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miércoles, 28 de junio de 2023

Libros de artista / Artist's Books (VIII) - Lisa Kokin, Ina Kaur, Pilar González, Sara Slipchinsky

Octavo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Eighth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Lisa Kokin
(Mineola, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1954-)

Lisa Kokin con Austin, su asistente en el estudio / with Austin, her studio assistant

Lisa Kokin nació en Mineola, Nueva York, en 1954, y tiene una Licenciatura en Bellas Artes (1989) y un Máster en Bellas Artes, 1991, del Colegio de Artes y Oficios de California, Oakland.
Actualmente vive y trabaja en El Sobrante, California con su esposa Lia, dos asistentes caninos de estudio y la gata Bindi.
Es hija de tapiceros, cose todo lo que cae en sus manos, incluidos los libros desechados que rescata del centro de reciclaje local.
Kokin aporta una sensibilidad de fibra y un enfoque conceptual a una amplia gama de materiales. Su trabajo es a menudo un comentario sobre el mundo que la rodea, a menudo incorporando la antigua respuesta judía a la adversidad, el humor.
Ha recibido múltiples premios y comisiones, incluida una beca Eureka, una beca regional WESTAF/NEA, el premio por invitación Dorothy Saxe a la creatividad en las artes contemporáneas, la comisión de artes del condado de Alameda (múltiples lugares) y el arte público del Centro Cívico de Richmond Proyecto de Adquisiciones de Interiores. Su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, incluido el Boise Art Museum, el Buchenwald Memorial, di Rosa Preserve, Mills College, Kaiser Permanente San Francisco, Yale University Art Museum y Tiffany Co. El trabajo de Lisa Kokin está representado por Gail Severn Gallery en Ketchum, Idaho.

"Libro de rendición de cuentas Nº 1 / Book of Accountability #1"
Cobre, alambre, moneda triturada / copper, wire, shredded currency, 8" x 10" x 5", 2021



La biblioteca sin palabras (2020-2021)

«En la serie The Wordless Library, creo objetos conceptuales similares a libros cosiendo metal con mi vieja y destartalada máquina de coser Kenmore, de alrededor de 1975. Es inmensamente satisfactorio, incluso catártico, perforar el metal con mi máquina. Comienzo cada pieza sin una noción preconcebida de en qué se convertirá. Patino, pincho y perforo.
Las puntadas sin puntadas siguen líneas que recuerdan a texto; a veces incluso se agrupan en "palabras". Otras veces parece como si un animal los hubiera perforado, creando lagunas desiguales. Algunos son libros con páginas, ilegibles y repetitivos, formando líneas y patrones aleatorios, rígidos y minimalistas, artefactos de los tiempos que estamos viviendo.» L.K.

"Libro de enredos / Book of Entanglement"
Cobre, hilo / copper, thread, 6" x 7" x 3", 2021



«Los libros no tienen relieve. Para crear los agujeros utilizo una máquina de coser sin hilo. La costura desempeña un papel fundamental en mi trabajo. Mis padres eran tapiceros y aprendí a utilizar una máquina de coser a una edad temprana. Mi abuela materna era una inmigrante judía de Rumanía que trabajaba en una fábrica de corbatas en Nueva York cuando con 14 años llegó a Estados Unidos, a principios del siglo pasado. Llevo la costura en la sangre y es algo que me reconforta. Siento que me conecta con mis antepasados y con un linaje de mujeres que han cosido toda su vida.
No hago bocetos preliminares de las obras, trabajo espontáneamente. Acabo de empezar y ver qué pasa. A veces esto termina en desastre pero parezco ser capaz de rescatar los desastres, lo que me lleva por caminos que no había planeado y resultan sorpresas. Me encanta el proceso de cometer errores y luego "arreglarlos", terminando con algo completamente diferente de lo que había imaginado cuando comencé (¡si de hecho había imaginado algo!). Estoy muy interesada en el texto asémico, es decir, las imágenes que parecen un lenguaje pero que en realidad no lo es.
Precisamente en estos libros utilizan texto asémico creado por una máquina de coser sin hilo. Luego coso alambre a través de algunos de los agujeros para crear un texto más asémico.
No hago bocetos preliminares; trabajo espontáneamente. Simplemente empiezo y veo qué pasa. A veces esto acaba en desastre, pero parece que soy capaz de rescatar los desastres, lo que me lleva por caminos que no había planeado y da lugar a sorpresas. Me encanta el proceso de cometer errores y luego "arreglarlos", terminando con algo completamente diferente de lo que había imaginado cuando empecé (¡si es que de hecho había imaginado algo!).
Me interesa mucho el texto asémico, es decir, la imaginería que parece un lenguaje pero que en realidad no lo es. Estos libros utilizan texto asémico creado con una máquina de coser sin hilo. Luego coso alambre a través de algunos de los agujeros para crear más texto asémico. La pieza de cobre tiene imperdibles (alfileres de gancho) que doblo para que parezcan figuras. Me gusta utilizar las nociones de costura como imágenes y no para el fin para el que fueron concebidas.
He viajado a varios países latinoamericanos y tengo conocimientos de español y portugués (brasileño). Cuando era más joven, trabajé por la solidaridad contra la intervención estadounidense en Chile, El Salvador y Nicaragua. Veo mi trabajo como un comentario social, pero evito ser didáctica. Quiero que la obra esté abierta a la interpretación; cada persona aporta su propia experiencia.» L.K.

"Por el momento, ser / For the Time, Being"
Cobre patinado, muelles de reloj / patinated copper, watch springs, 10" x 11.75" x 1", 2021


Lisa Kokin was born in Mineola, New York, in 1954, and has a BFA, 1989, and a MFA, 1991, from California College of Arts and Crafts, Oakland. 
Currently she lives and works in El Sobrante, California with her spouse Lia, two canine studio assistants and Bindi the cat.
The daughter of upholsterers, she stitches everything she can get her hands on, including discarded books which she rescues from the local recycling center.
Kokin brings a fiber sensibility and a conceptual approach to a diverse array of materials. Her work is often a commentary on the world around her, often incorporating the age-old Jewish response to adversity, humor.
Has been the recipient of multiple awards and commissions, including a Eureka Fellowship, a WESTAF/NEA Regional Fellowship, the Dorothy Saxe Invitational Award for Creativity in Contemporary Arts, the Alameda County Arts Commission (multiple venues), and the Richmond Civic Center Public Art Interior Acquisitions Project. Her work is in numerous public and private collections, including the Boise Art Museum, the Buchenwald Memorial, the di Rosa Preserve, Mills College, Kaiser Permanente San Francisco, Yale University Art Museum, and Tiffany Co. Kokin’s work is represented by Gail Severn Gallery in Ketchum, ID.

