jueves, 29 de abril de 2021

Uruguayos / Uruguayans (XLIX) - Luis Scotti [Serigrafía, técnicas mixtas / Silkscreen, Mixed media]

Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, en esta oportunidad a Luis Scotti, artista uruguayo con una larga trayectoria nacional e internacional, quien además de sus propias creaciones ha producido ediciones gráficas de obras de muchos otros artistas.
Texto en inglés al final del post.

New interview by Shirley Rebuffo, this time with Luis Scotti, Uruguayan artist with a long national and international career, who in addition to his own creations has produced graphic editions of works by many other artists.
Text in English at the end of this post.
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Luis Alberto Scotti Bonavita
(Montevideo, Uruguuay, 1956-)

Luis Scotti

Luis Alberto Scotti Bonavita nace en Montevideo el 26 de enero de 1959.
De niño comienza a trabajar como jugando-en-serio en la empresa de serigrafía que tenía su padre, tomando el oficio en la empresa a partir de los 16 años. Ya con 18 años asume en calidad de gerente y jefe de producción la empresa familiar.
En 1982, con 23 años, emigra a España para ampliar sus conocimientos en las actividades gráficas, colaborando más adelante, en 1992, en calidad de consejero con la organización de las Olimpíadas de Barcelona. Y, desde ese entonces, su vida ha sido un ir y venir por diversos lugares.
Hoy tiene un taller de ediciones gráficas en Montevideo, que conjuga con creaciones pictóricas propias.
Las serigrafías realizadas forman parte de diversas colecciones en Nueva York, Los Ángeles, Cincinnati, y varios otros lugares, así como también la colección particular de Greger Olson, en Estocolmo, Suecia.

Serie "El amor de Scotti" / Scotti's Love Series
Cartón y enduido en serigrafía / cardboard and putty on silkscreen, 140 x 220 cm.

Serie "Esto es lo que hay" / This is What it is Series
Piel de cebolla sobre cartón con collages de arpillera estampada /
onion skin on cardboard with stamped burlap collages, 2021

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Crear arte te genera placer o esfuerzo? ¿Cuándo comenzaste?
Luis Scotti: El arte me encontró cuando estaba en Madrid, allí comencé primero con la edición de obras gráficas en serigrafía. Eso fue en el año 1984. Abordé la pintura seriamente en el 2005, ya estando en Estados Unidos, allí sí realicé mis primeras obras. Hoy siento que crear es como respirar: si no lo hago muero. Es una necesidad vital, siempre en crisis, como la cuerda del arco que lanza una flecha, pero en paz, convencido de que es mi función.

Serie "El amor de Scotti / Scotti's Love Series
Cartón, piel de cebolla, enduido, serigrafía / cardboard, onion skin, putty, silkscreen, 220 x 240 cm.

SR: ¿Cuáles son los materiales con que más te gusta trabajar?
LS: Soy muy de usar cosas que encuentro en la calle, tipo cartón. Estoy apegado al arte pobre, se podría decir, coherente con mi posición ante este mundo. Así, mis obras más grandes son en cartón recolectado de fábricas. Pinto con tinta de serigrafía, pongo cáscaras de cebollas pegadas y barnizadas, utilizo también enduido plástico (empaste para molduras) y últimamente agregué café y arena de playa, pero siempre hay una estampa en juego, tipo planograf.
Pero, cuando uso papel elijo un papel de alta calidad asimismo las tintas. Me gusta reciclar y reconvertir algo que para otros es un desperdicio en un producto artístico, sacarle el potencial que tiene dentro. Pienso que ciertos pertrechos, igual que algunos humanos, la gente rota, al final tienen razón.

Serie "El amor de Scotti" / Scotti's Love Series
Cartón, serigrafía / cardboard, silkscreen, 240 x 180 cm.

Luis Scotti trabajando / at work

SR: ¿Crees que hay una madurez del artista que se transmite en la obra?
LS: No sabría decir si la palabra exacta es madurez. Lo que noto con mi obra es que cualquier cosa que hago tiene una repercusión distinta y llega más de lo que podía esperar. Ciertas personas me han dicho que la obra ha ganado solidez. Ojalá (palabra árabe) que así sea. Tengo que hacer lo que hago, sin guardarme nada.

SR: Cuando encaras una obra, ¿tienes un proyecto inicial? ¿Dejas espacio para lo espontáneo y la improvisación? ¿Cómo es esa dinámica?
LS: Antes me lanzaba, como quien se tira a una piscina. Ahora pienso más todo antes, pero sucede que no bien empiezo, se me olvida, y mientras pinto siento como si pintara muchos cuadros en uno. Se mueve, está vivo, pide cosas, manchas, colores, collages. Pero como soy serigrafista, hasta que no estampo algo, estoy como fuera, al estampar me adueño del trabajo, es muy raro, pero me gusta, es mi estilo.

Serie "Cavernas de amor" / Caverns of Love Series
Cartón con enduido y serigrafía / cardboard with putty and silkscreen, 50 x 50  cm., 2017

Serie "El amor de Scotti" / Scotti's Love Series
Cartón y enduido en serigrafía / cardboard and putty on silkscreen, 140 x 220 cm.

