domingo, 19 de mayo de 2019

Aniversarios / Anniversaries (CCXCII) [Mayo / May 13-19]

Todos los aniversarios de Mayo aquí / All anniversaries for May here.
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El 13 de Mayo es el cumple de

Fritz Fröhlich, pintor y poeta austriaco nacido en 1910 en Linz.
Provenía de una familia ferroviaria y asistió a la escuela primaria de Dürnberg en Ottensheim, en la Alta Austria.
Entre 1929 y 1937 estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con Wilhelm Dachauer y Ferdinand Andri. En 1937 participó en la exposición "Arte austriaco del presente" en la antigua Südbahnhalle en Linz y comenzó a trabajar como artista independiente. Ya en 1938 su desarrollo artístico fue interrumpido por un incendio en su estudio en Dürnberg. Toda su obra de juventud, con la excepción de algunas obras a pedido, fue destruida.
Fröhlich fue reclutado en la Wehrmacht en 1940 y se mudó al cuartel de Kagran. En 1941 se casó con Beatrix Weißgärber. A principios del verano del mismo año, fue trasladado al frente del sudeste de Europa al Mar Negro y huyó en 1945.
A partir de 1946 comenzó con varios experimentos artísticos. Su obra fue inicialmente influenciada por sus experiencias en tiempos de guerra. Finalmente, la visita a la exposición Picasso en Munich, en 1952, fue el factor decisivo para su viraje hacia el cubismo analítico, al tiempo que mantuvo el carácter figurativo.
En 1958 fue nombrado profesor.

"Winterliche Begegnung / Reunión de invierno / Winter Reunion"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 87 x 116 cm., 1938. Kunsthandel Freller

Un viaje a España en 1961 fue la ocasión para que Fröhlich se involucrara con la cultura morisca y con la personalidad histórica de Carlos V.
En 1979 se presentó una exposición itinerante en la galería de la Ópera Estatal de Viena, en el Kunstverein de Alta Austria, en el Landesmuseum Oldenburg, en el Nassauischer Kunstverein de Wiesbaden, en la Galerie Alpirsbach y en el Landesgirokasse en Stuttgart. Ese mismo año el artista fue galardonado con una muestra en solitario por la Galerie Apfelbaum en el Art Basel.
En 1983 la Abadía de Wilhering, donde Fröhlich pasó gran parte de su vida con su esposa, abrió un museo dedicado a él, la Colección Fritz Fröhlich.
En 2000 el Museo Nórdico de Linz presentó una gran retrospectiva con motivo de su 90 cumpleaños.
Murió en 2001.

"Die unvermeidlich gewordene Trennung / La inevitable separación / The Inevitable Separation"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 86 x 102 cm. Kunsthandel Freller

On May 13 is the birthday of

Fritz Fröhlich, Austrian painter and poet born in 1910 in Linz.
He came from a railwayman family and attended the elementary school on Dürnberg, in Ottensheim, Upper Austria.
Between 1929 and 1937 he studied at the Academy of Fine Arts Vienna under Wilhelm Dachauer and Ferdinand Andri. In 1937 he participated in the exhibition "Austrian Art of the Present" in the former Südbahnhalle in Linz and began to work as a freelance artist. Already in 1938 his artistic development was interrupted by a fire in his studio at Dürnberg. All youth work - with the exception of some outsourced works - was destroyed.
Fröhlich was drafted into the Wehrmacht in 1940 and moved into Kagran barracks. In 1941 he married Beatrix Weißgärber. In the early summer of the same year he was transferred to the Southeast European front to the Black Sea and fled in 1945.
From 1946 Fritz Fröhlich began with various artistic experiments. His work was initially influenced by his wartime experiences. Finally, the visit to the Picasso exhibition in Munich in 1952 was the decisive factor for his turn to analytic cubism while retaining the representational.
In 1958 he was named Professor.

"Europa auf dem Weg nach Brüssel / Europa en su camino hacia Bruselas /
Europe on the way to Brussels"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 86 x 102 cm., 1999. Strabag Kunstforum

A trip to Spain in 1961 was the occasion for Fröhlich's engagement with the Moorish culture and with the historical personality of Charles V.
In 1979, a traveling exhibition was shown in the gallery of the Vienna State Opera, in the Upper Austrian Kunstverein, in the Landesmuseum Oldenburg, in the Nassauischer Kunstverein in Wiesbaden, in the Galerie Alpirsbach and in the Landesgirokasse in Stuttgart. In the same year the artist was honored with a "One Man Show" by the Galerie Apfelbaum at the Art Basel.
In 1983 Wilhering Abbey, where Fröhlich spent much of his life with his wife, opened a museum dedicated to him, the Fritz Fröhlich Collection.
In 2000, the Linz City Museum Nordico presented a major retrospective on the occasion of its 90th birthday.
He died in 2001.

"Gegen die Regel / Contra la regla / Against the Rule"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48 x 78 cm., 1985. Kunsthandel Freller


El 14 de Mayo es el cumple de

Richard Estes, artista estadounidense nacido en 1932 en Kewanee, Illinois, conocido por sus pinturas fotorrealistas que consisten principalmente en paisajes urbanos y reflejos geométricos, limpios e inanimados. Se le considera uno de los fundadores del movimiento fotorrealista internacional de fines de la década de 1960, con pintores como John Baeder, Ralph Goings, Chuck Close, Audrey Flack y Duane Hanson.
A edad temprana se mudó a Chicago con su familia, donde estudió bellas artes en el Instituto de la Escuela de Arte de Chicago (1952–56). Con frecuencia estudió las obras de pintores realistas como Edgar Degas, Edward Hopper y Thomas Eakins, quienes están fuertemente representados en la colección del Instituto de Arte. Después de completar sus cursos se mudó a la ciudad de Nueva York y durante los siguientes diez años trabajó como artista gráfico para varias editoriales de revistas y agencias de publicidad en Nueva York y España. Durante este período pintaba en su tiempo libre. Había vivido en España desde 1962, y en 1966 ya tenía solvencia financiera como para pintar a tiempo completo.

"Cabinas telefónicas / Telephone Booths"
Acrílico sobre masonita / acrylic on masonite, 122 x 175,3 cm., 1967
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Sus obras rara vez incluían basura o nieve alrededor de los edificios porque creía que estos detalles restaban valor a los edificios en sí. Las pinturas siempre se sitúan en horas diurnas, lo que sugiere "mañanas de domingo vacías y tranquilas". Las obras de Estes se esfuerzan por crear una tridimensionalidad convincente en un lienzo bidimensional, en base a varias fotografías del tema. Evitó usar los famosos monumentos de Nueva York. Sus pinturas mostraban finos detalles, invisibles para el ojo desnudo, ofrenciendo la "profundidad e intensidad de visión que solo la transformación artística puede lograr". Si bien había un cierto grado de alteración en aras de la composición estética, era importante para Estes que el tema central y los principales objetos reflejados fueran reconocibles, pero también que se mantuviera la calidad evanescente de los reflejos.

