miércoles, 10 de septiembre de 2014

Ted Lawson [Pintura, Escultura]

El campo de exploración artística de Ted Lawson abarca desde la pintura a la escultura, trabajando con cualquier método o técnica que le permita desarrollar ideas y conceptos. Cada nuevo proyecto es algo diferente, inesperado, algo que en lugar de ofrecer respuestas, despierta preguntas.
Ted se ha hecho popular en la red gracias a su autorretrato con sangre, pero aún siendo muy llamativo, no es lo único interesante de este versátil artista.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

Ted Lawson's field of artistic exploration ranges from painting to sculpture, working with any method or technique that allows him to develop ideas and concepts. Every new project is something different, unexpected, something that instead of providing answers, awakens questions.
Ted has become popular in the Net thanks to his selfie with blood, but even being very striking, is not the only interesting thing by this versatile artist.
English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Ted Lawson


Ted Lawson es un artista contemporáneo residente en Brooklyn, nacido en 1970 en Boston, Massachusetts.
Su obra combina la tecnología digital con métodos tradicionales de escultura, para producir objetos conceptuales que expresen la realidad análoga subyacente en su temática. Su proceso de trabajo es una exploración en la experiencia existencial humana, a través de modelos imaginados del universo como forma física.
Acompaño la selección de imágenes de su obra, con algunos pasajes de una interesantísima entrevista realizada por Michael Corbin, publicada en ArtBookGuy, que puede leerse completa (en inglés) aquí. [1]

"Crudo / Crude", resina fundida, objetos encontrados, acero / cast resin, found objects, steel, 2013

"Crudo / Crude" (detalle / detail)

«Cuando le digo a la gente que soy escultor, casi siempre me preguntan lo mismo: "¿Con qué medio trabajas?». La verdad es que nunca sé qué contestar. Creo que la expectativa es que un escultor debe tener un medio preferido con el cual trabajar, pero yo no. Algo que me caracteriza es ser capaz de trabajar con cualquier material (o utilizar cualquier tecnología) necesario para llevar a cabo la pieza e impulsar el concepto. Como idea general, creo que la mayoría de la gente piensa que ser un escultor está bien, porque la experiencia de hacer cosas a partir de materia prima se ha vuelto más y más rara para la vida cotidiana de la mayoría de la gente. Casi todo lo que hacemos es comprar cosas prefabricadas o sucesos online, así que hacer escultura se ha vuelto algo casi exótico.» [2]

"El fantasma en la máquina / Ghost in the Machine", sangre sobre papel / blood on paper, 48″ x 96″, 2014

Para la pieza a tamaño natural "El fantasma en la máquina", Lawson escribió miles de líneas de códico directamente en una máquina CNC para dibujar su retrato, fusionando así la manufactura con el proceso artístico. Se conectó luego por vía intravenosa a un brazo robótico, y pasó horas literalmente virtiendo su sangre en la obra. Esta pieza visceral, esfuerzo de colaboración entre el hombre y la máquina, desafía a quienes consideran que el arte digital o mecánico debe ser eliminado de la esfera de las bellas artes, como la pintura y el dibujo. [3]

Ted trabajando en "El fantasma en la máquina" / Ted at work in "Ghost in the Machine"
[ver el video al final del post / check out the video at the end of this post]

"Entropía / Entropy", madera (maple azucarero) / wood (hard maple), 66,5″ x 15″ x 10″, 2012

«Para hacer el tipo de trabajo que me interesa se requiere un completo conocimiento de química, materiales, herramientas y mecanismos, y comprender como todo eso encaja. Para mí, todo esto es la parte más fácil, porque es simplemente una cuestión de resolver problemas, y puedo meterme en la lógica de todo eso (con mis excelentes asistentes artísticos), mientras intento encontrar la solución más elegante. El mayor desafío es que es algo muy personal. Los conceptos son una montaña rusa emocional, porque requieren asumir grandes riesgos, exponer algo sobre cómo soy realmente o cómo veo las cosas. Cuando hago trabajo figurativo, a menudo involucro gente que me es muy cercana, como modelos o las musas para el sujeto. En muchas fases de la obra, no estoy seguro si voy a llegar a lo que tenía previsto, y los riesgos siguen aumentando, porque no importa cuánto tiempo y esfuerzo (y dinero) se haya invertido, fácilmente puede estarse sumando a absolutamente nada.» [4]

