupe.
«Mi objetivo es cambiar la estrecha visión del mundo que tenemos volviéndolo cabeza abajo y perturbar nuestra imaginación sacudiendo una realidad aceptada con imágenes que son tan incomprensibles como familiares.
Distorsionar un símbolo o mezclar universos opuestos me permite cuestionar la identidad de las cosas, y de esa manera reinventarlas.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2015

"En chair et en eau / En carne y agua / In Flesh and Water", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2013

«Siempre quise hacer arte. De hecho, siempre he estado haciendo bocetos, dibujando o pintando desde que era muy joven. Desde hace 6 años he estado dedicando a ello la mayor parte de mi tiempo. Simplemente un día sentí la urgencia de plasmar en el lienzo este universo absurdo y bizarro que imaginaba. Pensé que sería divertido, y de hecho lo es.»

"La bonne aventure", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 130 cm., 2011

«Las nubes son también muy importantes en mi universo. Imagino que están hechas de carne, además de agua.
Es mi forma de hacerlas más vulnerables. Y de esta manera comprenderlas mejor. Siento una especie de envidia por ellas; su libertad, existencia ociosa, la forma en que son impalpables, en oposición a las cosas más atadas a la tierra, que son mucho más sólidas.»

Tinta india sobre papel / Indian ink on paper, 80 x 120 cm., 2010

"La main à la patte / Las manos son piernas / Hands are Legs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162 x 130 cm., 2014

«Escribo todas las ideas que tengo en un bloc de notas, ya sean buenas o malas, y boceto la mayoría de ellas, utilizando lápiz, acuarela o tinta india. Una idea generalmente se convierte en el tema central para una nueva pintura y utilizo algunas de las otras para construir el universo circundante. El paso siguiente es el boceto en papel para confirmar el aspecto general de la composición. Eventualmente procedo con la pintura en lienzo, lo cual implica un proceso de dos pasos: primero acrílico en blanco y negro, y luego óleos y color.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 130 cm., 2015

«Llego muy temprano a mi estudio. Me siento frente a la última pieza artística con una taza de café recién hecho, echo una mirada crítica sobre mi trabajo del día anterior y veo lo que va bien y lo que no. Preparo mis colores para el día y pinto hasta el atardecer. Antes de dejar mi estudio, me detengo una vez más frente a mi pintura para apreciar mejor la obra del día. Entonces me voy a casa con mi familia y disfruto de algunas horas con mi niño. Una vez en la cama, a menudo veo libros o navego en Internet; me ayuda a estimular mi creatividad.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 160 cm., 2015

«Creo que lo más difícil para mí es tener que responder a la pregunta clásica y recurrente del público: "¿qué has querido decir con esa pintura? No me gusta mucho la idea de ofrecer la interpretación de mi obra, porque generalmente la gente sólo toma en cuenta esa interpretación que les doy, cosa que considero contraproducente. De hecho, lo que busco es el fenómeno opuesto, que cada individuo se forme su propia opinión de lo que subyace en cada pintura y lo comparta. Eso genera un mundo de posibilidades.
En cuanto a la soledad, creo que ser un artista es de hecho ser algo solitario, o al menos que uno puede sentirse aislado debido a ello. La mayoría de la gente escoge una vida más "racional"; algunos de mis amigos lo tienen difícil para comprender por qué he escogido el arte en lugar de una vida más clásica, con un empleo a tiempo completo. Sin embargo, cada vez que pienso sobre por qué hice esta elección y cómo podría haber sido mi vida de otra manera, me reafirmo en que ser un artista es el camino correcto para mí.»

Tinta india sobre papel / Indian ink on paper, 80 x 120 cm., 2013

Bruno Pontiroli is a French artist that paints a world turned upside down, in which the laws of physics are distorted and nothing is as it should be.
He grew up in the south of France, and he also spent a few years in Guadeloupe. 
«My aim is turn the narrow vision that we have of the world upside down and disturb our imagination while shaking an accepted reality with images that are as comprehensible as they are familiar.
Distorting a symbol or mixing opposing universes allows me to question the identity of things so that I can reinvent them.»

"L'histoire à dormir debout / El cuento chino / The Tell Tale"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm., 2012

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 130 cm., 2011

«I always wanted to do art, in fact I've always been sketching, drawing or painting even when I was a young boy. For over 6 years now I've been dedicating most of my time to it, I just one day felt the urge to put on canvas this absurd and off the wall universe I was imagining. I thought it would be fun, and indeed it is.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 97 cm., 2010

«I write down all the ideas I have on a notebook, whether good or bad and I sketch most of them, using either a pencil, watercolor or indian ink. One idea usually becomes the central subject for a new painting and I use some of the others to build the surrounding universe. Next step is a sketch on paper to confirm the overall composition. Eventually, I proceed with the actual painting on canvas, which is for me a two-steps process: first, black and white acrylic and then, oil and color.»

Tinta india sobre papel / Indian ink on paper, 80 x 120 cm., 2014

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2013

«I arrive quite early at my studio. I sit in front of my latest piece of art with a cup of freshly brewed coffee and take a critical look at the previous day's work, see what works well and what doesn't. I prepare my colors for the day and paint until early evening. Before leaving the studio, I stand again in front of my painting for a better appreciation of the day's work. Then I go home to my family and enjoy a few hours with my babyboy. Once he's in bed, I very often start going through books or surfing the web, it helps stimulate my creativity.»

"Le sens du poil", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm., 2012

"L'Osso Bucco / El osobuco / The Osso Bucco", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2013

«Clouds are also important in my universe. I imagine they are made of flesh as well as water.
It’s my way to make them more vulnerable. And this way better understand them. I kind of envy them, their freedom, leisurely existence, the way they are impalpable as opposed to most bound to earth things which are very much solid.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm., 2015

«I guess that the most difficult thing for me is having to answer one very classical and recurring question from the public: "what did you want to say with that painting?". I don't much like the idea to be be the one providing the interpretation of my work because usually then the public only considers this very interpretation I gave which I consider counterproductive. In fact I am looking for the exact opposite phenomena, that each individual makes up their own opinion of what lies behind each painting and share it. It makes for a world of possibilities.
As for loneliness, I believe that being an artist can indeed be somewhat lonely or at least, that one can feel isolated because of it. Most people chose a more “rational” life, and even some of my close friends have a hard time understanding why I chose to do art instead of a more classical full-time employee life. However, every time I think about why I made this choice and how my life would be otherwise, I am more confident that being an artist is the right path for me.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2011
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Fuentes / Sources:
* Artículo de Rocío González en / Article by Rocio Gonzalez in Staf (12/2015)
* Entrevista de Linda Bergerova en / Interview by Linda Bergerova in Oh, so surreal... (10/2015)
* Entrevista en / Interview in Dioniso Punk (12/2015)
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Bruno Pontiroli en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (XCII)], [Rinocerontes (CXI)]

Más sobre / More about Bruno Pontiroli: Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias Bruno!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Bruno!)

domingo, 28 de febrero de 2016

Aniversarios Fotografía (CXII) [Febrero / February 22-29]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 22 de Febrero es el cumple de

Hermann Waldenburg (Hermann Vogt), diseñador, artista y fotógrafo alemán nacido en 1940 en Waldenburg.
Estudió arte en Berlín y viajó con una beca a México y Centroamérica, donde trabajó como artista y llegó a exponer. En 1968 comenzó a utilizar como nombre artístico el de su ciudad natal.
En 1969-70 se trasladó a Madrid gracias a una beca, ingresando en el Taller de Grabado de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidieron una serie de artistas de muchas nacionalidades y estilos creativos, y donde Hermann destacaba ya por su gran dominio técnico.   
En 1973-74 se formó en Villa Massimo en Roma, consiguiendo el Premio de la República Federal de Alemania en la III Bienal Internacional de la Gráfica de Florencia del año 1974.
Además de su obra como artista plástico, Waldenburg es reconocido por las fotografías que durante años hizo del Muro de Berlín.
Se compró una cámara Minolta "solo para fotografiar el muro", y lo hizo hasta 1994 "cuando las imágenes se volvieron menos interesantes".  Para él el muro es una parte muy importante de su vida, ya que vivió su construcción y posterior caída. Su documentación de los graffitis realizados por artistas anónimos sobre el muro de Berlín le han permitido reunir un testimonio único de este arte efímero callejero, que ha desembocado en el libro Mauer Kunst - Graffiti und Objektkunst in Berlin 1989-1994.