"Libro de tendencias oposicionales / Book of Oppositional Tendencies"
Cobre patinado, alambre, imperdibles / patinated copper, wire, safety pins, 6 x 28 cm., 2021



The Wordless Library (2020-2021)

«In The Wordless Library series, I make conceptual book-like objects by sewing on metal with my beat up old jalopy of a Kenmore sewing machine, circa 1975.  It is immensely satisfying, even cathartic, to puncture the metal with my machine. I start each piece without a preconceived notion of what it will become. I patinate, I puncture, and I perforate.
The stitchless stitches follow lines reminiscent of text; sometimes they are even grouped into “words.” Other times they look as though an animal has bored into them, creating uneven lacunae.  Some are books with pages, unreadable and repetitive, forming random lines and patterns, stark and minimalist, artifacts of the times we are living through.» L.K.

"Notas para mí misma / Notes to Myself"
Aluminum, wire / aluminio, alambre, 8.5" x 6.5" x 5.5", 2021



«The books are not embossed. To create the holes I use a sewing machine without thread. Sewing plays a major role in my work. My parents were upholsterers and I learned to use a sewing machine at an early age. My maternal grandmother was a Jewish immigrant from Romania who worked in a tie factory in New York when she came to the United States at the beginning of the last century at the age of 14. Sewing is in my blood and is something that I find very comforting. I feel that it connects me with my ancestors and with a lineage of women who have sewn all their lives.
I do not make preliminary sketches; I work spontaneously. I just start and see what happens. Sometimes this ends in disaster but I seem to be able to rescue the disasters, which takes me on paths I hadn't planned on and results in surprises. I love the process of making mistakes and then "fixing" them, ending up with something completely different from what I had imagined when I began (if in fact I had imagined anything!)
I am very interested in asemic text, ie., imagery that looks like a language but in reality is not. These books use asemic text created by a sewing machine without thread. I then stitch wire through some of the holes to create more asemic text. The copper piece has safety pins that I bend to look like figures. I like to use sewing notions as imagery and not for the purpose for which they were intended.
I am attaching a statement about the series which I call "The Wordless Library." I made these pieces during the worst part of the pandemic when I felt that there were no more words to describe anything. We were also living with a terrible government that spread lies and manipulations about the pandemic and about wearing masks and getting vaccinated. Words seemed meaningless.
I am also attaching a short bio and a photo of me with my canine studio assistant, Austin. Additionally, I have included a general statement that I wrote years ago about making books.
I was born in Mineola, New York, a suburb of Manhattan, in 1954. Since 1973 I have lived in or near San Francisco, California. I have traveled to a number of Latin American countries and have a working knowledge of Spanish and Portuguese (Brazilian). When I was younger I did solidarity work against U.S. intervention in Chile, El Salvador and Nicaragua. I see my work as social commentary but I avoid being didactic. I want the work to be open to interpretation; each person brings their own experience to the work.» L.K.

"Mapa mental / Mind Map"
Cobre, alambre, hilo / copper, wire, thread, 8" x 12" x 2.5", 2021



Más sobre / More about Lisa Kokin: Websitefacebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lisa!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lisa!)
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Ina Kaur
(नई दिल्ली, भारत गणराज्य / Nueva Delhi / New Delhi, India, 1980-)

Ina Kaur

Ina Kaur es una motivada creadora indo-estadounidense. Trabaja con materiales y comunidades para crear obras de arte y conexiones como profesional activa. Es grabadora de formación y, con el paso del tiempo, ha ido incluyendo diversos trabajos interdisciplinares para explorar la creación de marcas y ampliar los límites de los materiales. Su práctica artística sigue basándose en la tradición del estudio riguroso.
La necesidad de localizar, descodificar y conectar con el yo interior y el mundo exterior es fundamental para su obra en un entorno global, político, ecológicamente desequilibrado y socialmente desigual e injusto. La obra de Kaur es una amalgama de muchas influencias, y expresa de forma abstracta la esencia de la existencia cotidiana, alternando realidades y preocupaciones contrapuestas.
Además de su trabajo de estudio, su interés se extiende a la pedagogía y el comisariado. Le apasiona desarrollar nuevas iniciativas, implementar proyectos para comprometerse con la comunidad y participar en prácticas receptivas.
A partir de septiembre de 2018, Ina Kaur fue honrada como ganadora del Premio de Voz Emergente 2018 en nombre del Colegio de Artes Liberales de la Universidad de Purdue. "Desde 2007, la Junta de Ex Alumnos del Colegio de Artes Liberales y la Asociación de Ex Alumnos de Purdue han estado honrando a jóvenes ex alumnos del Colegio de Artes Liberales que están logrando con éxito sus objetivos profesionales, sirviendo a sus comunidades y representando al Colegio como graduados que piensan ampliamente y lideran con audacia."
Trabaja en su estudio InkSpace.

"Laminado viridiscente / Viridescent Lain"
Papel hecho a mano, cáñamo, hilo rojo de algodón, calcografía /
handmade paper, hemp, cotton red thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016


«Viridiscente significa verdoso o que se vuelve verde. Aprecié esta fase de transición del verde (de claro a oscuro) y me pregunté sobre qué
dirección tomaría. El libro tiene forma de disco o rueda, que avanza o retrocede. La forma escultórica del libro de artista, con sus páginas grabadas y encuadernadas con cáñamo con marcas lineales, rudimentarias y continuas, rechaza lo "auténtico" al abarcar múltiples realidades.
La obra de "Laminado viridiscente" pertenece al proyecto "Medio híbrido", que intenta desdibujar los límites entre medios y materiales, y se compromete en un discurso interdisciplinar. Estas asociaciones visuales triviales y profundas tienen potencial para interpretaciones privadas y compartidas. Reflejan los diversos puntos de contacto que he experimentado al explorar mi identidad híbrida. Los procesos físicos del dibujo y el grabado imitan la exploración de mi historia intercultural. Las obras en técnica mixta reúnen las ideas de nuestra compleja pero básica necesidad de coexistir. Exploran y representan el continuo de la negociación intercultural y fomentan la colaboración y la comunidad.» I.K.