"El autobús de Broadway en la calle Liberty / Broadway Bus at Liberty Street"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 x 121 cm., 1996
Colección del Banco de la República (Bogotá, Colombia)

On May 14 is the birthday of

Richard Estes, American artist born in 1932 in Kewanee, Illinois, best known for his photorealist paintings generally consist of reflective, clean, and inanimate city and geometric landscapes. He is regarded as one of the founders of the international photo-realist movement of the late 1960s, with such painters as John Baeder, Ralph Goings, Chuck Close, Audrey Flack, and Duane Hanson.
At an early age, Estes moved to Chicago with his family, where he studied fine arts at The School of the Art Institute of Chicago (1952–56). He frequently studied the works of realist painters such as Edgar Degas, Edward Hopper, and Thomas Eakins, who are strongly represented in the Art Institute's collection. After he completed his course of studies, Estes moved to New York City and, for the next ten years, worked as a graphic artist for various magazine publishers and advertising agencies in New York and Spain. During this period, he painted in his spare time. He had lived in Spain since 1962 and, by 1966, was financially able to paint full-time.

"People's Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162,6 x 92,7 cm., 1971
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

His work rarely included litter or snow around the buildings because he believed these details detract from the buildings themselves. The paintings are always set during daylight hours, suggesting "vacant and quiet Sunday mornings." Estes's works strive to create convincing three-dimensionality on a two-dimensional canvas. 
Estes's paintings were based on several photographs of the subject. He avoided using famous New York landmarks. His paintings provided fine detail that were invisible to the naked eye, and gave "depth and intensity of vision that only artistic transformation can achieve." While some amount of alteration was done for the sake of aesthetic composition, it was important to Estes that the central and the main reflected objects be recognizable, but also that the evanescent quality of the reflections be retained.

"La línea L / The L Train", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94,6 x 127,3 cm., 2016
Galería Malborough (Madrid, Barcelona, España / Spain)


El 15 de Mayo es el cumple de

Alois Kalvoda, pintor paisajista checo nacido en 1875 Šlapanice cerca de Brno.
Asistió al gymnasium en Brno y luego estudió en la Academia de Bellas Artes de Praga durante cinco años, 1892–97, con Julius Mařák. En 1900 una beca le permitió estudiar en París, desde donde se mudó a Munich en 1901. Su tiempo en Munich se acredita con la ampliación de su experiencia de las tendencias contemporáneas. Expuso por primera vez en Praga en 1901, y en 1902 lo hizo en la Unión de Bellas Artes de Mánes.
Abrió una escuela de arte en Praga en 1900, donde contó entre sus estudiantes con Josef Váchal. En 1917 mudó esta escuela a un castillo que había comprado en Běhařov.
En 1907 fue uno de los miembros fundadores de la Asociación de Artistas de Moravia.

"Abedules / Birch Trees"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 150 cm., 1904
Národní galerie v Praze / Galería Nacional (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)

Se casó primero con Anna Fastrova (1905-29) y luego con Bozena Peloušková (desde 1933).
Las pinturas de Kalvoda se centran en paisajes checos. Su estilo fue marcado inicialmente por Mařák, luego por el naturalismo, con una inclinación hacia el simbolismo del Art Nouveau. A partir de 1907 su pintura se hizo cada vez más impresionista.
Realizó una veintena de exposiciones nacionales independientes y también expuso en Viena, Berlín, Varsovia, Roma, París, San Luis y Pittsburgh. Su exposición póstuma de 1936 en Praga estuvo conformada por 110 obras.
Murió en 1934.

"Na sklonku zimy / Al final del invierno / At The End Of Winter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 79 cm., c.1910. Galerie Kodl

On May 15 is the birthday of

Alois Kalvoda, Czech landscape painter born in 1875 Šlapanice near Brno.
He attended the gymnasium in Brno and then studied at the Academy of Fine Arts in Prague for five years, 1892–97, with Julius Mařák. In 1900 a scholarship allowed him to study in Paris, from where he moved to Munich in 1901. His time in Munich is credited with broadening his experience of contemporary trends. He first exhibited in Prague in 1901, and in 1902 exhibited at the Mánes Union of Fine Arts.
He opened an art school in Prague in 1900, where his students included Josef Váchal. He moved this school in 1917 to a castle he had purchased in Běhařov.
In 1907, he was one of the founding members of the Association of Moravian Artists.

"Moje česká chaloupka na Křivoklátě / Mi casa de campo checa en Krivoklat /
My Czech cottage in Krivoklat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43 x 43,5 cm. Wikimedia Commons

He was married first to Anna Fastrova (1905–29) and then to Bozena Peloušková (from 1933).
Kalvoda's paintings focused on Czech landscapes. His style was initially marked by Mařák, then by naturalism, with an inclination towards Art Nouveau symbolism. From 1907 his painting became increasingly impressionist. 
He held some twenty separate domestic exhibitions and was also exhibited in Vienna, Berlin, Warsaw, Rome, Paris, Saint Louis, and Pittsburgh. His 1936 posthumous exhibition in Prague consisted of 110 works.
He died in 1934.

"Potok / Corriente / Stream"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 60 x 70 cm. Galerie Kodl


El 16 de Mayo es el cumple de

Charles Marie Bouton, pintor y litógrafo francés nacido en 1781 en París.
Fue alumno de Jacques-Louis David, Jean-Victor Bertin y el primer pintor francés de panoramas Pierre Prévost.
Las piezas arquitectónicas y las ruinas, como el Coliseo ("Seis vistas interiores del Coliseo") en Roma, así como las vistas interiores de las iglesias que también litografió, lo dieron a conocer a un público más amplio. Su perspectiva hábilmente elegida y la distribución ordenada de la luz y la sombra fueron apreciadas, lo que condujo a escenas espectacularmente escenificadas.

"Capilla gótica / Gothic Chapel"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46.7 x 38.7 cm.,
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

En 1822, Bouton y Louis Jacques Mandé Daguerre (inventor del daguerrotipo, un proceso fotográfico temprano) abrieron el Diorama en París. Este entretenimiento escenográfico incluía dos enormes lienzos, por lo general uno con una vista natural y el otro una vista arquitectónica, iluminada por luces en movimiento y de colores. Los efectos sorprendentemente realistas emocionaron al público. El Diorama tuvo un éxito instantáneo y proporcionó un contexto directo para las pinturas que Bouton exhibió regularmente en el Salón.
El escenario de las dos pinturas en formato de 14 × 22 m. era explicado por un orador y, además, acompañado de sonidos. Un público curioso observaba las sesiones que duraban de 10 a 15 minutos.
En 1830 se trasladó a Londres.
Murió en 1853.