"Autorretrato / Self Portrait", 1990

Hermann Waldenburg en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (XX)]


El 23 de Febrero es el cumple de

Larry C. Price, reportero gráfico estadounidense nacido en 1954 que ha ganado dos premios Pulitzer: en 1981 en Spot News Photography, en reconocimiento a sus imágenes de Liberia publicadas por el Fort Worth Star-Telegram, y en 1985 en fotografía de reportaje por las imágenes de Angola y El Salvador desgarrados por la guerra y publicados por The Philadelphia Inquirer.
Recibió una licenciatura en periodismo de la Universidad de Texas en Austin en 1977. Fue miembro de The Daily Texan durante su último año en la universidad.
Su carrera periodística ha abarcado tres décadas. Después de la universidad se unió al equipo de El Paso Times. Luego trabajó como personal de prensa en el Fort Worth Star-Telegram. Durante ese tiempo (1979-1983) Price también fue profesor visitante en la Universidad de Texas en Austin.
En 1983 dejó de Fort Worth por el The Philadelphia Inquirer para trabajar como reportero gráfico y más tarde director de la fotografía. Después de dejar el Inquirer en 1989 trabajó bajo contrato para National Geographic antes de volver al Fort Worth Star-Telegram como jefe de redacción adjunto en 1991. En 1996 se unió al equipo de fotógrafos del The Baltimore Sun. Fue nombrado asistente del jefe de redacción de fotografía del The Denver Post en 2000, donde permaneció hasta mediados de 2006. En la actualidad es editor para el Cox Media Group en Ohio, operando una sala de redacción convergente que combina el Dayton Daily News, WHIO TV y Radio WHIO.
WebsiteWikipedia (en inglés)

Sin camisa y con los pies descalzos, Karim Sawadogo, de 9 años, trabaja con su tío en una mina de oro del pueblo minero Kowekowera en Burkina Faso. Fue a la escuela, pero sólo por un tiempo. "Mi sueño - dice - es hacer suficiente dinero para no tener que hacer esto nunca más" /

Barefoot and shirtless, Karim Sawadogo, 9, works with his uncle in a gold mine at Kowekowera mining village, Burkina Faso. He has been to school, but only for a while. "My dream," he says, "is to make enough money so I don't have to do this anymore." 


El 24 de Febrero es el cumple de

Richard Harrington, fotógrafo canadiense nacido en 1911 en Hamburgo, Alemania.
Es conocido por sus fotografías tomadas en el Ártico canadiense entre 1948 y 1953.
Emigró a Canadá a mediados de la década de 1920. Durante su carrera ha viajado a más de 100 países y sus fotografías han aparecido en más de 24 libros. Su obra se ha expuesto en el Archivo Nacional de Canadá, la Institución Smithsonian y el Museo de Arte Moderno.
En 2001, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá.
Murió en 2005.

"Dos niñas duermen bajo pieles de caribú durante la hambruna de 1950 / 
Two girls asleep under caribou skins during the famine in 1950, Padlei, NWT, 1950
© Estate of Richard Harrington


El 25 de Febrero es el cumple de

Herman Puig (Germán Puig Paredes), pionero cubano de la fotografía de desnudo masculino nacido en 1928 en La Habana.
Estudió pintura y escultura en Cuba y filmó su primer corto "Sarna" antes de salir para París a los 20 años, donde estudió Técnicas audiovisuales. En 1950 trabajó para Henri Langlois, director y co-fundador de la Cinemateca Francesa. Esta asociación llevó a la fundación de la Cinemateca de Cuba original, oficializada como institución en 1948 y fundada por Herman Puig y Ricardo Vigón, que renació en 1961 con la iniciativa de Alfredo Guevara y el entonces recién formado ICAIC, como el actual Cinemateca de Cuba.
Desde los años 60 hasta los años 70 Puig trabajado como fotógrafo y realizador de publicidad en España. Fue en Madrid que primero comenzó a experimentar con desnudos masculinos, pero fue detenido por un presunto asunto de drogas y acusado de pornógrafo bajo el clima del gobierno socialista. Fue en este momento que se trasladó a París en un intento de demostrar a España y al mundo que él no era un pornógrafo sino un artista, y fue aceptado con aclamación casi universal. Poco más tarde se trasladó a Barcelona, ​​donde permanece hasta nuestros días.
Herman Puig continúa fotografiando desnudos masculinos y femeninos pasados ​​los 80 años y fue objeto de una película de David Boisseaux-Chical sobre su exilio cultural de Cuba. En la película sigue afirmando su disgusto por haber sido asociado con el mundo de la pornografía y la homosexualidad, simplemente por querer fotografiar cuerpos masculinos artísticamente en lugar de los femeninos.

"David Pontremoli", actor italiano / Italian actor


El 26 de Febrero es el cumple de

William M. Gallagher, fotógrafo estadounidense nacido en 1923 que ganó el Premio Pulitzer de Fotografía 1953 por su fotografía del candidato presidencial Adlai Stevenson. Gallagher fue fotógrafo durante 27 años en el Flint Journal en Flint, Michigan.
En 1936 se trasladó a Flint y se graduó de la Escuela Secundaria de San Mateo en 1943. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en el Ejército de los Estados Unidos en el cuerpo de señales, el cuerpo médico y el cuerpo de aire.
Gallagher obtuvo su primera cámara vendiendo revistas mientras estaba en la escuela secundaria. Comenzó su carrera de fotografía profesional con el Sporting Digest en Flint en 1946. Al año siguiente se trasladó al Flint Journal y en pocos meses se convirtió en fotógrafo de plantilla, una posición que mantendría hasta su muerte. Los colegas de Gallagher lo describían como "un personaje ruidoso y extravagante" que tenía buenas relaciones con los funcionarios de la policía y del gobierno local.
Gallagher tomó la foto ganadora del Pulitzer en una manifestación del Día del Trabajo en Flint Park. El candidato presidencial demócrata Adlai Stevenson estaba sentado en una plataforma con el gobernador de Michigan G. Mennen Williams. Gallagher, de rodillas en la base de la plataforma, tomó una foto de Stevenson sentado con las piernas cruzadas, que reveló un agujero en la parte inferior de su zapato derecho.
Gallagher murió en 1952.

Foto tomada durante la campaña presidencial de 1952 en el que el candidato demócrata, el Gobernador Adlai Stevenson, que revela un agujero en su zapato derecho / 
Photo taken during the 1952 campaign of the democratic presidential candidate Gov. Adlai Stevenson which revealed a hole in the bottom of his right shoe.
William Gallagher/Flint (Mich.) Journal via AP


El 27 de Febrero es el cumple de

Alexeï Vasiliev, fotógrafo ruso nacido en 1959. Vive en Francia desde 1993.
Estudió en el Liceo Romain Rolland y en la Universidad de las Humanidades en Moscú.
No siendo un joven comunista muy ortodoxo - por lo tanto en el que no se podía confiar - Vassiliev no podía convertirse en intérprete, su sueño en aquél entonces. Después de dos años de servicio militar en el Ejército Rojo, incluyendo seis meses con un batallón disciplinario en Siberia, decidió ganarse la vida trabajando, sucesivamente, en la televisión, la radio, y luego en varias fábricas y obras de construcción. En resumen, la trayectoria clásica de cada soviético que, sin ser un disidente de plano, se niega a adherirse a las normas oficiales.
Después de la perestroika, finalmente fue capaz de ejercer su profesión de intérprete; también tradujo novelas de misterio del francés al ruso.
Fue cuando llegó a Francia, hace catorce años, que la fotografía entró en su vida de una manera totalmente fortuita. Un amigo periodista le pidió sustituir, sobre la marcha, a un fotógrafo que iba a acompañarle en un encargo. Una mañana de mayo de 1995 fueron a Aviñón para entrevistar al Conde de Sade y visitar el castillo donde su antepasado, el "divino Marqués," había vivido.
Alentado a explorar, solo y autodidacta, casi en secreto, los meandros de la fotografía conceptual, esto se convirtió en la experiencia que cambió el curso de su vida.

"Momentos conflictivos / Troubled Moments"
Estudio / study N°14.09 - Estudio / study N°04.04
Ellos están allí, simplemente allí: elusivos aunque irrefutables, furtivos aunque definitivos, efímeros aunque eternos...
Aparecen súbitamente, en la mancha borrosa y urgencia de los pequeños momentos, luego parecen desvancerse; lo mejor para imponer su presencia al azar.
Envueltos en misterio, relevados de toda trivialidad y así investidos de lo esencial, esos seres paradójicos me desafían y persiguen.
Para contar sus secretos sin revelarse, requieren de la estridencia de los colores desnudos, o llamadas en gamas crepusculares, pero siempre demandan la colisión de una luz improbable.
Imperiosos, también dictan extrañas estrategias de emborronamiento parcial, aparente dilución, de los gestos, de caras, o de dividir y reducir las siluetas.
Están ahí, y en otras partes. No más allá; dentro ... tal vez.
Ellos no descansan. Ellos no juegan. Ellos están, ellos mismos, enredados en la poesía de su propia verdad insondable. /

They are there, simply there: elusive yet irrefutable, furtive yet definitive, ephemeral yet eternal...
They appear suddenly, in the blur and urgency of tiny moments, then seem to fade away - the better to imposse their random presence.
Enshrouded in mistery, relieved of all triviality and thus entrusted to the essential, these paradoxical beings defy and haunt me.
To tell their secrets without revealing them they solicit the stridency of naked colors or call on crepuscular gamuts, but they always demand the collision of improbable light.
Imperious, they also dictate strange strategies of partial effacement, apparent dilution, of gestures, of faces, or of split and reduced silhouettes.
They are there - and elsewhere. Not beyond; within... perhaps.
They do not rest. They don not play. They are, themselves, wound up in the poetry of their own unfathomable truth.