SR: Estuviste viviendo en España unos años. ¿Cómo llegaste? Cuenta algo de esa época.
LS: Primero estuve en Italia, hasta que me contrataron en 1982 en Madrid, una empresa para hacer estampados de camisetas del "naranjito", que fue el logo del mundial de fútbol. Poco a poco me fui quedando. Madrid te atrapa. Fueron doce años en los cuales aprendí muchísimo de mi oficio, cosas que aquí no suceden, por razones de mercado. Además me di el lujo de tener más de mil horas de visitas en esa gran catedral del arte que es El Prado, una maravilla. Hubo momentos buenos y malos, pero de una enorme alegría, al vivir la movida madrileña.
Más adelante tuve una empresa con un socio que manejaba el dinero. Pero hizo malos negocios y nos fundimos. Ahí fue que me fui a Londres. Trabajé en el taller de serigrafía de arte Pauper Press, donde editamos obra de Antoni Tapies, el gran artista español. Me ofrecieron quedarme, pero quería volver a mi país, hacía tiempo que no veía a la familia y había idealizado un poco todo, por lo tanto, ya en 1995 retorné a Uruguay, para irme nuevamente en el 2002.

"Las cuatro estaciones / Four Seasons", obra sobre cartón / work on cardboard, 120 x 180 cm.

Serie "El amor de Scotti" / Scotti's Love Series
Cartón y serigrafía / cardboard on silkscreen, 100 x 100 cm.

SR: Claro, después te trasladaste a Estados Unidos, ¿cómo fue esa etapa?
LS: A Washington D.C. fui por dos meses y me quedé 8 años. A los seis meses expongo, en la OEA, serigrafías que había realizado en Uruguay. Más adelante realicé obras en esa ciudad, me dediqué a la pintura, y expuse en forma colectiva e individual. Realizo otra exposición "Somos personas" que también fue en la OEA, con más de 80 obras. De un grafiti que realicé para esa muestra, sobre Bolivia, muy colorido, tomo el nombre de toda la exposición. A los seis meses entré a dar clases en la OEA, el BID, la American University, Montgomery College y otros lugares. Aunque tuve que alternar con trabajos esporádicos de pintar casas, cocinar en bares o cafeterías, estuvo todo muy bien. Enseñanzas hubo muchas, con sus idas y sus vueltas. En Washington disfruté mucho en la National Gallery, otro monumento al arte universal.
Me fue muy bien ya que fui el único latino que expuso en dos embajadas a la vez, la de Uruguay y la de Venezuela en Washington D.C., con la serie "El amor de Scotti".
Volví a Uruguay en el 2010, pero nunca me readapté en un 100% a mi país. Al estar tanto tiempo fuera, todo se hace tan amplio que cambias la forma de pensar, se te hacen anchos los sentimientos. El viajar te abre la cabeza, te demuestra otras formas de ver, pensar y sentir. A veces se produce ese efecto de no encajar, pero es muy rico, muy vital.

Serie "Esto es lo que hay" / This is What it is Series
Piel de cebolla sobre cartón con collages de arpillera estampada /
onion skin on cardboard with stamped burlap collages, 2021

Luis Scotti trabajando / at work

Ricardo Pascale (Montevideo, Uruguay, 1942-)
"Abstracción en riel 1 / Abstraction on Rail 1", serigrafía / silkscreen, 70 x 50 cm. Ed.70

SR: En tu trabajo de serigrafista propiamente dicho, haces serigrafías de obras ajenas. ¿Podrías explicarnos cómo funciona ese proceso? ¿Cómo surge ese trabajo?
LS: Sí, el tema es que en el taller en el que trabajaba, en Madrid, tenían una calidad muy fina. Allí empecé a hacer ediciones de otros artistas. Una vez fue un artista argentino, Jorge Abott, pidiendo una edición. Hice la primera y dado el excelente resultado, me contrató la galería EstiArte de Madrid, especializada en obra gráfica. Para mí, que llevaba años haciendo trabajos comerciales, fue como un despertar a algo que me sedujo y continué con fuerza esa rama de la serigrafía que significó la entrada a otro mundo, el mundo del arte.
El proceso es mucho más desafiante, y si bien es el mismo método serigráfico, hay que tener en cuenta muchos factores de índole pictórico, saber cómo se comportan los colores, las transparencias, los claroscuros, ser fiel al autor. A la vez creo que una reproducción no es lograr la misma imagen, es una interpretación que hay que hacer, pero hay que tener cintura para saber hacerla porque al final se debe lograr el mismo resultado que la obra original. La estampa es arte, en que ha de conjugarse perfectamente creación técnica e interpretación, proporciona cualidades y características a la obra que no es posible encontrar en el resto de las artes plásticas. Hay que aprender a jugar con las cartas de otro y apropiarse momentáneamente de la obra.

Álvaro Amengual (Montevideo, Uruguay, 1957-)
"Cuerpo de pez / Fish Body", serigrafía / silkscreen, Ed. 1998

Álvaro Amengual en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (LIII-1)], [Uruguayos (LIII-2)]

José María Pelayo (Montevideo, Uruguay, 1956-)
Serigrafía / silkscreen

José María Pelayo en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (LVIII)]

Serie "El amor de Scotti" / Scotti's Love Series
Cartón y enduido en serigrafía / cardboard and putty on silkscreen, 220 x 140 cm.

SR: ¿Cuál fue el momento en que sentiste mayor libertad en tu vida artística?
LS: Creo que ese momento fue estando aquí en Uruguay, cuando pinté el dormitorio de Jacinto, el hijo de unos amigos, el niño aún no había nacido, hoy tiene 5 años. Estampé toda la familia en las paredes, hasta los gatos y hasta hice una estampa de la ecografía. Estuve pintando 4 días, hice varios bocetos antes de empezar. Recuerdo que una tarde, trabajando en esos bocetos (yo vivía en el taller del maestro Clever Lara y hacía también de su ayudante en una relación de amistad) éste se me acercó casi en silencio y me susurró: "esto es lo más importante que has hecho". Debe ser, supongo. Empecé haciendo serigrafía en las paredes y terminé pintando el cielo, la parte alta. Me sentía como si fuera un crío salvaje.