"Nebulosa 1 / Nebulous 1", esmalte a la nitrocelulosa sobre lienzo / nitrocellulose lacquer on canvas, 44″ x 44″, 2012

"Ninfa / Nymph", madera (álamo) / wood (poplar), 2000

«Personalmente, amo el mundo del arte. He pasado toda mi vida adulta profundamente inmerso en él. Aunque, llamarlo "mundo del arte" aún me suena divertido, porque de alguna manera implica que es como un lugar; yo tiendo a verlo más como una vasta conversación serpenteante que ha sucedido desde hace mucho tiempo, probablemente tanto como la gente lleva comunicándose. De hecho, las referencias más antiguas que sobreviven de nuestra humanidad, son unas pocas pequeñas esculturas y algunas pinturas rupestres de hace alrededor de 40.000 años (la conservación de esos objetos siempre me ha impresionado). Creo que tan sólo el esfuerzo de añadir algo relevante a esa conversación, a cualquier nivel, me hace sentir conectado con el mundo y ser un humano. Por eso estoy profundamente agradecido de ser parte de ello.» [5]

Orbis Descriptio (Colaboración con / Collaboration with Shelter Serra)
MDF molido y tintado / milled, dyed MDF, 84″ x 55,5″, 2014

"Espiral de sal / Salt Spiral", sal fundida / cast salt, 44″ x 44″ x 4″, 2012

«Cualquier artista al que no le guste que la gente se forme opiniones sobre su obra, ha escogido un estilo de vida muy poco conveniente. Las opiniones son una cosa divertida, porque cada uno piensa que la suya es super importante, aunque puede no serlo. La mayoría de la gente son criaturas extrañas para mí, y aún así, cada uno esconde el mismo tipo de locura bajo la superficie. Llevar a alguien a revelarse a sí mismo a través de sus puntos de vista sobre tu arte, es una de las cosas más interesantes de hacer una muestra. Esos comentarios horriblemente fuera de lugar suelen ser mis favoritos, porque son tan extraños (y generlamente oscuros) que a veces resultan reveladores. Un punto en el cual internet ha claramente democratizado el mundo del arte es en que, online, las opiniones de cada uno tienen el potencial de llegar a ser tan válidas como las de cualquier otro.» [6]

Affordable Art Fair

"Ataque/Decadencia - Attack/Decay 1"
Molido, latón pintado / milled, painted brass, 96″ x 36″, 2014

"Eva / Eve", resina fundida / cast resin, 36″ x 32″ x 16″, sin base / w/o base, 2011

«Inicié este grupo de trabajos con Eva, que comenzó como una idea narrativa acerca del retrato como un abanico de posibilidades físicas, en lugar de un momento congelado en el tiempo. Terminó convirtiéndose para mí en algo más bien sobre los fetiches del cuerpo físico. Alguna gente piensa que estoy haciendo una declaración cultural o política sobre la gordura o la delgadez, y creo que está mucho más abierto a cualquier interpretación de la gente. Estoy más interesado en presentar la experiencia existencial compartida que una opinión política específica. Sabía que hombres y mujeres podrían interpretar la pieza de maneras diferentes, y eso podría forzar preguntas sobre deseos e inseguridades personales, pero también que cada uno tendría su propia visión. En general, me gusta comenzar con objetos o temas de fuerte carga, y luego retroceder lentamente a través del proceso, hasta llegar a un final completamente abierto, en tantas direcciones como sea posible. El sitio a donde siempre quiero llegar con la obra finalizada, es a una especie de cálida indiferencia, que es como imagino que el universo nos ve a nosotros mismos. Sin embargo, cuando esculpí cada una de las 8 figuras en sus diversos estados de gordura o delgadez, quería imaginar cada una como con un fuerte atractivo sexual, que es mucho más difícil. Aún así, sé que cualquiera de esas figuras es el ideal para alguien, y es lo que quería darles. »