Hoy, 28 de Febrero, es el cumple de

John Bulmer, fotógrafo y cineasta británico nacido en 1938, que destacó por su temprano uso del color en el fotoperiodismo.
Comenzó en la fotografía cuando joven. Aunque su interés primero estuvo principalmente en tecnología (incluso construyó su propia ampliadora), fue un gran admirador de Henri Cartier-Bresson en su adolescencia.
Bulmer estudió ingeniería en Cambridge, donde su interés por la fotografía se profundizó. Cuando todavía era un estudiante publicó fotografías en Varsity así como así como una revista que co-fundó, Imagen. Hizo fotohistorias para el Daily Express, Queen y LIFE. También trabajó como asistente de Larry Burrows y Burt Glinn. La historia en LIFE llevó a su expulsión de Cambridge seis semanas antes de sus exámenes finales.
Tras su expulsión, Bulmer intentó conseguir un trabajo con el Daily Express. Después de tres días de repetidos intentos, el periódico le dio una oportunidad. Permaneció durante dos años. Después de esto, trabajó con encargos para una serie de revistas: al principio en blanco y negro, para Queen, Town, and Time and Tide.
Gracias en parte a una ola de gente creativa desde el norte de Inglaterra, el norte estaba de moda en el sur. El primer encargo lo tuvo en 1960, para Town, para pasar tres días fotografiando el rápido declive de la ciudad Nelson, de Lancashire, y compararlo con el rápido crecimiento de Watford. Encontró la experiencia reveladora y agradable.

"Calle divisoria / Dividing Street", 1961 © John Bulmer


Como sólo tenemos un 29 de febrero cada 4 años, celebramos los aniversarios de tres artistas y una fotografía.

El 29 de Febrero es el cumple de

Gilles Francis Charles Bensimon, fotógrafo de moda francés nacido en 1944, ex director creativo internacional de la revista Elle. También ha sido el fotógrafo en la serie de televisión reality America's Next Top Model.
Tenía una dislexia avanzada, así que su madre le dijo que si hacía algo en el arte podría expresarse mejor. Viviendo en París, Francia, se unió a Elle Francia en 1967. Dos años más tarde ayudó a lanzar American Elle, para la cual fotografió a Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Tyra Banks, Rachel Williams, Honor Fraser, Yasmin Le Bon, Elle Macpherson y Beverly Peele.
Durante el tiempo que estuvo al mando como director creativo internacional y fotógrafo jefe de la revista Elle, la visión de Bensimon alcanzó un estimado de 20 millones de lectores en todo el mundo. Es bien conocido como fotógrafo de personalidades, con una cartera compuesta por las principales modelos y celebridades, incluyendo Schiffer, Campbell, Turlington, Linda Evangelista, Nadège du Bospertus, Gisele Bündchen, Madonna, Gwyneth Paltrow, Sharon Stone, Keira Knightley, Beyoncé, Jennifer López, Reese Witherspoon, Sarah Jessica Parker, Halle Berry y Uma Thurman. Sus clientes comerciales abarcan desde Kohl's hasta Saks Fifth Avenue y de Maybelline a Clarins.

"Kate Winslet", 2012

Kate Winslet en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CCXXXV)]
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Hal Gould, fotógrafo y galerista estadounidense nacido en 1920.
Se crió en un rancho en Nuevo México y se fue de su casa a los 16 años. Después hacer una serie de trabajos diferentes, entró en la escuela de odontología, pero fue reclutado por el ejército en 1940. Finalmente entró en la escuela de oficiales. Después del bombardeo de Pearl Harbor, saltó de isla en isla con el general Douglas MacArthur y permaneció en Japón durante la ocupación.
Aunque Gould se desempeñó en muchos trabajos durante su vida, incluyendo reparaciones de durmientes de ferrocarril, boxeador, aviador y pintor, fue su búsqueda en la fotografía lo que cambiaría su vida. Durante casi un cuarto de siglo ejerció como fotógrafo de retratos, y con el tiempo se pasó a la fotografía artística.
Gould pidió en varias ocasiones al Museo de Arte de Denver que exhibiera fotografía artística, pero el director Otto Bach se negó a considerar tal medio. Para hacer que la fotografía artística llegara al público, Gould y otros crearon un espacio para la visualización de las obras directamente detrás del Museo de Arte de Denver. Finalmente esto se convertiría en la Galería Cámara Oscura. Hoy en día es una de las galerías más antiguas dedicadas exclusivamente a la fotografía artística. La galería de Gould realizó la primera exposición en Estados Unidos de Sebastião Salgado, y ha publicado el Photography in the Fine Arts Quarterly desde 1983.
Hal Gould murió en 2015.

"Carretera solitaria, Norte de Nuevo México / Lonely Road, Northern New Mexico", 1994
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Hércules Florence (Antoine Hercule Romuald Florence), pintor e inventor franco-brasileño nacido en 1804, conocido como inventor aislado de la fotografía en Brasil, tres años antes de Daguerre (pero seis años después de Nicéphore Niépce), utilizando la matriz negativo / positivo, todavía en uso. Según Kossoy, que examinó las notas de Florence, se refirió a su proceso, en francés, como photographie en 1834, al menos cuatro años antes de que John Herschel acuñara la palabra inglesa p'hotography'.
En 1832, con la ayuda de un amigo farmacéutico, Joaquim Correa de Mello, Florence comenzó a estudiar maneras de fijar imágenes de cámara oscura de forma permanente, que denominó "Photographia". En 1833 se fijaron en nitrato de plata sobre papel, una combinación que había sido objeto de experimentos por Thomas Wedgwood alrededor del año 1800. A diferencia de Wedgwood, quien fue incapaz de tomar fotografías de escenas del mundo real con su cámara o representar los fotogramas producidos con luz rápida. Los cuadernos de Florence indican que finalmente logró hacerlo. Por desgracia, en parte porque nunca publicó adecuadamente su invención, en parte porque era un oscuro inventor viviendo en una provincia remota y poco desarrollada, Hércules Florence nunca fue reconocido internacionalmente como uno de los inventores de la fotografía.
Murió en 1879.

"Diploma da Maçonaria / Diploma de albañil / Masonry Diploma"
Primera imagen oficial registrada por H.F. / first official image recorded by H.F., 1832.
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esta fotografía, tomada el 29 de de febrero de 1916.
Aviones 6338, un Fe2B perteneciente al Escuadrón 20 de la RFC (Royal Flying Corps, Real Cuerpo Aéreo) es examinado por lanceros Ulanos de uno de los regimiento de la Guardia de Ulanos o Sajones Ulanos (Ejército Real de Prusia)
Los registros oficiales indican que el avión realizaba en una misión de reconocimiento cuando fue obligado a descender por aviones enemigos cerca Menin. El avión aterrizó intacto y los dos miembros de la tripulación fueron hechos prisioneros. Un tal Vizefeldwebel Wass se atribuyó la victoria, sin embargo, apenas hay constancia de él en cualquier lugar o en cualquier referencia.
Esta aeronave en particular era un avión obsequiado llamado "Ceilán Nº 3".

Foto del álbum de / Photo: Álbum of drakegoodman, Flickr


Textos en inglés / English translation

On February 22 is the birthday of

Hermann Waldenburg (Hermann Vogt), German designer, artist and photographer born in 1940 in Waldenburg.
He studied art in Berlin and traveled with a scholarship to Mexico and Central America, where he worked as an artist and exhibited his works. In 1968 he started using the name of his hometown as artistic name.
In 1969-70 he moved to Madrid with a scholarship, entering the Printmaking Workshop of the School of Fine Arts of San Fernando, where happen to meet a number of artists of many nationalities and creative styles, and where Hermann stood out for his great technical mastery.
In 1973-74 he trained at Villa Massimo in Rome, obtaining the Award of the Federal Republic of Germany in the III International Biennial of Graphic, Florence 1974.
In addition to his work as an artist, Waldenburg is recognized by the photographs of the Berlin Wall he made for years.
He bought a Minolta camera "just to photograph the wall", and did so until 1994 "when images became less interesting." For him, the wall is a very important part of his life, having lived its construction and subsequent fall. Documentation of graffiti made by anonymous artists of the Berlin Wall have enabled him to gather a unique testimony of this ephemeral street art, which has resulted in the book Mauer Kunst - und Objektkunst Graffiti in Berlin from 1989 to 1994.

On February 23 is the birthday of

Larry C. Price, American photojournalist born in 1954 who has won two Pulitzer Prizes: In 1981 in Spot News Photography, recognizing images from Liberia published by the Fort Worth Star-Telegram, and in 1985 for Feature Photography for images from war-torn Angola and El Salvador published by The Philadelphia Inquirer.
He received a Bachelor of Journalism degree from the University of Texas at Austin in 1977. He was a member of The Daily Texan staff during his senior year in college.
His journalism career has spanned three decades. After college, he joined the El Paso Times staff. He then worked on the news staff at the Fort Worth Star-Telegram. During that time [1979-1983], Price also was a visiting professor at the University of Texas at Austin.
In 1983, he left Fort Worth for The Philadelphia Inquirer to work as a photojournalist and later director of photography. After leaving the Inquirer in 1989, Price worked on contract for National Geographic before returning to the Fort Worth Star-Telegram as an assistant managing editor in 1991. In 1996 Price joined The Baltimore Sun photography staff. He was named assistant managing editor for photography for The Denver Post in 2000 where he remained until mid-2006. He is currently an editor for Cox Media Group in Ohio, CMG Ohio operates a converged newsroom that combines the Dayton Daily News, WHIO TV and WHIO Radio.

On February 24 is the birthday of

Richard Harrington, Canadian photographer born in 1911 in Hamburg, Germany.
He is best known for his photographs taken in the Canadian Arctic between 1948 and 1953.
He immigrated to Canada in the mid-1920s. During his career he traveled to more than 100 countries and his photographs have appeared in more than 24 books. His work has been shown at the National Archives of Canada, the Smithsonian Institution and the Museum of Modern Art.
In 2001, he was made an Officer of the Order of Canada.
He died in 2005.

