lunes, 25 de enero de 2021

Hilary Harkness [Pintura / Painting]

Hilary Harkness
(Detroit, Michigan, EE.UU./ MI, USA, 1971-)
en Brooklyn, Nueva York / at Brooklyn, NY


Hilary Harkness es una artista estadounidense nacida en 1971 en Detroit.
Se graduó en la Universidad de Berkeley, California, en 1993, y recibió su Máster en Bellas Artes en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut, en 1996. Antigua violinista profesional, Harkness perfeccionó su singular visión del mundo artístico mientras vivía en San Francisco, California, y actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
Su obra se ha expuesto en todo el mundo, incluido el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España) y la Fundación Deste de Atenas (Grecia), y forma parte de la colección del Whitney Museum of American Art de Nueva York. Harkness ha aparecido en publicaciones como The New York Times, The New Yorker, Interview Magazine y Esquire, entre otras. Ha enseñado pintura y escultura como artista residente en la Escuela de Verano de Arte y Música de Yale, y ha impartido numerosas conferencias en instituciones como la Universidad de Columbia, la Universidad de Boston, la Universidad de Yale, la Universidad de Brandeis y el Museo de Arte de Baltimore. (1)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Bolas en punto / Balls O'Clock", óleo sobre lino / oil on linen, 27" x 23 ⅜", 2015

«Se trata más bien de sexo y poder, no de violencia. Estas dos cosas tienen un atractivo a la vez inmediato y oculto. Llaman tu atención. Mis pinturas van sobre esto, pero también mucho más. Las utilizo para atraer al espectador; a partir de ahí exploro los temas con más detalle, a veces con giros, y a veces hasta en su propia banalidad. También creo que es importante la forma como las pinto: lenta, pequeña, detallada. Esto me permite investigar estos temas de sexo y poder de una manera más detallada, articulada y tal vez más reflexiva. Espero infundir a estos temas significados más profundos e idiosincrásicos que los que se suelen encontrar en la cultura en general. No puedo separar la forma en la que pinto de las cosas que pinto; los cuadros no tratan sólo de una cosa o la otra, y espero que el cómo y el qué contrasten y se combinen de forma que creen algo interesante, con carga.» (3)

"Bolas en punto / Balls O'Clock" (detalle / detail)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series
"Permiso concedido / Permission Granted (Francis & Harriet)"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 7" x 6", 2019

Hilary Harkness representa meticulosamente historias reimaginadas que comentan las fuerzas socioculturales con una sensibilidad claramente contemporánea. Sus obras exploran la dinámica personal a través de una lente que permite que las luchas de poder inherentes a los sistemas de sexo, raza y clase se desarrollen en un escenario sin censura. En esta instalación, Harkness expone una serie de pinturas inspiradas en Prisioneros del frente (1866) de Winslow Homer (ver más abajo). Su interpretación de esta obra icónica se desarrolla a lo largo de una serie de escenas narrativas, que incluyen un romance interracial entre el general de la Unión Francis Channing Barlow y Arabella Freeman, una terrateniente de Virginia. A medida que la serie se desarrolla, la fiesta atraviesa América. Las pasiones se intensifican, las lealtades se ponen a prueba y se forjan incómodas alianzas en la fantasiosa y erótica visión de Harkness sobre la creación de la mitología estadounidense de mediados del siglo XIX. Las escenas narrativas están contextualizadas por una serie en curso de pinturas de paisajes íntimos que ha ejecutado constantemente desde 2016. (7)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Flipwreck", óleo sobre panel / oil on panel, 13" x 22", 2004

«Cuando tenía 20 años, Frida Kahlo se me apareció en un sueño y me dijo qué tenía que pintar (sus ideas no eran tan malas). No había estudiado arte en Berkeley, así que tuve que apresurarme a terminar la carrera de arte a tiempo para graduarme. Un año más tarde, en Yale, llegué al final de la vieja guardia de la facultad, como William Bailey, y los recientes profesores eméritos Andrew Forge y Bernie Chaet, que seguían en activo. Nos destrozaron y pulverizaron todo lo que creíamos saber sobre el arte y nuestra pintura. No nos nutrieron, pero nos dieron un kit de herramientas básicas: cómo conseguir que la pintura se adhiera al lienzo, el propósito, los límites y los beneficios de los medios de pintura, cómo crear la ilusión de espacio. En Yale, a mediados de los años noventa, no se hablaba de estrategia profesional, ni de cómo encontrar una galería, y como el profesorado había intentado convencerme de que estaba loca, me trasladé a San Francisco para reconstruirme como artista lejos del dogma pictórico de la Costa Este.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Veta madre / Mother Lode", óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 30" x 33", 2005-06

«Como pinto cuadros con una narrativa histórica, es importante para mí crear escenas que sean precisas y creíbles. Por ejemplo, si pinto un acorazado, obtengo los planos de la planta y me aseguro de que todo (incluso los compactadores de basura) esté pintado en el lugar correcto. En general, creo un entorno y luego un escenario: lo investigo para poder creer en él. Me vendo la idea a mí misma. Sólo entonces suelto a los personajes para ver qué hacen.»