Luis Scotti trabajando / at work

"Homenaje a Ary Cabrera (desaparecido en época de dictadura)". Proyecto "Encontrarte con ellos" /
"Tribute to Ary Cabrera (who disappeared during the dictatorship)". Meet Them Project
Cartón con collage y estampa en serigrafía, con café en la base /
cardboard with collage and silkscreen printing, with coffee on the base

SR: Hoy tienes alumnos. ¿Cómo es el dar clases y ver a tus alumnos progresar?
LS: Dar clases siempre es gratificante, pues hay un retorno, cuando los alumnos son trabajadores. He tenido alumnos muy buenos, han hecho exposiciones de sus obras en serigrafía, algunas enormes.
Aunque debo confesar que veces me cuestiono mucho qué es enseñar. Pero, para mí, lo más importante es celebrar sus logros y mantener el deseo por aprender.

Serie "Cavernas de amor" / Caverns of Love Series, 40 x 50 cm.

Serie "El amor de Scotti" / Scotti's Love Series
Cartón, serigrafía / cardboard, silkscreen, 240 x 180 cm.

SR: ¿Qué proyectos tienes en cuestiones artísticas?
LS: Hay varios proyectos, ahora suspendidos por la pandemia, pero se harán y quizá con más fuerza. Uno en Montevideo, otro en Tokio y otro en Miami.
Estoy pensando en comenzar una nueva serie porque pienso que es importante mantener el fuego encendido. Ya que se volverá a la normalidad pronto y esto será sólo un recuerdo.

Luis Scotti trabajando / at work

Más sobre / More about Luis Scotti: facebook, Jubin, Arteuy

¡Gracias por la entrevista y las imágenes, Luis!
Thanks a lot for the interview and images Luis!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / Text in English

Luis Alberto Scotti Bonavita was born in Montevideo on January 26, 1959.
As a child, he began working as a serigrapher in his father's silkscreen printing company, taking the trade in the company at the age of 16. At the age of 18 he became manager and production manager of the family business.
In 1982, at the age of 23, he emigrated to Spain to broaden his knowledge in graphic activities, collaborating later, in 1992, as an advisor with the organization of the Barcelona Olympics. And, since then, his life has been a comings and goings in different places.
Today he has a workshop of graphic editions in Montevideo, which he combines with his own pictorial creations.
His silkscreen prints are part of various collections in New York, Los Angeles, Cincinnati, and several other places, as well as the private collection of Greger Olson, in Stockholm, Sweden.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Creating art is for you a pleasure or an effort? When did you start?
Luis Scotti: Art found me when I was in Madrid, where I first started with the edition of graphic works in serigraphy. That was in 1984. I started painting seriously in 2005, when I was already in the United States, where I made my first works. Today I feel that creating is like breathing: if I don't do it, I die. It is a vital necessity, always in crisis, like the bowstring that shoots an arrow, but in peace, convinced that it is my function.

SR: What materials do you prefer to work with?
LS: I'm very fond of using things I find in the street, like cardboard. I'm attached to poor art, you could say, coherent with my position in this world. So, my biggest works are made of cardboard collected from factories. I paint with serigraphy ink, I put onion peels glued and varnished, I also use plastic "enduido" (filler for moldings) and lately I added coffee and beach sand, but there is always a print in play, like a planograph.
But, when I use paper I choose a high quality paper and inks. I like to recycle and reconvert something that for others is a waste into an artistic product, to bring out the potential it has inside. I think that certain tools, as well as some humans, broken people, are right in the end.

SR: Do you think there is a maturity of the artist that is transmitted in the work?
LS: I wouldn't know if the exact word is maturity. What I notice with my work is that whatever I do has a different repercussion and reaches more than I could have expected. Some people have told me that the work has gained solidity. I hope that this is so. I have to do what I do, without holding anything back.

SR: When you face a new work, do you have an initial project? Do you leave room for spontaneity and improvisation? What is that dynamic like?
LS: Before, I used to jump in, like someone who dives into a pool. Now I think more about everything before, but it happens that as soon as I start, I forget, and while I paint I feel as if I were painting many pictures in one. It moves, it is alive, it asks for things, stains, colors, collages. But since I'm a silkscreen printer, until I print something, I'm kind of outside, when I print I take over the work, it's very strange, but I like it, it's my style.

SR: You were living in Spain for a few years, how did you get there? Tell us something about that time.
LS: First I was in Italy, until I was hired in 1982 in Madrid, by a company to print "naranjito" (the logo for the Soccer World Cup) T-shirts. Little by little I stayed. Madrid traps you. It was twelve years in which I learned a lot about my trade, things that do not happen here (in Uruguay), for market reasons. I also had the luxury of having more than a thousand hours of visits in that great cathedral of art that is El Prado Museum, a marvel. There were good and bad moments, but of enormous joy, living the Madrid scene.
Later I had a company with a partner who managed the money. But he did bad business and we went bankrupt. That's when I went to London. I worked in the Pauper Press art silkscreen workshop, where we edited the work of Antoni Tapies, the great Spanish artist. They offered me to stay, but I wanted to go back to my country, I hadn't seen my family for a long time and I had idealized everything a bit, so in 1995 I returned to Uruguay and left again in 2002.