On February 25 is the birthday of

Herman Puig (German Puig Paredes), Cuban pioneer of male nude photography born in 1928 in Havana.
He studied painting and sculpture in Cuba and filmed his first short "Sarna" before leaving for Paris at the age of 20 where he studied Audio Visual Techniques. In 1950 he worked for Henri Langlois director and co-founder of the Cinémathèque Française. This association lead to the foundation of the original Cinemateca de Cuba, officialised as an institution in 1948, and founded by Herman Puig and Ricardo Vigón, which would later be reborn in 1961 with the initiative of Alfredo Guevara and the then newly formed ICAIC as today's Cuba Cinemateca.
From the 60s to the 70s Puig worked in advertising as a photographer and publicity filmmaker in Spain. It was in Madrid that he first started experimenting with male nudes but was arrested in an alleged drugs affair and charged as a pornographer under the climate of the socialist government. It was at this point that he moved to Paris in an attempt to prove to Spain and the world that he was not a pornographer but an artist and was accepted with almost universal acclaim. A little later he moved to Barcelona where he remains to this day.
Herman Puig continues photographing male and female nudes past the age of 80 and was made the subject of a film by David Boisseaux-Chical about his cultural exile from Cuba. In the film he continues to affirm his dislike at being associated with the worlds of pornography and homosexuality, simply for wanting to photograph male bodies as art instead of that of women.

On February 26 is the birthday of

William M. Gallagher, American photographer born in 1923 who won the 1953 Pulitzer Prize for Photography for his photograph of presidential candidate Adlai Stevenson II. Gallagher was a photographer for 27 years with the Flint Journal in Flint, Michigan.
In 1936 he moved to Flint and graduated from St. Matthew's High School in 1943. During World War II he served in the United States Army in the signal corps, medical corps, and air corps.
Gallagher earned his first camera while in high school by selling magazines. He began his professional photography career with the Sporting Digest in Flint in 1946. The following year he moved to the Flint Journal and within a few months became a staff photographer, a position he would hold until his death. Gallagher's colleagues described him as "a boisterous, flamboyant character" who had good relationships with local police and government officials.
Gallagher snapped his Pulitzer-winning photo at a Labor Day rally in Flint Park. Democratic presidential candidate Adlai Stevenson was seated on a platform with Michigan Governor G. Mennen Williams. Gallagher, kneeling at the base of the platform, took a photo of Stevenson seated with his legs crossed, which revealed a hole in the bottom of his right shoe.
Gallagher died in 1952.

On February 27 is the birthday of

Alexeï Vassiliev, Russian photographer born in 1959. He lives in France since 1993.
Studied at the Lycée Romain Rolland and the University of the Humanities in Moscow.
Not a very orthodox young Communist – thus not to be trusted – Vassiliev could not become an interpreter, his dream at the time. After two years of military service in the Red Army, including six months with a disciplinary battalion in Siberia, he decided to earn his living working, successively, in television, radio, and then in various factories and on construction sites. In short, the classic trajectory of every Soviet who, without being an outright dissident, refuses to adhere to the official norms.
After the perestroïka, he was finally able to exercise his profession as interpreter; he also translated French mystery novels into Russian.
It was when he arrived in France fourteen years ago that photography entered his life in an altogether fortuitous way. A journalist friend asked him to replace, on the spur of the moment, a photographer who was to accompany her on an assignment. One morning in May 1995 they left for Avignon to interview the Count De Sade and to visit the château where his ancestor, the “divine Marquis,” had lived.
Encouraged to explore, alone and self-taught, almost secretly, the meanders of conceptual photography, this became the experience that changed the course of his life.

Today, February 28, is the birthday of

John Bulmer, British photographer and filmmaker born in 1938, notable for his early use of colour in photojournalism. 
He started photography when young. Although his earliest interest in it was primarily as a technology (he even built his own enlarger), he was a great admirer of Henri Cartier-Bresson as a teenager.
Bulmer studied engineering at Cambridge, where his interest in photography deepened. While still a student he had photographs published in Varsity as well as a magazine he co-founded, Image; and did photostories for the Daily Express, Queen, and Life. He also worked as an assistant to Larry Burrows and Burt Glinn. The Life story led to his expulsion from Cambridge six weeks before his finals.
On his expulsion, Bulmer attempted to get a job with the Daily Express; after three days of repeated attempts, the newspaper gave him one. He stayed for two years. After this he worked on assignments for a number of magazines: first in black and white, for Queen, Town, and Time and Tide.
Thanks in part to a wave of creative people from the north of England, the north was at the time enjoying a vogue in the south. Bulmer's first assignment there was in 1960, for Town, to spend three days photographing the fast-declining Lancashire town of Nelson and compare it with the fast-growing Watford. He found the experience eye-opening and enjoyable.

As we only have one February 29 every four years, we celebrate the anniversaries of three artist and a photograph.

On February 29 is the birthday of

Gilles Francis Charles Bensimon, French fashion photographer born in 1944, and the former International Creative Director of Elle magazine. He has also been the photographer on the reality television series America's Next Top Model.
He had advanced dyslexia so his mother said if he did something in art he could express himself better. Living in Paris, France, he joined French Elle in 1967. Two years later Bensimon helped launch American Elle, for which photographed Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Tyra Banks, Rachel Williams, Honor Fraser, Yasmin Le Bon, Elle Macpherson, and Beverly Peele.
During his tenure as International Creative Director and Head Photographer of Elle magazine, Bensimon's vision reached an estimated 20 million readers worldwide. He is well known as a celebrity photographer, with a portfolio consisting of leading models and celebrities, including Schiffer, Campbell, Turlington, Linda Evangelista, Nadège du Bospertus, Gisele Bündchen, Madonna, Gwyneth Paltrow, Sharon Stone, Keira Knightley, Beyoncé, Jennifer Lopez, Reese Witherspoon, Sarah Jessica Parker, Halle Berry and Uma Thurman. His commercial clients range from Kohl's to Saks Fifth Avenue and Maybelline to Clarins.
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Hal Gould, American photographer and gallery curator born in 1920.
He grew up on a ranch in New Mexico and left home at the age of 16. After holding a number of different jobs, he entered dentistry school, but was drafted into the army in 1940. Eventually he entered officer school. After the bombing of Pearl Harbor, he island-hopped with General Douglas MacArthur and remained in Japan during the occupation.
While Gould held many jobs during his life, including railroad-tie repairer, boxer, aviator, and painter, it was his pursuit of photography that would change his life. For nearly a quarter of a century he practised as a portrait photographer, eventually shifting into fine art photography.
Gould repeatedly asked for the Denver Art Museum to display fine art photography, but director Otto Bach refused to consider the medium. To make artistic photography available to the public, Gould and others created a venue for displaying works directly behind the Denver Art Museum—eventually this would become the gallery Camera Obscura. This is now one of the oldest galleries dedicated exclusively to fine art photography. Gould's gallery gave Sebastião Salgado his first show in America, and has been publishing the Photography in the Fine Arts Quarterly since 1983.
Hal Gould died in 2015.
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Hercules Florence (Antoine Hercule Romuald Florence), French-Brazilian painter and inventor born in 1804, known as the isolate inventor of photography in Brazil, three years before Daguerre (but six years after Nicéphore Niépce), using the matrix negative/positive, still in use. According to Kossoy, who examined Florence's notes, he referred to his process, in French, as photographie in 1834, at least four years before John Herschel coined the English word photography.
In 1832, with the help of a pharmacist friend, Joaquim Correa de Mello, Florence began to study ways of permanently fixing camera obscura images, which he named "photographia". In 1833, they settled on silver nitrate on paper, a combination which had been the subject of experiments by Thomas Wedgwood around the year 1800. Unlike Wedgwood, who was unable to make photographs of real-world scenes with his camera or render the photograms that he did produce light-fast, Florence's notebooks indicate that he eventually succeeded in doing both. Unfortunately, partly because he never published his invention adequately, partly because he was an obscure inventor living in a remote and undeveloped province, Hércules Florence was never recognized internationally as one of the inventors of photography.
He died in 1879.
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this photograph taken on February 29, 1916
Aircraft 6338, a FE2b belonging to 20 Squadron RFC (Royal Flying Corps) is examined by Uhlans (lancers) from one of the Garde Ulanen or Saxon Ulanen regiments (Royal Prusian Army)
The official records indicated the aircraft was on a reconnaissance mission when it was forced down by enemy aircraft near Menin. The aircraft landed intact and both crewmen were taken prisoner. A Vizefeldwebel Wass claimed the victory, however there is little record of him anywhere in any reference.
This particular aircraft was a presentation aircraft dubbed "Ceylon No 3".

sábado, 27 de febrero de 2016

Aniversarios / Anniversaries (CXII) [Febrero / February 21-29]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 21 de Febrero es el cumple de

Sir William Goscombe John, escultor galés nació en 1860.
En su juventud ayudó a su padre, Thomas John, un tallador de madera, en la restauración del castillo de Cardiff. Inicialmente estudió en su ciudad natal, asistiendo a la Escuela de Arte de Cardiff. Se fue a Londres en 1882 y estudió en la ciudad y gremios de la Escuela de Arte de Londres (entonces conocida como South London School of Technical Art) con Jules Dalou y William Plata Frith, y después en las escuelas de la Academia, donde ganó la medalla de oro y una beca de viaje en 1887. En 1890-1891 estudió en París. 
Goscombe Juan fue el encargado de diseñar muchos monumentos públicos y estatuas de figuras públicas como el armador y filántropo John Cory, erigida en la puerta del Ayuntamiento de Cardiff. En 1921 se diseñó el monumento en Port Sunlight a los empleados de Lever Brothers Ltd que habían muerto en la Primera Guerra Mundial. También esculpió retratos de Lord y Lady Lever. Recibió una medalla de oro en París en 1901, se hizo Académico de la Real Academia en 1909, fue nombrado caballero en 1911 y se convirtió en miembro del Instituto Francés. Se instaló en Greville Road, Kilburn (en una casa que había pertenecido anteriormente a Seymour Lucas). 
Murió en 1952 y está enterrado en el cementerio de Hampstead.

