El Hurgador [Arte en la Red]

jueves, 12 de diciembre de 2013

Tiffany Bozic [Pintura]

Este es el primero de dos posts que dedicaré a la obra de esta estupenda artista estadounidense, uno de mis más gratos descubrimientos recientes.

This is the first of two posts I'll dedicate to the work of this remarkable American artist, one of my most pleasing recent discoveries.

Tiffany Bozic

Tiffany junto a su obra "Cuando llegó la lluvia" / Tiffany with her work "When the Rain Came"

Tiffany Bozic es una artista autodidacta estadounidense nacida en Ohio, que actualmente vive y trabaja en su cabaña bajo las sequoias en Marin, California. Su obra describe la naturaleza con un exquisito respeto por la morfología de las especies (no es raro que Audubon y Haeckel sean sus referentes favoritos), mientras que sus hermosas composiciones están marcadas por una gran libertad e imaginación. Las obras de Tiffany están realizadas generalmente con pintura acrílica sobre paneles de madera.

"Salinidad / Salinity", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 91,4 x 106,7 cm., 2012

Izq./ Left: "Escarabajo arcoiris / Rainbow Beetle"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 8 x 8 in., 2013

Der./ Right: "Escarabajo líquen / Lichen Beetle"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 6 x 6 in., 2013

- Tu obra está delicadamente controlada. ¿Eres capaz de dibujar o pintar cuando estás molesta?

- Tengo mucho interés en encontrar formas de transmitir emociones. No soy una persona irritable, así que afortunadamente la ira no me muestra su rostro muy a menudo, y si lo hiciera probablemente me agotaría físicamente. Para ejecutar una pintura, generalmente tengo que ser vaciada de mis emociones e ir hacia un estado neutral, calmo y meditativo.

"Misa dominical / Sunday Mass", 18,5” x 26,5”, 2006

"Escarabajos rinoceronte / Rhino Beetles"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 32” x 43”, 2011

«Comencé a pintar porque tenía que hacerlo. No hay modo de describir ese básico e intenso deseo de compartir y ser parte de algo más grande que yo. Me siento muy feliz estando donde estoy y pudiendo ganarme la vida haciendo algo que amo.»

"No ha sido culpa de nadie sino mía / No One's Fault But My Own"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 39" x 27"

"El dragado silencioso / The Silent Dredge"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 43” x 35”, 2007

«Respeto a los críticos de arte como a cualquier otra persona. Es importante recordar, en primer lugar, por qué creas y decides compartir tu obra con el público mientras estás abierta al cambio y a nuevas ideas. Así que yo soy mi peor crítica, y depende de mí tanto creer en mi trabajo como hacer que ocurra. Es algo muy bueno que me aburra con tanta facilidad, porque así mi trabajo se ve impulsado constantemente hacia lo desconocido, manteniendo la mente abierta a nuevas posibilidades. He descubierto que puedo acceder a un inquebrantable estado de paz y felicidad. Tengo mi propia burbuja de felicidad que nadie puede quitarme. Tal vez el mundo pudiera ser un lugar mejor si todos sintieran que pueden encontrar un refugio seguro dentro de sí mismos.»

"Este dulce viejo mundo / This Sweet Old World"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 32" x 22", 2012

«Creo que mis 5 artistas favoritos más consistentes son Johnny Audubon, Ernst Haeckel, Louis Armstrong, Nina Simone y Bjork.» [ver al final del post]

-¿Cuántas horas al día / semana pintas?

- Este último año paseaba durante las horas de sol. Solía pintar con la luna. Es cambiante. He trabajado hasta quedar terriblemente delgada y he estado completamente distraída, sin apenas hacer nada, hasta que volví a estar gordita. Lo cual está bien. Al final, he aprendido a comprender mis propios patrones naturales. Habrá picos y caídas que se relajarán un poco con el paso del tiempo, y hay demasiados elementos externos que controlan esto de formas diversas. He aprendido a cerrar la puerta y fingir que nadie va a ver lo que hago. Simplemente divertirme explorando los pequeños misterios de la mente.

