El Hurgador [Arte en la Red]

lunes, 28 de octubre de 2013

Jorge Marín [Escultura]

Jorge Marín

Jorge Marín es un escultor mexicano nacido en Uruapán, Michoacán, en 1963, que descubrí a través de un artículo que daba cuenta de la serie de esculturas suyas que se instalaron en el Paseo de la Reforma de Ciudad de México.

Tras una licenciatura en Diseño Gráfico en la UNAM y otra en Restauración de bienes muebles, su gusto por la Historia del Arte le lleva a investigar sobre varios temas de modo autodidacta; escultura y pintura, técnicas y creadores.

"Imber Uber", bronce / bronze, 72 x 56 x 70 cms., 2012

"Gimnasta I en Cubo / Gymnast I in Cube", bronce / bronze,

95 x 52 x 29 cms. (Gimnasta / Gymnast), 60 x 55 x 50 cms. (Cubo / Cube), 2009

Con más de 25 años de trabajo artístico, ha entrado de lleno en el escenario artístico mexicano y se ha convertido en un representate de la escultura figurativa a nivel internacional.

Ha participado en mas de 200 exposiciones colectivas e individualmente su obra ha sido exhibida en galerías y museos de Francia, España, Portugal, Turquía, Alemania, Bélgica, Hungría, Rumania, Costa Rica, Panamá, El Salvador, Guatemala, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra y Rusia, entre otros. Sus Alas, exhibidas originalmente sobre el Paseo de la Reforma de la ciudad de México, han comenzado a replicarse en otras ciudades del mundo, y su vuelo plástico se ha vuelto ya referencia icónica de su obra.

"Abraxas", bronce / bronze, 69 x 46 x 77 cm., 2010

En las esculturas de Jorge, la perfección del cuerpo humano se mezcla en equilibrio con formas alegóricas y seres fantásticos.

Su trabajo plasma la lucha entre el frío del bronce y las diversas emociones que evocan sus sujetos: el balance perfecto de los equilibristas, las máscaras y sus figuras aladas se han convertido en su sello personal.

"Animus Tripartita Miniatura", bronce / bronze, 27 x 32 x 84 cm., 2013

"Ángel Persélidas Monumental", bronce / bronze, 256 x 244 x 120 cm., 2009

Escultura de Jorge en el Paseo de la Reforma (Ciudad de México)

Jorge's sculpture in the "Paseo de la Reforma", México City

Fotografía de Casacelis.

"En una parte de mi trabajo busco la exaltación de la esencia humana como un ideal, creo que el hombre siempre se ha puesto ideales (por suerte) y lo que nos ha hecho construir el elemento civilizatorio de la humanidad se da gracias a los anhelos de superación. Por eso es que el hombre ha llegado a donde ha llegado, justamente por este impulso o este deseo de superarse. Acá en el sentido poético es el deseo de volar, es decir, de ir más allá de lo que tus pies te dan."

De la entrevista al artista con motivo de la muestra "El cuerpo como paisaje". Ver el video al final del post.

"Alegría de Vivir III con Alas / Joy of Living III with Wings", bronce / bronze, 167 x 65 x 67 cm., 2005

"El tiempo / The Time", bronce / bronze, (*) 185 x 240 x 170 cm., 2010

Escultura de Jorge en el Paseo de la Reforma (Ciudad de México)

Jorge's sculpture in the "Paseo de la Reforma", México City

Fotografía de Alejandro Saldaña Santana

"... tuve la suerte de nacer y desarrollarme en el lugar adecuado, en el momento adecuado. Cuando inicio mi desenvolvimiento profesional, a mediados de los ochenta, empezaba en México a aparecer en la escena plástica el postmodernismo, cuyos principios, entre otros son: El rescate de lo figurativo y la búsqueda idealizada del pasado para reinterpretarlo desde el presente, ambas premisas son muy aplicables a mi obra… yo diría que, incluso, a mi pensamiento."

De una entrevista de junio de 2013 para MAXWELL que puede leerse completa aquí.

