martes, 19 de noviembre de 2019

Pintando perros / Painting Dogs (LXXIII)

Johann Friedrich Grooth
Ivan Fedorovich Groot
Иоганн Фридрих (Иван Федорович) Гроот
(Stuttgart, Alemania / Germany, 1717 -
San Petersburgo, Imperio ruso / St. Petersbourg, Russian Empire, 1801)

"Borzoi con presa de caza / With Game", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78 x 91 cm. Artnet

Johann Friedrich Grooth (Иоганн Фридрих Гроо́т) fue un pintor alemán nacido en 1717 en Stuttgart.
Era hijo de Johann Christoph Grooth (1688-1764), pintor de la corte del duque de Württemberg y conservador de la galería de cuadros ducales. Aprendió pintura de su padre y de otros maestros en Ludwigsburg y Dresde. En 1739-1740 vivió y trabajó en Viena. 
En 1741 emigró con su hermano a Reval por invitación del general Ulrich von Löwendal, que estaba al servicio de los rusos. En 1742 se convirtió en restaurador de las colecciones imperiales de pintura de San Petersburgo. En 1749, tras la muerte de su hermano, Grooth fue nombrado pintor de la corte (hasta 1761).
A la zarina Isabel le encantaba la caza y la representación de escenas de caza y de animales domésticos. Grooth pintó un gran número de pinturas de este tipo para ella. Cada nueva obra era visitada por toda la corte. En 1765, 41 pinturas fueron transferidas a la recién fundada Academia de Arte de San Petersburgo, donde formaron la "Galería Grooth". A finales del siglo XIX sólo quedaba un cuadro (aves silvestres). Muchas otras pinturas de Grooth se encuentran en el castillo de Gattschina.
En 1765 Grooth fue aceptado en la Academia de Artes como académico y se le asignó la clase de pintura. En 1766 se convirtió en consultor y en 1774 en miembro honorario de la Academia. Fue el principal profesor de pintura animal y tuvo muchos alumnos, entre ellos Mikhail Ivanov. En 1775 el alumno de Grooth Karl Friedrich Knappe se hizo cargo de la clase de pintura.
Murió en 1801.

"Tierstillleben mit Apportierhund / Bodegón animal con perro de presa / Animal Still life With Retrieving Dog"
(Perro de caza con su presa / A Hunting Dog And His Prey)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52,8 x 45,7 cm., 1768. Christie's

"Tierstillleben... / Bodegón animal... / Animal Still life..." (detalle / detail)

Johann Friedrich Grooth (Иоганн Фридрих Гроо́т) was a German painter born in 1717 in Stuttgart.
He was the son of Johann Christoph Grooth (1688-1764), court painter to the Duke of Württemberg and curator of the ducal picture gallery. He learned painting from his father and other masters in Ludwigsburg and Dresden. In 1739-1740 he lived and worked in Vienna. 
In 1741 he emigrated with his brother to Reval at the invitation of General Ulrich von Löwendal, who was in Russian service. In 1742 he became restorer of the imperial collections of paintings in St. Petersburg. In 1749, after the death of his brother, Grooth was appointed court painter (until 1761).
Tsarina Elisabeth loved hunting and the depiction of hunting scenes and of game and domestic animals. Grooth painted a large number of such paintings on her behalf. Each new work was visited by the entire court. In 1765, 41 paintings were transferred to the newly founded St. Petersburg Art Academy, where they formed the "Grooth Gallery". At the end of the 19th century there was only one picture left (wild birds). Many other paintings by Grooth are to be found in Gattschina Castle.
In 1765 Grooth was accepted into the Academy of Arts as an academic and assigned the painting class. In 1766 he became a consultant and in 1774 an honorary member of the Academy. He was the leading teacher of animal painting and had many pupils, including Mikhail Ivanov. In 1775 Grooth's pupil Karl Friedrich Knappe took over the painting class.
He died in 1801.

"Dos Toy Spaniel con un cuenco de azúcar / Two Toy Spaniels With a Sugar Bowl"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69,2 x 95,3 cm. Sotheby's

Johann Grooth en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXXXII-2)]
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Thomas William Earl
(Reino Unido / UK, act.1836 - 1885)

"Retrato de un spaniel / Portrait of a Spaniel", pastel, 43,8 x 34,7 cm. Bonhams

"Listo para la acción / Ready for Action"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 61,6 cm. Christie's

Atribuido / Attributed
"Billete de primera clase / First Class Ticket", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70,5 x 91,5 cm. Invaluable

"Pillado / Just Caught", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53,6 x 43,4 cm. Bonhams

"Un terrier mirando desde su canil / A Terrier Looking Out of His Kennel"
Pastel, 49,5 x 37,5 cm. 1866. Bonhams

"Compañeros de deportes / Sporting Companions"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 51 cm., 1863. Bonhams

"¿Caminantes? / Walkies?", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52,7 x 45,8 cm. Christie's

"Echando una siesta / Taking a Nap", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43 x 53 cm. Bonhams

"Un terrier y un petirrojo / A Terrier and a Robin"
Óleo sobre panel / oil on board, 47,5 x 61 cm. Bonhams
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Henriëtte Ronner-Knip
(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1821 - Elsene, 1909)