SR: Of course, then you moved to the United States. How was that stage?
LS: I went to Washington D.C. for two months and stayed for 8 years. After six months I exhibited, at the OAS, serigraphs that I had made in Uruguay. Later on I made works in that city, I devoted myself to painting, and I exhibited collectively and individually. I made another exhibition "We are people" which was also at the OAS, with more than 80 works. I took the name of the whole exhibition from a very colorful graffiti I made for that exhibition, about Bolivia. After six months I started teaching at the OAS, the IDB, the American University, Montgomery College and other places. Although I had to alternate with sporadic jobs of painting houses, cooking in bars or cafeterias, it was all very good. There were many teachings, with their comings and goings. In Washington I enjoyed a lot at the National Gallery, another monument to universal art.
I did very well because I was the only Latin American to exhibit in two embassies at the same time, the Uruguayan and Venezuelan embassies in Washington D.C., with the series "Scotti's Love".
I returned to Uruguay in 2010, but I never readapted 100% to my country. Being away for so long, everything becomes so broad that you change your way of thinking, your feelings become broad. Traveling opens your head, it shows you other ways of seeing, thinking and feeling. Sometimes there is that effect of not fitting in, but it is very rich, very vital.

SR: In your work as a silkscreen printer, you silkscreen other people's works. Could you explain to us how that process works? How does that work come about?
LS: Yes, the thing is that in the workshop where I worked, in Madrid, they had a very fine quality. There I started to make editions of other artists. Once an Argentine artist, Jorge Abbott, asked for an edition. I did the first one and given the excellent result, I was hired by the EstiArte Gallery in Madrid, which specializes in graphic work. For me, who had been doing commercial work for years, it was like an awakening to something that seduced me and I continued with strength that branch of silkscreen printing that meant the entrance to another world, the world of art.
The process is much more challenging, and although it is the same silkscreen method, you have to take into account many factors of a pictorial nature, knowing how the colors behave, the transparencies, the chiaroscuros, being faithful to the author. At the same time, I believe that a reproduction is not to achieve the same image, it is an interpretation that has to be done, but you have to be able to know how to do it because in the end you have to achieve the same result as the original work. The print is art, in which technical creation and interpretation must be perfectly combined, it provides qualities and characteristics to the work that cannot be found in the rest of the plastic arts. It is necessary to learn to play with someone else's cards and momentarily appropriate the work.

SR: What was the moment when you felt the greatest freedom in your artistic life?
LS: I think that moment was when I was here in Uruguay, when I painted the bedroom of Jacinto, the son of some friends, the child was not yet born, today he is 5 years old. I stamped the whole family on the walls, even the cats and I even made a print of the ultrasound. I was painting for 4 days, I made several sketches before starting. I remember that one afternoon, working on those sketches (I lived in the workshop of the master Clever Lara and I was also his assistant in a friendly relationship) he approached me almost silently and whispered to me: "this is the most important thing you have done". It must be, I guess. I started silkscreening the walls and ended up painting the sky, the high part. I felt like I was a wild child.

SR: Today you have students, what is it like to teach and see your students progress?
LS: Giving classes is always gratifying, because there is a feedback, when the students are hard workers. I have had very good students, they have made exhibitions of their work in silkscreen, some of them huge.
Although I must confess that sometimes I question myself a lot about what it is to teach. But, for me, the most important thing is to celebrate their achievements and maintain the desire to learn.

SR: What projects do you have in artistic matters?
LS: There are several projects, now suspended because of the pandemic, but they will be done and perhaps with more strength. One in Montevideo, another in Tokyo and another in Miami.
I am thinking of starting a new series because I think it is important to keep the fire burning. Since it will be back to normal soon and this will be just a memory.

martes, 27 de abril de 2021

Carne y huesos / Meat & Bones (I)

Continuando con la racha de recopilaciones temáticas con un criterio más o menos cronológico, presentaré en unos cuantos posts una selección de imágenes de reses sacrificadas, con algo de información y referencias a la evolución de este motivo en la pintura.

Continuing with the streak of thematic compilations with a more or less chronological criteria, I will present in a few posts a selection of images of slaughtered cattle, with some information and references to the evolution of this motif in painting.
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Las representaciones de cerdos y bueyes sacrificados, que tan populares se hicieron en el s.XVII en las obras de los pintores neerlandeses, tienen sus raíces en las imágenes con que se ilustraban las labores cotidianas a lo largo del año en los manuscritos medievales. Allí se dejaba constancia de las tareas relacionadas con la supervivencia que tenían lugar mes a mes, y entre ellas el sacrificio, que generalmente se realizaba en noviembre o diciembre. Así aparece ya en el siguiente manuscrito que se remonta al s.XIII.

Matfre Ermengau (Ermengol de Béziers)
(Francia / France, ? - 1322)

"Breviari d'Amor" (Breviario de amor / Breviary of Love)

"Breviari d'Amor", manuscrito / manuscript, 32,4 x 23,5 cm., 1340. f.116
Österreichische nationalbibliothek. cod. 2583 (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Matfre Ermengau fue un fraile franciscano, legista y trovador de Béziers.
Su obra más famosa fue un libro poético occitano en 35.600 octosílabos llamado "Breviario del amor", iniciado en 1288. Enciclopédico en extensión y diversidad, su único objetivo es la conciliación del amor a Dios con los amores eróticos de la lírica trovadoresca. Está dividido en partes y estructurado como un "árbol del amor". Se conserva en doce códices completos y otros tantos fragmentos. Se tradujo al castellano y al dialecto lemosín.

"Breviari d'Amor", f.116 (detalle / detail)

Matfre Ermengau was a Franciscan friar, legist, and troubadour from Béziers.
His most famous work was an Occitan poetic book in 35,600 octosyllables called the Breviari d'amor, begun in 1288. Encyclopedic in length and diversity, its sole purpose is the reconciliation of love for God with the erotic amours of the troubadour lyric. It is divided into parts and is structured like a "tree of love". The Breviari is preserved in twelve full codices and as many fragments.