«The Viridescent means greenish or becoming green. I appreciated this transitional phase of green (light to dark) and wondered which
direction it was heading. The book is in the form of a disc or a wheel, either moving forward or backward. A sculptural artist's book form, its etched pages bounded with hemp with linear, rudimentary, continual markings, rejects the 'authentic' as it embraces multiple realities.
Viridescent lain's work is from the project "Hybrid Medium." It attempts to blur the boundaries between mediums and materials and engages in interdisciplinary discourse. These trivial and profound visual associations have the potential for private and shared interpretations. They mirror the various points of contact I have experienced in exploring my hybrid identity. The physical processes of drawing, engraving, and printmaking mimic my exploration of my cross-cultural history. The mixed media works bring together the ideas of our complex yet basic need to coexist. It explores and represents the continuum of cross-cultural negotiation and fosters collaboration and community.» I.K.


"Escencia interna / Internal Essence"
Papel hecho a mano, aguafuerte a color (impresa por ambos lados) / 
handmade paper, color etching (printed on both sides)
Diám. 5", varias páginas / numerous pages, 2011


Ina Kaur is an Indo-American driven maker. She engages with materials and communities to make artwork and connections as an active practitioner. She is a trained printmaker and, over time, has grown to include various interdisciplinary works to explore mark-making and expanding material boundaries. Her studio practice continues to be grounded in the tradition of rigorous studio engagement.
Living in these heightened global, political, ecologically imbalanced, and socially unequal and unjust environments, the need to locate, decode, and connect with one's inner self and the exterior world is central to her oeuvre. Kaur's work is an amalgamation of many influences. Kaur's work abstractly expresses the essence of daily existence, alternating between competing realities and concerns.
In addition to her studio practice, her interest extends to pedagogy and curation. She is passionate about developing new initiatives, implementing projects to engage with the community, and participating in responsive practices.
As of September 2018, Ina Kaur was honored as a 2018 Emerging Voice Award recipient on behalf of the College of Liberal Arts at Purdue University. "Since 2007 the College of Liberal Arts Alumni Board and the Purdue Alumni Association have been honoring young alumni from the College of Liberal Arts who are successfully achieving their career goals, serving their communities, and representing the College as graduates who think broadly and lead boldly."
She works out of her studio InkSpace.

"Sanguina / Sanguine"
Papel hecho a mano, hilo de algodón blanco, calcografía /
handmade paper, white cotton thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016



"Cochinilla / Cochineal"
Papel hecho a mano, hilo de algodón blanco, calcografía /
handmade paper, white cotton thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016



Más sobre / More about Ina Kaur: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Ina!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Ina!)
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Pilar González
(Montevideo, Uruguay, 1955-)

Pilar González. Foto / Photo: Y. Rasmussen

Pilar González es una artista uruguaya nacida en 1955, de cuya vida y obra nos ocupamos en profundidad en una serie de cuatro artículos publicados en diciembre de 2020 (ver enlaces más abajo).
En esta oportunidad incorporamos su aporte en forma de libros de artista, con un par de trabajos realizados en ocasión de la exposición  "Homenaje a Onetti, un año después", que se presentó en el Subte Municipal de Montevideo en 1994.

Juan Carlos Onetti es un reconocido escritor uruguayo nacido en 1909 en Montevideo.
Escribió 11 novelas, 47 relatos, por lo menos 116 ensayos y 3 poemas. Padrino oculto e inquietante de la literatura latinoamericana del siglo XX, recibió el Premio Cervantes 1980.
Ha escrito obras que se cuentan entre la mejor literatura en lengua española del siglo XX. Santamaría fue el universo inconfundible en  que transcurre buena parte de su narrativa que se caracteriza por un estilo virtuoso, denso, moroso y esteticista.
Tras la publicación de las novelas El pozo (1939) y Tierra de nadie (1942), que presentan una visión sombría de las grandes urbes contemporáneas, aparecieron La vida breve (1950), El astillero (1961) y Juntacadáveres (1964), sus mejores novelas, que retratan un mundo decadente repleto de personajes aislados y fracasados. 
Cultivó también el relato: El infierno tan temido (1962), Cuentos completos (1974), Dejemos hablar al viento (1979) Premio de la crítica española 1980, Para esta noche (1978), Los adioses (1980) y La novia robada (1980). Sus personajes fracasan en su aventura vital y se entregan a un monólogo descreído y amargo. Sólo existen dos posibilidades de liberación: el erotismo y los mecanismo de la ilusión, pero también aquí se impone el fracaso, porque el erotismo se deteriora y los mecanismos ilusorios, que desdoblan la vida del personaje, desembocan en el sarcasmo. 
Murió en Madrid, España, en 1994.

"Y basta para mí / And Enough For Me"
Técnica mixta sobre libro
(hojas de libro, papel seda, hilos, palitos, utilizando el libro como soporte) /
mixed media on book
(book leaves, tissue paper, threads, sticks, using the book as a medium)


Pilar González is an Uruguayan artist born in 1955, whose life and work we dealt with in depth in a series of four articles published in December 2020 (see links below).
In this opportunity we incorporate her contribution in the form of artist's books, with a couple of works made on the occasion of the exhibition "Homage to Onetti, one year later", which was presented at the Municipal Subway of Montevideo in 1994.

Juan Carlos Onetti is a renowned Uruguayan writer born in 1909 in Montevideo.
He wrote 11 novels, 47 short stories, at least 116 essays and 3 poems. A hidden and disturbing godfather of 20th century Latin American literature, he received the Cervantes Prize in 1980.
He has written works that are among the best Spanish-language literature of the twentieth century. Santamaría was the unmistakable universe in which much of his narrative takes place, characterized by a virtuous, dense, morose and aestheticizing style.
After the publication of the novels The Pit (1939) and No Man's Land (1942), which present a somber vision of the great contemporary cities, appeared A Brief Life (1950), The Shipyard (1961) and Body Snatcher (1964), his best novels, which portray a decadent world full of isolated and unsuccessful characters. 
He also wrote short stories: The Long-feared Hell (1962), Complete stories (1974), Let the Wind Speak (1979), Spanish Critics Award 1980, For This Night (1978), Los adioses (1980) and The Stolen Bride (1980). His characters fail in their vital adventure and give themselves up to a disbelieving and bitter monologue. There are only two possibilities of liberation: eroticism and the mechanisms of illusion, but here too failure is imposed, because eroticism deteriorates and the illusory mechanisms, which unfold the character's life, lead to sarcasm. 
He died in Madrid, Spain, in 1994.