«No espero que los espectadores tengan una emoción o reacción concreta. En general, mi objetivo es doble: crear una obra de arte que me intrigue lo suficiente como para forzar su creación, y abordar temas más amplios, que pueden ir, según el cuadro, desde el capitalismo hasta la dinámica del poder interpersonal. Pintar algo hiperhermoso o decorativamente sangriento es, en cierto modo, lo mismo: ambos son grotescos en el sentido de que son distorsiones.» (4)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series
"Pedido al cuartel: el general Francis Channing Barlow visita la casa de Arabella Freeman (aparece su hermano Charles) /
Request to Quarter: General Francis Channing Barlow visits the home of Arabella Freeman (feat. her brother Charles)"
Óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 15 ¾", 2019

"Pedido al cuartel / Request to Quarter" (detalle / detail)

«Cuando se añade color a una imagen lineal, los pesos visuales de cada elemento cambian tanto que un buen dibujo puede llevar a un proceso de pintura muy difícil. Puede que las sucesivas capas de pintura no den lugar a nada. Por eso, cuando me desespero, viajo al lugar real que ha inspirado mi cuadro, me siento fuera y pinto del natural. Por ejemplo, una vez estuve pintando y repintando una escena minera porque el suelo parecía demasiado carnoso. Volé a Gold Country y me dirigí al lugar de una mina hidráulica del siglo XIX y descubrí que tenía que cambiar el amarillo ocre por el amarillo del óxido de hierro.
Como no podía terminar un cuadro del Pacífico Sur, me fui a la playa de Kauai, donde se rodó la película South Pacific, y pinté unos siete estudios. Viajar puede ahorrar mucho tiempo.
La ventaja de pintar despacio es que el subconsciente trabaja durante más tiempo: los detalles inventados el último día de pintura son los mejores.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Cruzando el Ecuador / Crossing the Equator", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31" x 28", 2003

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Clase Iowa / Iowa Class", óleo sobre lino / oil on linen, 14" x 22", 2003

«El Museo Metropolitano de Arte está empezando a ser algo como un segundo hogar para mí. Mis obsesiones pictóricas siguen evolucionando con el tiempo, pero una constante es el "Retrato de la Princesa de Broglie" de Ingres, en la colección Lehman (ver más abajo). La expresiva pincelada con la que se creó su falda mantiene la ilusión de la tela incluso a muy corta distancia. Me acerco todo lo que puedo y dejo que mi cerebro alterne entre la ilusión de la falda y la realidad de la pintura. Es alucinante. Sería curioso ver un escáner de mi cerebro mientras miro.» (4)

«Una pintora contemporánea que admiro es Ellen Altfest (ver más abajo). Ella es capaz de pintar un fragmento de una pierna peluda con tanta intensidad que tiene la fuerza de un edificio de Gaudí.» (5)

Serie "Historia, algunas revisiones / History, Some Revisions Series
"Nervios en el servicio / Nervous in the Service", óleo sobre panel / oil on panel, 25" x 31", 2009

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Totalmente comprometido: Mighty Mo, 11/4/1945 / Fully Committed: Mighty Mo, April 11, 1945"
Óleo sobre lino montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 36" x 48", 2008

El USS Missouri (BB-63) es un acorazado clase Iowa de la Armada de los Estados Unidos, apodado por su tripulación como "Mighty Mo", encargado en 1940 y puesto en servicio en junio de 1944. En el Teatro del Pacífico de la Segunda Guerra Mundial luchó en las batallas de Iwo Jima y Okinawa y bombardeó las islas japonesas.
Mientras operaba con los portaaviones el 11 de abril, el Missouri fue atacado por un kamikaze que golpeó el costado del buque por debajo de la cubierta principal. El impacto destrozó el avión, arrojando gasolina sobre la cubierta que se encendió rápidamente, aunque la tripulación del Missouri la sofocó de inmediato. El ataque causó daños superficiales y el buque permaneció en su puesto. (6)

USS Missouri (BB-63) is an Iowa-class battleship ordered in 1940 and commissioned in June 1944. In the Pacific Theater of World War II she fought in the battles of Iwo Jima and Okinawa and shelled the Japanese home islands.
While operating with the carriers on 11 April, Missouri came under attack from a kamikaze that struck the side of the vessel below the main deck. The impact shattered the aircraft, throwing gasoline on the deck that rapidly ignited, though Missouri's crew quickly suppressed it. The attack caused superficial damage and the ship remained on station. (6)