"El Tiempo Miniatura / The Time Miniature", bronce / bronze, 55 x 33 x 16 cm., 2012

"Hombre universal / Universal Man", bronce / bronze, 233 x 215 x 55 cm., 2005

Escultura de Jorge en el Paseo de la Reforma (Ciudad de México)

Jorge's sculpture in the "Paseo de la Reforma", México City

Fotografía de Casacelis.

"Me siento metido en la contemporaneidad, mucha gente me puede poner como anticuado, académico, kitsch, elitista. He recibido críticas de todo, por suerte, me encanta porque causa polémica; hay detractores, pero también quienes hacen propuestas diferentes a la mía. Tiene que haber diversidad, si no no habría expresión. Por tanto creo ser un producto de mi educación."

De una entrevista de octubre de 2010 para MILENIO que puede leerse completa aquí.

Se puede disfrutar del trabajo de Jorge en su sitio web y en su facebook, donde hay una amplia muestra de sus obras y exposiciones.

"Caballo Negro / Black Horse", bronce / bronze, 56 x 38 x 24 cm., 2001

Jorge Marín is a Mexican sculptor born in Uruapán, Michoacán, in 1963. I discover his work in an article about the series of his sculptures installed in the Paseo de la Reforma, in Mexico City.

After a Bachelor in Graphic Desing (UNAM) and another one in Restauration of goods and chattels, his love for Art History leads him to investigate about several topics by himself; sculpture and painting, techniques and creators.

"Balanza Espejo / Mirror Scales", bronce / bronze, 111 x 95 x 65 cm., 2006

"Archivaldo", bronce / bronze, 240 x 260 x 80 cm., 2008

Escultura de Jorge en el Paseo de la Reforma (Ciudad de México)

Jorge's sculpture in the "Paseo de la Reforma", México City

Fotografía de Alejandro Saldaña Santana

With over 25 years of artistic work, he has successfully entered into Mexico's artistic scene and has become a representative of figurative international sculpture.

He has participated in over 200 group exhibitions, and his work has been exhibited in solo show in galleries and museums in France, Spain, Portugal, Turkey, Germany, Belgium, Hungary, Romania, Costa Rica, Panama, El Salvador, Guatemala, Canada, United States, England and Russia, among others. His Wings, originally displayed on the Paseo de la Reforma in Mexico City, have begun to replicate in other cities, and his plastic flight has already become a iconic reference of his work.

"Victoria Arrodillada en Balsa / Victoria Kneeling on Raft", bronce / bronze, 69 x 64 x 141 cm., 2009

In Jorge's sculptures, the perfection of human body mixes in equilibrium with alegoric forms and fantastic beings.

His work represents the struggle between the coldness of bronze and the diverse emotions that his subject's evocate: the perfect balance of the equilibrists, his masks and winged figures has become his particular seal.

"El Abrazo / The Embrace", bronce / bronze, 87 x 90 x 25 cm., 2003

"La Conversación / The Conversation",

Bronce / bronze, 54 x 115 x 79 cm. (esculturas / sculptures), 131 x 60 x 10 cm. (pedestal), 2011

"In part of my work I seek the exaltation of the human essence as an ideal, I think the man had always looking for ideals (thankfully) and what has made us build the civilizatory element of mankind is thanks to the yearnings of improvement. That's why man has reached where it is today, precisely because this impulse or desire to overcome. Here in the poetic sense is the desire to fly, that is, to go beyond what is posibble just with your feet."

From an interview to the artist on the show "Body as a Landscape". Check the video at the end of this post.

"Equilibrista 90 Monumental / Equilibrist 90 Monumental", bronce / bronze, 127 x 47 x 130 cm., 2005

Escultura de Jorge en el Paseo de la Reforma (Ciudad de México)

Jorge's sculpture in the "Paseo de la Reforma", México City

Fotografía de Alejandro Saldaña Santana

"Flechador Ecuestre II / Equestrian Archer II", bronce / bronze, 136 x 60 x 92 cm., 2004

"... I was fortunate to be born and develop in the right place at the right time. When I start my professional development in the mid-eighties, in Mexico began to appear in the postmodern art scene, whose principles, among others are: The rescue of the figurative and the idealized seeking of past to reinterpret it from the present, both premises are very applicable to my work ... I would say, even, to my thinking."