"Chapelle du Calvaire dans l'église Saint-Roch / Capilla del Calvario en la Iglesia de San Roque /
Calvary Chapel in the St Roch Church", 1817. Wikimedia Commons

Reconstrucción en un modelo de una sesión del Teatro Diorama /
Reconstruction on a model of a session of the Diorama Theater.



Daguerre en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (XLIV)]

On May 16 is the birthday of

Charles Marie Bouton, French painter and lithographer born in 1781 in Paris.
He was a student of Jacques-Louis David, Jean-Victor Bertin, and the first French panorama painter Pierre Prévost.
Architectural pieces and ruins, such as the Coliseum ("Six Vues intérieures du Colysée") in Rome, as well as interior views of churches that Bouton also lithographed, made him known to a wider audience. His skilfully chosen perspective and the arranged distribution of light and shadow were appreciated, which led to spectacularly staged scenes.

"Salle souterraine / Sala subterránea / Underground Hall"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 21 x 27,5 cm., c.1824. Galerie La Nouvelle Athènes

In 1822 Bouton and Louis Jacques Mandé Daguerre (inventor of the daguerreotype, an early photographic process) opened the Diorama in Paris. This scenographic entertainment included two enormous canvases, typically with one featuring a natural view and the other an architectural view, illuminated by moving, colored lights. The strikingly realistic effects thrilled audiences. The Diorama was instantly successful and provided a direct context for paintings that Bouton exhibited regularly at the Salon.
The scenery of the two paintings in the format 14 × 22 m were explained by a speaker and additionally accompanied with sounds. A curious audience watched the 10 to 15-minute performances.
In 1830 he moved to London.
He died in 1853.

"Ruinas en la niebla / Ruins in Fog",  c.1823. Diorama Daily


El 17 de Mayo es el cumple de

Anthony Eyton, artista británico y miembro de la Royal Academy, nacido en 1923 en Teddington, Middlesex.
Estudió bellas artes en la Universidad de Reading antes de partir para el Ejército durante la Segunda Guerra Mundial (1942-1947). Después de la desmovilización, reanudó sus estudios de inmediato, esta vez en la Escuela de Arte de Camberwell hasta 1950. En 1951 viajó a Italia después de ganar una Beca Major Abbey.
Eyton es un pintor figurativo que trabaja en lo que podría denominarse la tradición postimpresionista. Ha realizado numerosas exposiciones en toda Gran Bretaña en galerías destacadas, como la Royal Academy, la Tate Gallery, la South London Gallery, la Hayward Gallery y el Imperial War Museum. Ha ganado muchos premios, incluido el John Moores en 1972. Fue elegido como Académico Real Asociado (A.R.A) en 1976, miembro de pleno derecho en 1986 y Académico en 1998.

"Ventana abierta / Open Window, Spitalfields"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 243,8 x 172,7 cm., 1976-81
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Entre sus muchos encargos importantes se cuenta la invitación de 1994 de la Tate Gallery a trabajar en la central eléctrica de Bankside antes de convertirse en Tate Modern. Con sede en Londres, Inglaterra, ha seguido trabajando y exhibiendo hasta los ochenta años. Ejemplos de la pintura de Eyton se encuentran en las principales colecciones públicas y privadas de todo el mundo.
Comenzó a enseñar en Camberwell en 1955 y continuó allí como tutor a tiempo parcial hasta la década de 1980. Fue Jefe de Pintura en el St. Lawrence College, Kingston, Ontario en 1969 y enseñó en las Escuelas de la Royal Academy desde 1964 hasta 1999.

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 15" x 18" cm. Vauxhall History

On May 17 is the birthday of

Anthony Eyton, British artist and member of the Royal Academy, born in 1923 in Teddington, Middlesex.
He studied fine art at Reading University before leaving for the Army during the Second World War (1942–1947). After demobilisation, he immediately resumed his studies, this time at Camberwell School of Art until 1950. In 1951, he travelled to Italy after winning an Abbey Major Scholarship.
Eyton is a figurative painter working in what could be termed the post-Impressionist tradition. He has exhibited extensively throughout Britain at leading galleries such as the Royal Academy, the Tate Gallery, the South London Gallery, the Hayward Gallery and the Imperial War Museum. The artist has won many awards, including the John Moores Prize in 1972. He was elected an Associate Royal Academician (A.R.A) in 1976, a full member in 1986 and a Senior R.A. in 1998.

"El tanque. Central eléctrica Bankside / The Tank, Bankside Power Station"
Pastel sobre papel / pastel on paper, 140,1 x 100 cm., 1995
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Among his many significant commissions was the 1994 invitation by the Tate Gallery to work in the Bankside Power Station prior to it becoming Tate Modern. Based in London, England he has continued to work and exhibit into his eighties. Examples of Eyton's painting are held in major public and private collections throughout the world.
He began teaching at Camberwell in 1955 and continued there as a part-time tutor until the 1980s. He was Head of Painting at St. Lawrence College, Kingston, Ontario in 1969 and taught at the Royal Academy Schools from 1964 to 1999.

"Festival indio / Indian Festival, Varanasi", óleo / oil, 172 x 192 x 5 cm.
Royal Academy (Londres, Reino Unido / London, UK)


El 18 de Mayo es el cumple de

Pyotr (Peter) Pavlovich Ossovsky (Петр Павлович Оссовский), pintor soviético ruso nacido en 1925 en el pueblo de Malaya Viska en la región de Kirovograd, Ucrania.
En 1944 se graduó en la Escuela de Arte de Moscú. Entre 1944 y 1950 estudió en el Instituto Estatal de Arte de Moscú V.I. Surikov en el taller del profesor S.V. Gerasimov. En 1956 fue aceptado como miembro de la Unión de Artistas de la URSS. Se convirtió en uno de los fundadores del "estilo severo", una tendencia que apareció en el arte doméstico a principios de los años sesenta. En el artículo-reseña de la exposición "Rusia soviética" (1960), el famoso crítico de arte AA Kamensky fue el primero en usar el término "estilo severo" aplicado al trabajo de P.P. Ossovsky "Tres generaciones" (1959), que causó respuestas contradictorias.