"Breviari d'Amor", manuscrito / manuscript, 1351. f.041 (detalle / detail)
Bibliothèque municipale (Lyon, Francia / France), ms. 1351.

The depictions of slaughtered pigs and oxen, which became so popular in the 17th century in the works of Dutch painters, have their roots in the images illustrating daily chores throughout the year in medieval manuscripts. There they recorded the tasks related to survival that took place month by month, including the sacrifice, which was generally performed in November or December. This already appears in the following manuscript dating back to the 13th century.

Tacuinum sanitatis
(Taccuinum / Theatrum Sanitatis)

"Tacuinum sanitatis", latín, 33,5 x 23 cm., 1380-1399. f.152
Österreichische nationalbibliothek (Wien / Viena / Vienna, Austria)

"Tacuinum sanitatis". f.152 (detalle / detail)

El Tacuinum Sanitatis (Taccuinum Sanitatis o Theatrum Sanitatis) es un manual medieval sobre salud y bienestar, un tratado médico árabe de Ibn Buṭlān (ابن بطلان‎) basado en el Taqwim al‑sihha تقويم الصحة (Tablas o Calendario de Salud), de Abulcassis (Abū 'l Qāsim Khalaf ibn 'Abbās al-Zahrāwī [أبو القاسم بن خلف بن العباس الزهراوي) ]). Existe en varias versiones en latín, con manuscritos profusamente ilustrados. Aunque describe con detalle las propiedades benéficas y dañinas de los alimentos y las plantas, es más que un herbario, pues incluye amplias secciones sobre la respiración, el ejercicio, el descanso y la salud mental.

"Tacuinum sanitatis". f.166
Österreichische nationalbibliothek (Wien / Viena / Vienna, Austria)

"Theatrum Sanitatis" Ms.4182, manuscrito / manuscript, tav. 155
Biblioteca Casanatense (Roma, Italia / Rome, Italy)

The Tacuinum Sanitatis (Taccuinum Sanitatis or Theatrum Sanitatis) is a medieval manual on health and well-being, an Arabic medical treatise by Ibn Buṭlān (ابن بطلان) based on the Taqwim al-sihha تقويم الصحة (Tables or Calendar of Health), by Abulcassis (Abū 'l Qāsim Khalaf ibn 'Abbās al-Zahrāwī [أبو القاسم بن خلف بن العباس الزهراوي) ]). It exists in several Latin versions, with profusely illustrated manuscripts. Although it describes in detail the beneficial and harmful properties of foods and plants, it is more than a herbarium, as it includes extensive sections on breathing, exercise, rest, and mental health.

"Theatrum Sanitatis" Ms.4182, manuscrito / manuscript, tav. 141
Biblioteca Casanatense (Roma, Italia / Rome, Italy)

"Theatrum Sanitatis" Ms.4182, tav. 141 (detalle / detail)
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Nicolao da Seregno
(Lugano, Schweiz / Suiza / Switzerland, c.1445 - depués de / after 1500)
Cristoforo da Seregno
(Seregno, Italia / Italy, c.1420 -
Lugano, Schweiz / Suiza / Switzerland, después de / after 1500)

Frescos de la Iglesia de Sta. Maria del Castello /
Frescoes in the Church of Santa Maria del Castello (Mesocco, Grisones, Suiza / Grisons, Switzerland)

Ya en el s.XV, en la iglesia suiza de Sta. Maria di Castello, encontramos este enorme fresco en el que se representan las labores según el mes en que se realizan, y la viñeta dedicada a noviembre se consagra a la matanza. La obra fue realizada por Nicolao da Seregno y su tío Cristoforo. El primero fue un pintor suizo-italiano nacido hacia 1445 en Lugano, cuyos primeros frescos documentados datan de 1463, en la fachada de la iglesia de San Lorenzo y Santa Águeda de Rossura. Ese mismo año pintó fresco de la iglesia parroquial de Zug, actualmente en el Museo Nacional Suizo de Zúrich. Cristoforo nació en Seregno hacia 1420. Aparece por primera vez en las crónicas de Lugano en 1448, aunque probablemente su taller de pintura se había abierto unos años antes (en ese mismo taller se formarán su hijo Rocco y su sobrino Nicolao). Algunas de sus obras son los frescos del coro de la capilla de Lottigna (1445), la última cena de la iglesia de San Paolo en Arbedo (1460), los frescos de la iglesia de los santos Lorenzo y Ágata en Rossura, también con su sobrino Nicolao (1463), y el San Sebastián de la iglesia de San Giulio en Roveredo (1479).

"Noviembre / November" (detalle del fresco / detail). Wikimedia Commons
Iglesia de / Church of Sta. Maria del Castello

Made in the 15th century, in the Swiss church of St. Maria di Castello, we find this enormous fresco in which the work is represented according to the month in which it is carried out, and the vignette dedicated to November is devoted to the slaughter. The work was executed by Nicolao da Seregno and his uncle Christoforo. The first one was a Swiss-Italian painter born c.1445 in Lugano, whose first documented frescoes date back to 1463, on the façade of the church of San Lorenzo and Santa Agatha in Rossura. The same year he painted the fresco in the parish church of Zug, now in the Swiss National Museum in Zurich. Cristoforo was born in Seregno c.1420. He appears for the first time in the chronicles of Lugano in 1448, although probably his painter's workshop had been opened a few years earlier (in that same workshop will train his son Rocco and his nephew Nicolao). Some of his works are the frescoes of the choir of the Chapel in Lottigna (1445); The Last Supper in the Church of San Paolo in Arbedo (1460); the frescoes in the Church of Saints Lorenzo and Agata in Rossura, also with his nephew Nicolao (1463), and the Saint Sebastian in the Church of San Giulio in Roveredo (1479)
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El tema cobró nueva vida a mediados del siglo XVI a través de las obras de los pintores flamencos Pieter Aertsen (1508-75) y Joachim Beuckelaer (c.1533 - c.1574), que incorporaron animales sacrificados y destripados en sus vívidas representaciones de puestos de mercado abundantemente abastecidos, y también exploraron el tema como motivo independiente (que es en lo que nos centraremos básicamente). Fuente