"Strigiformes", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 12" x 16", 2013

Textos y comentarios traducidos del sitio web de Tiffany, de una entrevista publicada por Juxtapoz que puede leerse completa (en inglés) aquí, y de otra realizada por FF, publicada aquí.

Se puede disfrutar del trabajo de la artista en su sitio web, su blog, y también en FFDG.

"Materia diminuta / Tiny Matter", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 12” x 18”, 2011

Tiffany Bozic is a self-taught American artist born in Ohio, currently living and working in her cottage under the redwood trees in Marin, CA. His work describes the nature with great respect by the morphology of the species - not surprisingly Haeckel and Audubon are her favorite referents-, while her beautiful compositions are marked by great freedom and imagination. Tiffany's works are usually made with acrylic paint on wood panels.

"Sacrificio / Sacrifice", acrílico sobre panel de arce/ acrylic on maple panel, 91,4 x 61 cm., 2011

"Bajo mi piel / Under my skin", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 42" x 32", 2010

- Your work is delicately controlled; are you able to draw or paint when you are upset?

- I am very interested in finding ways to convey emotions. I am not an angry person so thankfully it doesn’t show its face to me often, and if it did I think I would probably just burn it off physically. In order to execute a painting I generally have to be removed from my emotions and I have to go to a neutral, calm, meditative state.

"Resentimiento / Resentment", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 12” x 12”, 2012

«I started painting because I had to. There is no way to describe that very raw intense desire to share and be a part of something bigger than me. I am very happy where I’m at and I can still support myself doing something I love.»

"Bola de ratones / Mouseball", 43” diámetro / diameter

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 2006

"Unísono / Unison", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 24" x 18", 2010

«I have respect for art critics just like any other person. It is important to remember why it is that you create and choose to share your work with the public in the first place while staying open to change and new ideas. So I am my own worst critic – and it is up to me to both believe and make my work happen. It is a good thing that I am bored easily so I have to constantly push my work towards the unknown by maintaining an open mind to new possibilities. I have found that I can access an unshakable state of peace and happiness. I have my very own happy bubble that no one can take from me. Maybe the world would be a better place if everyone felt they could find this safe haven inside themselves.»

"Aguante / Stamina", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 6" x 6", 2013

«I think my top 5 most consistent favorites are Johnny Audubon, Ernst Haeckel, Louis Armstrong, Nina Simone, and Bjork.» [check at the end of this post]

- How many hours a day / week do you paint?

- This past year I've been along for the ride with the sun. I used to work with the moon. It changes. I've worked myself scary skinny, and been completely distracted and barely worked at all til' I got pudgy, back and forth. Which is OK. In the end, I am learning to understand my own natural patterns. There will be peaks and falls that relax a bit with time; and there are too many outside elements that control this too much anyways. I've learned to lock my door and pretend no one will ever see what I make. Just have fun exploring the little mysteries in your mind.

"Cuando llegó la lluvia / When the Rain Came"

Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 137,2 x 61 cm., 2011

Texts and comments taken from Tiffany's website, from an interview published by Juxtapoz you can read here, and from another one by FF published here.

You can enjoy Tiffany's work in her website, her blog and also in FFDG.

"Zorro y garzas / Fox and Egrets", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 4’ x 4’, 2006

Tiffany Bozic en "El Hurgador" / in this blog: [Tiffany Bozic (II) (Pintura)], [Rinocerontes (LX)]

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Tiffany!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tiffany!)

Aquí un par de videos para ver a Tiffany hablando sobre su obra en su estudio.
Here a couple of videos to see Tiffany talking about her work in her studio.

____________________________________________

Referencias / References

Jean-Jacques (John James) Audubon

"Birds of America": Flamenco del Caribe / American Flamingo "Phoenicopterus ruber"

John James (Jean-Jacques) Audubon fue un ornitólogo, naturalista y pintor estadounidense de origen francés nacido en Saint-Domingue (Actualmente Haití) en 1875, nacionalizado estadounidense en 1812, considerado como el primer ornitólogo de América.

Supervisó una granja familiar cerca de Filadelfia, y comenzó el estudio de la naturaleza realizando los primeros anillamientos del continente americano.