"El duende / The Elf", mármol / marble, 1899. Glasgow Museums (Escocia, Reino Unido / Scotland, UK)

Esta escultura única de una joven tallada en mármol, fechada en 1899, es la obra más atractiva del escultor galés Sir W Goscombe John.
Es una obra maestra de la Nueva Escultura, el movimiento que insuflé nueva vida a la escultura británica a fines del s.XIX. Una superficie vital y una pose poco ortodoxa, como se ven en "El duende", son características típicas del período. El amor a "la belleza del cuerpo" y un escalofrío de la sexualidad también sitúan firmemente a esta pieza en la era liberada de "los traviesos Noventa" /

This unique carved marble sculpture of a young woman, bearing a date of 1899, is the most attractive work of the Welsh sculptor Sir W Goscombe John.
It is a masterpiece of the New Sculpture, the movement that breathed new life into British sculpture at the end of the 19th century. A lively surface, an unorthodox pose, as seen in The Elf, are characteristics typical of the period. Love of ‘the body beautiful’ and a frisson of sexuality also place this piece firmly in the liberated era of ‘the Naughty Nineties’.

Goscombe John en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LXXXIX)]


El 22 de Febrero es el cumple de

Arthur Eric Rowton Gill, escultor Inglés, diseñador tipográfico, cantero y grabador nacido en 1882, que estuvo asociado con el movimiento Arts and Crafts.
Trabajando desde Ditchling en Sussex, donde vivía con su esposa, en 1910 Gill comenzó la talla directa de figuras de piedra. Estas incluyen la "Virgen con el Niño" (1910), que Fry describió en 1911 como una representación de 'animalidad patética', y "Éxtasis" (1911). Tales esculturas semi-abstractas mostraron el aprecio de Gill por las estatuas eclesiásticas medievales, la escultura egipcia, griega e india, así como el post-impresionismo de Cézanne, Van Gogh y Gauguin.
Su primer éxito público fue "Madre y niño" (1912).
Gill se describía como "discípulo" del filósofo e historiador del arte de Ceilán Ananda Coomaraswamy, y estuvo fascinado durante este periodo por la escultura de los templos de la India. Junto con su amigo y colaborador Jacob Epstein, planeó la construcción en el campo de Sussex de un colosal monumento, tallado a mano, imitando las estructuras jainistas a gran escala en la fortaleza de Gwalior, en Madhya Pradesh, que había conocido gracias al indófilo William Rothenstein.
Gill fue nombrado Diseñador Real para la Industria, el premio más importante para los diseñadores británicos, por la Royal Society of Arts. También se convirtió en miembro fundador de la Facultad de reciente creación de los diseñadores reales para la industria.
Murió en 1940.

"Contorsionista / Contortionist", gres / bath stone, alto / height 15 cm., 1913.
Colección privada / Private Collection


El 23 de Febrero es el cumple de

Ricardo Bellver, escultor español nacido en 1845.
Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y terminó su educación escultórica en Roma como becario.
Se hizo muy conocido por su escultura El ángel caído, una obra inspirada en un pasaje de El paraíso perdido de John Milton, que representa a Lucifer cayendo del cielo. La escultura, de gran dramatismo y originalidad, obtuvo la primera medalla en la Exposición Nacional Española de Bellas Artes en 1878, y ese mismo año fue fundida en bronce para la tercera Feria de París Mundial. Más tarde, el Museo del Prado la donó a la ciudad de Madrid, y en 1885 se instaló en una plaza con el mismo nombre en los Jardines del Buen Retiro. Para tal fin, el arquitecto Francisco Jareño diseñó un pedestal de granito, bronce y piedra. El éxito de este trabajo hizo que Bellver fuera aceptado como académico. Fue director de la Escuela de Artes y Oficios en Madrid.
Otras obras de Bellver están en la Basílica de San Francisco el Grande, la iglesia de San José, la iglesia Pontifitial de San Miguel y el edificio del Ministerio de Obras Públicas de Madrid.
Murió en 1924.

"El ángel caído / The Fallen Angel", 1877. Jardines del Buen Retiro / Buen Retiro Gardens (Madrid, España / Spain)

Ricardo Bellver en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CLVIII-2)]


El 24 de Febrero es el cumple de

Hevzi Nuhiu, escultor albanés nacido en 1956 en Carevajkë de Preshevės, en la montañas de Karadakut.
En sus primeros años Hevzi Nuhiu asiste a la escuela primaria en su ciudad natal (Carevajkë). Pasa a cursar la escuela secundaria en Preshevės y terminó sus estudios en el idioma albanés y la Literatura de la Academia de Skopie.
Desde 1983 vive y trabaja en San Dometrio Corone (Shën Mitër Korona en albanés), a unos 500 km de la ciudad de Kozencës, la provincia donde la presencia de asentamientos albaneses es hoy la más grande de Italia.
Sus esculturas reproducen figuras humanas contorsionadas, alejadas cada vez más de la representación natural del cuerpo humano, se transforman en formas orgánicas independientes. Sus relieves muy coloristas.

"Sin título / Untitled"


El 25 de Febrero es el cumple de

Fletcher C. Benton, escultor y pintor nacido en Ohio en 1931. Es ampliamente conocido por su arte cinético, así como sus grandes esculturas de acero geométricas abstractas.
Después de estar en la Armada, se graduó de la Universidad de Miami, Oxford, Ohio, con una licenciatura en Bellas Artes en 1956. A partir de entonces se trasladó a San Francisco, y comenzó como instructor en la Escuela de Artes y Oficios de California. Luego fueron a Europa, viajando en su motocicleta por Escandinavia, Holanda y Francia. Pasó algún tiempo en París y luego en Nueva York, y más tarde se trasladó de vuelta a San Francisco.
Benton fue parte del movimiento Beatnik en San Francisco durante los años 50 y 60, trabajando como pintor de carteles durante el día y pintor expresionista por la noche. En 1961 realizó una exposición individual en el California Palace Legion of Honor, mostrando sus retratos de compañeros artistas como David Simpson y William Morehouse. Frustrado con las limitaciones de la pintura sobre lienzo, Benton comenzó a trabajar con el movimiento, con piezas y cajas en patrones geométricos, con las que estaba familiarizado por su trabajo en los anuncios comerciales. Esto fue al comienzo del movimiento cinético. Benton trabajó en gran medida de forma aislada, sin darse cuenta de los esfuerzos de otros artistas cinéticos. Sus primeras obras de esta serie fueron expuestas en la Gump’s Gallery en San Francisco.
A finales de 1970 abandonó el arte cinético, cambiando a medios más tradicionales en la escultura: bronce y acero. Estas obras fueron diseñados para ser vistas desde todos los ángulos y con frecuencia se las ha caracterizado como un nuevo constructivismo. Hoy en día continúa trabajando en este estilo, algunas de cuyas series más populares son los doblados Alfabetos y Numéricos cuadrados plegados, Círculo Doblado, Donuts, y Acuarelas de Acero.

* Fletcher Benton murió el 26 junio de 2019

Serie "Alfabeto" / Alphabet Series, Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, EE.UU. / NY, USA)


El 26 de Febrero es el cumple de

Eduardo Arroyo, pintor y artista gráfico español nacido en 1937. También es autor y escenógrafo.
Estudió arte en su ciudad natal, pero dejó España en 1958 a causa de sus problemas con el régimen de Franco (Arroyo lo describiría como una "puta") e incluso perdió su ciudadanía española en 1974 (adonde regresó dos años más tarde, un año después de la muerte del Caudillo). En París se hizo amigo de miembros de la escena del arte joven, sobre todo Gilles Aillaud, con quien más tarde colaboró ​​en la creación de escenarios, y también el viejo maestro Joan Miró. En 1964 presentó su primera exposición importante. Le siguieron más de 20 años de gran éxito de crítica y alta estima en el mercado del arte. Hoy en día, el artista inflexible ideológica y creativamente, es tan activo como siempre lo ha sido, aún cuando parece haberse vuelto algo más tranquilo en cuanto a sus creaciones.
Estilísticamente las coloridas obras irónicas de Arroyo son un cruce entre las tendencias de la nueva figuración o figuración narrativa y el arte pop. Una característica de sus representaciones es la ausencia general de profundidad espacial y el aplanamiento de la perspectiva.
Arroyo también se dio a conocer a un público más amplio a través de sus muchos trabajos como diseñador de escenarios, así como en parte por sus diseños de vestuario.
Las pinturas de Arroyo se exhiben en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

"Retrato de / Portrait of Ramoneur", hierro y acero / iron and steel, 64 x 45 x 12 cm., 1986

Eduardo Arroyo en "El Hurgador" / in this blog[Muere Eduardo Arroyo]


Hoy, 27 de Febrero, es el cumple de

Alfred Hrdlicka, escultor, dibujante y pintor austríaco nacido en 1928. Su apellido se escribe a veces Hrdlička.
Después de aprender a ser un técnico dental (1943-1945), Hrdlicka estudió pintura hasta 1952 en la Akademie der bildenden Künste con Albert Paris Gütersloh y Josef Dobrowsky. Posteriormente estudió escultura hasta 1957 con Fritz Wotruba. En 1960 realizó su primera exposición en Viena. En 1964 alcanzó la atención internacional como representante de Austria en la Bienal de Venecia, Italia.
En 2008 su nuevo trabajo religioso sobre los Apóstoles, la Religión, la Carne y el Poder, atrajo la crítica sobre su temática homoerótica. La exposición se presentó en el museo de la catedral de San Esteban de Viena.
Enseñó a muchos escultores, como Hans Sailer, Angela Laich y otros.
Murió en 2009.