"Изборск  / Izborsk", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 59 x 99 cm., 1985. Art Catalog

En 1970 fue galardonado con el título de "Artista de Honor de la RSFSR". Realizó exposiciones individuales en Moscú (1964, 1978, 1983, 1985, 1996), San Petersburgo (2006), Polonia (1965), Italia (1966), República Checa (1975), Finlandia (1984), Alemania (1987), España (1992). Artista popular de la URSS, miembro titular de la Academia de Artes de la URSS, fue galardonado con la Medalla de Plata de la Academia de Artes de la URSS.
Sus obras se conservan en la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Estatal Ruso y otros importantes museos de arte de la antigua URSS.
Murió en 2015.

"Псковского Кремль / Kremlin de Pskov / Pskov Kremlin"
Óleo sobre panel / oil on panel, 122 x 90 cm., 2003. Pinterest

On May 18 is the birthday of

Pyotr (Peter) Pavlovich Ossovsky (Петр Павлович Оссовский), Soviet Russian painter born in 1925 in the village of Malaya Viska of the Kirovograd region, Ukraine.
In 1944 he graduated from the Moscow Art School. Between 1944 and 1950 he studied at the Moscow State Art Institute V.I.Surikov on the workshop of Professor S.V. Gerasimov. Since 1956 he was member of the Union of Artists of the USSR. He became one of the founders of the “severe style” – a trend that appeared in the domestic art in the early 1960s. In the article-review of the exhibition “Soviet Russia” (1960), the famous art critic AA Kamensky was the first to use the term “severe style” as applied to the work of P.P. Ossovsky Three Generations (1959), which caused a lot of contradictory responses.

"Рыбаки Псковского озера / Pescadores del Lago Pskov / Fishermen of Pskov Lake"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 101 x 150 cm., 1972. Art Catalog

In 1970 he was awarded the title “Honored Artist of the RSFSR”. Solo exhibitions were held in Moscow (1964, 1978, 1983, 1985, 1996), St. Petersburg (2006), Poland (1965), Italy (1966), Czech Republic (1975), Finland (1984), Germany (1987), Spain (1992 ). People’s Artist of the USSR. Full member of the Academy of Arts of the USSR. He was awarded the Silver Medal of the Academy of Arts of the USSR. His works are kept in the State Tretyakov Gallery, the State Russian Museum, and other major art museums of the former USSR.
He died in 2015.

"El Kremlin de Moscú en invierno / Moscow Kremlin in Winter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 80,5 cm., 1984. MutualArt

Pyotr (Peter) Ossovsky en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XCIII)]


Hoy, 19 de Mayo, es el cumple de

Adolphe Alexandre Lesrel, pintor francés nacido en 1839.
Fue criado en una familia adinerada. Desde 1861, a la edad de 22 años, estudió en la Escuela de Bellas Artes de París, en el estudio del pintor Jean-Léon Gérôme, uno de los artistas más importantes del Art Pompier. También tuvo como maestro a Jean-Louis-Ernest Meissonier. Lesrel se mantuvo fiel al académicismo durante toda su vida como pintor.

"La confrontation / El enfrentamiento / The Confrontation"
Óleo sobre panel / oil on board, 55,2 x 66 cm., 1900. Sotheby's

La existencia de los Salones, fundados por la Academia de Bellas Artes, buscaba exhibir las obras de artistas aprobados por ella. Ya en 1865 Lesrel exhibió uno o dos lienzos en los salones de la Société des Artistes français y de la Société Nationale des Beaux-Arts. Continuó exponiendo los años siguientes.
Murió en 1929.
Sus pinturas se exhiben en el Museo de Bellas Artes de Nantes y en el Museo de Bellas Artes de Ruán. En una subasta de Sotheby's en 2012, una de sus pinturas, "El recital de práctica", se vendió por US$ 86,500.

"Le lis est mort / El lirio ha muerto / The Lily is Dead"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140,3 x 100,3 cm. Sotheby's

"Chez l'orfevre / En lo del orfebre / At the Goldsmith's"
Óleo sobre panel / oil on board, 58 x 47,5 cm., 1906. Sotheby's

Today, May 19, is the birthday of

Adolphe Alexandre Lesrel, French painter born in 1839.
He was raised in a wealthy family. Since in 1861, at the age of 22, Lesrel studied at School of Fine Arts in Paris, in the studio of the painter Jean-Léon Gérôme, one of the most important artists of the Art Pompier. He will also had as master Jean-Louis-Ernest Meissonier. Lesrel will remained faithful to academism throughout his life as a painter.

"Contemplación / Contemplation"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,3 x 38,1 cm. Sotheby's

The existence of Salons, founded by the Academy of Fine Arts, was intended to exhibit the works of artists approved by it. As early as 1865, Lesrel exhibited one or two canvases 
at the Salons of these two companies: Société des Artistes français and Société Nationale des Beaux-Arts. He continued exhibiting the following years.
He died in 1929.
His paintings are exhibited at the Musée des Beaux-Arts in Nantes and the Musée des Beaux-Arts in Rouen. At a 2012 Sotheby's auction, one of his paintings, The Practice Recital, was sold for US$86,500.

"Interior con trovadores / Interior With Troubadours"
Óleo sobre panel / oil on board, 52,7 x 63,5 cm., 1899. Sotheby's

sábado, 18 de mayo de 2019

Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXXXI) [Mayo / May 12-18]

Todos los aniversarios de Mayo aquí / All anniversaries for May here.
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El 12 de Mayo es el cumple de

Leslie Gill, fotógrafo estadounidense nacido en 1908, conocido como el padre de la fotografía moderna de naturaleza muerta. Leslie Gill elevó las imágenes editoriales a composiciones clásicas, convirtiéndose en una artista en el proceso.
Se graduó de la Escuela de Diseño de Rhode Island con honores en 1929 y estudió con el artista Charles Hawthorne. En plena Depresión, en 1932, fue contratado como director de arte de House Beautiful. Uno de sus primeros obstáculos fue encontrar un fotógrafo que pudiera traducir creativamente los artículos en imágenes para acompañarlos. Tomando el asunto en sus propias manos, adquirió su primera cámara y en tres años estaba haciendo fotografías que se publicaban en la revista. En 1936 abrió su propio estudio fotográfico e hizo portadas de revistas e imágenes editoriales para Harper's Bazaar y más tarde Life, McCall, Town & Country, Flair y Holiday. Sus habilidades técnicas llamaron la atención, y fue uno de los primeros en experimentar con películas en color de Kodak, luces estroboscópicas y la cámara Hasselblad.