"Confesiones de un lector / Confessions of a Reader"
Técnica mixta sobre libro
(hojas de libro, papel seda, hilos, palitos, utilizando el libro como soporte) /
mixed media on book
(book leaves, tissue paper, threads, sticks, using the book as a medium)


Juan Carlos Onetti es un reconocido escritor uruguayo nacido en 1909 en Montevideo.
Escribió 11 novelas, 47 relatos, por lo menos 116 ensayos y 3 poemas. Padrino oculto e inquietante de la literatura latinoamericana del siglo XX, recibió el Premio Cervantes 1980.
Murió en Madrid, España, en 1994.

Juan Carlos Onetti is a renowned Uruguayan writer born in 1909 in Montevideo.
He wrote 11 novels, 47 short stories, at least 116 essays and 3 poems. A hidden and disturbing godfather of 20th century Latin American literature, he received the Cervantes Prize in 1980.
He died in Madrid, Spain, in 1994.

Juan Carlos Onetti en "El Hurgador" / in this blog:

Boceto de la obra / Sketch for the work

En este boceto de la obra hay mucho cálculo, una considerable construcción de espacio a rellenar, que luego a la artista le permite analizar la distribución de los elementos que compondrán la obra. La estructura y el equilibrio no son arbitrarios. Este diseño demuestra la visión de la artista, la contextura, la resolución y el equilibrio de los que serán los elementos que puede modificar para llegar al volumen final. Aquí también vemos la formalidad de la artista, con la rigurosidad con que trata sus trabajos. SR

In this sketch of the work there is a lot of calculation, a considerable construction of space to be filled, which then allows the artist to analyze the distribution of the elements that will compose the work. The structure and balance are not arbitrary. This design demonstrates the artist's vision, the context, the resolution and the balance of what will be the elements that she can modify to reach the final volume. Here we also see the formality of the artist, with the rigor with which she treats her work. SR

Pilar González en "El Hurgador" / in this blog:

Más sobre / More about Pilar González: facebookWikipediaMNAV

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Pilar!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pilar!)
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Sara Slipchinsky
(Buenos Aires, Argentina, 1947-)

Sara Slipchinsky. Expo Punta Arte Internacional, Punta del Este (Uruguay), 2016

Sara Slipchinsky es una artista visual, psicóloga y psicoanalista argentina, nacida en 1947 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.
Trabaja por series y con variedad de técnicas: grabado, objetos, libros de artista, y también investiga las posibilidades del papel incorporado a la realización de su obra textil.
Ha expuesto en muestras individuales y colectivas desde 2003 a la fecha en galerías, museos y ferias artísticas.
Premios: 2do Premio Obra Textil en Bolsa de Comercio (2016); 3er Premio Grabado con intervención textil en C.A.A.T (2016); 1er Premio Feria Internacional de Arte en Punta del Este (Uruguay 2016); Mención honorífica - Premio Carmen Arozena (Madrid 2013); Mención Salón Minitextil (2012) en C.A.A.T; 1er Premio Símbolos Patrios (2010); 3er Premio Salón Minitextil (2010); 2do Premio en Pintura, Secretaría de Turismo de Vicente López y Dimensión (2010); Mención en objeto: Bienal siglo XXI (2004); 1er Premio en Objeto en Arte y Dimensión (2003)

"En el principio fue el verbo / In The Beginning Was The Verb"
Litografía y fotograbados / lithography and photoengraving
Medidas de la caja / box size: 36 x 27 cm.
Medida de la página desplegada (impresa de ambos lados) /
size of the unfolded page (printed on both sides): 224 cm., 2004. Ed.10




Sara Slipchinsky is an Argentine visual artist, psychologist and psychoanalyst, born in 1947 in Buenos Aires, where she lives and works.
She works in series and with a variety of techniques: engraving, objects, artist's books, and also investigates the possibilities of paper incorporated into the realization of her textile work.
She has exhibited in solo and group shows since 2003 to date in galleries, museums and art fairs.
Awards: 2nd Prize Textile Work in Bolsa de Comercio (2016); 3rd Prize Engraving with textile intervention in C.A.A.T (2016); 1st Prize International Art Fair in Punta del Este (Uruguay 2016); Honorable Mention - Carmen Arozena Award (Madrid 2013); Mention Minitextil Salon (2012) in C. A.A.T; 1st Prize in National Symbols (2010); 3rd Prize Salón Minitextil (2010); 2nd Prize in Painting, Secretary of Tourism of Vicente López and Dimension (2010); Mention in Object: Biennial XXI Century (2004); 1st Prize in Object in Art and Dimension (2003).




Sara Slipchinsky trabajando en taller del Centro de Edicion dirigido por Natalia Giacheta /
at work in the Edition Center Workshop directed by Natalia Giacheta

Más sobre / More about Sara Slipchinsky: Instagram, facebook

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

viernes, 23 de junio de 2023

Pintando perros / Painting Dogs (LXXXIV) - Norman Rockwell

Norman Rockwell fue un extraordinario artista estadounidense, ampliamente conocido por sus portadas del The Saturday Evening Post e imágenes para campañas publicitarias de diferentes empresas, con una habilidad notable para captar y representar gestos, actitudes e interacciones de personajes en escenas cotidianas llenas de humor y expresividad. Sus creaciones han estado presentes varias veces en este blog, y ahora les presento una selección de sus pinturas con perros.