Después de años de negocios exitosos en Pensilvania y Kentucky, sufrió una bancarrota. Esto lo obligó a esforzarse más en sus estudios de la naturaleza y en la pintura, y navegó por el río Misisipi con su arma, sus pinturas y un asistente con la intención de encontrar y pintar todas las aves de América del Norte.

Para dibujar o pintar las aves, Audubon tenía que dispararles primero, realizando un disparo fino para evitar hacerlas pedazos. Entonces usaba alambres para mantenerlas derechas y conseguir una postura natural. Además representaba a las aves de forma natural en su propio ambiente. Esto suponía un gran contraste con las rígidas representaciones de sus contemporáneos, como Alexander Wilson.

En 1826 embarcó junto con su portafolio hacia Londres. Los británicos nunca tenían suficientes imágenes de los bosques de EE. UU. y tuvo un éxito instantáneo. Fue apodado el "The American Woodsman" y consiguió suficiente dinero para publicar su The Birds of America. Esta obra consistía en láminas de tamaño natural grabadas y pintadas a mano.

Audubon acompañó su libro "Birds Of America" con Ornithological Biographies, que incluía información sobre cada especie. Este libro lo escribió junto con el ornitólogo escocés William MacGillivray. Tanto el libro de dibujos como las "biografías" fueron publicados entre 1827 y 1839. Murió en 1851.

Más información en Wiki.

"Birds of America": Cisne trompetero / Trumpeter Swan "Cygnus buccinator"

John James (Jean-Jacques) Audubon (April 26, 1785 - January 27, 1851) was an American ornithologist, naturalist, and painter of French origin. He was notable for his expansive studies to document all types of American birds and for his detailed illustrations that depicted the birds in their natural habitats. His major work, a color-plate book entitled The Birds of America (1827–1839), is considered one of the finest ornithological works ever completed. Audubon identified 25 new species.estadounidense en 1812 , considerado como el primer ornitólogo de América.

Audubon set about to study American birds, determined to illustrate his findings in a more realistic manner than most artists did then. He began conducting the first known bird-banding on the continent: he tied yarn to the legs of Eastern Phoebes and determined that they returned to the same nesting spots year after year.

After a short stay in Cincinnati to work as a naturalist and taxidermist at a museum, Audubon traveled south on the Mississippi with his gun, paintbox, and assistant Joseph Mason. He was committed to find and paint all the birds of North America for eventual publication. His goal was to surpass the earlier ornithological work of poet-naturalist Alexander Wilson.

With his wife's support, in 1826 at age 41, Audubon took his growing collection of work to England. He sailed from New Orleans to Liverpool on the cotton hauling ship "Delos", reaching England in the autumn of 1826, taking a portfolio of over 300 drawings. With letters of introduction to prominent Englishmen, Audubon gained their quick attention. "I have been received here in a manner not to be expected during my highest enthusiastic hopes."

The British could not get enough of his images of backwoods America and its natural attractions. He met with great acceptance as he toured around England and Scotland, and was lionized as "the American woodsman." He raised enough money to begin publishing his Birds of America. This monumental work consists of 435 hand-colored, life-size prints of 497 bird species, made from engraved copper plates of various sizes depending on the size of the image.

More information in Wiki.

"Birds of America": Arrendajo azul / Blue Jay "Cyanocitta cristata"

Ernst Haeckel en "El Hurgador" / in this blog: [Ernst Haeckel ('Kunstformen der Natur', Litografías)]

___________________________________________________

Si te gustó el trabajo de Tiffany, tal vez pueda interesarte /

If you liked the Tiffany's work, you may also enjoy:

George Boorujy: [Brims, Nguyen, Boorujy]

Kyle Fisher: [Kyle Fisher (Pintura)]

Audrey Kawasaki: [Mujeres al pincel (XIV)], [Manos a la obra (XII)]

Cristina Samsa: [Cristina Samsa (Pintura)]

Kevin Earl Taylor: [Kevin Earl Taylor (Pintura)], [Rinocerontes (XXI)]

miércoles, 11 de diciembre de 2013

Alana Dee Haynes [Diseños sobre fotografías] + Eric Nehr

Alana Dee Haynes

"Autorretrato / Self Portrait"

Alana Dee Haynes es una jóven artista de Brooklyn que ha descubierto en el dibujo sobre fotografías una forma de expresión original y visualmente muy llamativa.

