miércoles, 31 de enero de 2018

Aniversarios (CCXI) [Enero / January 21-31]

Todos los aniversarios de Enero aquí / All anniversaries for January here.
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El 21 de Enero es el cumple de

Willie Betty Newman, pintora estadounidense nacida en 1863 en Maple Grove Plantation, más tarde conocida como Betty Place, en Murfreesboro, Tennessee, durante la Guerra Civil.
Estudió pintura en Cincinnati, Ohio y París, Francia. Exhibió sus pinturas en salones parisinos en la década de 1890. Estableció un estudio en Nashville, Tennessee a principios de 1900, donde hizo retratos de prominentes residentes de Tennessee, incluido el presidente James K. Polk.
Murió en 1935.

"Escena callejera en Bretaña / Brittany Street Scene"

On January 21 is the birthday of

Willie Betty Newman, American painter born in 1863 Maple Grove Plantation, later known as Betty Place, in Murfreesboro, Tennessee, during the Civil War.
She studied painting in Cincinnati, Ohio and Paris, France. She exhibited her paintings in Parisian salons in the 1890s. She established a studio in Nashville, Tennessee in the early 1900s, where she did portraits of prominent Tennesseans, including President James K. Polk.
She died in 1935.

"En Penitence", 1894. 1st Art Gallery

Willie Betty Newman en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXV)]


El 22 de Enero es el cumple de

Sebastiaen Vrancx (Sebastiaan Vrancx o Sebastian Vranckx), fue un pintor y dibujante barroco flamenco nacido en 1573 (bautizado el 22 de Enero), que es principalmente conocido por sus escenas de batalla, un género en el que fue pionero en la pintura holandesa. También creó paisajes con escenas mitológicas y alegóricas, escenas con ladrones, escenas de pueblos y celebraciones en ciudades. Era un pintor de figuras dotado, que regularmente era invitado a pintar el personal en composiciones de colegas pintores.

"Vista de Amberes por la noche con figuras elegantes de camino a un baile de máscaras /
A view of Antwerp by night with elegant figures on their way to a masquerade"
Color sobre panel de roble / color on oak panel, 26,8 × 37,8 cm., 1600-46. Wikimedia Commons

Fue aprendiz en el taller de Adam van Noort, que también fue maestro de otros prominentes pintores de Amberes. Se cree que después de terminar su aprendizaje, el artista visitó Italia, ya que se convirtió en maestro del Gremio de San Lucas de Amberes recién en 1600.
Comenzó su carrera en Amberes y ganó el reconocimiento de sus colegas artistas. Fue particularmente apreciado como pintor de escenas de batalla y se sabe que Peter Paul Rubens tuvo una escena de batalla del artista.
También es conocido por una serie de dibujos que representan escenas de la Eneida de Virgilio. También produjo diseños para los grabadores y editores de Amberes.
Murió en 1647.

Con Jan Brueghel el Viejo / With Jan Brueghel The Elder
"Asalto a un convoy / Assault on a Convoy"
Color sobre panel de roble / color on oak panel, 55,5 × 85 cm., c.1612
Kunsthistorisches Museum (Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

On January 22 is the birthday of

Sebastiaen Vrancx (Sebastiaan Vrancx or Sebastian Vranckx), was a Flemish Baroque painter and draughtsman born in 1573 (baptized on January 22), who is mainly known for his battle scenes, a genre that he pioneered in Netherlandish painting. He also created landscapes with mythological and allegorical scenes, scenes with robbers, village scenes and celebrations in cities. He was a gifted figure painter who was regularly invited to paint the staffage in compositions of fellow painters.
He was an apprentice in the workshop of Adam van Noort, who was also the master of other prominent Antwerp painters. It is believed that after finishing his apprenticeship, the artist visited Italy as he only became a master of the Antwerp Guild of Saint Luke in 1600.
He commenced his career in Antwerp and gained the recognition of his fellow artists. He was particularly esteemed as a painter of battle scenes and Peter Paul Rubens is known to have owned a battle scene by the artist.
He is also known for a series of drawings depicting scenes from Virgil's Aeneid. He also produced designs for the Antwerp printmakers and publishers.
He died in 1647.