"Grosser Münsterländer Mit Einem Hasen Im Fang / Münsterlander grande con un conejo capturado /
Large Münsterländer With A Rabbit In Catch"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 19 x 15,5 cm. Lempertz

Henriëtte Ronner-Knip fue una artista holandesa-belga de estilo romántico nacida en 1821 en Ámsterdam, que es más conocida por sus pinturas de animales, especialmente gatos.
Recibió sus primeras lecciones de su padre, Josephus Augustus Knip, quien también dio lecciones a su tía (su hermana menor), Henriëtte Geertruida Knip. Su abuelo Nicolaas (1741-1808) también fue artista.
La familia se mudaba a menudo porque su padre encontraba trabajo dando clases, pero para 1823 ya estaba ciego de un ojo. Después de quedar totalmente ciego en 1832, la familia continuó moviéndose, permaneciendo por un corto tiempo en La Haya, luego Beek y Žs-Hertogenbosch antes de establecerse en Berlicum en 1840. Por aquel entonces ella se hacía cargo de las finanzas de la familia y de las obligaciones legales, y había comenzado a pintar seriamente en 1835. Participó en la Exposición de Maestros Vivos en 1838.

"Kurze Rast / Descanso corto / Short Rest"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18,7 x 15,2 cm., c.1909. Wikimedia Commons

"Weisser Labrador Mit Erlegtem Hasen / Labrador blanco con liebre cazada /
White Labrador With Hunted Rabbit"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 19 x 15,5 cm. Lempertz

Después de la muerte de Cornelia, la esposa de su padre, se trasladó a Ámsterdam donde pintó granjas, animales y bosques de la naturaleza, primero en acuarela y luego en óleo. Ese mismo año se convirtió en la primera mujer admitida como "miembro activo" de Arti et Amicitiae. En 1850 se casó con Feico Ronner (1819-1883) y se mudaron a Bruselas. Este a menudo estaba enfermo y no podía tener empleos regulares, así que se convirtió en su representante. En ese momento redujo su temática, centrándose casi por completo en los perros y gatos. Después de 1870 pintó sus más obras famosas, con gatos de pelo largo, a menudo juguetones, en ambientes burgueses. Siguió pintando perros, en particular los perros falderos de Marie Henriette de Austria y la Princesa María de Hohenzollern-Sigmaringen. Expuso su obra en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, Illinois.
En sus últimos años tuvo una casa con un gran jardín, donde tenía perros de caza, gatos y un loro que utilizó como modelos. Después de observarlos en su estudio, hacía esculturas de papel en las posturas deseadas y las colocaba junto con accesorios, como muebles y telas. Ocasionalmente colaboró con el artista de género David Col.
En 1887 recibió la Orden de Leopoldo, y en 1901 se convirtió en miembro de la Orden de Orange-Nassau. Su hijo Alfred y sus hijas Alice y Emma también se convirtieron en artistas. A menudo exhibía con ellos.
Murió en 1909.

"Pointer alemán de pelo duro / A German Wirehaired Pointer"
Óleo sobre lienzo montado sobre panel / oil on canvas laid down on panel, 23,2 x 26,7 cm. Sotheby's

"Un perro y sus cachorros / A Dog And Her Puppies"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63 x 83 cm. Sotheby's

Henriëtte Ronner-Knip was a Dutch-Belgian artist in the Romantic style born in 1821 in Amsterdam, who is best known for her animal paintings, especially cats.
She received her first lessons from her father, Josephus Augustus Knip, who also gave lessons to her aunt (his youngest sister), Henriëtte Geertruida Knip. His father, Nicolaas (1741–1808), was an artist as well.
The family moved often as her father found work giving lessons. But, by 1823 her father was already blind in one eye. After he became totally blind in 1832, the family continued to move about, staying for a short time in The Hague, then Beek and 's-Hertogenbosch before settling in Berlicum in 1840. By this time, she was essentially in charge of the family's finances and legal obligations, and had begun painting seriously by 1835. She was a participant in the Exhibition of Living Masters in 1838.

"Hora de jugar para los cachorros / Play Time for Puppies"
Óleo sobre panel / oil on panel, 45,7 x 53,3 cm., Sotheby's

"Gato espiando pájaros con perro durmiendo / Cat Spying on Birds With a Sleeping Dog"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 30,9 × 52 cm.
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

"Hondenmaal / Comida para perros / Dog Meal"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58 x 85 cm. Sotheby's

After the dead of Cornelia, her father's wife, she moved to Amsterdam where she painted farms, animals and forests from nature, first in watercolor, then in oils. That same year, she became the first woman admitted as an "active member" to Arti et Amicitiae. In 1850, she married Feico Ronner (1819-1883) and they moved to Brussels. He was often ill and could not be regularly employed, so he became her manager. At this time, she narrowed her subject matter, focusing almost entirely on dogs and cats. After 1870, she painted her most famous works, featuring long-haired, often playful cats in bourgeois settings. She continued to paint dogs too; notably lapdogs belonging to Marie Henriette of Austria and Princess Marie of Hohenzollern-Sigmaringen. Ronner-Knip exhibited her work at the Palace of Fine Arts at the 1893 World's Columbian Exposition in Chicago, Illinois.
In her later years, she had a house with a large garden, where she kept hunting dogs, cats and a parrot that she used as models. After observing them in her studio, she would make paper sculptures in the desired poses and set them together with props, such as furniture and fabrics. She occasionally collaborated with the genre artist, David Col.
In 1887, she was awarded the Order of Leopold and, in 1901, became a member of the Order of Orange-Nassau. Her son Alfred and daughters Alice and Emma also became artists. She often exhibited with them.
She died in 1909.