Ha presentado su arte en New York City y participado en su primera muestra colectiva el mes pasado en Italia. Actualmente trabaja colaborando con editoriales de moda, con productores de arte para álbumes y creando su propia línea de ropa basada en sus ilustraciones sobre fotografías.

«Siempre he estado interesada en el arte. Llevaba un cuaderno de bocetos Moleskin a todas partes. Siempre estaba dibujando rostros y animales hechos de puntos y patrones. Cuando tomé mi primera clase de fotografía a los 15 años, terminé con mucho papel de sobra e impresiones desperdiciadas. Nunca había experimentado antes una forma de arte con tanto desperdicio. Estaba quebrada, calculando un dolar por cada hoja de papel. Comencé a convertir mis fotos sobrantes en arte. Estuve haciendo collages y dibujando sobre ellas. Fue realmente satisfactorio conjuntar todas esas cosas que tanto amaba. Sentí que podía mejorar las fotos y mostrar al mundo mi visión de la vida.»

De una entrevista para IDOL Magazine, Nº 6, que puede leerse completa aquí.

«Michelangelo creía que las figuras que esculpía estaban escondidas en el mármol, y su cincel tan sólo las sacaba a la luz. Tengo sentimientos similares acerca del papel, y aún más con las imágenes. Esta imagen de Eric Nehr [ver al final del post] sirvió como la fotografía perfecta para mis ilustraciones. La palidez de la piel del niño sutilmente pecosa era tan hermosa, que configuraba formas celulares aún antes de que dibujara nada. Este diseño siempre fue un proceso de meditación para mí, un sentimiento pacífico me invade, y la pluma conecta directamente con mis pensamientos. Quería volver este rostro delicado y seductor, mientras lo separaba claramente de la palidez del fondo. Más tarde cuando estaba leyendo los textos detrás de las imágenes, la ilustración me pareció tan fuerte que dio un nuevo significado a mi adicción a la fotografía. La historia detrás de las imágenes de los niños albinos de Burundi y Tanzania es un horrible cuento de hadas hecho realidad. Los niños son tratados a la vez como tesoros místicos y criaturas indignas a la vez. A veces no conocer el contexto de una imagen es una bendición. En este caso, me hizo pensar acerca de lo que estaba dibujando, y como mis ilustraciones inconscientemente afectaban a la imagen y la historia. Mucha de mi experiencia con mi arte es inmediata, pero la belleza me viene cuando doy un paso atrás y reflexiono sobre ello.»

Traducido de un texto que puede leerse completo en Installation Magazine, Nº 11

Text in english at the end of this post [1]

«Creo que la gente responde a mis imágenes porque interiormente vemos las cosas con patrones añadidos, significados añadidos, y leemos más profundamente en cada imagen que vemos.»

«Tengo un par de patrones a los que soy particularmente aficionada, y están inspirados en la naturaleza. Formas celulares, las venas, las curvas del cuerpo, las raíces de un árbol, y las gotas de lluvia golpeando el suelo de cemento, son algunos de los grandes diseños de la naturaleza que me atraen. También me he sentido atraída siempre por la espiral de proporción áurea. Las cosas que fluyen y parece que están destinadas a encajar me inspiran siempre.»

De una entrevista realizada por Rosie Simmons que puede leerse completa en PURR Magazine.

Se puede disfrutar del trabajo de Alana en su sitio web y en su blog. También está en facebook.

Alana Dee Haynes is a young artist based in Brooklyn that has discovered in drawing over photographs an original and visually striking way of expression.

She has shown here art in New York City and participated in her first international group show in Italy last month. Currently she's working on collaborations with fashion editorials, working with producers on album art, and creating her own clothing line based on her illustrations on photographs.