"De slag van Vimpfen van 6 mei 1622 / Batalla de Vimpfen, el 6 de Mayo de 1622 /
Battle of Vimpfen on 6 May 1622"
Óleo sobre cobre / oil on copper, 115 × 199 cm., entre / between 1622 - 1649
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourgh, Russia). Wikimedia Commons

Sebastiaen Vrancx en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (XII)]
Jan Brueghel el Viejo / the Elder en "El Hurgador" / in this blog:
[Arte perdido (VI)], [Recolección (LXXXIII)], [Asonancias (XIII)], [Asonancias (XIII), Anexo]


El 23 de Enero es el cumple de

Harald Metzkes, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1929 en Bautzen.
En 1946 estudió pintura a la acuarela bajo la dirección de Alfred Herzog. Entre 1947 y 1949 fue aprendiz como cantero con el escultor de Bautzen Max Rothe. Después de aquello, entre 1949 y 1953, estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde, donde sus maestros incluyeron a Wilhelm Lachnit y Rudolf Bergander. Desde 1953 hasta 1955 trabajó como artista independiente en Bautzen. Entre 1955 y 1958 estudió bajo la dirección de Otto Nagel, en la Academia de Artes de Berlín. En 1957, con Werner Stötzer, junto con John y Gertrud Heartfield, emprendió un viaje de estudio de tres meses a China.

"Der Ungeheuerte / El engendro / The Monstrous"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 107 cm., 1993. Kunstmuseum Ahrenshoop (Alemania / Germany)

En 1959 se instaló en el lado sur de Berlín, mudándose a un estudio en 1960. Se embarcó en una carrera como artista independiente, identificado en algunos lugares por el sobrenombre de "El Cézanista de Prenzlauer Berg". La primera exposición dedicada a su obra tuvo lugar en Berlín en 1963. Ese fue también el año en que contribuyó con ilustraciones para un libro de Vladimir Pozner, "El encantado". Durante los siguientes 27 años contribuyó con ilustraciones para otros quince libros, en su mayoría de autores de alto perfil, como Marino Moretti, William Heinesen, Pier Paolo Pasolini, Franz Fühmann, Christa Wolf, Hermann Bang, August Strindberg e incluso Theodor Fontane.
En 1976 ganó el Premio Käthe Kollwitz de la Academia de Artes de Alemania Oriental y el reconocimiento oficial a nivel estatal. Al año siguiente, su obra fue el centro de atención de una exposición en la Galería Nacional en Berlín Oriental, "Harald Metzkes - Dos décadas de imágenes". 1976 fue también el año en el que recibió el Premio Nacional de Alemania Oriental para ilustraciones y artes gráficas. En 1984 y 1988 Metzkes participó en la Bienal de Venecia. Algunos años después del final de la República Democrática Alemania, el estado de partido único auspiciado por la Unión Soviética del que había sido ciudadano durante su existencia política y socialmente problemática, Metzkes participó en la exposición "Arte en la República Democrática Alemana" celebrada en 1997-98 en la National Gallery. Otra de las numerosas exposiciones en las que participó, en 2006, fue "Bilanz des Malers" en el castillo de Gottorf, en el extremo norte del país.

"Tischgesellschaft / Cena / Dinner Party"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 120 cm., 1957
© VG Bild-Kunst, Bonn 2017 - Foto / Photo: S. Reschke
Galerie für Zeitgenössische Kunst (Leipzig, Alemania / Germany). Kunstausstellungen.de

On January 23 is the birthday of

Harald Metzkes, German painter and graphic artist born in 1929 in Bautzen.
In 1946 he studied watercolor painting under Alfred Herzog. Between 1947 and 1949 he was apprenticed as a stonemason with the Bautzen sculptor Max Rothe. After that, between 1949 and 1953, he studied painting at the Dresden Academy of Fine Arts where his teachers included Wilhelm Lachnit and Rudolf Bergander. From 1953 till 1955 he worked as a freelance artist in Bautzen. Between 1955 and 1958 he studied under Otto Nagel, at the Arts Academy in Berlin. In 1957, with Werner Stötzer, along with John and Gertrud Heartfield, he undertook a three-month study trip to China.
In 1959 Metzkes settled on the southside of Berlin, moving into a studio-workshop apartment in 1960: he embarked on a career as a free-lance artist, identified in some quarters by the soubriquet "The Cézannist of Prenzlauer Berg". The first exhibition devoted to his work took place in Berlin in 1963. 1963 was also the year in which he contributed illustrations for a book by Vladimir Pozner, "The enchanted one". During the ensuing 27 years he contributed illustrations for a further fifteen books, mostly by high-profile authors, including Marino Moretti, William Heinesen, Pier Paolo Pasolini, Franz Fühmann, Christa Wolf, Hermann Bang, August Strindberg and even Theodor Fontane.
In 1976 he won the Käthe Kollwitz Prize from the Arts Academy of East Germany (de) and state-level official recognition. The next year his work was the focus of an exhibition at the National Gallery in (East) Berlin, "Harald Metzkes – Two decades of Pictures". 1976 was also the year in which he was a recipient of the National Prize of East Germany for illustrations and graphic art. In 1984 and 1988 Metzkes participated in the Venice Biennale. Some years after the end of the German Democratic Republic, the Soviet sponsored one-party state of which he had been a citizen throughout its politically and socially troubled existence, Metzkes took part in the "Arts in the German Democratic Republic" exhibition staged in 1997/98 at the National Gallery. Another of the numerous exhibitions in which he was featured, in 2006, was "Bilanz des Malers" at Gottorf Castle in the extreme north of the country.