"Un pequeño Phalène / A Little Phalene", óleo / oil. Pinterest

Henriëtte Ronner-Knip en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXI)]
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Josef Anton Engelhart
(Wien / Viena / Vienna, Austria, 1864 - 1941)

"El galgo / The Greyhound"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111 x 130 cm., 1891. imKinsky

"El galgo / The Greyhound" (detalle / detail)

Josef Engelhart en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCCXV)]
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Alexander Ivanovich Savinov
Александр Иванович Савинов
(Саратов / Saratov, Imperio Ruso / Russian Empire, 1881 -
Ленинград (Санкт-Петербург) / Leningrado (San Petersburgo) /
Leningrad (St. Petersburg), 1942)

Alexander Ivanovich Savinov (Александр Иванович Савинов) fue un pintor y educador de arte ruso y soviético, que vivió y trabajó en San Petersburgo (Leningrado). Se le considera uno de los fundadores de la Escuela de Pintura de Leningrado.
Estudió en la Academia Imperial de Bellas Artes de San Petersburgo (1902-1908) con Dmitry Kardovsky y Yan Tsionglinsky. Después de su graduación viajó a Italia como pensionista de la Academia de Bellas Artes.
A su regreso de Italia comenzó su carrera docente, que continuará hasta el final de su vida. Dirigió el taller personal de pintura en el Instituto Leningrado de Pintura, Escultura y Arquitectura, dirigió el departamento de composición y fue vicerrector de trabajos científicos y académicos. Entre los alumnos de Alexander Savinov, en diferentes años, estuvieron Alexei Pakhomov, Mikhail Natarevich, Dmitry Mochalsky, Eugene Charushin, Ludmila Ronchevskaya y otros conocidos artistas rusos.
Savinov fue miembro de la Unión de Artistas Soviéticos de Leningrado desde su creación en 1932. Tras el inicio de la Gran Guerra Patria, participó en los preparativos para la evacuación de la colección Hermitage.
Murió en 1942.

"Крестьянский мальчик под яблоней / Muchacho campesino bajo el manzano / 
Peasant Boy Under The Apple Tree"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 138 x 88 cm., 1907. Art Catalog

Alexander Ivanovich Savinov (Александр Иванович Савинов) was a Russian and Soviet painter and art educator who lived and worked in Saint Petersburg (Leningrad). He is regarded as one of the founders of the Leningrad School of painting.
He studied at the Imperial Academy of Fine Arts in Saint Petersburg (1902-1908) under Dmitry Kardovsky and Yan Tsionglinsky. After graduation he traveled to Italy as a pensioner of the Academy of Fine Arts.
After returning from Italy he began his teaching career, which will continue until the end of life. He oversaw the personal painting workshop in the Leningrad Institute of Painting, Sculpture and Architecture, headed the department of composition, was vice-rector for scientific and academic work. Among the pupils of Alexander Savinov in different years were Alexei Pakhomov, Mikhail Natarevich, Dmitry Mochalsky, Eugene Charushin, Ludmila Ronchevskaya and other well-known Russian artists.
Savinov was a member of the Leningrad Union of Soviet Artists since its inception in 1932. After the beginning of the Great Patriotic War he participated in the preparations for the evacuation of the Hermitage collection.
He died in 1942.
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Roger Noël François de La Fresnaye
(Le Mans, Francia / France, 1885 - Grasse, 1925)

"La pastora Marie Ressort de niña / The Shepherdess Marie Ressort as a Child", 1910
Muée d'art moderne (Troyes, Francia / France)

Roger de La Fresnaye en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCCVI)]
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Ingrid Manzione
(Wiesbaden, Alemania / Germany)

Ingrid Manzione es una artista alemana nacida en Wiesbaden, hija de Michael y Letizia Manzione. 
Vivió en Europa hasta 1971, cuando entró en los Estados Unidos para asistir a la universidad y comenzar su vida allí. Se mudó a Hawaii en 1984. Actualmente viaja con todos sus animales (2 perros y 3 gatos), viviendo en climas tropicales.
«La mayoría de mis pinturas tienen figuras. Son retratos. Retratos de nuestras vidas. La gente eres tú, yo, el tipo que camina por la calle, cualquiera. Mi casa está llena de pinturas que tienen gente en ellas y la mayoría, si no todas las obras, no son de nadie que yo conozca. Entonces, ¿por qué pintar a la gente? Por una cosa: uno nunca se aburre ni se queda sin material. Es interminable. ¡Me encanta ver a la gente!»
Además de la gente, a Ingrid también le gusta retratar animales, como estos.