Norman Rockwell was an extraordinary American artist, widely known for his covers of The Saturday Evening Post and images for advertising campaigns of several companies, with a remarkable ability to capture and represent gestures, attitudes and interactions of characters in everyday scenes full of humor and expressiveness. His creations have been featured several times in this blog, and now I present a selection of his paintings with dogs.
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Los perros de / The Dogs of
Norman Percevel Rockwell
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1894 - Stockbridge, Massachusetts / MA, 1978)

Norman Rockwell en su estudio, pintando "El veterinario" / at work in his studio painting "The Veterinarian"
Foto / Photo: Burlington Free Press

En 1956, Upjohn encargó a Norman Rockwell la creación de una imagen para anunciar su nueva línea de productos veterinarios. Upjohn quería asociarse con el enfoque moderno y científico de la medicina animal y pidió que la imagen proyectara una sensación de juventud y alegría. Siempre atento a los deseos y necesidades de sus clientes, Rockwell sugirió una escena de "un veterinario joven e inteligente, tal vez mirando la garganta de un perro muy mono. El perro está sostenido por su cariñoso amo" (citado en La pintura de la salud: Pinturas de Norman Rockwell, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 25). Sotheby's

Encargo de la compañía Upjohn / Commisioned by The Upjohn Company
"El veterinario / The Veterinarian"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53,3 x 50,8 cm., 1961. Sotheby's

In 1956, Upjohn commissioned Norman Rockwell to create an image advertising its new line of veterinary products. Seeking to associate itself with the modern, scientific approach to animal medicine, Upjohn requested that the image project a sense of youthfulness and playfulness. Always attuned to his patrons' wants and needs, Rockwell suggested a scene of "a young, intelligent veterinary perhaps looking down a very cute dog's throat. The dog being held by its loving master" (quoted in The Picture of Health: Norman Rockwell Paintings, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 25). Sotheby's

The Saturday Evening Post, 16/11/1935
"Un paseo por el campo / A Walk In The Country"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 x 78,7 cm., 1935. Sotheby's

Las ilustraciones de las portadas de Rockwell eran ambiciosas y, como resultado, requerían horas de posado por parte de modelos dispuestos a ello. Rockwell encontraba fácilmente niños del vecindario dispuestos a posar para él, pero con los adultos era otra historia. Los habitantes de New Rochelle, una ciudad de clase trabajadora, a menudo no podían permitirse las horas necesarias para posar, por ello Rockwell y sus colegas ilustradores recurrieron a contratar modelos profesionales durante dos o tres días seguidos. Fred Hildebrandt, con su fina estructura ósea y su figura esbelta y ágil, se convirtió rápidamente en uno de los modelos favoritos de Rockwell y era muy solicitado por los demás ilustradores de New Rochelle. Era un modelo versátil que podía adoptar con facilidad y verosimilitud el papel de cualquier personaje: pirata, héroe, aventurero o figura romántica. Rockwell y Hildebrandt se hicieron buenos amigos y, además de aparecer en varios de sus cuadros, Hildebrandt ayudaba a Rockwell en el estudio cuando podía. Sotheby's

"Un paseo por el campo / A Walk In The Country" (detalle / detail)

Rockwell's cover illustrations were ambitious and as a result, required hours of posing by willing models.  Rockwell easily found neighborhood children who were eager to model for him, however adults were a different story.  The local inhabitants of New Rochelle, a working class town, often could not afford to take off the hours needed to pose.  As a result, Rockwell and his fellow illustrators resorted to hiring professional models for two or three days at a time. Fred Hildebrandt, with his fine bone structure and lean and lithe figure, quickly became one of Rockwell's favorite models and was in great demand by the other New Rochelle illustrators.  He was a versatile model who could easily and believably adopt the role of any character: pirate, hero, adventurer, or romantic figure. Rockwell and Hildebrandt became good friends and, in addition to appearing in a number of his paintings, Hildebrandt helped Rockwell around the studio when he could. Sotheby's

Estudio para "Un paseo por el campo / Study for "A Walk In The Country"
Carboncillo / charcoal, 26,5" x 29", c.1935. Illustrated Gallery

The Saturday Evening Post, 1/5/1926
"Primeros auxilios para chicos y chicas (Scout vendando el dedo de una chica) /
Boys And Girls First Aid Week (Scout Bandaging Girl's Finger)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,8 x 61,6 cm., 1926. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 9/7/1949
"Bloqueo en la calle (Bulldog bloqueando el tráfico, condiciones del tráfico /
Road Block (Bulldog Blocking Truck, Traffic Conditions)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 × 58,4 cm., 1949. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 25/9/1954
"Rompiendo lazos con el hogar / Breaking Home Ties"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 × 112 cm., 1954. Wikipedia

Estudio de color para "Rompiendo lazos con el hogar" /
Color Study For "Breaking Home Ties"
Óleo sobre fotografía / oil on photograph, 27,3 x 25,4 cm., 1954. Sotheby's

"Padre e hijo / Father and Son"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96,5 x 76,2 cm., 1972. Sotheby's

En 1972 la United States Trust Company encargó esta pintura para la portada de su informe anual /
In 1972 the United States Trust Company commissioned Norman Rockwell this painting for the cover of its annual report.

"Padre e hijo / Father and Son" (detalle / detail)

Encargo de la compañía Upjohn / Commissioned by Upjohn Companies
"Va a ser más alto que papá / He's Going To Be Taller Than Dad"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 by 48.3 cm., 1939. Sotheby's

A lo largo de su prolífica carrera, Norman Rockwell realizó más de 300 ilustraciones de portada para el Saturday Evening Post. Además de estos queridos encargos, Rockwell también realizó innumerables ilustraciones y anuncios para más de 150 empresas estadounidenses. (...)
Entre 1929 y 1961, Rockwell creó imágenes para las campañas publicitarias de varias empresas sanitarias, entre ellas las de Upjohn. A finales de la década de 1930, Upjohn había crecido rápidamente hasta convertirse en uno de los principales proveedores farmacéuticos estadounidenses y contrató a Rockwell para que le ayudara a reforzar su imagen pública. (...)
"Va a ser más alto que papá", un anuncio impreso, es un ejemplo de la magistral habilidad de Rockwell para elevar los esfuerzos comerciales al ámbito estético. Realizado en 1939, presenta muchos de los tropos visuales clásicos del artista. En esta encantadora escena, Rockwell representa a un niño pequeño en su casa acompañado de su fiel compañero canino, una escena que podría haber ocurrido en cualquier hogar estadounidense. Mientras el pequeño se estira para aumentar su estatura en su habitación de vivos colores, Rockwell ha logrado claramente la representación de un "niño americano bueno, normal, sano y atractivo" que le pidió la empresa (citado en The Picture of Health: Norman Rockwell Paintings, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 13). Sotheby's