"Orfeo I / Orpheus I", junto al Memorial contra la Guerra y el Fascismo /
next to the Memorial against War and Fascism (1988), Wien / Viena, 2008


El 28 de Febrero es el cumple de

Eugène Delaplanche, escultor francés, nacido en Belleville (Sena) en 1836.
Fue alumno de Duret, ganó el Premio de Roma en 1864 (pasando de 1864 a 1867 en la Villa Medici en Roma), y la medalla de honor en 1878. Sus "Mensajero del Amor" (1874), "Aurora" (1878 ) y la "Virgen de los lirios" (1884), se encuentran en el Luxemburgo. Otras obras suyas son "Música" (1878, Opera de París), considerado su obra maestra; "Eva después de la caída" (1869), "La instrucción materna" (1875, Plaza de Santa Clotilde, París) y las estatuas de "Seguridad" y "Comercio" (1884) en el Hotel de Ville, París (réplicas en el Instituto de Arte de Chicago). Destacó por sus decoraciones en relieve en los floreros de la estufa Haviland. Su mejor trabajo es naturalista, pero al mismo tiempo digno y simple en la línea, y muestra buen dominio de la técnica. Está représentado por 15 obras en la Gliptoteca, Copenhague, y en muchos otros museos e iglesisa de Francia.
Murió en 1891.

"Eve après le péché / Eva después de la caída / Eve After the Fall", mármol / marble, 1869.
Musée d'Orsay (Paris, Francia / France)

Eugène Delaplanche en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXXXIV-1)]



Como sólo tenemos un 29 de febrero cada 4 años, celebramos los aniversarios de cuatro artistas /

El 29 de Febrero es el cumple de

Augusta Savage (Augusta Christine Fells), escultora afroamericana nacida en 1892, asociada con el renacimiento de Harlem.
Comenzó de niña haciendo figuras de arcilla, en su mayoría pequeños animales, pero su padre le pegaba cuando encontraba sus esculturas. Esto se debía a que él creía que su escultura era una práctica pecaminosa, basándose en su interpretación de las "imágenes de ídolos" de la Biblia.
En 1907 se casó con John T. Moore. Augusta Fells Moore continuó modelando arcilla, y montó un stand en la feria del condado de Palm Beach: las autoridades de la feria, inicialmente aprensivas, terminaron otorgándole un premio de US $ 25, y las ventas de su arte totalizaron US $ 175; una suma significativa en ese momento y lugar.
Ese éxito le animó a presentar una solicitud para la Cooper Union (Escuela de Arte) en la ciudad de Nueva York, donde fue admitida en octubre de 1921. Durante este tiempo se casó con James Savage. Se divorciaron después de unos pocos meses, pero mantuvo el apellido.
El conocimiento del talento y las luchas de Savage la hicieron muy conocida en la comunidad afroamericana. Se realizaron fiestas para recaudar fondos en Harlem y Greenwich Village, y grupos de mujeres afroamericanas y profesores de Florida A&M le enviaron dinero para que estudiara en el extranjero. En 1929, también con la asistencia del Fondo Rosenwald Julius, Savage se inscribió y asistió a la Académie de la Grande Chaumière, una de las principales escuelas de arte de París. Allí estudió con el escultor Charles Despiau. Expuso y ganó premios en dos salones y una exposición. Hizo una gira por Francia, Bélgica y Alemania, investigando la escultura en las catedrales y museos.
Volvió a los Estados Unidos en 1931, llena de energía gracias a sus estudios y logros. La gran depresión casi había acabado con las ventas de arte. Siguió adelante, y en 1934 se convirtió en la primera artista afroamericana en ser elegida para la Asociación Nacional de Mujeres Pintoras y Escultoras.
Savage abrió dos galerías, cuyas muestras recibieron mucha atención y buenas críticas, pero pocas ventas como resultado y terminó cerrándolas. Profundamente deprimida por la lucha financiera, en la década de 1940 se trasladó a una granja en Saugerties (cerca de Woodstock, Nueva York), donde permaneció hasta 1960.
Murió en 1962.

"Gamin", bronce / bronze, 1929

Augusta Savage en "El Hurgador" / in this blog[Arte perdido (VIII)]
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Adolf Wölfli, artista suizo, nacido en 1864, uno de los primeros artistas que se asocia con el Art Brut o la etiqueta de arte marginal.
Adolf fue abusado física y sexualmente cuando era niño, y quedó huérfano a los 10 años. A partir de entonces creció en una serie de casas de acogida estatales. Trabajó como Verdingbub (niño trabajador por contrato) y se unió brevemente al ejército, pero fue declarado culpable de intento de abuso de menores, por lo que pasó un tiempo en prisión. Después de ser liberado, fue detenido de nuevo por un delito similar en 1895 y fue internado en la Clínica Waldau, un hospital psiquiátrico en Berna, donde pasó el resto de su vida adulta. Estaba muy perturbado y al ingresar a veces era violento, lo que llevo a que fuera mantenido en aislamiento durante su primer período en el hospital. Sufría de la psicosis, lo que le producía intensas alucinaciones.
En algún momento después de su ingreso, Wölfli comenzó a dibujar. Los primeros trabajos de los que se conservan (una serie de 50 dibujos a lápiz) están fechados a partir de 1904 a 1906.
Walter Morgenthaler, un médico de la Clínica Waldau que tuvo un interés especial en el arte de Wölfli y su condición, publicó en 1921 "Ein Geisteskranker als Künstler" (Un paciente psiquiátrico como artista) con el cual llamó por primera vez la atención del mundo del arte sobre Wölfli.
El libro de Morgenthaler detalla las obras de un paciente que parecía no tener ningún interés previo en el arte y desarrolló sus talentos y habilidades de forma independiente después de haber sido sometido a una condición debilitante. A este respecto, Wölfli fue un iconoclasta e influyó en el desarrollo y la aceptación de arte marginal, Art Brut y su campeón Jean Dubuffet.
Wölfli produjo un gran número de obras durante su vida, a menudo trabajando con el más elemental de los materiales y comerciando con obras menores con los visitantes a la clínica para obtener lápices, papel u otros elementos esenciales.
Murió en 1930.

"Die Skt.Wandanna-Kathedrale in Band-Wand, da: 'Von der Wiege bis zum Graab' / 
La catedral Skt.Wandanna en Band-Wand, de 'De la cuna a la tumba' / 
The Skt.Wandanna Cathedral in Band Wall, from: 'From the Cradle to the Grave'"
Cuaderno / copybook 4, p.205., 1910
Lápiz y lápices de colores sobre papel de periódico / pencil and colored pencils on newsprint, 99,4 x 71,8 cm
© Fundación Adolf Wölfli, Museo de arte (Berna, Suiza / Switzerland)
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Balthasar Klossowski de Rola, conocido como Balthus, artista moderno polaco-francés nacido en 1908.
A lo largo de su carrera, Balthus rechazó las convenciones habituales del mundo del arte. Insistió en que sus pinturas deben ser vistas y no leídas, y se resistió a cualquier intento de construir un perfil biográfico.
En sus años de formación su arte fue patrocinado por Rainer Maria Rilke, Maurice Denis, Pierre Bonnard y Pierre Matisse. Su padre, Erich Klossowski, un destacado historiador de arte que escribió una monografía sobre Daumier, y su madre, Elisabeth Dorothea Spiro (conocida como la pintora Baladine Klossowska), formaban parte de la élite cultural de París. Entre los visitantes y amigos de los Klossowski había escritores famosos como André Gide y Jean Cocteau, quien encontró en sus visitas a la familia algo de inspiración para su novela "Les Enfants Terribles" (1929).
En 1921 se publicó "Mitsou", un libro que incluía cuarenta dibujos de Balthus. Describe la historia de un muchacho joven y su gato, con un prefacio del mentor de Balthus, el poeta bohemio-austriaco Rainer Maria Rilke, quien en ese momento era el amante de su madre.
El estilo de Balthus es principalmente clásico. Su obra muestra numerosas influencias, incluyendo los escritos de Emily Brontë, los escritos y fotografía de Lewis Carroll, y las pinturas de Masaccio, Piero della Francesca, Simone Martini, Poussin, Jean-Étienne Liotard, José Reinhardt, Géricault, Ingres, Goya, Camille Corot, Courbet, Edgar Degas, Félix Vallotton y Paul Cézanne. A pesar de su técnica y composiciones fueron inspirados por pintores pre-renacentistas, también hay indicios inquietantes de surrealistas contemporáneos como de Chirico. Pintando la figura en un momento en que el arte figurativo era ignorado en gran medida, es ampliamente reconocido como un importante artista del siglo XX.
Muchas de sus pinturas muestran chicas jóvenes en un contexto erótico. Balthus insistió en que su trabajo no era erótico pero se reconocen los hechos inquietantes de la sexualidad infantil. En 2013 las pinturas de las adolescentes de Balthus fueron descritas por Roberta Smith en el New York Times como "tan seductoras como inquietantes".
Murió en 2001.