"Der Trinker / El borracho / Drunkard", 1955. Pinterest


El 24 de Enero es el cumple de

Philippe Faraut, escultor francés nacido en 1963.
Recibió su título en talla de madera y construcción de muebles finos franceses de Germain Sommeillier en Annecy, Francia, su hogar de la infancia. Después de establecer su residencia en el área de la bahía de Chesapeake en Virginia, desarrolló interés en modelar cabezas en arcilla. Viajero ávido, los destinos de Philippe le han permitido estudiar culturas de muchos países de Europa, Asia, África y el Caribe, que han influido en su obra como retratista. En 1996 se trasladó con su esposa a la región de Finger Lakes del estado de Nueva York.


"Sadie", arcilla de loza / earthenware clay, 16” x 21” x 10”, © 2013. Link

Philippe ha creado numerosas obras originales que van desde estatuillas de porcelana de seis pulgadas hasta monumentos de tamaño natural en piedra y bronce, y ha exhibido sus esculturas en varias galerías y competiciones nacionales e internacionales.
Durante más de veinte años ha viajado por todo Estados Unidos y el extranjero para enseñar a escultores y aspirantes a escultores cómo hacer retratos y figuras en arcilla, en estudios e instituciones privadas, incluida la Grand Central Academy de Nueva York, Ringling School of Art en Florida y Pixar en California. Además ha estudiado reconstrucción facial y anaplastología forenses, y ha dictado conferencias en universidades y convenciones médicas en los Estados Unidos y Europa sobre las expresiones y el proceso de envejecimiento del rostro.

"Sadie", arcilla de loza / earthenware clay, 16” x 21” x 10”, © 2013. Link

"La Fille du Marin / La hija del marino / The Daughter of the Sailor"
Caliza / limestone, 56" x 60" x 36", © 2004. Link

On January 24 is the birthday of

Philippe Faraut, French sculptor born in 1963.
He received his degree in woodcarving and the construction of French fine furniture from Germain Sommeillier in Annecy, France, his boyhood home. After establishing residence in the Chesapeake Bay area of Virginia, he developed an interest in modeling the head in clay. An avid traveler, Philippe's destinations have allowed him the opportunity to study the cultures of many countries in Europe, Asia, Africa and the Caribbean, thus influencing his work in portraiture. In 1996 he relocated with his wife to the Finger Lakes Region of New York State.

"Novia niña/ Child Bride"
Arcilla de loza / earthenware clay, 19" x 13" x 11", © 2004. Link

Philippe has created numerous original works ranging from six-inch porcelain figurines to over life-sized monuments in both stone and bronze and has exhibited his sculptures in various galleries and national and international competitions.
For over twenty years, Philippe has traveled throughout the US and abroad to teach sculptors and aspiring sculptors how to render portraits and figures in clay at private studios and institutions including the Grand Central Academy in New York, Ringling School of Art in Florida and Pixar in California. In addition, he has studied forensic facial reconstruction and anaplastology and lectures at universities and medical conventions in the US and Europe on expressions and the aging process of the face.

"Novia niña/ Child Bride"
Arcilla de loza / earthenware clay, 19" x 13" x 11", © 2004. Link

Philippe Faraut en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXVIII)]


El 25 de Enero es el cumple de

Eleanor Fortescue-Brickdale, artista inglesa nacida en 1872 en Upper Norwood, Surrey
Recibió su primera instrucción en la Escuela de Arte Crystal Palace, bajo la dirección de Herbert Bone y entró en la Royal Academy en 1896. Su primera gran pintura fue "La complexión pálida del amor verdadero" (1899). Pronto comenzó a exhibir sus pinturas al óleo en la Royal Academy, y sus acuarelas en la Dowdeswell Gallery, donde tuvo varias exposiciones individuales.
Mientras estuvo en la academia, recibió la influencia de John Byam Liston Shaw, un protegido de John Everett Millais muy influenciado por John William Waterhouse. Cuando Byam Shaw fundó una escuela de arte en 1911, Fortescue-Brickdale se convirtió en maestra allí.