Hilary Harkness, junto a su obra "Cielo rojo en la mañana" / With her Work "Red Sky in the Morning" 
The Flag Art Foundation, 2013

Hilary Harkness is an American artist born n 1971 in Detroit, MI.
Graduated Phi Beta Kappa from the University of California, Berkeley, CA, in 1993, she received her M.F.A. from Yale University School of Art, New Haven, CT, in 1996. A former professional violinist, Harkness honed her unique artistic worldview while living in San Francisco, CA, and now lives and works in Brooklyn, NY.
Her work has been exhibited worldwide, including the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, Spain, the Deste Foundation in Athens, Greece, and is in the collection of the Whitney Museum of American Art, New York, NY. Harkness has been featured in publications including The New York Times, The New Yorker, Interview Magazine, Esquire, among others. She taught painting and sculpture as Artist in Residence at Yale Summer School of Art and Music, New Haven, CT, and has lectured widely at institutions such as Columbia University, Boston University, Yale University, Brandeis University, and the Baltimore Museum of Art. (1)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Cielo rojo en la mañana / Red Sky in the Morning"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 37" x 42", 2011

«It's more about sex and power, not violence. These two things have a simultaneously immediate yet hidden appeal. They draw you in. My paintings are about these, but also much more. I use them to pull the viewer in; from there, I explore the issues in more detail, sometimes in twists-and-turns and sometimes to the point of their own banality. I also think the manner in which I paint them is important: slow, small, detailed. This allows me to investigate these issues of sex and power in a more detailed, articulated, and maybe thoughtful manner. I hope to infuse these issues with meanings deeper and more idiosyncratic than typically found in the culture at large. I cannot separate how I paint from what I paint, the paintings are not just about one or the other, and hopefully the how and what contrast and combine in a way that creates something interesting, charged.» (3)

"Al amanecer / Crack of Dawn"
Grafito, óleo y acuarela sobre papel / graphite, oil and watercolor on paper, 10" x 8 ¾", 2005

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Cruceros pesados / Heavy Cruisers (*)", óleo sobre lino / oil on linen, 33" x 37", 2004

(*) Juego de palabras. "Cruise" es "crucero" en inglés, y el "cruising" o cancaneo, en el contexto LGTB, es la práctica de buscar una pareja sexual caminando o conduciendo por un lugar público, por lo general de manera anónima, ocasional y para una sola vez.

"Cruceros pesados" presenta en un corte transversal las entrañas de un barco muy poblado de marineras ocupadas por igual con la náutica y las travesuras. Si el título es un juego de palabras adecuado, el manejo de diferentes medios revela sin embargo el extraordinario toque y control de esta extraña joven. La firme delicadeza de su dibujo lineal, por ejemplo, que tiene una exactitud legada de los grabados, recuerda al dibujante neoclásico John Flaxman (ver más abajo). Esto hace pensar que si Flaxman hubiera honrado sus habilidades a Sade en vez de a Dante, la historia del arte habría tenido su Harkness dos siglos antes. (2)

"Cruceros pesados / Heavy Cruisers" (detalle / detail)

"Heavy Cruisers" presents in a cut-away cross section the bowels of a ship heavily populated by sailorettes equally busy with the naughte and the nautical. If the title is a suitable pun, the handling of different mediums nonetheless reveals the extraordinary touch and control of this weird young woman. The firm delicacy of her line drawing, for instance, which have the legato exactitude of engravings, recall the neoclassical draughtsma John Flaxman (see below). It means one think: if Flaxman had honred his skills to Sade rather Dante art history would have had its Harkness two centuries earlier. (2)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Hundiendo el Bismack / Sinking the Bismarck", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 36", 2002

«When I was 20, Frida Kahlo came to me in a dream and told me what to paint (her ideas weren’t so bad). I hadn’t been studying art at Berkeley, so I had to scramble to complete a major in art in time to graduate. A year later at Yale, I caught the very end of the old-guard faculty, such as William Bailey, and the recent Professors Emeriti Andrew Forge and Bernie Chaet were still hanging out. They broke us down and pulverized everything we thought we knew about art and our painting. We weren’t nurtured, but we were given a basic tool kit: how to get paint to cleave to the canvas; the purpose, limits, and benefits of painting mediums; how to create the illusion of space. At Yale in the mid-nineties, there was no talk of career strategy, such as how to find a gallery, and as the faculty had tried to convince me I was daft, I moved to San Francisco to rebuild myself as an artist away from East Coast painting dogma.» (4)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series
"Arabella y el general / and the General"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 10" x 8", 2020

«It’s important for me — since I create paintings with a historical narrative — to create scenes that are accurate and believable. For instance, if I paint a battleship, I will obtain the floor plans and ensure that everything — even down to the trash compactors — is painted in the correct place. In general I make an environment, then a scenario - I research it so I can believe in it. I sell the idea to myself. Only then do I unleash the characters into it to see what they do.»