"Viajes de Gulliver / Voyages de Gulliver"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 15 1/2" x 12 1/4", 1940

En 1948 se casó con Frances McLaughlin-Gill (1919-2014), por aquél entonces también una fotógrafa consumada. El trabajo de Leslie Gill aparecía en las páginas de Harper's Bazaar, y las fotografías de Frances McLaughlin-Gill lo hacían en Vogue. Ambos Gills aportaron una perspectiva nueva y muy necesaria a la fotografía editorial.
McLaughlin-Gill fue apreciada por su enfoque vívido, cinematográfico y espontáneo de la fotografía de modas, y por su mirada reflexiva de las vidas multifacéticas de las mujeres, única en ese momento.
Los Gill pasarían solo diez años juntos, ya que Leslie Gill murió tres meses después de que naciera su única hija, Leslie, en 1958.
En 1984 se inauguró una retrospectiva de las fotografías de Leslie en el Museo de Arte de Nueva Orleans. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte de Cleveland y el Museo de Arte de Nueva Orleans, entre otros.

"Composición de estatua romana arrodillada / Composition of Statue of Roman Kneeling"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 13 1/4" x 10 1/2", c.1937

On May 12 is the birthday of

Leslie Gill, American photographer born in 1908, known as the father of modern still life photography. Leslie Gill elevated editorial images to classical compositions, becoming an artist in the process.
He graduated from the Rhode Island School of Design with honors in 1929 and studied with the artist Charles Hawthorne. In the midst of the Depression in 1932, he was hired as the art director of House Beautiful. One of his first obstacles was finding a photographer who could creatively translate the articles into images to accompany them. Taking matters into his own hands, he acquired his first camera and within three years was making photographs that were published in the magazine. In 1936, he opened his own photography studio and made magazine covers and editorial images for Harper’s Bazaar and later Life, McCall’s, Town & Country, Flair, and Holiday. His technical abilities attracted attention, and he was among the first to experiment with color film from Kodak, strobe lighting, and the Hasselblad camera.

"Cabeza de mujer / Head of Woman"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 16 3/8" x 13 5/8", c.1940s

In 1948 he married Frances McLaughlin-Gill (1919-2014), at that time also an accomplished photographer. Leslie Gill’s work was appearing in the pages of Harper’s Bazaar, and Frances McLaughlin-Gill’s photographs were in Vogue. Both Gills contributed a fresh and much needed new perspective to editorial photography.
McLaughlin-Gill was appreciated for her vivid, cinematic, and spontaneous approach to fashion photography, and her thoughtful reflections of the multifaceted lives of women, which was unique at the time.
The Gills would have just ten years together, as Leslie Gill died three months after their only child, Leslie, was born in 1958. 
In 1984, a traveling retrospective of Leslie's photographs opened at the New Orleans Museum of Art. His work is in the collections of the Cleveland Museum of Art and the New Orleans Museum of Art, among others.

"Jardín de escultor / Garden of Sculptor, Elie Nadelman", Nueva York / NY, 1948
Copia Dye Transfer, impresa c.1983 / Dye transfer print, 22 3/4" x 19", printed c.1983. Ed.10

Elie Nadelman en "El Hurgador" / in this blog[Sucedió en el museo (III, Anexo)]


El 13 de Mayo es el cumple de

Dmitry Nikolaevich Baltermants (Дмитрий Николаевич Бальтерманц), destacado periodista gráfico soviético nacido en 1912 en Varsovia, Polonia.
Su padre sirvió en el ejército imperial ruso y fue asesinado en la Primera Guerra Mundial.

"Dolor, Ucrania / Grief, Ukraine", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print
Impresa en / printed 1960s, 29 x 39 cm., 1942. Atlas Gallery

Dmitry se graduó de la Universidad Estatal de Moscú. Planeaba convertirse en profesor de matemáticas en una Academia Militar, pero se enamoró de la fotografía y comenzó su carrera en el campo del fotoperiodismo en 1939. Era un fotógrafo oficial del Kremlin, trabajó para el diario Izvestia y fue editor de imágenes de la popular la revista Ogonyok.
Durante la Segunda Guerra Mundial cubrió la batalla de Stalingrado y las batallas del Ejército Rojo en Rusia y Ucrania. Fue herido dos veces.
Al igual que sus compañeros fotógrafos que cubrían las operaciones del Ejército Rojo durante la guerra, las imágenes de Baltermants siempre fueron censuradas por las autoridades soviéticas con el fin de seleccionar solo las que reflejaban los aspectos positivos del servicio para ayudar a elevar la moral. Algunas de sus fotos más cautivadoras fueron suprimidas, y se hicieron públicas mucho más tarde, en la década de 1960. Su trabajo ganó atención en Occidente, donde fue distribuido por la agencia Sovfoto.

"Prisioneros de guerra tras la batalla de Stalingrado /
War Prisoners after Stalingrad's Battle"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 19 x 57 cm., 1942. Atlas Gallery

Una de las imágenes más famosas, llamada "Grief", representa una masacre nazi de judíos en 1942 en la ciudad crimea de Kerch. Muestra el dolor de las mujeres del pueblo mientras buscan los cuerpos de sus seres queridos. Un poderoso cielo sobresaturado arriba, quemado durante la impresión de la foto, hace que la imagen sea aún más dramática. Murió en 1990.

"Siguiendo el ataque de un tanque / Following the Tank Attack"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 19 x 29 cm. Atlas Gallery

On May 13 is the birthday of

Dmitry Nikolaevich Baltermants (Дмитрий Николаевич Бальтерманц), prominent Soviet photojournalist born in 1912 in Warsaw, Poland. 
His father served in the Imperial Russian Army and was killed in the First World War. He graduated from the Moscow State University.

"Combate nocturno / Night Battle"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 41 x 59 cm., 1942
Impresa en / printed 1960s. Atlas Gallery

Baltermants planned to become a math teacher in a Military Academy, but he fell in love with photography and began a career in the field of photojournalism in 1939. He was an official Kremlin photographer, worked for the daily Izvestia and was picture editor of the popular magazine Ogonyok.
During World War II, Baltermants covered the battle of Stalingrad, and the battles of the Red Army in Russia and Ukraine. He was twice wounded.
Just like his fellow photographers covering the Red Army during the war, Baltermants' images were always censored by Soviet authorities in order to select only the ones that reflected on the positive sides of service in order to help boost morale.

"Cerca de Stalingrado / Near Stalingrad"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 16 x 28 cm., 1941. Atlas Gallery

Some of his most captivating photos were suppressed, and became public much later, in the 1960s. His work gained attention in the West where it was distributed by the Sovfoto agency.
One of the more famous images, called "Grief", depicts a 1942 Nazi massacre of Jews in the Crimean city of Kerch. It shows the grief of village women as they search for the bodies of their loved ones. A powerful oversaturated sky above, burnt in during the printing of the photo, makes the image even more dramatic. This Image was used on the cover He died in 1990.