From an interview in June, 2013 by MAXWELL you can fully read (in Spanish) here.

Esculturas de Jorge en el Paseo de la Reforma (Ciudad de México)

Jorge's sculptures in the "Paseo de la Reforma", México City

Fotografía de Alejandro Saldaña Santana

"I feel stuck in the contemporary, many people can say I'm outdated, academic, kitsch, elitist. I have received all kind of critics, fortunately. I love it because it causes controversy, there are detractors, but also those who make different proposals. There has to be diversity, otherwise there wouldn't be expression. So I think I'm a product of my education."

From an interview in October, 2013 by MILENIO you can fully read (in Spanish) here.

"Media Luna / Half Moon", bronce / bronze, 93 x 108 x 30 cm., 2007

You can enjoy more works by this artist in his website and also in his facebook, where you can find a wide selection of images with his artworks and exhibitions.

"Bernardo Oriental Monumental", bronce / bronze, 240 x 260 x 100 cm., 2008

Imágenes publicadas con autorización del artista, salvo donde se indica (¡Muchas gracias, Jorge!)
Por el resto de las imágenes, agradezco a Ramón González Celis y su blog Casacelis, y a Alejandro Saldaña Santana y su flickr por permitirme incluir sus buenas fotografías del Paseo de la Reforma, Ciudad de México.

Images published here with artist's permission, except where noted (Thanks a lot, Jorge!)
For the rest of the images, thanks a lot to Ramón González Celis and his blog Casacelis, and Alejandro Saldaña Santana and his flickr for their permission to include his good photographs taken in the "Paseo de la Reforma", Mexico City.

Una entrevista con el artista en el Canal 22, Noticias, por Alejandra Flores.

An interview with the artist in the "Canal 22 Noticias", by Alejandra Flores.

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Jorge Marín en la emisión Nº 80 del programa "Entorno BUAP" (Benemérita Universidad Autónoma de Puebla), con motivo de la muestra "El cuerpo Como Paisaje" en el Complejo Cultural Universitario de la Ciudad de Puebla.

Jorge Marín in the TV Show "Entorno BUAP" (Autonomous University of Puebla), on the artist's exhibition "Body as a Landscape" in the Universitary Cultural Complex, city of Puebla.

lunes, 7 de octubre de 2013

Nerina Canzi [Ilustración]

Nerina Canzi es una pintora y artista gráfica argentina cuyo trabajo me ha gustado mucho. Ha tenido la amabilidad de responder algunas preguntas sobre su obra a modo de pequeña entrevista. Con éste post me despido de todos ustedes por un par de semanitas. Sigan disfrutando del blog...

Traducción al inglés al final del post, marcada con [*] en cada párrafo.

Nerina Canzi is an Argentinian painter and graphic artist whose work I really liked it. She has been kind enough to answer some questions as a short interview about her work. With this post I say good bye to all of you for a couple of weeks. Please keep enjoying the blog...

English translations a the end of this post marked with [*] in each paragraph.

Nerina Canzi

Nacida en 1958, Nerina obtuvo su título de profesora de dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. También estudió letras en la Universidad de Buenos Aires.

Durante 17 años vivió en Europa (3 en Udine y Conegliano, Italia, y 14 en Barcelona, España), durante los cuales se dedicó, en colaboración con el arquitecto y pintor Jorge Bellini, a la realización de pintura decorativa y murales "trampantojo". Estos trabajos se realizan generalmente sobre paredes o madera, y buscan engañar la vista del espectador utilizando la perspectiva.

En 2006 retorna a Argentina, y recientemente ha enfocado su trabajo en la ilustración y el diseño gráfico, así como en escribir cuentos para niños que ella misma ilustra. [1]

"La nave / The Ship"

EH: ¿Desde cuándo y por qué has empleado herramientas digitales?