«There’s not a particular emotion or reaction I’m hoping viewers will have. In general, my goal is two-fold: to create a work of art that intrigues me enough to force its creation, and to grapple with larger issues — which could range, depending on the painting, from capitalism to interpersonal power dynamics. Painting something either hyper-beautiful or decoratively gory is, in some ways, the same thing: they are both grotesque in that they are distortions.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Matterhorn", óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 27", 2003-04

"Las orgías sadomasoquistas sólo de mujeres de Harkness y sus aventuras en el mar son un frío matrimonio entre el medievalismo y el cómic. En "Matterhorn" (2003-04), por ejemplo, El Bosco y Lucas Cranach se alían con Quentin Tarantino, Henry Darger, Balthus y su extraño hermano ocultista Pierre Klossowski, el ilustrador gay Tom of Finland y el pornógrafo vintage Eric Stanton. En lo que parece una casa de muñecas abierta en rodajas, ofrece vistas transversales y compartimentadas de un ejército de mujeres jóvenes y delgadas vestidas de negro con botas sexys, pantaloncitos, bikinis y gorras militares que en cada habitación torturan, abusan, molestan y despachan mortalmente a compañeros sartorial y anatómicamente similares. De hecho, como no se muestra ninguna emoción discernible en los rostros perfumados ni en los cuerpos estandarizados de ninguna de las participantes, no es demasiado fácil decir qué criterio, destino o preferencia determina si uno es un perpetrador o una víctima, aunque la mayoría de estos últimos llevan calcetines blancos, lo que podría significar algo. Nadie registra mucha expresión de placer o dolor en sus lindas y tontas caras." (2)

"Matterhorn" (detalle / detail)

"Ms. Harkness’s all-female S/M orgies and girl’s own adventures at sea are a chilly marriage of medievalism and the comic strip. In “Matterhorn,” (2003-04) for instance, Hieronymous Bosch and Lucas Cranach team up with Quentin Tarantino, Henry Darger, Balthus and his oddball occultist brother Pierre Klossowski, gay illustrator Tom of Finland, and vintage bandes-dessinées pornographer Eric Stanton. In what reads like a sliced-open doll’s house, she offers cross-sectional, compartmentalized views of an army of skinny young women kitted out in black with sexy boots, hotpants, bikinis, and military caps who in each room torture, abuse, molest, and mortally dispatch sartorially and anatomically similar fellows. In fact, as no discerible emotion is displayed on the perfunctory faces or standarized bodies of any of the participants, it is not too easy to say what criterion, fate, or preference determines whether you are a perpetrator or a victim, although the majority of the latter are wearing white socks, which might signify something. No one registers much by way of pleasure or pain on their cute, dumb faces." (2)

Serie "Historia, algunas revisiones" / History, Some Revisions Series
"Chica borracha observando una flor / Drunk Girl Observing a Flower"
Óleo sobre panel / oil on panel, 13" x 19", 1999

«When color is added to a linear image, the visual weights of every element change so much that a good drawing can lead to a very difficult painting process. Maybe the successive layers of paint won’t add up to anything. So when I despair, I travel to the actual place that inspired my painting and sit outside and paint from life. For instance, once I was painting and repainting a mining scene because the soil looked too fleshy. I flew to Gold Country and trekked to the site of a 19th century hydraulic mining and discovered that I needed to switch from using yellow ocher to yellow made from iron oxide.
When couldn’t finish a painting of the South Pacific, I went to the beach in Kauai where the movie South Pacific was filmed and painted seven or so studies. Traveling can save a lot of time.
The benefit to slow painting is that the subconscious gets to work longer — the details invented on the last day of painting are the best.» (5)

"Prisioneros del frente (1866), por encargo de Arabella Freeman /
Prisoners From the Front (1866), Commissioned by Arabella Freeman"
Óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 19", 2019