Fotografía de / Photograph by Eric Nehr [ver al final del post / check at the end of this post] © Alana Dee Haynes

«I was always interested in art. I carried around a moleskin sketchbook everywhere. I was always drawing faces, and animals, made up of dots and patterns. When I took my first photography class at the age of 15, I ended up with so much extra paper, and messed up prints. I had never experienced an art form with so much waste before. I was pretty broke, and it calculated out to be over a dollar per piece of paper. I started turning my extra photos into art. I was making collages, and drawing on them. It was really satisfying to bring these things that I loved so much together. It felt like I was making the photos better, and showing my vision of life to the world.»

From an interview by IDOL Magazine you can fully read here.

«Siempre he sentido fascinación por las manos. Tengo una colección de esculturas de manos y arte mural centrado en manos. Mis manos son las herramientas que ejecutan mi expresión visual y mental. Sin ellas, mi salida estaría limitada. Adoro el significado emocional y lo fácil que se formar símbolos con las manos. Los dedos entrelazados han inspirado muchas de mis ilustraciones. En esta pieza, las manos son tan significativas en la fotografía que al cubrirlas con redes entrelazadas su importancia se ve resaltada. Diferentes patrones para cada mano les da mayor significado e individualidad a cada una, mejorando la experiencia emocional y visual de un apretón de manos. Se convierte en una más íntima y romántica experiencia visual.»

Traducido de un texto que puede leerse completo en Installation Magazine, Nº 11

Text in english at the end of this post [2]

«I think people respond to my images because inside us all we see things with added patterns, added meanings, and we read deeper into every image we see.»

«I have a few patterns that I am particularly fond of, and those are inspired by nature. Cellular shapes, veins, body curves, roots of a tree, and rain drops hitting a concrete floor are some of the big patterns in nature I am drawn to. I have also always been drawn to the golden ratio spiral. Things that flow and look like they are meant to fit together always inspire me.»

From an interview by Rosie Simmons to PURR Magazine you can fully read here.

You can enjoy Alana's work in her website and her blog. She has also her page in facebook.

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Alana!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alana!)

Aquí un video time lapse en el que podemos ver a Alana trabajando.
Here a time lapse video where we can see Alana at work.

Eric Nehr

Me ha resultado muy interesante que Alana haya seleccionado imágenes de Eric Nehr, un fotógrafo francés nacido 1964, cuyo trabajo más conocido tal vez sea esta serie de retratos de albinos.

"Abdel Nasser", 2010

«En ciertas comunidades africanas, estos hombres negros, nacidos blancos, mitad hombres, mitad dioses, con poderes buenos o malvados según las antiguas creencias, vistos como una mercancía, pueden ser cazados y muertos. Mientras tanto "en Panamá, los albinos son mitologizados por los Kuna-Dule, la única población amerindia que piensa así de ellos, pero que de hecho no les otorgan esta posición privilegiada debido a la discriminación latente que existe.

Dos puntos de vista en dos comunidades, pero un sólo ojo, el del fotógrafo forzado por la elección de su tema, pero cuyo sentido de la luz, color y materia prevalecen en sus imágenes.»

Texto de aquí.

Abdel Nasser et Oscarine #2, 2010

I found very interesting that Alana has selected images by Eric Nehr, a French photographer born 1964, whose best known work is perhaps his series of portraits of albinos.

«In certain African countries, this black man, born white, half-man, half-god, with good or evil powers according to old beliefs, regarded as Market value, can be chased to death. Whereas “ in Panama, albinos are mythologized by the Kuna-Dule, the only Amerindian people who think them so, but who do not actually give them an enviable position for all that, for latent discrimination does exist.

Two positions in two communities, but one eye, that of a photographer bound by the choice of his subject, but whose sense of light, colour, matter prevails in his images.»

Text from here.

Fotografiado por / Photographed by Eric Nehr. Estilismo de / and styled by Serge Girardi

For Under the Influence FW 2012

Casualmente tuve oportunidad recientemente de ver algunos de los extraordinarios retratos de Eric en una de las muestras en el marco de Fotonoviembre, en el TEA (Tenerife). Aquí dos de ellos.