"Muerte de la narrativa / Death of Narrative", resina fundida / cast resin, 144″ x 72″ x 24″, 2013

"Muerte de la narrativa / Death of Narrative" (detalle / detail)

"Luna de sangre / Blood Moon", sangre sobre papel / blood on paper, 57″ x 57″, 2014

«Mucho de mi obra tiene que ver sobre la exploración de mis absolutamente fantasiosos modelos del universo. No estoy intentando abordarlo desde la perspectiva de la ciencia, o de la ciencia ficción (aunque estoy interesado en ambas), sino mayormente como una forma de explorar mis propias desilusiones sobre cómo había asumido que era el universo (lo que probablemente fui cogiendo en el Discovery Channel, o en películas, sin duda en Internet). Recuerdo ver fotos tomadas por el Telescopio Espacial Hubble, de esas inmensas y coloridas nubes de gas, que se supone están a años luz en el espacio profundo, cuna de billones de estrellas, y pensar que eran las más increíbles imágenes que había visto... ¡hasta que alguien me dijo que los colores habían sido añadidos a posteriori con Photoshop! Aún pienso que son hermosas, pero eso me ha hecho comprender cómo mucho de lo que creo que sé, está enteramente basado en efectos especiales.» [8]

"La mortalidad es un mito / Mortality is a Myth", 72″ x 36″ x 36″, 2012
Resina fundida, silicona y MDF / cast Resin, Silicone and MDF

"Nebulosa 3 / Nebulous 3" (obra y detalle / work and detail), 40″ x 60″, 2012
Esmalte a la nitrocelulosa sobre lienzo / nitrocellulose lacquer on canvas

"Escepticismo radical / Radical Skepticism"
Resina fundida, MDF molido / Cast resin, Milled MDF, 114″ x 48″ x 51″, 2014

Próxima muestra de Ted en Nueva York (11/9 - 4/10) / Next Ted's Show in New York (9/11 - 10/4)
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Si te gustó la obra de Ted, tal vez te guste / If you liked Ted's work, maybe you'll like

Jonty Hurwitz: [Jonty Hurwitz (Escultura)]
Lee Jae-Hyo (이재효): [Lee Jae-Hyo (Escultura)]
Miriam Lenk: [Miriam Lenk (Escultura)]
Gerhard Lentink: [Gerhard Lentink (Escultura)]
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Más imágenes e información sobre Ted y su obra en /
More images and information about Ted and his work in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Ted!)
Gracias también a la persistencia de Shirley Rebuffo, que da estos inesperados resultados...

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Teds!)
Thanks also to the persistence of Shirley Rebuffo, giving these unexpected results ...


Creación de "El fantasma en la máquina" / The making of "Ghost in the Machine"

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"The Great Nude", Entrevista a / Interview with Ted Lawson, Affordable Art Fair



Traducción al inglés / English translation

[1]
Ted Lawson is a Brooklyn based contemporary artist born in 1970 in Boston, Massachusetts.
His works combine digital technology with traditional sculpting methods to produce conceptual objects that express the underlying analog truth within his subject matter. His working process is an exploration into the human existential experience through imagined models of the universe as physical form.
With the selection of images of Ted's work, some excerpts from an interesting interview by Michael Corbin, published in ArtBookGuy, you can fully read here.

[2]
«When I tell people I'm a sculptor I almost always get the same question: "What medium do you work in?" I never really know how to answer.  I think there's an expectation that as a sculptor, you will have some preferred material or craft to work within, which I actually do not. Part of my thing is to be able to work in any material (or use any technology) needed to finish the piece and push the concept. In general though, I think that most people think that being a sculptor sounds cool because the experience of actually making things from raw material is becoming more and more alien to most people's daily lives. Almost everything else that we do is either bought pre-fab or happens online, so sculpture-making seems almost exotic at this point.»

[3]
"For the life-sized piece, titled 'Ghost in the Machine,' Lawson wrote thousands of lines of code directing a CNC machine to draft his portrait, thus merging manufacturing and artistic processes. He then hooked himself up to a robotic arm intravenously, and spent hours literally pouring his blood into the work. The visceral piece, a collaborative effort between man and machine, challenges those who consider digital or mechanical art to be more removed than traditional fine art fields like painting and drawing."