La aparente veracidad de "El musculoso" oculta la cuidadosa planificación con la que Rockwell ejecutó ésta y todas sus composiciones. En un principio, los ejecutivos de Upjohn pidieron al artista que cambiara el perro moteado por otro completamente blanco que ya aparecía en otro de sus populares anuncios. Rockwell, sin embargo, insistió en el patrón "para concentrar el interés en torno a la cabeza del joven". Simultáneamente atractivo y sutil, y realizado en el estilo clásico del artista, es uno de los mejores ejemplos de sus imágenes como ilustrador comercial. Sotheby's

Encargo de la compañía Upjohn / Commissioned by Upjohn Companies
"El musculoso / The Muscleman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 x 63,5 cm., 1941. Sotheby's

Over the course of his prolific career, Norman Rockwell executed over 300 cover illustrations for the Saturday Evening Post. In addition to these beloved commissions, Rockwell also produced countless illustrations and advertisements for over 150 American companies. (...)
From 1929 to 1961, Rockwell created images for the advertising campaigns of several healthcare firms, including the Upjohn companies. By the late 1930s, Upjohn had grown rapidly to become a major American pharmaceutical provider and hired Rockwell to help bolster its public image. (...)
Appearing as a print advertisement, He's Going to be Taller than Dad exemplifies Rockwell's masterful ability to elevate commercial endeavors into the aesthetic realm. Executed in 1939, it features many of the artist's most classic visual tropes. In this charming scene, Rockwell depicts a young boy in his home accompanied by his faithful canine companion, a scene that could have occurred in any American household. As the youngster stretches to increase his frame to a higher stature in his brightly colored room, Rockwell has clearly achieved the representation of a "good, average, healthy, attractive American child" the company requested from him (quoted in The Picture of Health: Norman Rockwell Paintings, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 13). Sotheby's

The apparent veracity of The Muscleman belies the careful planning with which Rockwell executed this—and all—of his compositions. Upjohn executives initially asked the artist to change the spotted dog to the all-white one already featured in another of his popular ads. Rockwell, however, insisted on the pattern “to concentrate the interest around the youngster’s head.” Simultaneously engaging and subtle, and rendered in the artist’s classic style, it is among the finest examples of his imagery as a commercial illustrator. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 18/10/1924
"Vagabundo y perro / Hobo and Dog (Tramp and Dog)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68,6 x 53,3 cm., 1924. Sotheby's

Hobo and Dog presenta a uno de los modelos favoritos de Rockwell de la época, James Kellogg Van Brunt. Van Brunt posó para Rockwell representando a una serie de personajes en una variedad de narrativas, incluyendo un boticario (Farmacéutico y niño resfriado / Druggist and Boy with a Cold, 1939, Colección Privada), un vaquero melancólico (Sueños de antaño / Dreams of Long Ago, 1927, Colección Privada) y como tres ancianas cotilleando (Los cotillas / The Gossips, 1929, Colección Privada). En este cuadro, Rockwell representa con simpatía a Van Brunt como un vagabundo que asa dos salchichas (una para él y otra para su perro) en un palo sobre el fuego de una lata. Los vagabundos fueron uno de los temas favoritos del artista en la primera mitad de su carrera, y siempre los representó con compasión y empatía. Sotheby's

Hobo and Dog features one of Rockwell’s favorite models of the period, James Kellogg Van Brunt. Van Brunt posed for Rockwell as a number of characters in a variety of narratives, including an apothecary (Druggist and Boy with a Cold, 1939, Private Collection), a melancholy cowboy (Dreams of Long Ago, 1927, Private Collection) and as three old ladies gossiping (The Gossips, 1929, Private Collection). In the present picture, Rockwell sympathetically depicts Van Brunt as a tramp roasting two sausages—one for himself and one for his dog—on a stick over a fire in a can. Hobos were among the artist's favorite subjects in the first half of his career and he consistently rendered them with compassion and empathy. Sotheby's

"En una estupenda bolsa de ganga / In A Wonderful Bargain Bag"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,1 x 76,2 cm., 1927. Sotheby's

Campaña publicitaria para productores de Sun-Maid de California /
Advertising campaign for Sun-Maid Growers of California

Norman Rockwell pintó "En una estupenda bolsa de ganga" en 1927 como parte de una campaña publicitaria para productores de Sun-Maid de California, el mayor procesador de pasas y frutos secos del mundo. Esta obra, uno de los cinco anuncios que Rockwell creó para la empresa, es un ejemplo notable del genio del artista para el marketing sutil pero muy eficaz. Su habilidad para vender un producto integrándolo perfectamente en un mundo idealizado y convincente le convirtió en uno de los favoritos de la industria. A mediados de la década de 1920, la estética de Rockwell era casi sinónimo de promoción de nuevas marcas. Sotheby's

"En una estupenda bolsa de ganga / In A Wonderful Bargain Bag" (detalle / detail)

Norman Rockwell painted In a Wonderful Bargain Bag in 1927 as part of an advertising campaign for Sun-Maid Growers of California, the largest raisin and dried fruit processor in the world. As one of five advertisements Rockwell created for the company, the present work is a remarkable example of the artist’s genius for subtle but highly effective marketing. His ability to sell a product by integrating it seamlessly into a compelling idealized world made him a favorite of the industry. By the mid-1920s, Rockwell’s aesthetic was almost synonymous with new brand promotion. Sotheby's

Rockwell descansa en su estudio con sus perros / rests in his studio with his dogs, c. 1960s.
Foto / Photo: Clemens Kalischer. npr

"Yo y mi colega, El baño / Me And My Pal, The Bath"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,6 x 33,7 cm., 1954. Sotheby's

Brown & Bigelow, Calendario de las Cuatro Estaciones, invierno de 1954.
Brown & Bigelow encargó a Norman Rockwell la creación de imágenes para su serie de calendarios "Cuatro estaciones" de 1948 a 1964. Cada año, el calendario tenía un tema central sobre el que Rockwell pintaba cuatro ilustraciones distintas, una para cada estación. El conjunto de imágenes llevaba al público a través de un año en la vida de dos personajes centrales, a menudo una pareja joven o un niño y su perro, y los representaba realizando una actividad estacional, como patinar sobre hielo en invierno o nadar en verano. Sotheby's