"Ataque / Attack", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print
Impresa en / printed 1960s, 1941. Atlas Gallery


El 14 de Mayo es el cumple de

Charles Scott "Scotty" Welbourne, cineasta, director y fotógrafo estadounidense nacido en 1907 en Carolina del Norte.
Scotty era conocido en los círculos de Hollywood como "el chico más guapo de las fotos". Había rechazado repetidas ofertas para protagonizar frente a las cámaras, prefiriendo en cambio ser el hombre detrás de ellas. En un momento u otro, Scotty fotografió a prácticamente todas las personas que eran alguien en la Tinseltown de 1930, sin mencionar a las luminarias como el ex presidente de los Estados Unidos Calvin Coolidge.
Scotty Welbourne reemplazó a Elmer Fryer como jefe de departamento en Warner Bros. en 1941, fotografiando a muchas de las estrellas más nuevas del estudio, incluyendo a Lana Turner, Ann Sheridan, Ida Lupino, Humphery Bogart y Alexis Smith, así como a Marlene Dietrich y Merle Oberon. (Durante el rodaje de "Fools for Scandal / Escándalos de amor" (1938), tomó 686 fotos de Carole Lombard en un día).

"Ann Sheridan", fines de / late 1930s. Heritage Auctions

Welbourne trabajó en Warner en la década de 1940, tomando fotos de estrellas del estudio como Jane Wyman y Bette Davis.
Sin embargo, los aficionados al cine pueden conocer mejor a Welbourne por su trabajo en el género del horror de los años 50: manejó la fotografía de las secuencias bajo el agua para la joya en 3D de 1955 "Revenge Of The Creature / El regreso del monstruo" del director Jack Arnold. Ricou Browning, quien vestía el traje de hombre con branquias cuando se filmó bajo el agua, "El camarógrafo, Scotty Welbourne, también hizo algo de dirección debajo del agua. Construyó las carcasas para las dos cámaras 3-D, que estaban colocadas una al lado de la otra, y se inundaron dos veces, y tuvieron que ser revisadas ​​de la noche a la mañana para tenerlas listas para el día siguiente".

"Humphrey Bogart"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 49,2 x 39 cm., 1939. Christie's

Humphrey Bogart en "El Hurgador" / in this blog[Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]

Welbourne creía que el uso adecuado de la luz y la sombra era la respuesta a la mayoría de los problemas del fotógrafo y que "la fotografía o el fotógrafo nunca deben eclipsar el tema en importancia, [pero] siempre deben tener una importancia secundaria para la estrella". Welbourne dejó Warner Bros. en 1945 para establecer, con Madison Lacy y el ex fotógrafo publicitario de MGM Bud Graybill, el departamento de foto fija de Enterprise Productions, una productora de corta duración que hizo tres o cuatro películas, entre ellas "Arch of Triumph / Arco de Triunfo" (1948).
A menudo fue fotógrafo no acreditado en películas como "Public Enemy / Enemigo público", "The Sound and the Fury / El ruido y la furia" y "The Creature From the Black Lagoon / La criatura de la Laguna Negra".
Murió en 1979.

"Lauren Bacall", 1945. Link

Lauren Bacall en "El Hurgador" / in this blog[Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]

On May 14 is the birthday of

Charles Scott "Scotty" Welbourne, American cinematographer, director and photographer born in 1907 in North Carolina.
Scotty was known in Hollywood circles as "the best looking guy out of pictures". He had spurned repeated offers to star in front of the cameras, preferring instead to be the man behind them. At one time or other, Scotty photographed practically everyone who was anyone in 1930's tinseltown, not to mention such luminaries as former U.S. president Calvin Coolidge.
Scotty Welbourne replaced Elmer Fryer as department head at Warner Bros. in 1941, photographing many of the studio's newer stars, including Lana Turner, Ann Sheridan, Ida Lupino, Humphery Bogart, and Alexis Smith, as well as Marlene Dietrich and Merle Oberon. (During the shooting of "Fools for Scandal" (1938), he took 686 pictures of Carole Lombard in one day.) 
Welbourne worked at Warners into the 1940s, taking photos of studio stars such as Jane Wyman and Bette Davis.

"Ida Lupino", 1941. Reddit

However, movie buffs may best know Welbourne for his work in the 1950s horror genre -- he handled photography of the underwater sequences for director Jack Arnold's 1955 3-D gem "Revenge Of The Creature." Recalled Ricou Browning, who was in the gill man's suit when filming took place underwater, "The cameraman, Scotty Welbourne, also did some directing under the water. He built the housings for the two 3-D cameras, which were placed beside each other, and they flooded twice, and had to be overhauled overnight to have them ready to go the next day.”
Welbourne believed that the proper use of light and shadow was the answer to most of the photographer's problems and that "the photograph or the photographer must never overshadow the subject in importance [but] must always be of secondary importance to the star." Welbourne left Warner Bros. in 1945 to set up, with Madison Lacy and former MGM publicity photographer Bud Graybill, the stills department at Enterprise Productions, a short-lived production company that made three or four films, among them "Arch of Triumph"(1948).
He was often a uncredited still photographer for films such as "Public Enemy," "The Sound and the Fury," and "The Creature From the Black Lagoon."  
He died in 1979.



El 15 de Mayo es el cumple de

Niccolo Cosme, fotógrafo conceptual filipino nacido en 1980 en Cavite, con sede en Manila. Su padre es Caesar Colet Cosme, escritor y director de televisión.
Comenzó su carrera en el campo de la fotografía en 2001. Siempre le han fascinado los significados, los simbolismos y la iconografía cristiana, que está presente en la mayoría de sus obras conceptuales y comerciales. Uno de sus temas favoritos, inspirado en gran medida por el dolor y la tristeza, que se traduce en una bella y convincente obra de arte, la Inició The Project Headshot Clinic, un pequeño proyecto que nació por curiosidad, en 2007. Hoy en día se ha convertido en un gran concepto que combina fotos de perfil en línea con publicidad para promover el conocimiento de campañas y anuncios. El Project Headshot Clinic se vinculó con empresas / organizaciones, como ONUSIDA, otras agencias de la ONU, Save The Children, etc., y ha realizado proyectos en otros países del sudeste asiático y los Estados Unidos.