The theme was given new life in the mid-sixteenth century through the works of the Flemish painters Pieter Aertsen (1508–75) and Joachim Beuckelaer (ca. 1533–ca. 1574), who incorporated slaughtered and disemboweled animals in their vivid renderings of abundantly supplied market stalls, and also explored the theme as an independent motif (which is what we will basically focus on). Source

Joachim Beuckelaer
(Antwerpen, Vlaanderen [nu België] / Amberes, Flandes [hoy Bélgica] /
Antwerp, Flanders [today Belgium], c.1533 - c.1570/5)

Joachim Beuckelaer fue un pintor flamenco especializado en escenas de mercado y de cocina con elaboradas muestras de alimentos y enseres domésticos. También pintó bodegones sin figuras en la escena central. Su desarrollo del género de las escenas de mercado y cocina influyó en el desarrollo del arte del bodegón en el norte de Europa y en Italia.
Los detalles sobre la vida del artista son escasos. Beuckelaer nació en Amberes en una familia de pintores. Probablemente era hijo del pintor Mattheus Beuckeleer y hermano de Huybrecht Beuckeleer. Su hermano también se convirtió en pintor y las obras de Huybrecht se han atribuido en ocasiones erróneamente a Joachim. Posiblemente aprendió a pintar en el taller de su tío, Pieter Aertsen, que se había casado con su tía Kathelijne Beuckelaer. Aertsen era más conocido por sus escenas de mercado y de cocina, géneros. Beuckelaer se convirtió en maestro independiente en el Gremio de San Lucas de Amberes en 1560.
Beuckelaer permaneció activo en Amberes a lo largo de su carrera y continuó desarrollando los temas iniciados en la pintura por Aertsen, pero podría decirse que superó a su presunto maestro en habilidad. La fecha de su muerte no se conoce con certeza, pero es probable que se sitúe entre 1570 y 1574.

"Het geslacht varken / Cerdo desollado / Slaughtered Pig", óleo sobre roble / oil on oak, 114 x 83 cm., 1563
Wallraf-Richartz-Museum (Köln / Colonia, Alemania / Cologne, Germany). Wikimedia Commons

Joachim Beuckelaer was a Flemish painter specialising in market and kitchen scenes with elaborate displays of food and household equipment. He also painted still lifes with no figures in the central scene. His development of the genre of market and kitchen scenes was influential on the development of still life art in Northern Europe as well as Italy.
Details about the life of the artist are scarce. Beuckelaer was born in Antwerp into a family of painters. He was likely the son of the painter Mattheus Beuckeleer and the brother of Huybrecht Beuckeleer. His brother also became a painter and the works of Huybrecht have occasionally been misattributed to Joachim. He possibly learned to paint in the workshop of his uncle, Pieter Aertsen, who had married his aunt Kathelijne Beuckelaer. Aertsen was best known for his market and kitchen scenes, genres. Beuckelaer became an independent master in the Antwerp Guild of Saint Luke in 1560.
Beuckelaer remained active in Antwerp throughout his career and continued to develop themes pioneered in painting by Aertsen, but arguably surpassing his presumed master in skill. The date of his death is not known with certainty but fell likely between 1570 and 1574.
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Maerten (Marten, Martín) van Cleve el Viejo / the Elder
(Antwerpen, Vlaanderen [nu België] / Amberes, Flandes [hoy Bélgica] /
Antwerp, Flanders [today Belgium], 1527 - antes de / before 1581)

"Buey desollado / Slaughtered Ox", óleo sobre panel / oil on panel, 68 x 53,5 cm., 1566.
Kunsthistorisches Museum (Wien / Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

Marten van Cleve el Viejo fue un pintor y dibujante flamenco activo en Amberes entre 1551 y 1581. Van Cleve es conocido principalmente por sus escenas de género con campesinos y paisajes, que muestran cierto parecido con la obra de Pieter Bruegel el Viejo. Fue uno de los principales artistas flamencos de su generación. Sus temas y composiciones ejercieron una importante influencia en la obra de Pieter Brueghel el Joven y de otros pintores de género de su generación.

"Bauernstube mit vornehmen Besuchern / Interior de una granja con importantes visitantes /
Farm Interior With Important Visitors"
Óleo sobre panel / oil on panel, 123 x 144 cm., entre / between c.1555 - c.1560
Kunsthistorisches Museum (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Marten van Cleve the Elder was a Flemish painter and draftsman active in Antwerp between 1551 and 1581. Van Cleve is mainly known for his genre scenes with peasants and landscapes, which show a certain resemblance with the work of Pieter Bruegel the Elder. He was one of the leading Flemish artists of his generation. His subjects and compositions were an important influence on the work of Pieter Brueghel the Younger and other genre painters of his generation.