NC: Elegí la técnica digital pues me da más posibilidades de hacer y deshacer, ya que nunca tengo una imagen terminada en el pensamiento. Primero tengo el atisbo de una imagen, hago un dibujo muy sencillo a lápiz y luego lo paso a la computadora para trabajarlo con Adobe Photoshop. La ventaja que encuentro es que voy transformando constantemente el primer boceto, pruebo diferentes colores, texturas etc. De todos modos trabajo con el lápiz digital de una manera muy clásica, como si fuera un pincel. Como me gusta el collage, trabajar digitalmente aporta más posibilidades. [2]

"Elefantes elegantes / Elegant Elephants"

EH: ¿Te sientes más cómoda trabajando en solitario o en colaboración?

NC: Los murales los pinto con mi marido Jorge Bellini, que como es arquitecto y pintor trabaja muy bien con la perspectiva, (indispensable para los "trompe l'oeil"). Los trabajos de ilustración y pintura digital los hago en solitario pues son más personales. [3]

"La sirena de metal / The Metal Mermaid"

"Bichos y otros seres / Bugs and other beings"

"Moñeta"

EH: ¿Porqué libros infantiles?

NC: Porque pienso que hay más posibilidades laborales ya que en la categoría de Álbum Ilustrado, el texto y la imagen tienen la misma importancia. Por otro lado también comencé a escribir cuentos infantiles porque tenemos a una hija pequeña a la que le invento cuentos que luego escribo.

Izq./ Left: Mural trampantojo con paisaje de mar y gaviotas /

Mural 'trompe l'oeil' with sea landscape and seagulls (Barcelona, España)

En colaboración con / collaboration with Jorge Bellini

Der./ Right: Mural en un bar de / Mural in a bar of Salou (España)

"El sembrador de estrellas / The Sower of Stars"

EH: ¿Tienes algún referente, algún artista cuya obra te interese especialmente?

NC: Brueghel por sus personajes, sus atmósferas y la perfecta armonía entre los colores fríos y los cálidos. También los prerenacentistas con una pintura más ingenua. [5]

"Otoño en Kamundus / Autumn in Kamundus"

Comenzaron a caer del cielo hojas rojas, naranjas y amarillas, había llegado el otoño.

Los habitantes de Kamundus cayeron en un profundo sueño.

(Ilustración y texto de Nerina)

From the sky began to fall red, orange and yellow leaves. Autumn had arrived.

The people of Kamundus fell into a deep sleep.

(Text and Illustration by Nerina)

"Luna al Roquefort / Moon with Roquefort"

"Two noses sniffed and suddenly fell in love. He was called Nariguetto, she was called Narigundia.

It was a night scented jasmine and mandarin. In the sky shone a moon with a cheese smell ..."

(Text and Illustration by Nerina)

"Ángel urbano / Urban Angel"

"I remember an angel lived in my city's sky. If we stood silent, we listened the sweet music of his big wings."

"Noche de metal / Metal night"

EH: Después de 14 años en Barcelona, y ya con 7 en Argentina, ¿qué puedes decirme del panorama artístico en tu país en relación al español?

NC: En España, Cataluña en particular, donde estuvimos, hay mucha movida cultural, pero tal vez en la Argentina haya más creatividad. Muchos artistas argentinos trabajan para editoriales españolas. De todos modos en Argentina en estos últimos años se han hecho obras muy creativas en el campo audiovisual. [6]

"El cuento de Anilda / The Anilda's Tale"

Ilustración para un cuento de Nerina / Illustration for a Nerina's story.

"La siesta de Fedor / Fedor's Nap"

Nerina Canzi en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (LXXXIV)]

Se puede disfrutar de una muestra más amplia en su blog y su facebook. Más sobre su obra previa aquí.

You can enjoy a larger seelction in her blog and her facebook. More about her previous work here.

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Nerina!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nerina!)

"La indiferencia de Filomena / Filomena's indifference"

"En un principio iba a hacer una princesa indiferente mirando desde una ventanita en lo alto de una torre muy muy alta. Un sapo desesperadamente enamorado estaría trepado a una nube y a punto de caerse con un ramo de flores en la mano. La princesa miraría hacia otro lado con indiferencia como si el sapo no existiera. La idea era hacer una ilustración infantil.