Hilary Harkness meticulously renders reimagined histories that comment on sociocultural forces with a distinctly contemporary sensibility. Her works explore personal dynamics through a lens that allows the power struggles inherent in sex, race, and class systems to play out on an uncensored stage. In this installation, Harkness exhibits a series of paintings inspired by Winslow Homer’s Prisoners from the Front (1866) (see below). Her interpretation of this iconic work takes place over a number of narrative scenes, including an interracial romance between Union General Francis Channing Barlow and Arabella Freeman, a Virginia landowner. As the series unfolds, the party traverses America. Passions escalate, loyalties are tested, and uneasy alliances are forged in Harkness’s fanciful and erotic take on the making of mid-19th century American mythology. The narrative scenes are contextualized by an ongoing series of intimate landscape paintings that she has steadily executed since 2016. (7)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series
"Muro de Pomerania / Pomeranian Line", óleo sobre lino, montado sobre panel /
oil on linen mounted on panel, 21 ¼" x 26 ¾", 2007

«El Museo Metropolitano de Arte está empezando a ser algo como un segundo hogar para mí. Mis obsesiones pictóricas siguen evolucionando con el tiempo, pero una constante es el "Retrato de la Princesa de Broglie" de Ingres, en la colección Lehman (see below). La expresiva pincelada con la que se creó su falda mantiene la ilusión de la tela incluso a muy corta distancia. Me acerco todo lo que puedo y dejo que mi cerebro alterne entre la ilusión de la falda y la realidad de la pintura. Es alucinante. Sería curioso ver un escáner de mi cerebro mientras miro.» (4)

«One contemporary painter I admire is Ellen Altfest (see below). She can paint a fragment of a hairy leg so intensely that it has the power of a Gaudi building.» (5)

"Muro de Pomerania / Pomeranian Line" (detalle / detail)
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Fuentes / Sources:
* (1) Reseña de la exposicion / Review of the exhibition "Hilary Harkness", 8/2 - 18/5, 2013
The Flag Art Foundation (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
* (2) "Implacable pero desapasionada: Hilary Harkness en el Fundación Flag Art /
Relentless Yet Dispassionate: Hilary Harkness at Flag Art Foundation"
Por / by David Cohen. Artcritical, 2013
* (3) Entrevista de / Interview by Laura Smith, Fnews Magazine, 11/2004
* (4) Entrevista de / Interview by David Galenson, Huffington Post, 9/2012
* (5) Entrevista de / Interview by David Galenson, Huffington Post, 5/2015
* (6) USS Missouri (BB-63), Wikipedia (Spanish / English)
* (7) "Prisioneros del frente / Prisoners from the Front". P.P.O.W., Art Basel

Más sobre / More about Hilary Harkness: Website, Wikipedia (English)

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Hilary!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hilary!)
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Algunas referencias / Some References

Jean-Auguste-Dominique Ingres
(Montauban, Francia / France, 1780 - París, 1867)

"Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825–1860), Princesse de Broglie"
Obra y detalle del vestido / work and gown detail.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,3 x 90,8 cm., 1851–1853
The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Pintura ya publicada en el blog aquí / Painting already posted in this blog here[Uruguayos (XXIII)]

Ingres, el artista neoclásico francés por excelencia, pintó esta obra maestra hacia el final de su vida, cuando su reputación como retratista de ciudadanos prominentes y aristócratas orleanistas estaba ya muy consolidada. Pauline de Broglie posó para el último encargo del artista. Ingres capta la tímida reserva de su retratada, a la vez que ilumina, con una pincelada perfecta, la calidad material de sus numerosos y bellos atributos: su rico vestido de baile de satén azul y encaje, el chal bordado en oro y la silla de damasco de seda, junto con las joyas finamente labradas de perlas, esmalte y oro. El retrato fue encargado por el marido de la modelo, Albert de Broglie, unos años después de su malogrado matrimonio. Fuente: MET

Ingres, the neo-classical French artist par excellence, painted this masterpiece toward the end of his life when his reputation as a portraitist to prominent citizens and Orléanist aristocrats had been long established. Pauline de Broglie sat for the artist’s final commission. Ingres captures the shy reserve of his subject while illuminating through seamless brushwork the material quality of her many fine attributes: her rich blue satin and lace ball gown, the gold embroidered shawl, and silk damask chair, together with finely tooled jewels of pearl, enamel, and gold. The portrait was commissioned by the sitter’s husband, Albert de Broglie, a few years after their ill-fated marriage. Source: MET

Ingres en "El Hurgador" / in this blog[Todos los enlaces / All Links]
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Ellen Altfest
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1970-)

"La pierna / The Leg", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20,3 x 27,9 cm., 2010. White Cube