"Yo y mi colega, El baño / Me And My Pal, The Bath" (detalle / detail)

Brown & Bigelow, Four Seasons calendar, winter 1954
Brown & Bigelow commissioned Norman Rockwell to create images for its Four Seasons calendar series from 1948 through 1964. Each year, the calendar had one central theme on which Rockwell painted four separate illustrations, one for each season. The suite of images took the audience through a year in the life of two central characters, often a young couple or a boy and his dog, and depicted them engaged in a seasonal activity such as ice skating in the winter or swimming in the summer. Sotheby's

"Mumps (Chico en cama / Boy on bed)"
Cartel publicitario / Advertising print, 54,61 x 69,22 cm., c.1971
Museo Nacional de Historia Estadounidense / National Museum of American History
Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ WA, SA). Link

Encargo de Merck para celebrar su trabajo con vacunas /
Commissioned by Merck to to Celebrate Their Work with Vaccines

"Por supuesto hay algunas almas bien organizados /
Of Course There Are A Few Well-Organized Souls"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43,2 by 20,3 cm., c.1955. Sotheby's

La empresa Kellogg utilizó este cuadro como anuncio de sus cereales /
The Kellogg Company used this painting as an advertisement for its cereal.

The Saturday Evening Post, 21/11/1936
"Amantes escuchados / Overheard Lovers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 61,3 cm., 1936. Sotheby's

"Amantes escuchados" refleja el papel central que el tema del romance juvenil desempeñó en la obra de Rockwell. Esta joven pareja apareció en varias de las ilustraciones del artista de los años veinte y treinta, permitiendo a su público seguir la progresión de su noviazgo. En la presente obra, Rockwell emplea su característico humor simpático para ilustrar un momento en que los amantes se ven perturbados por un hombre curioso que escucha su conversación en el parque. Infunde a la escena ricos detalles, como el pelaje enjuto del perro y el jersey de punto, e incorpora con éxito el formato de portada de The Post para crear una escena totalmente realista, que transporta al espectador a un tiempo y un lugar concretos. "Amantes escuchados" demuestra no sólo toda la precisión técnica y la maestría en el dibujo del artista, sino también su imaginación aparentemente ilimitada, lo que lo convierte en un ejemplo verdaderamente notable de la incomparable capacidad de Rockwell para elevar los esfuerzos comerciales al ámbito estético. Sotheby's

"Overheard Lovers" reflects the central role that the theme of young romance played in Rockwell’s body of work. This young couple appeared in several of the artist’s illustrations from the 1920s and 30s, allowing his audience to follow the progression of their courtship. In the present work Rockwell employs his characteristic sympathetic humor to illustrate a moment when the lovers are disturbed by an inquisitive man listening in on their conversation in the park. He infuses the scene with rich details, such as the dog’s wiry fur and cable knit sweater, and successfully incoroporates The Post’s cover format to create a fully realized scene, transporting the viewer to a specific time and place. Overheard Lovers demonstrates not only the full extent of the artist’s technical precision and masterful draftsmanship, but also his seemingly limitless imagination, making it a truly remarkable example of Rockwell’s unparalleled ability to elevate commercial endeavors into the aesthetic realm. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 31/12/1921
"Pintando la casita / Painting The Little House"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,1 x 61 cm., 1921. Sotheby's

A principios de los años veinte, el estudio de Norman Rockwell estaba situado en el segundo piso de un granero de New Rochelle, Nueva York, que alquilaba por 25 dólares al mes a George Lischke, otro residente.  Rockwell, siempre en busca de un buen modelo, empleó a Franklin, el hijo de Lischke, como modelo para varios cuadros entre 1921 y 1928, incluidas varias portadas del Saturday Evening Post, como No Swimming (4 de junio de 1921, ver más abajo). Según Susan Myer, "su sueldo aumentó de 50 a 75 centavos por hora, y finalmente fue ascendido a "chico de estudio" de Rockwell, a 5 dólares semanales. Sus responsabilidades incluían barrer el estudio, hacer recados y, ocasionalmente, contestar al teléfono para decir que Rockwell estaba fuera cuando el artista estaba presionado para cumplir un plazo" (Norman Rockwell's People, 1981, p. 36). Rockwell describió a Franklin como "un adolescente de hombros estrechos, fibroso y cabeza redonda. Era uno de los niños más crédulos que he conocido... su capacidad para digerir historias fantásticas era inmensa. Clyde [Forsythe] solía contarle las cosas más atroces. Se sentaba en el gran sillón frotándose las rodillas y tragándoselo todo. Luego bajaba corriendo a contárselo a su padre, y más tarde el señor Lischke se reía de ello con nosotros. Franklin era un niño muy simpático y un buen modelo" (Norman Rockwell's People, p. 45)Sotheby's

In the early twenties, Norman Rockwell's studio was located on the second floor of a barn in New Rochelle, New York, which he rented for $25 a month from fellow resident George Lischke.  Rockwell, always on the lookout for a good model, employed Lischke's son Franklin to model for several paintings between 1921 and 1928, including several Saturday Evening Post covers, like No Swimming (June 4, 1921, see below). According to Susan Myer, "His pay rose from 50 to 75 cents per hour, and eventually he was promoted to Rockwell's 'studio boy' at $5.00 a week. His responsibilities included sweeping up the studio, running errands, and occasionally answering the phone to say that Rockwell was out when the artist was pressing to meet a deadline" (Norman Rockwell's People, 1981, p. 36). Rockwell described Franklin as "a narrow-shouldered, stringy adolescent with a round head. He was one of the most gullible kids I've ever known... his ability to digest fantastic stories was immense. Clyde [Forsythe] used to tell him the most atrocious things. He'd sit in the big armchair rubbing his knees and gulping it all in. Then he'd dash downstairs to tell his father, and later on Mr. Lischke would laugh about it with us. Franklin was an awful nice little boy and a good model" (Norman Rockwell's People, p. 45)Sotheby's

Rockwell trabajando en "Pintando la casita", con su modelo Franklin y el perro /
at work with "Painting The Little House", his model Franklin and the dog.
Norman Rockwell Museum Digital Collections. © Norman Rockwell Family Estate / Norman Rockwell Museum