"Resplandor, Humanidad / Resplendor, Humanity"

También fue cofundador de la campaña The Red Whistle en 2011, una respuesta de la comunidad a la alarmante situación del VIH y el SIDA en Filipinas, donde colabora con diferentes organizaciones de la sociedad civil y organizaciones no gubernamentales para promover esta causa. Niccolo es también un gran defensor de los derechos LGTB y de varios proyectos relacionados con el medio ambiente en Filipinas. Él considera el activismo como parte integral de sí mismo como artista y como humanitario. El mismo año fue aclamado "Pionero por la vida" por "Go Forth" de Levi's (la campaña global de Levi's) en Filipinas.
En 2011 encabezó la séptima edición del Concurso de Imágenes Asiático-Pacífico Afiliado de Fotógrafos Profesionales de América (PPA) en Seúl, Corea, con su obra "La Hermandad de los Hombres". Obtuvo un puntaje total de 91, lo que lo convirtió en el primer premio entre más de 400 entradas de diferentes países que incluían Australia, Nueva Zelanda, China, Japón y Corea.
En febrero de 2012 estuvo entre los 32 ganadores de los Premios Ani ng Dangal (Cosecha de honores) de la Comisión Nacional de Cultura y Artes, Filipinas. El mismo año, su obra de arte "The Trials" de su colección "Resplendor" se envió a la galería de Arte por el SIDA de ONUSIDA (Programa de las Naciones Unidas para el VIH / SIDA) para su exposición permanente en Ginebra, Suiza.

"XIV, Negación / Denial"

"XIV, Crucifixión / Crucifixion"

On May 15 is the birthday of

Niccolo Cosme, Philippine conceptual photographer born in 1980 in based in Cavite, based in Manila. His father is Caesar Colet Cosme, a television writer and director.
He started his career in the field of photography in 2001. He has always been fascinated with meanings and symbolisms and in Christian iconography, which is present in most of his conceptual and some commercial works. Greatly inspired by pain and sorrow, which is translated into a beautiful and compelling work of art, the Mater Dolorosa — or the Sorrowful Virgin Mary — is one of his favorite subjects. Recognized by many for his obvious talent, Niccolo has worked on different campaigns in the Philippines and abroad.
Niccolo initiated The Project Headshot Clinic, a small project born out of curiosity, in 2007. Today, it has grown into a big concept that merges online profile photos with advertising to promote awareness on campaigns, advertisements, and advocacies. The Project Headshot Clinic has tied up with companies/organizations, such as UNAIDS, other UN agencies, Save The Children etc. and has accomplished projects in other countries around South East Asia and the USA.

Obra conceptual / Conceptual work

He also co founded The Red Whistle campaign in 2011, a community response to the alarming situation of HIV and AIDS in the Philippines where he collaborate with different civil society and nongovernment organizations to further this cause. Niccolo is also a great supporter of LGBT rights and various projects involving the environment in the Philippines. He considers activism an integral part of himself as an artist and as a humanitarian. On the same year he was hailed “Pioneer for life” for Levi’s “Go Forth” (Levi’s global campaign) in the Philippines.
In 2011, Niccolo Cosme topped the 7th annual Professional Photographers of America (PPA) Affiliate Asian-Pacific Image Competition in Seoul, Korea with his artwork, The Brotherhood of Men. It garnered a total score of 91, making it first prize among more than 400 entries from different countries that included Australia, New Zealand, China, Japan, and Korea.
In February 2012, he was among the 32 recipients of the Ani ng Dangal Awards (Harvest of Honors) by the National Commission on Culture and the Arts, Philippines. On the same year his artwork “The Trials” from his Resplendor collection was sent to the UNAIDS (United Nations Programme for HIV/AIDS) Arts for AIDS gallery for permanent display in Geneva Switzerland.

"Resplandor, Estigma / Resplendor, Stigma"


El 16 de Mayo es el cumple de

Aleksandras Macijauskas, fotógrafo lituano nacido en Kaunas en 1938.
Como fotógrafo del equipo de Evening News (Vakariniu naujienu) en 1967, comenzó a tomar una serie de fotografías que representan la vida diaria en las pequeñas ciudades lituanas. La primera serie que creó fue sobre los mercados de las aldeas, documentados durante un período de dieciocho años. Con el tiempo amplió su enfoque a funerales, clínicas veterinarias y otras escenas de actividades cotidianas.

"El el mercado Nº 27 / In the Market #27". International Center of Photography

Macijauskas desarrolló un enfoque estilístico en el que combinó principios de vanguardia temprana, como el uso de ángulos diagonales y formas geométricas, con vistas cercanas de sus sujetos. Su uso de una lente de ángulo ancho creó puntos de vista en los que la cámara parecía siempre presente y los acontecimientos diarios ordinarios se convirtieron en escenas dramáticas. El marco íntimo y los múltipes ángulos crearon una dinámica en la que el observador es arrastrado hacia la imagen y el espectador ocasional se convierte en un participante activo de la escena fotográfica.

"El el mercado Nº 123 / In the Market #123International Center of Photography

A lo largo de los años, el trabajo de Macijauskas ha estado presente en una serie de exposiciones colectivas e individuales, en instituciones como el Museo de Bellas Artes, Museo de Nuevo México, Santa Fe, Aperture Gallery, Nueva York, y la Bibliothèque Nationale, de París, entre otros. Ciento cinco de sus obras forman parte de la Colección de Fotografía del Centro Internacional de Fotografía.
Claartje van Dijk

"En la clínica veterinaria de Kaunas Nº 40 / In the Veterinary Clinic #40". International Center of Photography

On May 16 is the birthday of

Aleksandras Macijauskas, Lithuanian photographer born in Kaunas in 1938.
As a staff photographer for the Evening News (Vakariniu naujienu) in 1967, he started a series of photographs depicting daily life in small Lithuanian towns. The first series he created were of village markets, documented over a period of eighteen years. Over time he expanded his focus to funerals, veterinary clinics, and other scenes of day-to-day activities.

"El el mercado Nº 107 / In the Market #107". International Center of Photography

Macijauskas developed a stylistic approach in which he combined early avant-garde principles, such as the use of diagonal angles and geometric forms, with close-up views of his subjects. His use of a wide-angled lens created viewpoints in which the camera seemed ever-present and ordinary daily events turned into dramatic scenes. The intimate and multiangled frame created a dynamic where the observer was drawn towards the image and the casual viewer turned into an active participant of the photographic scene.