Ellen Altfest es una pintora estadounidense nacida en 1970 en Nueva York. Es conocida por sus representaciones realistas de paisajes y bodegones.
Se graduó en la Universidad de Cornell con una licenciatura en pintura y otra en inglés, y obtuvo un máster en pintura en Yale, y estudió en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan.
Desde que dejó la Escuela de Arte de Yale, ha desarrollado su propio enfoque distintivo de una pintura figurativa y representativa. El escritor y artista David Humphrey ha señalado que "sus cuadros celebran el modo en que los objetos se ven envueltos por su entorno y los simples actos de identificación se multiplican y transforman".
Altfest siempre pinta a partir del natural, atraída por las plantas domésticas, los vegetales y, más recientemente, los modelos masculinos. Se sumerge en un intenso análisis y un compromiso personal con el tema, llevando su visión más allá de lo real.
La composición de los cuadros está estrechamente editada y enmarcada, casi invadiendo el espacio del sujeto, ya sea el núcleo de las plantas rodadoras o la piel arrugada de un cactus junto al escote del modelo. Altfest aborda sus diversos temas con una intención similar, dedicando horas de cuidadosa observación y estudio que dan como resultado imágenes que, aunque parezcan voyeuristas, están retratadas con un humor inexpresivo y la máxima vigilancia hacia su proceso de pintura.

"Árbol / Tree", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 8 1/8" x 11 1/4", 2013. White Cube

Ellen Altfest is an American painter born in 1970 in New York. She is best known for her realist depictions of landscapes and still lifes.
Altfest graduated from Cornell University with a BFA in Painting and a BA in English, an MFA in Painting from Yale, and studied at the Skowhegan School of Painting and 

Sculpture.
Since leaving Yale School of Art Ellen Altfest has developed her own distinct and devoted approach to a figurative and representational painting. The writer and artist David Humphrey has remarked that ‘her paintings celebrate the way objects become engulfed by their surroundings and simple acts of identification multiply and transform’.
Altfest always paints from life, drawn towards domestic plants, vegetables and more recently, male models. Altfest immerses herself in an intense analysis and personal engagement with the subject that pushes her vision beyond the real.
Compositionally the paintings are all tightly edited and framed, almost encroaching on the subject’s space whether it be the nucleus of tumbleweed through to the wrinkled skin of a cacti next to the neckline of the sitter. Altfest approaches her various subjects with a similar intent, spending hours of careful observation and study that results in images that although appear voyeuristic are portrayed with a deadpan humour and utmost vigilance towards her painting process.

"Axila / Armpit", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 21,2  x 17,8 cm., 2011. MK Gallery
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John Flaxman
(York, Inglaterra / England, 1755 - 1826)

"Lì veggio d'ogne parte farsi presta
ciascun'ombra e basciarsi una con una /
Por ambas partes vi apresurarse
todas las sombras, y besarse unas a otras... /
The shadows all press forward, severally
Each snatch a hasty kiss, and then away"
Purgatorio / Purgatory, Canto 26
Ilustración para "La Divina Commedia", de Dante Alighieri /
Illustration for Divine Comedy", by Dante Alighieri
Diseño de / designed by John Flaxman, grabado de / engraved by Tommaso Piroli, 1793
Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library
(Ithaca, Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

John Flaxman fue un escultor, ilustrador y dibujante inglés nacido en 1755, que tuvo un papel muy destacado en el movimiento neoclásico en Inglaterra.
Estudió en la Royal Academy school de Londres. Entre 1775 a 1787 realizó delicados relieves decorativos para el reputado ceramista Josiah Wedgwood, inspirados en vasos y vasijas griegas y romanas. Desde 1787 hasta 1794 vivió en Roma, donde produjo excelentes dibujos de temas épicos de los poemas de Homero la ilíada y la Odisea, con gran fineza en sus líneas (1793).
Regresó a Londres en 1794, realizando notables ilustraciones del antiguo dramaturgo griego Esquilo y una serie inspirada en el Infierno de Dante.
Fue un prolífico escultor de monumentos funerarios.
Murió en 1826.

Ilustración para "El progreso del peregrino" (1678), de John Bunyan /
Illustration to Pilgrim's Progress (1678) by John Bunyan
Tinta negra sobre papel de trama media, ligeramente texturizado, de color crema /
black ink on medium, slightly textured, cream wove paper, 22,2 x 27,3 cm., 1792
Yale Center for British Art (Inglaterra / England). GAP

John Flaxman was an English sculptor, illustrator and draughtsman born in 1755, who played a very prominent role in the neoclassical movement in England.
He studied at the Royal Academy school in London. Between 1775 and 1787 he made delicate decorative reliefs for the renowned ceramist Josiah Wedgwood, inspired by Greek and Roman vases and vessels. From 1787 to 1794 he lived in Rome, where he produced excellent drawings of epic themes from Homer's poems the Iliad and the Odyssey, with great finesse in his lines (1793).
He returned to London in 1794, producing remarkable illustrations of the ancient Greek playwright Aeschylus and a series inspired by Dante's Inferno.
He was a prolific sculptor of funerary monuments.
He died in 1826.