"El gato en el espejo / The Cat in the Mirror", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 170 x 180 cm., c.1978.
Colección privada / Private Collection

Balthus en "El Hurgador" / in this blog:
[Recolección (XXIV)], [Recolección (CXXX)], [Recolección (CLXV-2)], [Asonancias (XXXIX)]
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Leo von Klenze (Karl Franz Leopold von Klenze), arquitecto neoclásico, pintor y escritor alemán nacido en 1784. Arquitecto de la corte del rey bávaro Luis I, fue uno de los representantes más prominentes de estilo del renacimiento griego.
Estudió arquitectura y finanzas públicas con Friedrich Gilly en Berlín, y trabajó como aprendiz de Charles Percier y Pierre François Léonard Fontaine en París. Entre 1808 y 1813 fue un arquitecto de la corte de Jérôme Bonaparte, Rey de Westfalia. Más tarde se trasladó a Baviera y en 1816 comenzó a trabajar como arquitecto de la corte de Ludwig I. La pasión del rey por el helenismo dio forma al estilo arquitectónico de von Klenze. Construyó muchos edificios neoclásicos de Múnich, incluidos el templo de Monopteros y Ruhmeshalle. En Königsplatz diseñó el que es probablemente el conjunto arquitectónico helenístico moderno más conocido. Cerca de Ratisbona construyó el templo de Walhalla, cuyo nombre viene de Valhalla, el hogar de los dioses en la mitología nórdica.
Cuando Grecia consiguió su independencia, el hijo de Luis I, Otto, se convirtió en el primer rey del país. Von Klenze fue invitado a Atenas para presentar planes de reconstrucción de la ciudad al estilo de la antigua Grecia. El Emperador ruso Nicolás I encargó a von Klenze en 1838 el diseño de un edificio para el Nuevo Hermitage, un museo público que albergaba la colección Romanov de antigüedades, pinturas, monedas y medallas, camafeos, grabados, dibujos y libros. Antes de esto, von Klenze también había diseñado y dispuesto salas del museo en Munich, incluyendo la Gliptoteca, el museo de Luis I de escultura antigua y la Alte Pinakothek, una galería de pintura para las obras de la colección de Wittelsbach.
Von Klenze no sólo fue un arquitecto, sino también un consumado pintor y dibujante. En muchas de sus obras representó edificios antiguos. Estos le servían como modelos para sus proyectos arquitectónicos propios. Klenze estudió arquitectura antigua durante sus viajes a Italia y Grecia. También participó en las excavaciones de los edificios antiguos en Atenas y presentó proyectos para la restauración de la Acrópolis.
Murió en 1864.

"Der Domplatz von / La plaza de la Catedral de / The Cathedral Square of Amalfi"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84,5 x 114 cm., 1859
Niedersächsische Landesgalerie / Museo Estatal de la Baja Sajonia (Hanover, Alemania / Germany)

Leo von Klenze en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CCLII)]


Textos en inglés / English translation

On February 21 is the birthday of

Sir William Goscombe John, Welsh sculptor born in 1860.
As a youth assisted his father, Thomas John, a wood carver, in the restoration of Cardiff Castle. He initially studied in his home town, attending the Cardiff School of Art. He went to London in 1882 and studied at the City and Guilds of London Art School (then known as the South London School of Technical Art) under Jules Dalou and William Silver Frith and afterward at the Academy schools, where he won the gold medal and a traveling scholarship in 1887. In 1890–91 he studied in Paris.
Goscombe John was commissioned to design many public monuments and statues of public figures such as the shipping magnate and philanthropist John Cory; John's statue of the latter was erected in front of City Hall, Cardiff. In 1921 he designed the memorial at Port Sunlight to the employees of Lever Brothers Ltd who had died in World War I; he also sculpted portraits of Lord and Lady Lever. He received a gold medal in Paris in 1901, was made a Royal Academician in 1909, was knighted in 1911, and became corresponding member of the French Institute. He settled in Greville Road, Kilburn, London (in a house that had previously belonged to Seymour Lucas)
He died in 1952 and is buried in Hampstead Cemetery.

On February 22 is the birthday of

Arthur Eric Rowton Gill, English sculptor, typeface designer, stonecutter and printmaker born in 1882, who was associated with the Arts and Crafts movement.
Working from Ditchling in Sussex, where he lived with his wife, in 1910 Gill began direct carving of stone figures. These included Madonna and Child (1910), which Fry described in 1911 as a depiction of 'pathetic animalism', and Ecstasy (1911). Such semi-abstract sculptures showed Gill's appreciation of medieval ecclesiastical statuary, Egyptian, Greek and Indian sculpture, as well as the Post-Impressionism of Cézanne, van Gogh and Gauguin.
His first public success was Mother and Child (1912). A self-described "disciple" of the Ceylonese philosopher and art historian Ananda Coomaraswamy, Gill was fascinated during this period by Indian temple sculpture. Along with his friend and collaborator Jacob Epstein, he planned the construction in the Sussex countryside of a colossal, hand-carved monument in imitation of the large-scale Jain structures at Gwalior Fort in Madhya Pradesh, to which he had been introduced by the Indiaphile William Rothenstein.
Gill was named Royal Designer for Industry, the highest British award for designers, by the Royal Society of Arts. He also became a founder-member of the newly established Faculty of Royal Designers for Industry.
He died in 1940.

On February 23 is the birthday of

Ricardo Bellver, Spanish sculptor born in 1845.
He studied at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando, and finished his sculptural education in Rome as a grant holder.
He became well-known because of his sculpture The Fallen Angel (El Ángel Caído, 1877), a work inspired by a passage from John Milton's Paradise Lost, and which represents Lucifer falling from Heaven. The sculpture, of great dramatism and originality, obtained the First Medal at the Spanish National Fine Arts Exhibition in 1878, and the same year was cast in bronze for the third Paris World's Fair. Later on, the Prado Museum donated it to the City of Madrid, and in 1885 it was installed in a square with the same name in the Buen Retiro Gardens. For that purpose, architect Francisco Jareño (1818–1892) designed a pedestal of granite, bronze and stone. The success of this work made Bellver been accepted as academician. He was director of the Arts and Works School in Madrid.
Other works of Bellver are in Saint Francis the Great Basilica, Saint Joseph Church, Pontifitial Church of Saint Michael, and Ministry of Public Works building in Madrid.
He died in 1924.

On February 24 is the birthday of

Hevzi Nuhiu, Albanian sculptor born in 1956 in Carevajkë of Preshevės in the mountains of Karadakut.
In its early years Hevzi Nuhiu attend primary school in his hometown (Carevajkë). He moves to attend secondary school in Preshevės and finished his studies in the Albanian language and Literature Academy in Skopje.
Since 1983 lives and works in San Dometrio Corone, about 500 km from the town of Kozencës, the province where the presence of Albanian settlements is now the largest in Italy.
His sculptures reproduce human figures contorted, far more and more of natural representation of the human body, they become independent organic forms. His  reliefs are highly colored.

On February 25 is the birthday of

Fletcher C. Benton, American sculptor and painter born in Ohio in 1931. He is widely known for his kinetic art as well as his large-scale steel abstract geometric sculptures.
After serving time in the Navy, he graduated from Miami University, Oxford, Ohio with a Bachelor of Fine Arts degree in 1956. Thereafter he moved to San Francisco, and began as an instructor at the California College of Arts and Crafts and then went to Europe, traveling by his motorcycle through Scandinavia, Holland, and France; he spent some time in Paris and then in New York and later moved back to San Francisco.
Benton was a part of the Beatnik movement in San Francisco during the ‘50s and ‘60s working as a sign painter by day and an expressionist artist (painting) by night. In 1961, he had a solo exhibition at the California Palace Legion of Honor, showing his portraits of fellow artists like David Simpson and William Morehouse. Frustrated with the limitations of paint on canvas, Benton began to work with movement in geometric pattern pieces and boxes which he was familiar with from his work in commercial signs. This was at the beginning of the kinetic movement; Benton worked largely in isolation, unaware of other efforts of kinetic artists. His early works of this series were exhibited at Gump’s Gallery in San Francisco.
In the late 1970s, he abandoned kinetic art, switching to a more traditional media for sculpture: bronze and steel. These works are designed to be viewed from all angles and have often been characterized as new constructivism; he continues to work in this style today. Some of his most popular series in this style are the Folded Square Alphabets and Numericals, Folded Circle, Donuts, and Steel Watercolors.

* Fletcher Benton died on June 26th, 2019

On February 26 is the birthday of

Eduardo Arroyo, Spanish painter and graphic artist born in 1937. He is also active as an author and set designer.
He studied art in his home city, but left Spain in 1958 because of his basic contempt for the regime of came to terms with Franco in his old age (Arroyo later described him as a "whore") and even lost his Spanish citizenship in 1974 (which he got back two years later, a year after the death of the Caudillo). In Paris, he befriended members of the young art scene, especially Gilles Aillaud, with whom he later collaborated in creating stage sets, but also the old master, Joan Miró. In 1964, he made his breakthrough with his first important exhibition. Over 20 years of great critical success and high esteem on the art market followed. Today, the ideologically and creatively uncompromising artist is as active as he ever was, even if it seems to have become somewhat quieter around his creations.
Stylistically, Arroyo's mostly ironic, colorful works are at the crossroads between the trends of nouvelle figuration or figuration narrative and pop art. A characteristic of his representations is the general absence of spatial depth and the flattening of perspective.
Arroyo also became known to a broad public through his many works as a set designer, as well as partially by his costume designs. 
Arroyo's paintings are showcased at the Museo de Arte Contemporáneo in Madrid.