"Bauernstube... / Interior de una granja... / Farm Interior" (detalle / detail)
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Annibale Carracci
(Bolonia, Italia / Bologna, Italy, 1560 - Roma / Rome, 1609)

"Carnicería / Butcher's Shop", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190 x 272 cm., 1580
Christ Church Picture Gallery (Oxford, Inglaterra / England). Wikimedia Commons

Los cuadros son ejemplos muy tempranos de la pintura de género italiana. El gran tamaño del cuadro de Christ Church es excepcional para un tema de este tipo en estas fechas, y se ha sugerido que fueron encargados por un gremio de carniceros, o para su uso como cartel. Carracci recibió la influencia de Vincenzo Campi y Bartolomeo Passarotti (a quien se atribuyó originalmente "La Carnicería"), en la representación de temas de la vida cotidiana. Queda demostrada la capacidad de Carracci para adaptar su estilo, haciéndolo "más bajo" cuando se trata de temas "bajos", casi satíricos, mientras que en sus obras más académicas (como la Asunción de la Virgen, más o menos contemporánea) era capaz de utilizar un modo más acabado con la misma facilidad.

"La carnicería / The Butcher's Shop"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, principios de / early 1580s
Kimbell Art Museum (Fort Worth, Texas, EE.UU./ TX, USA). Wikimedia Commons

The paintings are connected to the contemporary Beaneater (Galleria Colonna), as they are very early examples of Italian genre painting. The large size of the Christ Church painting is exceptional for such a subject at this date, and it has been suggested they were commissioned by a butcher's guild, or for use as a sign. Carracci was influenced in his depiction of everyday life subjects by Vincenzo Campi and Bartolomeo Passarotti, whom the Butcher's Shop was originally attributed to. Carracci's ability to adapt his style is demonstrated, making it "lower" when concerning "lower", quasi-satirical subjects, while in his more academic works (such as the roughly contemporary Assumption of the Virgin) he was able to use a more finished manner with the same ease.

"La carnicería / The Butcher's Shop" (detalle / detail)

Utilizando el lenguaje de la Biblia, los teólogos han calificado de "tentaciones de la carne" los peligros de los hábitos de consumo que emanan de una oferta tan abundante de productos, y éstos son a menudo el tema de cuadros bastante gráficos de carnicerías. Al igual que el arte de Aertsen y Beuckelaer, en el siglo XVI todavía no son bodegones puros, aunque muestran la tendencia a la materialización inherente a este género. WGA

Using the language of the Bible, theologians have referred to the dangers of the consumer habits which emanate from such abundant supply of products as 'temptations of the flesh,' and these are quite often the theme of rather graphic paintings of butchers' shops. Like Aertsen and Beuckelaer's art, in the 16th century they are not yet pure still-lifes, although they do display the tendency towards materialization inherent in this genre. WGA

Annibale Carracci en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCI)]
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El siglo XVII / The 17th Century

Gerrit Lundens
(Ámsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1622 -
después de / after 1677)

Gerrit Lundens fue un pintor holandés conocido por sus escenas de género, retratos en miniatura y pinturas de vanitas. También realizó copias de famosos maestros holandeses.
Es conocido por sus retratos, obras de género, naturalezas muertas y copias de maestros antiguos, entre las que destaca su copia de "La ronda nocturna" en la colección de la National Gallery de Londres. Su hermana Catharina se casó con el pintor Abraham van den Hecken, también en Sloterdijk, en 1635, y el pintor Christoffel van Sichem fue uno de sus testigos.
Murió en 1677.

Atribuido a / Attributed to Gerrit Lundens
"Interior de unca cocina con figuras bajo una carcasa colgante de cerdo /
A Kitchen Interior With Figures Beside a Pig's Hanging Carcass"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 41 x 53 cm. Bonhams

Gerrit Lundens was a Dutch painter known for his genre scenes, miniature portraits and vanitas paintings. He also made copies after famous Dutch masters.
He is known for portraits, genre works, still lifes and copies of old masters, the most notable of which is his copy of the Night Watch in the collection of the National Gallery, London. His sister Catharina married the painter Abraham van den Hecken, also in Sloterdijk in 1635 and the painter Christoffel van Sichem was one of their witnesses.
He died in 1677.
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Adriaen Van Ostade
Adriaen Jansz Hendricx
(Haarlem, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1610 - 1685)

"Cerdo desollado en un granero / Slaughtered Pig in a Barn"
Óleo sobre roble / oil on oak, 61 x 49,2 x 0,8 cm., 1643
Städel Museum (Fráncfort, Alemania / Frankfurt, Germany)

Adriaen van Ostade en "El Hurgador" / in this blog[Ventanas (IV)]
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Hubert van Ravesteyn
(Dordrecht, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1638 - 1691)

"Interior de un granero con un cerdo desollado, un chico jugando con la vejiga del cerdo, una oveja, un gallito y un perro, vegetales sobre una repisa de madera, una chica ordeñado vacas. Una vista de Dordrecht a lo lejos /
A Barn Interior With a Slaughtered Pig, a Young Boy Playing With a Pig's Bladder, Sheep, a Cockerel and a Dog, Vegetables on a Wooden Ledge, a Maid Milking Cows. A View of Dordrecht Beyond"
Óleo sobre panel / oil on panel, 43,8 x 59,2 cm. Sotheby's

Hubert van Ravesteyn fue un pintor holandés de interiores y de ganado, hijo de Herman van Ravesteyn. Se casó el 22 de diciembre de 1669 en Papendrecht con Catharina van Meurs, con quien tuvo 8 hijos. Sus cuadros, firmados con el monograma H.R., están pintados en un tono pardo a la manera de Cornelis Saftleven, Hendrik Martenszoon Sorgh y otros. En sus primeros cuadros (como por ejemplo el bodegón de 1664 del Museo de Ámsterdam) la pintura está más cuidadosamente coloreada.