"Vider Beatrice volta in su la fiera
ch'è sola una persona in due nature /
Vieron a Beatriz sentada sobre la fiera
que es una sola persona en dos naturas. /
Beatrice; she, who toward the mystic shape,
That joins two natures in one form, had turn’d"
Purgatorio / Purgatory, Canto 31
Ilustración para "La Divina Commedia", de Dante Alighieri /
Illustration for Divine Comedy", by Dante Alighieri
Diseño de / designed by John Flaxman, grabado de / engraved by Tommaso Piroli, 1793
Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library
(Ithaca, Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

Dante Alighieri en "El Hurgador" / in this blog[Todos los enlaces / All Links]
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Winslow Homer
(Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1836 -
Prouts Neck, Scarborough, Maine, 1910)

"Prisioneros del frente / Prisoners From the Front"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,7 × 128,6 × 11,4 cm., 1866
The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Winslow Homer en "El Hurgador" / in this blog:

viernes, 22 de enero de 2021

Nick Alm [Pintura / Painting]

Nick Alm
(Eksjö, Suecia / Sweden, 1985-)
en Estocolmo / at Stockholm

Nick con su obra "Escena de café" / with his work "Cafe Scene"

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.
Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.
Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.

Nick ha recibido varios premios y reconocimientos. Expuso en The Portrait Society of America en Filadelfia en 2012, donde fue galardonado con el Premio al Mérito Excepcional. En 2013 obtuvo el primer lugar en el Salón Internacional de ARC, seguido del Premio William Bouguereau. En 2017 fue galardonado con el Premio de Arte TIAC y el Premio de Compra del Salón Internacional ARC. (1)

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47" × 43", 2018

"Sosteniendo las puertas / Holding Doors", óleo sobre lino / oil on linen, 109,2 × 94 cm., 2017

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso:
"Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente". (2)

"Espejo, espejo / Mirror, Mirror", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 × 81,3 cm., 2017

"Metro", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 × 121,9 cm., 2017

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.
La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado." (3)

"Rubia dormida / Sleeping Blonde", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25,5" × 41", 2020

"Apoyo / Supporter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 × 90 cm., 2016

«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.» (4)

"Reunión / Gathering", óleo / oil, 120 × 100 cm., 2018

"Pasillo Nº 2 / Hallway No. 2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,1 × 83,8 cm., 2015

«Mi objetivo es comunicar aquello que es inherente y universalmente humano, trascendiendo los códigos y tendencias culturales. No es mi objetivo criticar a la sociedad, mi obra, en cambio, trata principalmente del mundo interior del individuo.» (5)

"Ruset", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 × 114,3 cm., 2017

Mientras trabajaba con una modelo para otro cuadro, de repente se le ocurrió esta expresiva pose, una pose que contaba una historia. La situé en un restaurante algo indefinido en un tiempo inespecífico. Luego se trajeron más modelos, uno a la vez, para añadir interés y contexto. La composición fue una parte del proceso que me llevó mucho tiempo. 
La pintura me llevó aproximadamente entre 1 y 2 semanas, pero el proceso desde la idea hasta el producto final tomó unos dos años. Aunque la mayor parte del entorno es imaginario, uno de las pinturas del fondo es una parte de la portada de un álbum de Slayer.

While working with a model for another painting she all of a sudden stroke this expressive pose, a pose that was telling a story. I placed her in a somewhat undefined restaurant in an unspecific time. More models were then brought in, one at the time, to add interest and context. The composition was most of the time a consuming part of the process. Painting took approximately between 1-2 weeks, but the process from the idea to the finished product took about two years. Though most of the surrounding is imaginative, one of the paintings in the background is a part of an album cover by Slayer. 

"Geisha del metro / Subway Geisha", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,7 × 83,8 cm., 2020

"Metro / Subway", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 × 30 cm., 2017

«Buscar la perfección todo el tiempo no es necesariamente lo mejor, te refrenas. Así que no intentarlo demasiado es a menudo... cuando te metes en la corriente las cosas simplemente suceden, ¿verdad? Quiero decir, si aspiras a la perfección te vuelves tímido fácilmente. El miedo al fracaso se apodera de ti.»

«El arte tiene un valor inherente. No veo el arte como una herramienta, lo cual es una opinión muy popular, que una pintura debe servir a un propósito político. No estoy en absoluto de acuerdo con eso. Sólo pinto por la pintura en sí.»