"El el mercado Nº 29 / In the Market #29". International Center of Photography

Throughout the years, Macijauskas’ work has been on view in a range of group and solo exhibitionsat institutions including the Museum of Fine Arts; Museum of New Mexico, Santa Fe; Aperture Gallery, New York; and Bibliothèque nationale, Paris, among others. One hundred and five of his works are part of the Photography Collection at the International Center of Photography.
Claartje van Dijk

"El el mercado Nº 24 / In the Market #24". International Center of Photography


El 17 de Mayo es el aniversario de

la presentación de la primera fotografía en color en la Royal Institution, por parte del físico escocés Sir James Clark Maxwell.
el físico escocés James Clerk Maxwell presentó la primera fotografía en color en la Royal Institution. La fotografía mostraba una banda de tela escocesa y fue hecha por Thomas Sutton de acuerdo con el método de tres colores propuesto por Maxwell ya en 1855.
El método de los tres colores, que es la base de prácticamente todos los procesos de color prácticos, ya sean químicos o electrónicos, se sugirió por primera vez en un artículo de 1855 sobre la visión del color por Maxwell. Se basa en la teoría de Young-Helmholtz de que el ojo humano normal percibe el color porque la retina está cubierta con millones de células cónicas entremezcladas de tres tipos diferentes: en teoría, un tipo es el más sensible al final del espectro que llamamos "rojo", otro es más sensible a la región media o "verde", y un tercero que es más fuertemente estimulado por el "azul". Los colores nombrados son divisiones un tanto arbitrarias impuestas en el espectro continuo de la luz visible, y la teoría no es una descripción totalmente precisa de la sensibilidad del cono. Sin embargo coincide lo suficiente con las sensaciones experimentadas por el ojo de que cuando se usan estos tres colores, los tres tipos de conos se estimulan de manera adecuada y desigual.
La primera fotografía en color (duradera) realizada según la prescripción de Maxwell, un conjunto de tres "separaciones de color" monocromáticas, fue tomada por Thomas Sutton (quien más tarde inventó la cámara réflex de lente única y la primera lente gran angular), en 1861, para ser utilizada como ilustración de una conferencia sobre el color dictada por Maxwell. Éste hizo que Sutton fotografiara una banda de tela escocesa tres veces, cada vez con un filtro de color diferente (rojo, verde y azul-violeta) sobre la lente. Las tres fotografías se revelaron, se imprimieron en vidrio y luego se proyectaron en una pantalla con tres proyectores diferentes, cada uno equipado con el mismo filtro de color utilizado para fotografiarla. Cuando se superponen en la pantalla, las tres imágenes forman una imagen a todo color. Durante su conferencia, que trataba de física y fisiología, no de fotografía, Maxwell comentó acerca de la insuficiencia de los resultados y la necesidad de un material fotográfico más sensible a la luz roja y verde.

"Cinta de tela escocesa / Tartan Ribbon", 1861. Wikimedia Commons
Escaneada de "Historia ilustrada de la fotografía en color /
Scanned from The Illustrated History of Colour Photography, Jack H. Coote, 1993. ISBN 0-86343-380-4.

On May 17 is the anniversary of

the presentation of the first color photograph at the Royal Institution, by Scottish physicist Sir James Clark Maxwell. The photograph showed a tartan ribbon and was made by Thomas Sutton according to the three-colour method proposed by Maxwell already in 1855.
The three-colour method, which is the foundation of virtually all practical color processes whether chemical or electronic, was first suggested in an 1855 paper on colour vision by Maxwell. It is based on the Young-Helmholtz theory that the normal human eye perceives colour because the retina is covered with millions of intermingled cone cells of three different types: In theory, one type is most sensitive to the end of the spectrum we call “red”, another is more sensitive to the middle or “green” region, and a third which is most strongly stimulated by “blue”. The named colours are somewhat arbitrary divisions imposed on the continuous spectrum of visible light, and the theory is not an entirely accurate description of cone sensitivity. Nevertheless, it coincides enough with the sensations experienced by the eye that when these three colors are used the three cones types are adequately and unequally stimulated.
The first (durable) colour photograph made according to Maxwell’s prescription, a set of three monochrome “color separations”, was taken by Thomas Sutton, who later invented the single-lens reflex camera and the first wide-angle lens, in 1861 for use in illustrating a lecture on colour by Maxwell. Maxwell had Sutton photograph a tartan ribbon three times, each time with a different colour filter (red, green, or blue-violet) over the lens. The three photographs were developed, printed on glass, then projected onto a screen with three different projectors, each equipped with the same colour filter used to photograph it. When superimposed on the screen, the three images formed a full-colour image. During his lecture, which was about physics and physiology, not photography, Maxwell commented on the inadequacy of the results and the need for a photographic material more sensitive to red and green light.


Hoy, 18 de Mayo, es el cumple de

Jan Berdak, fotógrafo polaco nacido en 1944 en Lviv.
Diplomado en fotografía artística, miembro de la Unión de Fotógrafos de Arte Polacos y FIAP. Prácticas artísticas (creativas) y publicitarias. Trabajó principalmente en fotografías en blanco y negro y digitales. Autor de numerosas exposiciones individuales realizadas en Polonia y en el extranjero. Participante de numerosas exposiciones, presentaciones y empresas artísticas extranjeras. Sus obras han sido mostradas en numerosas exposiciones en Europa, América y Japón. Ganó numerosos premios en Polonia y otros países.

"z cyklu Fantomy / de la serie Fantasmas / From Ghosts Series, 05", 24 x 18 cm., 1973. desa

A partir de 1987, utilizó técnicas digitales para procesar sus fotografías.
Ganó el 1er Premio del Concurso de fotografía polaco "CYBERFOTO-96".
Su último éxito significativo fue la calificación de sus obras desde 1973 para la exposición y el álbum publicados con motivo del 60 aniversario de la Unión de Fotógrafos de Arte Polacos "Fotografía polaca del siglo XX", en la que solo se presentaron 100 autores.
Murió en 2009.

"z cyklu Zmysłowe poświaty / de la serie Brillo sensual / from Sensual Glow Series, 06", 2002

Today, May 18, is the birthday of

Jan Berdak, Polish photographer born in 1944 in Lviv.
Diploma in artistic photography, member of the Union of Polish Art Photographers and FIAP. Practices artistic (creative) and advertising photography. He worked mainly in black and white and digital photos. Author of many individual exhibitions in Poland and abroad. Participant of many foreign artistic exhibitions, presentations and enterprises. His works have been shown at many exhibitions in Europe, America and Japan. He gained numerous awards in Poland and other countries. 

"z cyklu Fantomy / de la serie Fantasmas / From Ghosts Series". desa

From 1987, he used digital techniques to process his photographs.
He won the 1st Award of Polish Photo Competition "CYBERFOTO-96".
His last significant success was the qualification of his works from 1973 to the exhibition and album issued on the occasion of the 60th anniversary of the Union of Polish Art Photographers "Polish photography of the twentieth century", in which only 100 authors were presented.
He died in 2009.

"z cyklu Fantomy / de la serie Fantasmas / From Ghosts Series, 04", 24 x 18 cm., 1975. desa

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