Izq./ Left: "Naughty Hachi", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 24". Link
Der./ Right: "Gussie, Futuro rompecorazones / Future Heartbreaker"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 40". Link

Ingrid Manzione is a German artist born in Wiesbaden, daughter of Michael and Letizia Manzione. 
She lived in Europe until 1971, when she entered the United States to attend college and begin life in America. Moved to Hawaii in 1984. Currently traveling with her animals (2 dogs & 3 cats) and living in tropical climates.
«Most of my paintings have figures in them. They are portraits. Portraits of our lives. The people are you, me, the guy walking down the street, anyone. My home is filled with paintings that have people in them and the majority, if not all of the work, is not of anyone that I know. So why paint people? For one thing, one can never be bored or run out of material. It’s endless. I love watching people!»
Besides people, Ingrid also likes to portray animals, like these.

Más sobre / More about Ingrid Manzione: Websitefacebook, Cedar Street Galleries
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Alice Wellinger
(Lustenau, Austria)

Alice Wellinger es una pintora e ilustradora austriaca.
Su arte personal es surrealista, irónico, tratando con los problemas de la vida cotidiana y los recuerdos de la infancia.
“Siempre trato de contar una pequeña historia en mis cuadros - me gusta cuando la gente tiene algo en lo que pensar.”
Wellinger se considera una autora “autodidacta”, entregada a la ilustración como vehículo de “libertad” creativa, y desde hace unos años trabaja por encargo dibujando libros infantiles (los Austrian’s Children Book Prizes han premiado su trabajo). Afable y vitalista, recuerda que empezó a dedicarse a este público tras dar a luz a sus gemelas. En las páginas que ilustra, Wellinger deja entrever sus “recuerdos de infancia” sin “planear nada de antemano”, sino más bien con su mente “abierta a las ideas que llegan espontáneamente”, detalla. Cuando se trata de trabajos personales, nacidos de su propia voluntad, la ilustradora vuelca toda su carga irónica para abordar a su manera lo que ella define como  “nuestra vida diaria”. El Pais Blog

"El perro de Blossfeldt / Blossfeldt's dog", acrílico sobre panel / acrylic on board, 50 x 60 cm. Link

Alice Wellinger is an Austrian based painter and illustrator.
Her personal art is surreal, ironic, dealing with the troubles of daily life and childhood memories.
“I always try to tell a little story in my pictures - I like when people have something to think about.”
Wellinger considers herself a "self-taught" author, dedicated to illustration as a vehicle for creative "freedom", and for some years now she has been working on commission drawing children's books (the Austrian's Children's Book Prizes have awarded her work). Affable and vitalist, she remembers that she began to dedicate herself to this public after giving birth to her twins. In the pages she illustrates, Wellinger lets you glimpse her "childhood memories" without "planning anything beforehand," but rather with her mind "open to ideas that come spontaneously," she says. When it comes to personal works, born of her own will, the illustrator dumps all her ironic charge to tackle in her own way what she defines as "our daily life". El Pais Blog

Más sobre / More about Alice Wellinger: Websitefacebook, Behance
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Robert C. Jackson
(Kinston, Carolina del Norte, EE.UU./ NC, USA, 1964-)

"Amigos / Pals", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 30"

"Amigos / Pals" (detalle / detail)

"Vista panorámica / Scenic Overlook", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 24", 1999. Sommerville Manning

"Paseando perros / Dog Walking"
Óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 72" (c) Robert C Jackson

Más sobre / More about Robert C. Jackson: WebsitefacebookWikipedia (English)

Robert C. Jackson en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XII)], [Robert C. Jackson (Pintura)]
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Marvin Mattelson 
(EE.UU./ USA)

"Andrew", óleo sobre lino / oil on linen, 22" x 28". ARC

Marvin Mattelson es un pintor estadounidense de retratos al óleo que cuenta con más de treinta y cinco años de experiencia profesional como artista y educador. Nueve de las pinturas de Marvin están incluidas en la colección permanente de la National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution. El Museo Metropolitano de Arte recientemente adquirió una de sus pinturas para su colección permanente. Sus retratos se encuentran en colecciones privadas y corporativas de todo el mundo.
Antes de convertirse en pintor de retratos a tiempo completo, Marvin fue un galardonado ilustrador.
Después de recibir su Licenciatura en Bellas Artes del Philadelphia College of Art, Marvin se embarcó en el largo camino para descubrir el conocimiento que sentía que era tan evidente en el trabajo de los antiguos maestros. Está en deuda con John Frederick Murray, un estudiante del difunto Frank Reilly, por sus ideas sobre el proceso de la pintura académica y su gran aliento. A través del maestro de Reilly, George A. Bridgeman, Marvin rastrea su herencia artística a través de la Ecole des Beaux-Arts, en la que destacados académicos del siglo XIX, como Jean Leon Gerome y William Bouguereau, fueron venerados instructores. Gerome estudió con Paul DeLaroche, quien a su vez había estudiado con Jacques Louis David; la progenie artística de Gerome incluye a los estadounidenses Thomas Eakins, Dennis Miller Bunker y William McGregor Paxton, así como a George Bridgeman.