"El huésped inesperado / The Uninvited Guest"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 127 cm., 1906. Reprodart

En 1909 Ernest Brown, de las Galerías Leicester, le encargó una serie de 28 ilustraciones en acuarela para "Los idilios del Rey" de Tennyson, que pintó durante dos años. Fueron exhibidas en la galería en 1911, y 24 de ellas fueron publicados el año siguiente en una edición de lujo de los primeros "Idilios".
Vivió durante gran parte de su carrera en Holland Park Road, frente a Leighton House, donde realizó una exposición en 1904.
Fortescue-Brickdale expuso en la primera muestra de la Sociedad de Artes Gráficas en 1921.
Más tarde también trabajó con vitrales. Era una cristiana devota y donó obras a las iglesias. Entre sus obras más conocidas están "El huésped inesperado" y "Ginebra".
Murió en 1945.

"El estudio de Boticcelli. La primera visita de Simoneta, presentada por Giulio y Lorenzo Medici /
Boticcelli's studio, The first visit of Simonetta presented by Giulio and Lorenzo de Medici"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 126 cm., 1922. Bonhams

On January 25 is the birthday of

Eleanor Fortescue-Brickdale, English artist born in 1872 in Upper Norwood, Surrey
She was trained first at the Crystal Palace School of Art, under Herbert Bone and entered the Royal Academy in 1896. Her first major painting was The Pale Complexion of True Love (1899). She soon began exhibiting her oil paintings at the Royal Academy, and her watercolours at the Dowdeswell Gallery, where she had several solo exhibitions.
While at the academy, she came under the influence of John Byam Liston Shaw, a protégé of John Everett Millais much influenced by John William Waterhouse. When Byam Shaw founded an art school in 1911, Fortescue-Brickdale became a teacher there.
In 1909, Ernest Brown, of the Leicester Galleries, commissioned a series of 28 watercolour illustrations to Tennyson's Idylls of the King, which she painted over two years. They were exhibited in the gallery in 1911, and 24 of them were published the next year in a deluxe edition of the first four Idylls.
She lived during much of her career in Holland Park Road, opposite Leighton House, where she held an exhibition in 1904.
Fortescue-Brickdale exhibited at the first exhibition of the Society of Graphic Art in 1921.
Later, she also worked with stained glass. She was a staunch Christian, and donated works to churches. Amongst her best known works are The Uninvited Guest and Guinevere. She died in 1945.

"Un caballero y cupido ante la puerta del castillo /
A knight and cupid before a castle door", acuarela / watercolor, 32 x 40 cm., 1900. Wikimedia Commons


El 26 de Enero es el cumple de

Camil Ressu, pintor y académico rumano nacido en 1880 en Galaţi, una de las figuras más importantes del arte de Rumania.
Su padre, Constantin Ressu, que era periodista y había estudiado derecho en Bruselas, era artista en su tiempo libre. En 1887 Ressu se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest. Continuó en la Escuela de Bellas Artes de Iaşi, donde estudió con los pintores Gheorghe Popovici y Gheorghe Panaiteanu Bardasare. En 1902 terminó sus estudios obteniendo una medalla de plata, y se fue de Rumania a París buscando desarrollar aún más sus habilidades artísticas. En París estudió en la Académie Julian.

"Academia de la Terasă / Academia de la terraza / Academy of the Terrace"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1912. Link
Museo de Arte (Cluj-Napoca, Rumanía / Romania)

En 1908 regresó a Rumania y se interesó en temas sociales. Contribuyó con dibujos satíricos a varias publicaciones, incluyendo Furnica, Facla y Adevărul. Ese mismo año se convirtió en miembro del Partido Socialdemócrata de Rumanía (o, más bien, su círculo sobreviviente de Bucarest, Unión Socialista de Rumania, formado en torno al periódico România Muncitoare). En 1910 sus obras (paisajes y pinturas con temas bucólicos) se presentaron en la exposición Artistic Youth. Ressu abrió su primera exposición personal en 1914, en Bucarest.
Murió en 1962.

"Curățenia de primăvară / Limpieza de primavera / Spring Cleaning"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 49,5 x 64,5 cm. Artnet

On January 26 is the birthday of

Camil Ressu, Romanian painter and academic born in 1880 in Galați, one of the most significant art figures of Romania.
His father, Constantin Ressu, who was a journalist and had studied law in Brussels, was an artist in his spare time. In 1887, Ressu was enrolled at the School of Fine Arts in Bucharest. He continued his studies at the School of Fine Arts in Iași, where he studies with painters Gheorghe Popovici and Gheorghe Panaiteanu Bardasare. In 1902, he finished his studied in Iași, being awarded a silver medal, and left Romania for Paris, seeking to further develop his art skills. In Paris, he studied at the Académie Julian.