Today, February 27, is the birthday of

Alfred Hrdlicka, Austrian sculptor, draughtsman and painter artist born in 1928. His surname is sometimes written Hrdlička.
After learning to be a dental technician from 1943 to 1945, Hrdlicka studied painting until 1952 at the Akademie der bildenden Künste under Albert Paris Gütersloh and Josef Dobrowsky. Afterwards he studied sculpture until 1957 under Fritz Wotruba. In 1960 he had his first exhibition in Vienna; in 1964 he attained international attention as a representative of Austria at the Venice Biennale, Italy.
In 2008, his new religious work about the Apostles, Religion, Flesh and Power, attracted criticism about its homoerotic theme. The exhibition was housed in the museum of the St. Stephen's Cathedral of Vienna.
He taught many sculptors, such as Hans Sailer, Angela Laich and others.
He died in 2009.

On February 28 is the birthday of

Eugène Delaplanche, French sculptor, born at Belleville (Seine) in 1836.
He was a pupil of Duret, gained the Prix de Rome in 1864 (spending 1864-67 at the Villa Medici in Rome), and the medal of honor in 1878. His "Messenger of Love" (1874), "Aurora" (1878), and the "Virgin of the Lillies" (1884), are in the Luxembourg. Other works by him are "Music" (1878, Paris Opera House), called his masterpiece; "Eve After the Fall" (1869); "Maternal Instruction" (1875, Square of Sainte-Clothilde, Paris); and the statues of "Security" and "Commerce" (1884) in the Hôtel de Ville, Paris (replicas in the Chicago Art Institute). He is also noted for his decorations in relief on vases of Haviland faience. His best work is naturalistic, but at the same time dignified and simple in line, and shows sound mastery of technique. He is represented by 15 works in the Glyptothek, Copenhagen, and in many other French museums and in churches.
He died in 1891.

As we only have one February 29 every four years, we celebrate the anniversaries of four artists.

On February 29 is the birthday of

Augusta Savage, born Augusta Christine Fells, African-American sculptress born in 1892, associated with the Harlem Renaissance.
She began making clay figures as a child, mostly small animals, but her father would beat her when he found her sculptures. This was because at that time, he believed her sculpture to be a sinful practice, based upon his interpretation of the "graven images" portion of the Bible.
In 1907, Augusta Fells married John T. Moore. Augusta Fells Moore continued to model clay, and applied for a booth at the Palm Beach county fair: the initially apprehensive fair officials ended up awarding her a US$25 prize, and the sales of her art totaled US$175; a significant sum at that time and place.
That success encouraged her to apply to Cooper Union (Art School) in New York City, where she was admitted in October, 1921. During this time she married James Savage; they divorced after a few months, but she kept the name of Savage.
Knowledge of Savage's talent and struggles became widespread in the African-American community; fund-raising parties were held in Harlem and Greenwich Village, and African-American women's groups and teachers from Florida A&M all sent her money for studies abroad. In 1929, with assistance as well from the Julius Rosenwald Fund, Savage enrolled and attended the Académie de la Grande Chaumière, a leading Paris art school. In Paris, she studied with the sculptor Charles Despiau. She exhibited and won awards in two Salons and one Exposition. She toured France, Belgium, and Germany, researching sculpture in cathedrals and museums.
Savage returned to the United States in 1931, energized from her studies and achievements. The Great Depression had almost stopped art sales. She pushed on, and in 1934 became the first African-American artist to be elected to the National Association of Women Painters and Sculptors. 
Savage opened two galleries, whose shows were well attended and well reviewed, but few sales resulted, and the galleries closed. Deeply depressed by the financial struggle, in the 1940s Savage moved to a farm in Saugerties (near Woodstock, New York), where she stayed until 1960.
She died in 1962.
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Adolf Wölfli, Swiss artist born in 1864, who was one of the first artists to be associated with the Art Brut or outsider art label.
He was abused both physically and sexually as a child, and was orphaned at the age of 10. He thereafter grew up in a series of state-run foster homes. He worked as a Verdingbub (indentured child labourer) and briefly joined the army, but was later convicted of attempted child molestation, for which he served prison time. After being freed, he was re-arrested for a similar offense and in 1895 was admitted to the Waldau Clinic, a psychiatric hospital in Bern where he spent the rest of his adult life. He was very disturbed and sometimes violent on admission, leading to him being kept in isolation for his early time at hospital. He suffered from psychosis, which led to intense hallucinations.
At some point after his admission Wölfli began to draw. His first surviving works (a series of 50 pencil drawings) are dated from between 1904 and 1906.
Walter Morgenthaler, a doctor at the Waldau Clinic, took a particular interest in Wölfli's art and his condition, later publishing Ein Geisteskranker als Künstler (A Psychiatric Patient as Artist) in 1921 which first brought Wölfli to the attention of the art world.
Morgenthaler's book detailed the works of a patient who seemed to have no previous interest in art and developed his talents and skills independently after being committed for a debilitating condition. In this respect, Wölfli was an iconoclast and influenced the development and acceptance of outsider art, Art Brut and its champion Jean Dubuffet.
Wölfli produced a huge number of works during his life, often working with the barest of materials and trading smaller works with visitors to the clinic to obtain pencils, paper or other essentials.
He died in 1930.
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Balthasar Klossowski de Rola, known as Balthus, Polish-French modern artist born in 1908.
Throughout his career, Balthus rejected the usual conventions of the art world. He insisted that his paintings should be seen and not read about, and he resisted any attempts made to build a biographical profile.
In his formative years his art was sponsored by Rainer Maria Rilke, Maurice Denis, Pierre Bonnard and Pierre Matisse. His father, Erich Klossowski, a noted art historian who wrote a monograph on Daumier, and his mother, Elisabeth Dorothea Spiro (known as the painter Baladine Klossowska), were part of the cultural elite in Paris. Among the visitors and friends of the Klossowskis were famous writers such as André Gide and Jean Cocteau, who found some inspiration for his novel Les Enfants Terribles (1929) in his visits to the family.
In 1921 Mitsou, a book which included forty drawings by Balthus, was published. It depicted the story of a young boy and his cat, with a preface by Balthus's mentor, the Bohemian-Austrian poet Rainer Maria Rilke (1875-1926) who at the time was his mother's lover.
Balthus's style is primarily classical. His work shows numerous influences, including the writings of Emily Brontë, the writings and photography of Lewis Carroll, and the paintings of Masaccio, Piero della Francesca, Simone Martini, Poussin, Jean-Étienne Liotard, Joseph Reinhardt, Géricault, Ingres, Goya, Jean-Baptiste-Camille Corot, Courbet, Edgar Degas, Félix Vallotton and Paul Cézanne. Although his technique and compositions were inspired by pre-renaissance painters, there also are eerie intimations of contemporary surrealists like de Chirico. Painting the figure at a time when figurative art was largely ignored, he is widely recognised as an important 20th-century artist.
Many of his paintings show young girls in an erotic context. Balthus insisted that his work was not erotic but that it recognized the discomforting facts of children's sexuality. In 2013, Balthus's paintings of adolescent girls were described by Roberta Smith in the New York Times as both "alluring and disturbing".
He died in 2001.
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Leo von Klenze (Franz Karl Leopold von Klenze) German neoclassicist architect, painter and writer born in 1784. Court architect of Bavarian King Ludwig I, he was one of the most prominent representatives of Greek revival style.
He studied architecture and public building finance under Friedrich Gilly in Berlin, and worked as an apprentice to Charles Percier and Pierre François Léonard Fontaine in Paris. Between 1808 and 1813 he was a court architect of Jérôme Bonaparte, King of Westphalia. Later he moved to Bavaria and in 1816 began to work as court architect of Ludwig I. The King's passion for Hellenism shaped the architectural style of von Klenze. He built many neoclassical buildings in Munich, including the Ruhmeshalle and Monopteros temple. On Königsplatz he designed probably the best known modern Hellenistic architectural ensemble. Near Regensburg he built the Walhalla temple, named after Valhalla, the home of gods in Norse mythology.
When Greece won its independence, Ludwig I's son Otto became the country's first king. Von Klenze was invited to Athens to submit plans of city reconstruction in the style of Ancient Greece. Russian Emperor Nicholas I commissioned von Klenze in 1838 to design a building for the New Hermitage, a public museum that housed the Romanov collection of antiquities, paintings, coins and medals, cameos, prints and drawings, and books. Prior to this, von Klenze had also designed and arranged museum galleries in Munich, including the Glyptothek, Ludwig I's museum for antique sculpture, and the Alte Pinakothek, a painting gallery for the pictures of the Wittelsbach collection.
Von Klenze was not only an architect, but also an accomplished painter and draughtsman. In many of his paintings ancient buildings were depicted. Those served as models for his own architectural projects. Klenze studied ancient architecture during his travels to Italy and Greece. He also participated in excavations of ancient buildings in Athens and submitted projects for the restoration of the Acropolis.
He died in 1864.