"Pitbull", óleo sobre lienzo / oil on canvasARC

Marvin Mattelson is an American oil portrait painter who draws on over thirty-five years of professional experience as an artist and educator. Nine of Marvin’s paintings are included in the permanent collection of the National Portrait Gallery at the Smithsonian Institution. The Metropolitan Museum of Art recently acquired one of his paintings for their permanent collection. His portraits hang in both private and corporate collections around the world.
Prior to becoming a full time portrait painter, Marvin was an award-winning illustrator.
After receiving his BFA from the Philadelphia College of Art, Marvin embarked on the long road to discover the knowledge that he felt was so evident in the work of the old masters. He is most indebted to John Frederick Murray, a student of the late Frank Reilly, for his insights into the academic painting process and his great encouragement. Through Reilly's teacher George A. Bridgeman, Marvin traces his artistic heritage back through the Ecole des Beaux-Arts where 19th Century academic stalwarts, such as Jean Leon Gerome and William Bouguereau, were revered instructors. Gerome studied with Paul DeLaroche, who in turn had studied under Jacques Louis David; Gerome's artistic progeny include Americans Thomas Eakins, Dennis Miller Bunker and William McGregor Paxton, as well as George Bridgeman.

Más sobre / More about Marvin Mattelson: Websitefacebook

lunes, 18 de noviembre de 2019

Uruguayos / Uruguayans (XXXIV) - Guillermo Büsch (Pintura, Collage, Entrevista / Painting, Collage, Interview)

Buena amiga y habitual colaboradora del blog, Shirley Rebuffo nos presenta hoy la obra del uruguayo Guillermo Büsch, un creador con una dilatada carrera en el mundo de las artes plásticas. En la presente entrega disfrutamos de una selección de sus pinturas, collages y su instalación "Piedras corazón", junto con una entrevista en la que nos ofrece algunas claves sobre su vida artística, sus ideas y su proceso creativo.
Texto de la entrevista en inglés al final del post.

Good friend and habitual collaborator of the blog, Shirley Rebuffo presents us today the work of the Uruguayan Guillermo Büsch, a creator with an extensive career in the world of the plastic arts. In this issue we enjoy a selection of his paintings, collages, and his installation "Heart Stones", with an interview in which he offers us some clues about his artistic life, his ideas and his creative process.
Text of the interview in English at the end of the post.
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Guillermo Büsch
(Salto, Uruguay, 1948-)

por / by Shirley Rebuffo

Guillermo Büsch en su apartamento de Montevideo, disfrutando de la compañía del mate matutino. Al fondo se observa un cuadro del autor y a la derecha de la foto, una obra de la artista plástica uruguaya Lilian Degiorgis.
Guillermo Büsch in his Montevideo apartment, enjoying the company of morning mate. In the background there is a painting by the author and to the right of the photo, a work by the Uruguayan plastic artist Lilian Degiorgis.
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Guillermo Büsch es un artista plástico nacido en la ciudad de Salto, Uruguay, el 11 de diciembre de 1948.
De joven tomó clases con el pintor José Cziffery en la Asociación Horacio Quiroga de la ciudad de Salto.
Ya viviendo en Montevideo, en 1971, concurrió a la Escuela Nacional de Bellas Artes hasta la clausura de la misma al año siguiente por razones políticas de la época, profundizando su formación en el Taller Miguel Ángel Pareja.
Se dedica a la pintura, escultura, instalaciones y otros lenguajes artísticos.
Diseñó e ilustró numerosos libros de ciencia y poesía. Escribió artículos periodísticos en revistas, dictó conferencias y coordinó seminarios y talleres. Publicó un libro de reflexiones de prosa poética. En su último libro "Mirar desde uno" plasma su mirada de la realidad y profundiza en su concepción de la creatividad y la educación en las artes con reflexiones fruto de más de treinta años de docencia.
Desde hace años realiza talleres de formación plástica en instituciones de enseñanza tanto públicas como privadas, y también en su taller.
Desde el año 2003 vive y trabaja en la ciudad de Piriápolis.

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 80 x 100 cm., 2014

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 110 x 80 cm., 2014

Shirley Rebuffo: ¿Cómo comenzaste a ser artista?
Guillermo Büsch: El potencial creativo de todo ser humano comienza en el momento en que respira por primera vez, después del parto. Yo, como cualquier otro hombre o mujer, nací con esa cualidad. El entorno familiar, social, cultural y ciertas características personales favorecieron desde ese momento mi inclinación por la creatividad. Pero, para que ésta sea arte necesita de un mínimo de público que lo legitime. En mi infancia hacía muchas cosas con entusiasmo y dedicación, propios de la edad, pero no creo que hiciera “obras de arte” aunque, seguramente, fueron generando en mi interior una vocación hacia la práctica de las artes visuales.
No sé el momento exacto en el cual decidí ser artista. Sí puedo afirmar que, a los 16 años, opté por cursar lo que hoy sería un bachillerato de arquitectura. Esta orientación tenía pintura, historia del arte y filosofía, que eran las materias que más me interesaban. Paralelamente ya con 17 años concurría al taller de plástica “Pedro Figari” en Salto, Uruguay.
No recuerdo un suceso especial que me impulsara a pintar. Fue un lento e ininterrumpido proceso de vincular mi mundo interior con el mundo del entorno humano, geográfico y espiritual en el cual vivía. Dicho proceso se desarrollaba jugando, construyendo y realizando dibujos, pinturas e instalaciones (recién varios años después supe que mis construcciones serían llamadas así). Tengo muchos recuerdos importantes de mi vida vinculados a ese mundo maravilloso del hacer.

Acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 60 x 150 cm., 2016

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 110 x 80 cm., 2015

SR: ¿Cuál ha sido tu proyecto más ambicioso? ¿Lo realizaste?
GB: He tenido varios proyectos que en su momento consideré ambiciosos. Algunos se cumplieron y otros no. Hoy, con 70 años cumplidos, trato de lograr algo muy ambicioso: realizar por quinta vez la instalación de CORAZONES DE ESTA TIERRA, 777 Piedras Corazón. No sé si lo lograré. Si no es así procuraré concretar otro proyecto muy interesante para mí: una exposición antológica donde pueda dar a conocer exponentes de cada una de las propuestas que desarrollé en los últimos 14 años. 

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 110 x 80 cm., 2013

Collage, 10 x 8 cm., 2010

SR: En algunas de tus obras he notado que has eliminado las barreras de la línea, aplicando las leyes de los contrastes en colores, haciendo que se torne un fenómeno natural. ¿Podrías hablarme sobre esto? o quizá podrías responderme ¿Cómo observas el mundo para plasmarlo?
GB: Estas son dos preguntas que trataré de responder por separado por más que puedan tener una estrecha relación:
a- He pasado por períodos muy distintos en mi búsqueda por encontrar un color que fuera inseparable del dibujo. En algunas series he reducido la línea al mínimo o la he eliminado totalmente. Otras veces estas fueron la base de toda la construcción.
Por los años 80 y 90, cuando me expresaba a través del planismo con pintura acrílica, prácticamente no componía con líneas definidas. Utilizaba planos de colores lisos, sin texturas, cuyas formas terminaban en el contorno de un plano de color. Mientras tanto, en las acuarelas, las líneas eran fundamentales para definir las formas.
Cuando pinto un cuadro no me manejo con teorías de ningún tipo. Estas me interesan solo como curiosidad intelectual. Pongo los colores intuitivamente y con la mayor sensibilidad posible al establecer las relaciones entre ellos. Un color me lleva a otro y este a otro y así sucesivamente. Siempre lo cromático es, a su vez, puesto en relación con formas, espacio y estructura.
b- No concibo el arte sin el diálogo constante con la naturaleza, la sociedad y la época en la cual vivo. En consecuencia observo y analizo apasionadamente todo lo que me rodea e incluso todo lo que sucede con la humanidad, nuestro planeta y el universo.

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 110 x 80 cm., 2014

Collage, 30 x 20 cm., 2013

SR: ¿Qué consideras más relevante para tus obras: la belleza o el significado?
GB: No creo que se puedan separar la belleza del significado en mis cuadros. La música instrumental, por ejemplo, tiene significado por sí misma. La pintura, al igual que esta, puede ser alegre, violenta o triste sin que haya una sola palabra que lo exprese. El hecho de que sean abstractos o figurativos los cuadros no cambia mucho. En estos últimos también hay belleza y los primeros contienen significados. Es sabido, por otra parte, que belleza y significado no son palabras inmutables.

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 80 x 100 cm., 2014

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 100 x 130 cm., 2005

Guillermo pintando en el Taller Ciudad Vieja, c/Washington 224 /
painting at the Ciudad Vieja Workshop, Washington Street, 224. Montevideo, Uruguay, 1980

Guillermo Büsch is a plastic artist born in the city of Salto, Uruguay, on December 11, 1948.
As a young man he took classes with the painter José Cziffery in the Horacio Quiroga Association of the city of Salto.
Already living in Montevideo, in 1971, he attended the National School of Fine Arts until its closure the following year for political reasons at the time, deepening his training at the Miguel Angel Pareja Workshop.
He dedicates himself to painting, sculpture, installations and other artistic languages.
He designed and illustrated several books of science and poetry. He wrote journalistic articles in magazines, gave lectures and coordinated seminars and workshops. He published a book of reflections of poetic prose. In his latest book "Mirar desde uno / To Look From Oneself" he captures his view of reality and deepens his conception of creativity and education in the arts with reflections resulting from more than thirty years of teaching.
For years he has been carrying out plastic training workshops in both public and private educational institutions, as well as in his workshop.
Since 2003 he lives and works in the city of Piriápolis.

Collage, 18 x 14 cm., 2010

Collage, 12 x 18 cm., 2011

SR: ¿Estás afín a algún paradigma estético u oscilas entre varios en una obra?
GB: No me preocupan demasiado los paradigmas estéticos cuando realizo un trabajo. Me centro en lo que siento o percibo profundamente y en encontrar la manera de expresarlo con la mayor libertad posible. Que sean otros los que ubiquen lo que hago en el paradigma que les parece. Lo antedicho no impide que pueda desarrollar lenguajes expresivos diferentes, en apariencia contradictorios. Si siento necesidad de realizar imágenes en photoshop lo hago con el mismo entusiasmo con el que pinto. Si en una instalación tengo que apelar al realismo porque es lo que me permite comunicar mejor lo que quiero, lo hago. Si son manchas de colores informales lo más conveniente, no dudo en ponerlas. Me ubico en la línea de la idea.