"Familie de țărani / Familia de campesinos / Family of Peasants"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 50 × 65,5 cm. Artmark

In 1908, Ressu returned to Romania and became interested in social matters, contributing satirical drawings to several publications, including Furnica, Facla and Adevărul. In the same year, he became a member of the Social Democratic Party of Romania (or, rather, its surviving Bucharest circle, Socialist Union of Romania, formed around the paper România Muncitoare). In 1910, his works (landscapes and paintings with bucolic themes) were featured in the Artistic Youth exhibition. Ressu opened his first personal exhibition in 1914, in Bucharest.
He died in 1962.

"La familia del granjero / Farmer's Family"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 57,5 x 48 cm. Artnet


El 27 de Enero es el cumple de

Arthur Hughes, pintor e ilustrador inglés nacido en 1832 en Londres, asociado con la Hermandad Prerrafaelita.
En 1846 ingresó a la escuela de arte en Somerset House donde su primer maestro fue Alfred Stevens, y más tarde ingresó en las escuelas de la Royal Academy. Allí conoció a John Everett Millais y Holman Hunt, y se convirtió en uno de los pintores prerrafaelitas. Su primera pintura, Musidora, fue colgada en la Royal Academy cuando solo tenía 17 años, y desde entonces contribuyó casi anualmente no solo a la Royal Academy sino también a las exhibiciones de Grosvenor y New Gallery.
En 1855 se casó con Tryphena Foord, su modelo de April Love.

"Amor de Abril / April Love", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 x 49,5 cm., c.1855
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). GAP

Hughes murió en Kew Green, Londres en 1915, dejando alrededor de 700 pinturas y dibujos conocidos, junto con más de 750 ilustraciones de libros. Tras la muerte de Tryphena Hughes en 1921, su hija Emily tuvo que mudarse a una casa más pequeña. Hubo, por lo tanto, escasez de espacio. Como resultado ella destruyó los bocetos preparatorios restantes de su padre y todos sus documentos privados y correspondencia.
Hughes fue el padre del pintor inglés Arthur Foord Hughes y el tío de otro, Edward Robert Hughes.

"La grieta en el laúd / The Rift within the Lute"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 × 92 cm., entre / between 1861-62.
Tullie House Museum and Art Gallery (Carlisle, Reino Unido / UK). Wikimedia Commons

On January 27 is the birthday of

Arthur Hughes, English painter and illustrator born in 1832 in London, associated with the Pre-Raphaelite Brotherhood.
In 1846 he entered the art school at Somerset House, his first master being Alfred Stevens, and later entered the Royal Academy schools. There he met John Everett Millais and Holman Hunt, and became one of the Pre-Raphaelite group of painters. His first picture, Musidora, was hung at the Royal Academy when he was only 17, and thenceforth he contributed almost annually not only to the Royal Academy but later also to the Grosvenor and New Gallery exhibitions.
In 1855 Hughes married Tryphena Foord, his model for April Love.
Hughes died in Kew Green, London in 1915, leaving about 700 known paintings and drawings, along with over 750 book illustrations. Following the death of Tryphena Hughes in 1921, their daughter Emily had to move to a smaller house. There was, therefore, a shortage of space. As a result, she had her father’s remaining preparatory sketches, and all his private papers and correspondence, destroyed.
Hughes was the father of the English painter Arthur Foord Hughes and the uncle of another, Edward Robert Hughes.

"Plata y oro / Silver and Gold", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39 x 26,5 cm., 1864.
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons


El 28 de Enero es el cumple de

Alice Neel, artista visual estadounidense nacida en 1900 en Merion Square, Pensilvania, conocida por sus retratos de amigos, familiares, amantes, poetas, artistas y extraños. Sus pinturas tienen un uso expresionista de línea y color, agudeza psicológica e intensidad emocional.
En 1918, después de graduarse de la escuela secundaria, tomó el examen de Servicio Civil y obtuvo un puesto administrativo de alta paga con el fin de ayudar a mantener a sus padres. Después de tres años de trabajo, tomando clases de arte por la noche en Filadelfia, se matriculó en el programa de Bellas Artes en la Escuela de Diseño de Filadelfia para Mujeres (ahora Moore College of Art & Design) en 1921. En 1925 recibió el Premio Kern Doge a la mejor pintura en su clase de pintura del natural. Se graduó de la Escuela de Diseño de Filadelfia para Mujeres en 1925. Neel solía decir que eligió asistir a una escuela para niñas para no distraerse de su arte por las tentaciones del sexo opuesto.
En 1925 se mudó a La Habana, y en 1927 regresó a los Estados Unidos para vivir en Nueva York. Durante la Depresión fue una de las primeras artistas en trabajar para la Works Progress Administration. Mientras estuvo inscrita en estos programas de gobierno, pintó con un estilo realista y sus temas fueron en su mayoría escenas callejeras de la era de la Depresión, y pensadores y líderes comunistas. Si bien Neel nunca fue un miembro oficial del Partido Comunista, su afiliación y simpatía por los ideales del comunismo se mantuvieron constantes. En la década de 1930 se mudó al Harlem español y comenzó a pintar a sus vecinos, específicamente mujeres y niños.

"Ethel Ashton", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 x 76,3 x 2,7 cm., 1930.
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

El verano de 1930 fue un período de su vida que describió "como uno de los más productivos" porque fue cuando pintó sus primeros desnudos femeninos. Uno de los primeros retratos desnudos femeninos más conocidos de Neel es el de Ethel V. Ashton. A mediados de la década de 1960, muchas de las amigas de Neel se habían quedado embarazadas, lo que la inspiró a pintar una serie de estas mujeres desnudas. Los retratos realmente resaltan en lugar de ocultar los cambios físicos y las ansiedades emocionales que coexisten con el parto.
Hacia el final de la década de 1960, el interés en el trabajo de Neel se intensificó. El impulso del movimiento de las mujeres llevó a una mayor atención, y Neel se convirtió en un icono para las feministas. A mediados de la década de 1970 había ganado celebridad y estatura como una importante artista estadounidense. La reputación de Neel estaba en su apogeo en el momento de su muerte en 1984.

"Robert, Helen & Ed", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,3 × 71,1 cm., ca. 1952. Artsy

On January 28 is the birthday of

Alice Neel, American visual artist, born in 1900 in Merion Square, Pennsylvania, who was known for her portraits depicting friends, family, lovers, poets, artists and strangers. Her paintings have an expressionistic use of line and color, psychological acumen, and emotional intensity.
In 1918, after graduating from high school, she took the Civil Service exam and got a high-paying clerical position in order to help support her parents. After three years of work, taking art classes by night in Philadelphia, Neel enrolled in the Fine Art program at the Philadelphia School of Design for Women (now Moore College of Art & Design) in 1921. In 1925 Neel received the Kern Doge Prize for Best Painting in her life class. She graduated from Philadelphia School of Design for Women in 1925. Neel often said that she chose to attend an all-girls school so as not to be distracted from her art by the temptations of the opposite sex.
In 1925 she moved to Havana, and in 1927 she returned to the United States to live in New York. During the Depression, Neel was one of the first artists to work for the Works Progress Administration. While enrolled in these government programs she painted in a realist style and her subjects were mostly Depression-era street scenes and Communist thinkers and leaders. While Neel was never an official Communist Party member, her affiliation and sympathy with the ideals of Communism remained constant. In the 1930s, Neel moved to the Spanish Harlem and began painting her neighbors, specifically women and children.

"Madre y niña / Mother and Child (Nancy & Olivia)"
Litografía sobre papel / lithograph on paper, 78,7 × 71,1 cm., 1982. Artsy

The summer of 1930 was a period in her life that she described "as one of her most productive" because that was when she painted her earliest female nudes. One of Neel's best known early female nude portraits is of Ethel V. Ashton. By the mid-1960s, many of Neel's female friends had become pregnant which inspired her to paint a series of these women nude. The portraits truthfully highlight instead of hiding the physical changes and emotional anxieties that coexist with childbirth.
Toward the end of the 1960s, interest in Neel's work intensified. The momentum of the women's movement led to increased attention, and Neel became an icon for feminists. By the mid-1970s, Neel had gained celebrity and stature as an important American artist. Neel's reputation was at its height at the time of her death in 1984.

"Alice Neel Autorretrato / Self-Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135,3 x 101 x 2,5 cm., 1980.
National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA)


El 29 de Enero es el cumple de

Ferdinand Kulmer, pintor y maestro croata nacido en 1925 en Zagreb.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Budapest, en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, y tomó clases especiales con Đuro Tiljak. Kulmer trabajó en el estudio de Krsto Hegedušić, y durante muchos años fue profesor en la Academia de Bellas Artes de Zagreb.