«Si tienes claro lo que quieres expresar tienes que ajustar tu técnica para cumplir esa expresión, pero si no tienes tan claro tu objetivo, la técnica puede traerte nuevas ideas, y te llevarán en otra dirección.» (5)

Nick Alm. Foto / Photo: Itziar Lecea. Menorca Pulsar

Nick Alm is a renowned Swedish painter born in 1985, who lives and works in Stockholm.
He says that he has been drawing for as long as he can remember, and that a visit to the Gothenburg Museum had a great impact on him, which encouraged him start painting in oil.
Nick entered the Florence Academy of Art in 2007, where he also held a position as teaching assistant. After graduating in 2010, he received a scholarship to join The Hudson River Fellowship. The following year, he studied with Odd Nerdrum in Norway and France before returning to Sweden.

Nick has received several honors and awards. He exhibited in The Portrait Society of America in Philadelphia in 2012, where he was awarded the Exceptional Merit Award. In 2013, he won the First Place Prize in ARC’s International Salon, followed by the William Bouguereau Award. In 2017, he was awarded the TIAC Art Price and the Purchase Price of the International ARC Salon. (1)

"Bacanal / Bacchanal", óleo sobre lino / oil on linen, 125 × 105 cm., 2013

"Muñecas / Dolls", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87 × 65 cm., 2014

After his formal training painting strictly from life, Nick started using other sources to create his compositions (reference photographs, his imagination, experiments in photoshop).
He comments on this process:
«It was gradual. It was troublesome to always be dependent on life models. I didn't feel that it was necessary to always work from life since I often deviate quite a bit from nature. 
Working with photos and imagination reduces a lot of that stress, but it has its pros and cons, since stress has the benefit of making you more efficient.» (2)

"Ascensor / Elevator", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 × 65 cm., 2017

"Rifiutato", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,4" × 23,6", 2013

«The creative process varies, but it mainly involves small thumbnail sketches with pencil and paper and experiments in photoshop.
The first vision is quite a dopamine kick, and seeing the picture come to life has some magic in it. It´s rarely a walk in the park though. I often get stuck with the composition, not knowing how to solve the problem. However, it´s worse to discover a problem once the picture is already painted.» (3)

"Bacanal / Bacchanal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 × 152,4 cm., 2014

"Katja", óleo sobre panel / oil on panel, 40,6 × 30,5 cm., 2020

«The inspiration can come from books, movies and other artists, or the motives appear in the immediate surroundings: the light, an incident, an expressive gesture. However, the inspiration is often a subconscious process that is difficult to put your finger on. We all carry a memory bank that constantly works under the radar and provides us with strange ideas. There are no ideas that I just go around waiting for, but the best way is to take up the pen and start sketching. The undefined and abstract character of the idea sketch leaves great scope for associations, and therefore, new ideas usually arise at this stage.» (4)

"Pablo & Francesca", óleo / oil, 90 × 70 cm., 2013

"Casa de la alegría / House of Joy", óleo / oil, 115 × 100 cm., 2016

«I aim to communicate what is inherently and universally human, transcending cultural codes and trends. It´s not my goal to criticize society; instead my work addresses itself primarily to the inner world of the individual.» (5)

"Saliendo de la cama / Leaving the Bed", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 × 68,6 cm., 2020

"Novia de metro / Subway Bride", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2020

«Going for perfection all the time is not necessarily the best, you restrain yourself. So not trying too hard is often… when you get into the flow things just happen, right? I mean, if you’re aiming for perfection you easily become timid. The fear of failure takes over.»

«Art has an inherent value. I don’t see art as a tool, which is a quite popular opinion, that a painting should serve a political purpose. I strongly disagree with that. Just paint for the sake of painting.»

«If you are clear about what you want to express you have to adjust your technique to fulfill that expression, but if you’re not that clear about your goal, the technique might bring you new ideas and lead you in another direction.» (5)

"La gran implosión / The Great Implosion", óleo / oil, 125 × 160 cm., 2014
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Fuentes / Sources
* (1) "Nick Alm Selected Works 2010-2018", Publicado en / Published 2019, Arvinius + Orfeus Publishing
* (2) "En el estudio / In the Studio: Nick Alm"
Entrevista de / Interview by Allison Malafronte, Newington Cropsey Cultural Studies Center, 7/2020
* (3) "Nick Alm, pintor, ganador del Premio TIAC 2018 / Painter, Winner of TIAC Art Prize 2018"
Entrevista / Interview, TIAC, 3/2018
* (4) "Nick Alm, el nuevo Rembrandt de KI / the new Rembrandt of KI"
Entrevista de / Interview by Laura Gomez, Klassik International Magazine, 1/2021
* (5) Entrevista de / Interview by Jorge Fernández Alday, Menorca Pulsar
* Entrevista de / Interview by Symi Jackson, Rosemary & Co. Artists' Brushes, 12/2020. Youtube

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Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nick!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nick!)

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