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 90 x 116 cm., 2007

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 80 x 100 cm., 2013

SR: ¿Consideras tu obra como el resultado consciente de tu subconsciente? 
GB: Pienso que el ser humano es una totalidad indivisible y que, cuando es honesto en su arte, y tiene la destreza necesaria para decir lo que tiene para decir, participan de ello su subconsciente, lo consciente además de lo instintivo y lo intuitivo. s conveniente, no dudo en ponerlas.

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 110 x 80 cm., 2014

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 116 x 90 cm., 2008

Collage, 21 x 14 cm., 2010

SR: Te alejaste hace tiempo del stress citadino de Montevideo y buscaste el placer de una ciudad más pequeña. ¿Esa dialéctica ciudad–pueblo, representa una alternativa que afirma tu autonomía de elección en el orden? (con orden me refiero a poner las cosas en su sitio).
GB: En el correr del año 2003 me instalé definitivamente en Piriápolis, ciudad del departamento de Maldonado. Tiene una población de aproximadamente unos 15.000 habitantes. La ciudad está rodeada por varios cerros y el mar. Encontré mi lugar en el mundo para esta etapa de mi vida. A la edad de 21 años partí de Salto, mi ciudad natal, para radicarme en Montevideo. Permanecí allí durante mucho tiempo hasta que vine a vivir, como ya dije antes, a Piriápolis.
Siento que en cada circunstancia hice lo que fue apropiado para consumar los proyectos de vida que tenía: profundizar mi formación como artista, conformar una familia, resolver mi subsistencia y asumir los compromisos que mi vocación y mis ideas proponían. En cada una de esas tres ciudades siempre me sentí parte de la comunidad y de la geografía. Montevideo, por ser más cosmopolita, grande en población y edificaciones, fue en la que me costó un poco más adaptarme. Sin embargo, tanto al Salto natal como al Piriápolis actual los considero hechos a mi medida.
Siempre he intentado componer colores y formas en mis cuadros con el propósito de potenciar sus posibilidades expresivas, y el orden es, a mi entender, esencial para lograrlo.
Cada color, cada forma deben estar en orden, es decir, en su lugar. Y “su lugar” es estar integrados a la totalidad plástica para vivificarla, no para destruirla, como lo hace el desorden.

Acrílico sobre lino / acrylic on linen, 116 x 90 cm., 2008

Collage, 21 x 14 cm., 2010
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Piedras Corazón / Heart Stones

Foto / Photo: facebook

La instalación "Piedras Corazón" consiste en una colección de 777 piedras con las siguientes características:
- Sus formas se asemejan al símbolo del corazón humano.
- Todas ellas fueron encontradas por el artista en el Uruguay y, aprox. 80% pertenecen a la costa de Piriápolis y su entorno.
- Las 777 piedras fueron "trabajadas"exclusivamente por la Naturaleza sin la más mínima intervención de la mano del hombre.

Foto / Photofacebook

«La idea es crear un contexto a las piedras que tenga un carácter artístico, pero a la vez que potencie los aspectos naturales y sensibles. El entorno hace que la piedra resuene distinto a como si fuera expuesta por un coleccionista en cajas. Algunas me costó mucho encontrarlas, otras surgieron de una forma espontánea, y hay formas muy marcadas que parecen casi vegetales, y otras que son más de "piedra", digamos.»


La muestra se presentó en el Castillo de Piria, en Piriápolis, Uruguay, y el vídeo fue realizado por Erika, cantante e hija del artista, especialmente para la misma.

The exhibition was presented at the Piria Castle in Piriápolis, Uruguay, and the video was made by Erika, singer and daughter of the artist, especially for the show.

Foto / Photofacebook

The "Heart Stones" installation consists of a collection of 777 stones with the following characteristics:
- Its shapes resemble the symbol of the human heart.
- All of them were found by the artist in Uruguay and approx. 80% belong to the coast of Piriápolis and its surroundings.
- The 777 stones were "worked" exclusively by Nature without the intervention of man's hand.

Foto / Photofacebook

«The idea is to create a context for the stones that has an artistic character, but at the same time enhances the natural and sensitive aspects. The environment makes the stone resonate differently than if it were exposed by a collector in boxes. Some of them were hard to find, others came up spontaneously, and there are very marked forms that look almost like vegetables, and others that are more like "stone", let's say.»
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Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:

Lilián Degiorgisfacebook
José Cziffery[Uruguayos (VIII)]
Miguel Ángel Pareja[Uruguayos (XIX)]
Pedro Figari: [Uruguayos (I)], [Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXII)]

Más sobre / More about Guillermo Büsch: Website

Imágenes e información publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Guillermo!)
Images and information published here with artist's permission (Thanks a lot, Guillermo!)
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museologia por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría, y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences, Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option) (Republic University Montevideo, Uruguay), Object, Symbol and Space in Curatorship, and art and painting student under Master Eduardo Espino.
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Traducción al inglés / English Translation