"Naturaleza muerta / Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96,5 × 129 cm., 1954
Museum of Modern Art (Dubrovnik, Croacia / Croatia). Artsy

Las pinturas de Kulmer tienden hacia la abstracción o la semi-abstracción, con sus primeras composiciones basadas en naturalezas muertas o interiores con pinceladas caligráficas. Desarrolló un estilo más fuertemente texturizado, convirtiéndose más tarde en un estilo más suelto y gestual con temas míticos que incluyen el baile de formas caligráficas. Diseñó vestuario para dos películas de Vatroslav Mimica y Veljko Bulajic.
Miembro de la Academia Croata de Ciencias y Artes.
En 1990, Kulmer recibió el Premio Vladimir Nazor por su trayectoria en artes visuales.
Murió en 1998.

"Nježnost / Zärtlichkeit / Ternura / Tenderness", litografía / lithography, 69,7 x 49,7 cm., 1986. 
Collection Art Palmižana Meneghello. Link

On January 29 is the birthday of

Ferdinand Kulmer, Croatian painter and teacher born in 1925 in Zagreb.
He studied at the Budapest Academy of Fine Arts, the Zagreb Academy of Fine Arts, and took special classes with Đuro Tiljak. Kulmer worked in the studio of Krsto Hegedušić, and for many years was a professor at the Zagreb Academy of Fine Arts.

"Sirena-gorgona", tiza roja / red chalk, 50 x 70 cm., 1986
Colección de arte Palmižana Meneghello. Link

Kulmer's paintings tend towards abstract or semi-abstract scenes, with his early compositions based on still life or interiors featuring calligraphic brushwork. He developed a more heavily textured style, turning later to a looser, more gestural style with mythical themes that includes dancing calligraphic shapes. He designed costumes for two films by Vatroslav Mimica and Veljko Bulajic.
Member of the Croatian Academy of Sciences and Arts.
In 1990, Kulmer received the Vladimir Nazor Award for lifetime achievement in the visual arts.
He died in 1998.

"Leteča sfinga / Esfinge voladora / Flying Sphynx"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 195×130 cm., 1987. Galería Remek-djela


El 30 de Enero es el cumple de

Ignacy Aleksander Gierymski, pintor polaco nacido en 1850 en Varsovia, hermano menor de Maksymilian Gierymski.
Completó la Escuela Secundaria Estatal nr III en Varsovia en 1867, y ese mismo año comenzó a realizar estudios de dibujo en Varsovia. Entre 1868 - 1872 estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich y se graduó con una medalla de oro.
Entre 1873-1874 permaneció en Italia, principalmente en Roma. Desde finales de 1875 hasta 1879 regresó a Roma, donde trabajó para mejorar su obra, en particular pasó mucho tiempo estudiando pinturas italianas.

"La puerta de la ciudad vieja en Varsovia / The Gate in the Old Town in Warsaw"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 × 49 cm., 1883. Wikimedia Commons
Muzeum Sztuki w Łodzi / Museo de Arte (Lodz, Polonia / Poland)

El mejor período para Gierymski fue entre los años 1879 -1888, que pasó en Varsovia. En este tiempo trabajó con un grupo de jóvenes escritores y pintores positivistas, agrupados en torno al periódico Wędrowiec (Vagabundo). Desde entonces estuvo principalmente en Alemania y Francia. El cambio de entorno cambió el carácter de su obra. Lejos de su tierra natal comenzó a pintar temas menos personales, sobre todo paisajes. Regresó a Polonia en 1893 y se quedó hasta 1895, postulándose para un puesto en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Este viaje revivió su interés en los temas humanos. Durante los últimos años de su vida permaneció en Italia.
Sus amargas decepciones en la vida se revelan en su autorretrato pintado un año antes de su muerte. Observaba el mundo con mirada de un naturalista, a pesar de su temperamento ardiente. Trágicamente, los últimos años de su vida los pasó en un hospital psiquiátrico, a pesar de lo cual dejó un patrimonio único.
Murió en 1901.