"Audrey", 1998

Coincidentally I had the opportunity recently to see some of the extraordinary portraits of Eric in an exhibition of Fotonoviembre in TEA (Tenerife). Here a couple of them.

"Boubatt", 2000

[1]

«Michelangelo believed that the figures he carved were hidden in the marble, and his chisel just exposed them. I have had the same feeling towards paper, and even more so with images. This image by Eric Nehr served as the perfect photograph for my illustrations. The child’s pale skin with slight freckles were so beautiful, they formed the cellular shapes before I drew anything. This pattern has always been a meditative process for me, a peaceful feeling comes over me, and the pen connects directly to my thoughts. I wanted to keep the face delicate and alluring, while giving her a clear separation from the pale background. Later when I was reading the blurb behind the images, the illustration seemed much stronger that it gave me a new meaning about my addition to the photograph. The story behind Nehr’s images of albino children in Burundi and Tanzania is a horrifying fairy tale that came to life. The children were both treated like mystical treasures and worthless creatures at the same time. Sometimes not knowing the context of an image is a beautiful blissful experience. In this case, it made me think about what I was drawing on, and how unconsciously my illustrations affected the image and the story. So much of my experience with my art is immediate, but the beauty comes to me when I step back and reflect on it.»

From a text you can fully read in Installation Magazine, Nº 11

[2]

«I have always been fascinated with hands. I have a collection of hand sculptures and wall art focusing on hands. My hands are tools that execute my mental and visual expression. Without them, my outlet would be limited. I love the emotional significance, and how easy it is to form symbols with hands. Interlocking fingers have inspired many of my illustrations. In this piece, the hands were so significant in the photograph, that by covering them in interlocking webs, their importance was highlighted. By having different patterns on each hand, it gives more significance and individuality to each hand enhancing the visual and emotional experience of holding your own hands together. It becomes a more intimate and romanticized viewing experience.»

From a text you can fully read in Installation Magazine, Nº 11

martes, 10 de diciembre de 2013

Mi Ju [Dibujo, Pintura]

Los trabajos de Mi Ju son una explosión de color y formas que impactan desde el primer momento. Utilizando básicamente acrílicos y capas de papel compone unos grandes lienzos desde donde la propia pintura parece mirarte con ojos saltones invitándote a bucear a ver qué encuentras dentro...

Mi Ju's works are an explosion of color and shapes that impact from the start. Using mainly acrylics and paper layers she composes large canvases where the paint itself seems to look at you with bulging eyes inviting you to dive to see what you find inside ...

Mi Ju

Mi Ju es una artista coreana que ha estudiado en el San Francisco Art Institute tras conseguir su Licenciatura en Bellas Artes en Corea. Se trasladó a Nueva York para proseguir su carrera como pintora y obtener su Master en Bellas Artes.

Ha realizado varias exposiciones colectivas y en solitario desde 2006 en Corea y Estados Unidos.

"Mi trabajo es una improvisación en la liminalidad: entre el sueño y lo concreto, lo antiguo y lo contemporáneo, Corea y occidente, lo efímero y lo eterno, lo íntegro y lo codificado. Cada letra, patrón y energía refleja estados de conciencia que se revelan en el acto creativo, una forma tanto de improvisación como de organización en la cual lo no censurado trabaja en conjunto con organizaciones compositivas momentáneas anunque específicas. Mi intención es que la obra sea un lugar de encuentro entre la memoria, el sueño y la fantasía, concretado en términos visuales significativos."

"Tormenta / Storm"

"Durante mi infancia, pasaba mucho tiempo en la fábrica textil de mi padre, y en un templo budista donde mi madre trabajaba como florista. La fábrica estaba llena de ruidosas máquinas, y camiones cargando y descargando coloridos rollos de tela. Mi padre investigaba la superficie de las muestras de tela con una lupa antes de enviarla a los mercados. Yo a veces jugaba con su lupa, obsesionada en los intrincados patrones de las telas.

El templo al que mi madre y yo solíamos ir estaba situado en la cumbre de una montaña no muy alta. Todo en la naturaleza era lento y tranquilo comparado con la fábrica. Mi madre solía decorar el templo, rodeándolo con faroles de loto y flores silvestres. Las estatuas y pinturas de criaturas y Budas se iluminaban por la noche. Parecían vivas, amables y vigorosas. Aquellos recuerdos y experiencias me inspiran."