Se tomó una fotografía de Rockwell pintando la presente obra mientras Lishke modelaba. Es posible que esta foto se tomara después de pintar el cuadro, ya que aparece terminado y firmado; sin embargo, en la foto se aprecian muchos de los detalles que Rockwell probablemente utilizó durante la realización del cuadro: la vieja rueda de bicicleta, los botes de pintura y el perro de la familia Lischke. Sotheby's

A photograph was taken of Rockwell painting the present work while Lishke modeled. It is possible this photo may have been staged after the painting was done since it appears finished and signed, however, the photo still shows many of the details Rockwell likely used throughout the completion of the painting: the old bicycle wheel, paint cans, and the Lischke family dog. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 4/6/1921
"Prohibido bañarse / No Swimming"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 1/4" x 22 1/4", 1921. Wikipedia

"Prohibido bañarse / No Swimming"
Estudio para la portada de The Saturday Evening Post publicado el 4/6/1921 /
Study for "The Saturday Evening Post" front cover titled "No Swimming" issued on June 4, 1921 
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 14 1/8" x 10 1/4", c. 1921. Liveauctioneers

Brown & Bigelow, Calendario de las cuatro estaciones, verano de 1956 /
Four Seasons calendar, summer 1956
"Dos ancianos y un perro: Prohibido bañarse / Two Old Men And Dog: No Swimming"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36,2 x 34,3 cm., 1956. Sotheby's

"Dos ancianos y un perro: Prohibido bañarse / Two Old Men And Dog: No Swimming" (detalle / detail)

"Chico durmiendo con perro / Sleeping Boy With Dog"
Aguada, carboncillo y pastel sobre panel / 
gouache, charcoal, and pastel on board, 29,2 x 26,7 cm., 1925. Sotheby's

Collier's magazine, 29/3/1919
"La pequeña modelo / The Little Model"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 40,6 cm., 1919. Sotheby's

La pequeña modelo es un ejemplo excepcional de la capacidad de Rockwell para captar los momentos tiernos de la infancia y la adolescencia con su aguda perspicacia y su humor característico. Aquí representa a una niña imitando la elegante pose de una modelo de moda cuya imagen estudia de un póster muy gastado que adorna la pared. La protagonista ha hecho todo lo posible por emular también el elegante atuendo de la modelo, sustituyendo su sofisticada estola de piel por un mantón andrajoso y su elegante gorro de plumas por un sombrero de boina de paja que ha visto días mejores. El fiel perro de la niña (otro toque característico de Rockwell) permanece a su lado durante este breve juego de simulación. Sotheby's

The Little Model is an exceptional example of Rockwell’s ability to capture the tender moments of childhood and adolescence with his sharp insight and characteristic humor. Here he depicts a young girl imitating the elegant pose of a fashion model whose image she studies from a well-worn poster that adorns the wall. The protagonist has done her best to emulate the model’s stylish attire as well, substituting her sophisticated fur stole for a tattered shawl and her chic feathered cap for a straw boater hat that has seen better days. The girl’s faithful dog—another characteristic Rockwell touch—stands by during this brief game of pretend. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 2/6/1951
"Dos fontaneros / Two Plumbers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,7 x 94 cm., 1951. Sotheby's

"Dos fontaneros" es una de las imágenes más abiertamente cómicas que el artista creó para la publicación. En ella, Rockwell representa a dos fontaneros toscos a los que se envía a arreglar las tuberías de un cuarto de baño que no se ve. Vestidos para la tarea que tienen entre manos y todavía con las herramientas de su oficio, los fontaneros han descubierto un tocador ornamentado con una sinfonía de volantes y tonos rosas. Intrigados por la variedad de objetos desconocidos pero tentadores que hay sobre la mesa, su curiosidad se apodera de ellos y, profesionalidad aparte, uno rocía a su compañero con lo que sin duda es un perfume caro. El dueño de la casa aún no ha regresado, pero la habitación está vigilada por un pequeño perro faldero que observa a los intrusos con desconfianza, reforzando la idea de que han entrado en un lugar al que realmente no pertenecen. Sotheby's

"Two Plumbers" is among the most overtly comedic images the artist created for the publication. Here Rockwell depicts two rough-and-tumble plumbers sent to attend to the pipes in an unseen bathroom. Dressed for the task at hand and still holding the tools of their trade, the plumbers have discovered a frilly boudoir, ornately decorated in a symphony of ruffles and shades of pink. Intrigued by the array of the unfamiliar yet tantalizing objects on the table, their curiosity gets the best of them and—professionalism thrown aside—one sprays his partner with what is undoubtedly expensive perfume. The owner of the home has not yet returned but the room is guarded by a small lapdog that watches the intruders suspiciously, reinforcing the idea that they have happened upon a place where they truly do not belong. Sotheby's

"Tom Sawyer Suite" (8 obras / 8 works)
Litografía en color sobre papel Arches / lithograph in color on Arches paper
64,8 x 50,2 cm., 1970-71. Ed. 47/200. MutualArt

En / In The Saturday Evening Post, 7/6/1924
"Hora de reemplazar los neumáticos, Muchacho y perro / Time To Re-tire, Boy And Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 57,2 x 43,2 cm., 1924. Sotheby's

Campaña publicitaria para la compañía de neumáticos Fisk de Chicopee Falls, Masachusets /
Advertising Campaign for Fisk Tire Company of Chicopee Falls, Massachusetts

Norman Rockwell en su estudio de Arlington, pintando "Bendiciendo la mesa", aparecido en la portada de The Saturday Evening Post el 24 de noviembre de 1951 /
Norman Rockwell in his Arlington Studio painting Saying Grace which appeared on the cover on The Saturday Evening Post on Nov. 24, 1951
Fotógrafo desconocido / Photographer unknown.
Norman Rockwell Museum Digital Collections. © Norman Rockwell Family Estate / Norman Rockwell Museum

Norman Rockwell en "El Hurgador" / in this blog:
[Librofilia (X)], [Aniversarios (I)], [Recolección (XLVI)], [Sucedió en el museo (XI)], [Asonancias (XLII)]

Más sobre / More about Norman Rockwell: Wikipedia (Español), Wikipedia (English)
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