"Żydówka z pomarańczami / Mujer judía vendiendo naranjas / Jewish Woman Selling Oranges"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 54 cm., entre / between 1880-81. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warszaw, Poland)

On January 30 is the birthday of

Ignacy Aleksander Gierymski, Polish painter born in 1850 in Warsaw, the younger brother of Maksymilian Gierymski.
He completed Secondary State School nr III in Warsaw in 1867, and in the same year commenced drawing studies in Warsaw. Between 1868 – 1872 he studied at the Academy of Fine Arts in Munich and graduated with a gold medal.
Between 1873-1874 he stayed in Italy, mostly in Rome. From late 1875 until 1879 the artist returned to Rome, where he worked to improve his work, particularly spending much time studying Italian paintings.
The greatest period for Gierymski was between years 1879 -1888 which he spent in Warsaw. In this time he worked with a group of young positivist writers and painters, clustered around the periodical Wędrowiec (Eng. Wanderer). Since then he was mostly in Germany and France. Changed surroundings changed his works. Away from his homeland he started to paint less personal subjects. Mostly he was painting landscapes. He came back to Poland in 1893 and stayed till 1895, in order to apply for a position at the Academy of Fine Arts in Cracow. This journey revived his interest in human subjects. For the last years of his life he remained in Italy.
His bitter disappointments in life are revealed on his self-portrait painted a year prior to his death. He looked at the world with the eye of a naturalist, despite his hot-temper. Tragically, the last years of his life were spent in a mental hospital; nevertheless he left a unique heritage.
He died in 1901.

"Muchacho cargando una gavilla / Boy Carrying a Sheaf"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 × 77 cm., 1895. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe we Wrocławiu / Museo Nacional (Wroclaw, Polonia / Poland)


Hoy, 31 de Enero, es el cumple de

Patrick Pietropoli, pintor y escultor francés autodidacta nacido en 1953 en París, artista establecido en Francia desde mediados de los años ochenta.
Es notable por sus pinturas de paisajes urbanos a gran escala extremadamente detallados, aunque también es conocido por su obra escultórica de medio relieve.
Desarrolló su pasión por la pintura desde una edad temprana. En 1975 pasó el examen nacional francés de CAPES en Historia para convertirse en profesor. En 1978 recibió una maestría en historia antigua de la Universidad François Rabelais de París, y enseñó historia en Francia hasta 1986.

"Centro de la ciudad desde arriba / Downtown from the Top"
Técnica mixta / mixed media, 97 x 195 cm., 2017

Comenzó a exhibir en Francia en 1983 y en 1986, debido al rápido éxito, pudo dejar de enseñar y centrarse por completo en el arte. Las primeras obras de Pietropoli fueron influenciadas por el movimiento de 'pittura colta'. En su primera exposición individual en 1983 en Gallery Verododa en París presentó pinturas basadas en bocetos de la representación de la Anunciación en las iglesias florentinas de Italia. A finales del s.XX, Patrick Pietropoli se inspiró en los antiguos maestros venecianos del siglo XVIII. Con su meticulosa atención al detalle, se decía que Pietropoli se unía a los 'vedutisti' en su búsqueda por representar paisajes urbanos atemporales. En sus propias palabras él "rechazó la naturaleza pintoresca de las escenas de la calle, eligiendo retratar paisajes urbanos similares al mundo alegre y coloreado de las pinturas de Canaletto o Guardi".
Desde 2001 ha estado exhibiendo en todo Estados Unidos en muestras individuales y colectivas, así como en ferias de arte internacionales.

"Plaza Venecia / Piazza Venetia"
Óleo sobre lienzo / oil on linen, 97 x 130 cm., 2017

Today, January 31, is the birthday of

Patrick Pietropoli, self-taught French painter and sculptor born in 1953 in Paris, established artist in France since the mid 1980s.
He is most notable for his extremely detailed, large-scale cityscapes paintings; however, he is also well known for his work on mid-relief sculpture.
He developed his passion for painting from an early age. In 1975 he passed CAPES French national exam in History to become a history professor. In 1978 Pietropoli received master's degree in Ancient History from François Rabelais University in Paris and taught history in France until 1986.
He began exhibiting in France in 1983 and by 1986 due to the rapid success he was able to quit teaching and focus entirely on art. Pietropoli’s early works were influenced by ‘pittura colta’ movement. His first solo exhibition in 1983 at Gallery Verododa in Paris featured paintings based on sketches of the Annunciation's depiction in Florentine churches of Italy. By the end of 1900s Patrick Pietropoli became inspired by the Venetian old masters of 18th century. With his meticulous attention to detail, Pietropoli was said to join ‘vedutisti’ in his quest to depict timeless urban landscapes. In his own words he ‘refused the picturesque nature of street scenes, choosing to portray urban landscapes akin to the teeming, gaily colored world of the paintings of Canaletto or Guardi’.
Since 2001 Patrick Pietropoli has been exhibiting throughout United States in solo and group shows as well as international art fairs.

"Sur de Manhattan desde el pasado / Manhattan South from the Past"
Técnica mixta / mixed media, 20" x 20", 2016

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