"Luna llena / Full Moon"

"Mi temática es amplia y diversa, influenciada por un interés por la personificación de la naturaleza y el dinámico tejido de la vida. Mi imaginería evoluciona teóricamente desde la mitología y la biología, expandiéndose visualmente a través de lo micro y lo macro, y emocionalmente refleja mis mundos interior y exterior. Simbolizando la naturaleza como una misteriosa deidad y como un cosmos, en mi obra creo complejidad en la superficie y el espacio."

"Uno / One"

"Mis técnicas de pintura y composición entroncan con el arte popular coreano. Específicamente, las líneas definidas, los colores complementarios, las superficies planas y la exageración de los elementos en mis pinturas están influenciados por las pinturas de los chamanes coreanos. Los intrincados patrones naturales y elaborada ornamentación del arte de los templos budistas también me ayudaron a crear meticulosos detalles y complejas capas en mi obras."

"Desierto / Desert"

Los textos están traducidos de aquí y de una entrevista realizada por Bunnyman "El arcoiris nunca termina: ¡Una entrevista a Mi Ju!", publicada por EmptyKingdom que puede leerse completa (en inglés) aquí.

La obra de Mi Ju puede disfrutarse en su sitio web, su facebook y también en la página web de la Galería FFDG (Fecal Face Dot Gallery)

Acrílico sobre lienzo y papel recortado / acrylic on canvas & cut out paper, 54 x 78 in., 2012

A native Korean, Mi Ju has been studying at The San Francisco Art Institute for the past year after getting her BFA in Korea. She's moving to New York to pursue her painting career and get her MFA at Pratt.

She has shown her work in many solo and collective exhibitions since 2006 in USA and Korea.

"Punto caliente / Hotspot"

"Polo norte / North Pole"

“My work is an improvisation in liminality: between dream and concretized, ancient and contemporary, Korea and the West, ephemeral and eternal, the uncensored and codified. Each character, pattern and energy reflects states of consciousness that are revealed in the creative act, a form of both improvisation and organization wherein the uncensored is working in concert with momentary, yet specific compositional organizations. It is my intention that the work will be a place of meeting between memory, dream and fantasy, and concretized into meaningful visual terms.”

"Viento / Wind"

"During my childhood, I spent a lot of time at my father’s textile factory, and a Buddhist temple where my mother worked as a florist. The factory was filled with loud machines, and trucks loading and unloading colorful rolls of fabrics. My father would investigate the surface of the fabric samples with a magnifying glass before they went to the markets. I often played with his magnifying glass, and obsessed over the intricate patterns on fabrics.

The temple my mother and I used to go to was located on top of a low mountain. Everything in nature was quiet and slow compared with the factory. My mother would decorate the temple, surrounding it with lotus lanterns and wild flowers. Statues and paintings of creatures and Buddhas were illuminated at night by her creativity. They looked lively, cheerful and vigorous. These memories and experiences inspired me."

"My subject matter is broad and diverse, influenced by an interest for the personification of nature and the dynamic web of life. My imagery theoretically evolves from mythology and biology, visually expands through micro and macro, and emotionally reflects my inner and outer world. Symbolizing nature as both a mysterious deity and a cosmos in my work, I create complexity on the surface and space.

My painting techniques and compositions stem from Korean folk art. Specifically, the bold lines, complementary colors, flat surfaces and exaggerated features in my paintings are influenced by Korean shaman paintings. Intricate natural patterns and elaborate ornamentation in Buddhist temple art also helped me to create meticulous details and complex layers in my work."

"Caliente caliente caliente / Hot Hot Hot"

Texts taken from here and from an interview by Bunnyman "The Rainbow Never Ends: a Mi Ju interview!" published on EmptyKingdom you can fully read here.

You can enjoy Mi Ju's works in her website, her facebook and also in the website of FFDG Gallery.

"Explosión y evaporación / Explosion and Evaporation"

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mi Ju!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mi Ju!)