[4]
«To make the kind of work that I am interested in requires a full knowledge of chemicals, materials, tools and mechanics and understanding how it all fits together. For me, all this is actually the easy part, because it’s really just pure problem solving and I can geek out on the logic of it all (with my excellent art assistants) while trying to find the most elegant solution. The greater challenge of the work is that it gets very personal. Concepts are an emotional rollercoaster because they require taking huge risks, exposing something about who I really am or how I see things. When I work figuratively, I often involve people who are very close to me as the models or the muses for the subject. At many stages of the work, I am not sure if it is going to come across at all the way I had intended and the stakes always keep going up, because no matter how much time and effort (and money) has been invested, it can easily add up to absolutely nothing.»

[5]
«Personally I love the art world. I've spent my entire adult life deeply immersed in it. Though, calling it the "art world" still sounds funny to me because that somehow implies that it's an actual place, I tend to see it more as a vast meandering conversation that's been going on for quite a long time, probably as long as people have been communicating.  In fact, the oldest surviving references we have to our humanity are a few small sculptures and some cave paintings from over 40,000 years ago (the archival-ness of those objects always impresses the hell out me). I think that just the effort to add something relevant to the conversation, on any level, actually makes me feel connected to the world and to being human. For that I am deeply grateful to be a part of it.»

[6]
«Any artist who doesn't like having people form opinions about their work has chosen a very inconvenient lifestyle. Opinions are a funny thing though, because everyone thinks their own is super-important, which it may not be. Most people are already extremely strange creatures to me, and yet, almost everyone is hiding the exact same craziness right below the surface. Getting someone to reveal themselves through their views of your artwork is one of the most interesting parts of having a show. Those hideously off-base comments are often my favorite, because they are just so weird (and usually dark), yet sometimes quite illuminating. One place where the internet has clearly democratized the art world is that online, everyone's opinion has the potential to become as valid as anyone else's.»

[7]
«I started this body of work with Eve, which began as a narrative idea about portraiture as a range of physical possibilities, rather than as a frozen moment in time. It ended up becoming more about physical body fetishes for me. Some people thought I was making a cultural or political statement about fat and skinny and though I'm pretty much open to any interpretations people have, I'm much more interested in presenting the shared existential experience over a specific political opinion. I knew that men and women would read the piece differently and that it would force the question of personal insecurities and desires, but also that everyone would have their own personal take on it. In general, I like starting with heavily loaded objects or subject matter, then dialing it back slowly through the process until it becomes almost completely open-ended in as many different directions as possible. The place I always want to land with the finished work is some kind of warm indifference, which is how I imagine the universe sees us. However, when sculpting each of the 8 figures in their various states of fat or skinny, I wanted to imagine each one as being completely sexually attractive, which is much more challenging at the extremes. Still, I know that any one of those figures is the ideal for someone and I wanted to give them that.»

[8]
«A lot of my work has been about exploring my own completely fantasized models of the universe. I'm not trying to approach it from the perspective of actual science or science fiction (both of which I am interested in), but mostly as a way to explore my own delusions about what I assume the universe looks like (which I likely picked up from the Discovery Channel, or movies - certainly from the internet). I remember seeing photos taken from the Hubble Space Telescope of these huge colorful clouds of gas that were supposed to be light years across in deep space, birthing billions of stars and I thought they were the coolest images ever - until someone told me that the colors had been added later in Photoshop! I still think they are quite cool, but that made me realize how much I assume I know based entirely on special effects.»

2 comentarios:

  1. Lo que realiza es excelente, y lo que ha hecho con su sangre es delirantemente hermoso. Me salió la museóloga de dentro, por lo que me pregunto cuánto tiempo se conserva el original hecho con sangre, por que al ser un material orgánico sin tratamiento previo tiene un tiempo de descomposición; y me pregunto también si le hará hecho un tratamiento posterior para que se conserve, si no es claro que quiera que se degrade, que sea lo que sea y se conservarán los registros fotográficos.

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  2. Y también me gustaría saber sobre cómo protege de la humedad las esculturas de sal. Quizá sus obras sean efímeras y esto no sea importante.

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