"Interior de un granero... / A Barn Interior..." (detalle / detail)

Hubert van Ravesteyn was a Dutch painter of interiors and cattle, the son of Herman van Ravesteyn. He was married 22 December 1669 in Papendrecht to Catharina van Meurs, with whom he had 8 children. His pictures, signed with the monogram H.R., are painted in a brownish tone in the manner of Cornelis Saftleven, Hendrik Martenszoon Sorgh, and others. In his early pictures (as for example the still-life of 1664 in the Museum at Amsterdam) the painting is more carefully coloured.

Círculo de / Circle of Hubert van Ravesteyn
"Casa rural con campesinos sacrificando cerdos / Rural House With Peasants Slaughtering Pigs"
Óleo sobre panel del roble / oil on oak panel, 40 x 54 cm. Liveauctioneers
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Reynier Covijn (Covyn)
(Antwerpen, Vlaanderen [nu België] / Amberes, Flandes [hoy Bélgica] /
Antwerp, Flanders [today Belgium], 1636 -
Dordrecht, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1681)

Reynier Covyn fue un pintor de género del Siglo de Oro holandés, hermano de Israel Covyn.
Según la RKD, se casó el 26 de mayo de 1662 en Papendrecht, y vivió en 1667 en Dordrecht, en la Breestraat. Hizo un viaje con su hermano Israel Covyn a Amberes en 1674. 
Fue seguidor (y posiblemente alumno) de Nicolaes Maes y es conocido por sus escenas de cocina, bodegones de frutas y desayunos.

"Interior de una cocina con una joven y la carcasa de un cerdo /
A Kitchen Interior with a Maid by the Carcass of a Pig"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58,5 x 57,5 cm. Colección privada / Private Collection. AKG

Reynier Covyn was a Dutch Golden Age genre painter, the brother of Israel Covyn.
According to the RKD he married on 26 May 1662 in Papendrecht, and lived in 1667 in Dordrecht in the Breestraat. He made a trip with his brother Israel Covyn to Antwerp in 1674. 
He was a follower (and possibly a pupil) of Nicolaes Maes and is known for kitchen scenes, fruit still lifes, and breakfast pieces.
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Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(Leiden, Republiek der Zeven Verenigde Nederlanden / 
Provincias Unidas de los Países Bajos / Dutch Republic, 1606 - Amsterdam, 1669)

"El buey desollado / The Slaughtered Ox", óleo sobre roble / oil on oak, 94 x 69 cm., 1655
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

El cuadro muestra el cadáver descuartizado de un toro o un buey, colgado en una construcción de madera, posiblemente un establo o cobertizo. El cadáver está suspendido por sus dos patas traseras, atadas con cuerdas a un travesaño de madera. El animal ha sido decapitado y desollado, se le ha abierto la cavidad torácica y se le han extraído los órganos internos, dejando al descubierto una masa de carne, grasa, tejido conjuntivo, articulaciones, huesos y costillas. El cadáver está cuidadosamente coloreado, y se le ha dado textura mediante un impasto. En el fondo, una mujer aparece detrás de una puerta entreabierta, lo que hace que el cuadro deje de ser una naturaleza muerta para convertirse en una pintura de género, una escena de la vida cotidiana. A veces se considera una vanitas o memento mori; algunos comentaristas hacen referencia a la matanza del ternero cebado en la historia bíblica del Hijo Pródigo, otros directamente a la Crucifixión de Jesús.

"El buey desollado / The Slaughtered Ox", óleo sobre panel / oil on panel, 49,8 x 36,8 cm., 1640s
Philadelphia Museum of Art (Filadelfia, Pensilvania, EE.UU./ Philadelphia, PA, USA)

El cuadro se encuentra en la colección del Louvre de París desde 1857. Como puede verse aquí, un cuadro similar se encuentra en la Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow, posiblemente del propio Rembrandt, pero probablemente de uno de sus alumnos, quizá Fabritius. Otros cuadros similares de Rembrandt o, más probablemente, de su círculo, se conservan en museos de Budapest y Filadelfia.

Seguidor de / Follower of Rembrandt
"El buey desollado / The Slaughtered Ox"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 73,3 x 51,8 cm.,  c.1644. Wikimedia Commons
Kelvingrove Art Gallery and Museum (Glasgow, Escocia / Scotland)

The painting shows the butchered carcass of a bull or an ox, hanging in a wooden building, possibly a stable or lean-to shed. The carcass is suspended by its two rear legs, which are tied by ropes to a wooden crossbeam. The animal has been decapitated and flayed of skin and hair, the chest cavity has been stretched open and the internal organs removed, revealing a mass of flesh, fat, connective tissue, joints, bones, and ribs. The carcass is carefully coloured, and given texture by impasto. In the background, a woman appears behind a half-open door, lifting the painting from still life into a genre painting, a scene of everyday life. It is sometimes considered a vanitas or memento mori; some commentators make references to the killing of the fatted calf in the biblical story of the Prodigal Son, others directly to the Crucifixion of Jesus.

Escuela de Rembrandt / Rembrandt School (Isaac van Ostade?)
"El buey desollado / The Slaughtered Ox"
Óleo sobre madera de roble / oil on oak wood, 53 x 44 cm., 1639. Wikimedia Commons
Szépművészeti Múzeum / Museo de Bellas Artes (Budapest, Hungría / Hungary)

The painting has been in the collection of the Louvre in Paris since 1857. As you can see here, a similar painting is in Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, possibly by Rembrandt himself but probably by one of his pupils, perhaps Fabritius. Other similar paintings by Rembrandt or more likely his circle are held by museums in Budapest and Philadelphia.

Rembrandt en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]