Shirley Rebuffo - How did you become an artist?
Guillermo Büsch - The creative potential of every human being begins the moment he or she breathes for the first time after childbirth. I, like any other man or woman, was born with that quality. From that moment on, the family, social, cultural and certain personal characteristics favoured my inclination for creativity. But for this to be art, it needs a minimum of audience to legitimize it. In my childhood I did many things with enthusiasm and dedication, typical of my age, but I don't think I did "works of art" although, surely, they were generating within me a vocation towards the practice of the visual arts.
I don't know the exact moment when I decided to become an artist. I can affirm that, at the age of 16, I opted for what would become a Bachelor's Degree in architecture. This orientation had painting, art history and philosophy, which were the subjects I was most interested in. At the same time, at the age of 17, I was attending the "Pedro Figari" art workshop in Salto, Uruguay.
I don't remember a special event that impelled me to paint. It was a slow and uninterrupted process of linking my inner world with the world of the human, geographical and spiritual environment in which I lived. This process was developed by playing, building and making drawings, paintings and installations - only several years later I knew that my constructions would be called that way. I have many important memories of my life linked to that wonderful world of making.

SR - What was your most ambitious project? Did you do it?
GB - I've had several projects that I considered ambitious at the time. Some were fulfilled and some were not. Today, 70 years old, I'm trying to achieve something very ambitious: for the fifth time I'm trying to install the HEART OF THIS EARTH, 777 Heart Stones. I don't know if I'll make it. If not, I will try to carry out another very interesting project for me: an anthological exhibition where I can present exponents of each of the proposals I have developed over the last 14 years. 

SR - I have noticed that you have eliminated the barriers of the line in some of your works, applying the laws of contrasts in colors, making it become a natural phenomenon. Could you talk to me about this? or perhaps you could answer me How do you observe the world to shape it? 
GB - These are two questions that I will try to answer separately no matter how closely related they may be:
a- I have gone through very different periods in my quest to find a color that was inseparable from the drawing. In some series I have reduced the line to a minimum or eliminated it completely. Other times these were the basis of the whole construction.
In the 80's and 90's, when I expressed myself through Planism with acrylic paint, I practically didn't compose with defined lines. I used planes of plain colors, without textures, whose forms ended in the contour of a plane of color. Meanwhile, in watercolors, the lines were fundamental to define the forms.
When I paint a painting I don't deal with theories of any kind. These theories interest me only as intellectual curiosity. I put the colors intuitively and with as much sensitivity as possible when establishing the relationships between them. One color leads me to another, and this to another, and so on. The chromatic is always, at the same time, put in relation with forms, space and structure. 
b- I do not conceive art without constant dialogue with nature, society and the time in which I live. As a result, I passionately observe and analyze everything that surrounds me and even everything that happens to humanity, our planet and the universe.

SR - What do you consider most relevant to your works: beauty or meaning?
GB - I don't think you can separate beauty from meaning in my paintings. Instrumental music, for example, has meaning by itself. Painting, like this one, can be joyful, violent or sad without a single word to express it. Whether the paintings are abstract or figurative doesn't change much. In the latter there is also beauty and the former contain meanings. It is known, on the other hand, that beauty and meaning are not immutable words.

SR - Are you related to any aesthetic paradigm or do you oscillate between several in one work?
GB - I don't care too much about aesthetic paradigms when I do a work. I focus on what I feel or perceive deeply and find a way to express it as freely as possible. Let others locate what I do in the paradigm they consider the right one. This does not prevent me from developing different, apparently contradictory, expressive languages. If I feel the need to make images in photoshop I do so with the same enthusiasm with which I paint. If in an installation I have to appeal to realism because it is what allows me to better communicate what I want, I do it. If they are informal colored spots, I don't hesitate to put them.

SR - Do you consider your work the concious result of your subconscious? 
GB - I think that the human being is an indivisible totality and that, when he is honest in his art, and has the necessary skill to say what he has to say, his subconscious participates in it, the conscious as well as the instinctive and the intuitive.

SR - You moved away from the city stress of Montevideo time ago looking for the pleasure of a smaller city. Does that dialectic city-village, represent an alternative that affirms your autonomy of choice in order? (by order I mean to put things in their place).
GB - In the course of the year 2003 I settled definitively in Piriápolis, city of the department of Maldonado. It has a population of approximately 15,000 inhabitants. 
The city is surrounded by several hills and the sea. I found my place in the world for this stage of my life. At the age of 21 I left Salto, my hometown, to settle down in Montevideo. I stayed there for a long time until I came to live, as I said before, in Piriápolis.
I feel that in every circumstance I did what was appropriate to consummate the life projects I had: to deepen my training as an artist, to form a family, to solve the problems of my life, my subsistence, and to assume the commitments that my vocation and my ideas proposed. In each of these three cities I always felt part of the community and the geography. Montevideo, being more cosmopolitan, bigger in population and buildings, was the one in which it took me a little longer to adapt. However, both the Salto natal and the Piriápolis I consider them tailor-made to me.
I have always tried to compose colors and shapes in my paintings with the purpose of enhancing their expressive possibilities, and order is, in my opinion, essential to achieve it.
Each color, each form must be in order, that is to say, in its place. And "its place" is to be integrated to the plastic totality in order to vivify it, not to destroy it, as disorder does.

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