Comencé dibujando a la princesa y cuando comencé a pintarla decidí que no sería una princesa y que no habría un sapo. Sí quería reflejar en el personaje una actitud de indiferencia. Ya no era una princesa ,era una mujer que miraba hacia un costado, desde la ventana de su casa, con una mezcla de hastío y de indiferencia. Luego pinté la habitación como una caja vacía y finalmente se me ocurrió agregar al personaje masculino (¿marido, novio, enamorado?) con aire de clown, desesperado por llamar su atención con una flor roja que gotea un pétalo de sangre. O sea que en un pricipio pensé en una imagen tradicional de cuentos (una princesa y un sapo) y luego durante el desarrollo la imagen fue cambiando para terminar siendo una escena con personajes cotidianos con un toque surrealista." [7]

"Más tarde comencé a darme cuenta de los aspectos inconscientes de la obra: Filomena tiene un aire en la fisonomía de una amiga que vive en Amsterdam y que para esos días estaba de paso por Buenos Aires. También la elección del tema (la indiferencia) no era casual pues cuando lo hice estaba en una etapa de mucho trabajo creativo y seguramente muy 'indiferente' a lo que me rodeaba.

El nombre Filomena me remite a la infancia ya que así se llamaba una costurera solterona vecina de mi prima que siempre estaba metida adentro de su habitación.

Pero todas estas interpretaciones son posteriores al momento de la creación e incluso ahora que estoy escribiendo sobre este trabajo me aparecen y me sorprenden. En el momento en el que estoy pintando no razono, me dejo llevar por la intención y voy probando colores, expresiones. Todo se va transformando y el resultado en general nada tiene que ver con la imagen primaria que apareció en mi mente." [8]

Traducción al inglés / English translation

[1]

Nerina Canzi was born in 1958. She earned a degree in Fine Arts, specialized in drawing and painting at the National School of Fine Arts Prilidiano Pueyrredón. She also studied literature at the University of Buenos Aires.

For about 17 years she lived and worked in Europe (3 in Udine and Conegliano, Italy, and 14 in Barcelona, Spain), during which she devoted herself, in collaboration with the architect and painter Jorge Bellini, to the realization of decorative painting and murals "trompe l'oeil". These jobs are usually done on walls or wood, pretending to deceive the eye of the viewer using perspective.

In 2006 Nerina returned to Argentina, and most recently has focused her work in illustration and graphic design as well as writing stories for children herself illustrates.

[2]

EH: Since when and why did you use digital tools?

NC: I chose digital technology because it gives me a better chance of doing and undoing, as I don't have a finished image in mind. First I have the glimpse of an image, make a simple drawing in pencil and then step to the computer to work it with Adobe Photoshop. The advantage I find is that I constantly transforming the first draft, I try different colors, textures and so on. Anyway I work with the digital pen in a very classic style, like a brush. As I enjoy the collage, working digitally brings more possibilities.

[3]

EH: Do you feel more comfortable working alone or in collaboration?

NC: I paint the murals together with my husband Jorge Bellini, who as an architect and painter works fine with the perspective, (essential for trompe l'oeil). I work alone for illustration and digital painting as they are more personal.

[4]

EH: Why children's books?

NC: Because I think there are more job opportunities. In the category for Illustrated Album, text and image are equally important. On the other hand also started writing children's stories because we have a young daughter. I invent stories for her and then write it.

[5]

EH: Do you have a reference, an artist whose work interests you most?

NC: Brueghel for his characters, his atmospheres and the perfect harmony between cool and warm colors. Also Pre-Renaissance artists because their naive painting.

[6]

EH: After 14 years in Barcelona, and after 7 years back in Argentina, what can you tell me about the art scene in your country in comparation with Spain?

NC: In Spain, Catalonia in particular where we were, there are many cultural scene but maybe in Argentina has more creativity. Many Argentine artists working for Spanish publishers. Anyway in Argentina in recent years have become very creative works in the audiovisual field.

[7]

"In the beginning I was to make an indifferent princess watching from a little window in the top of a very high tower. A toad desperately in love with her would be climbing to a cloud and about to fall with a bouquet of flowers in hand. The princess would look away with indifference as if the frog did not exist. The idea was to make a children's illustration.

I started drawing the princess and when I started painting I decided that I would not paint a princess and there would not be a frog. Yes I wanted to reflect on the character an attitude of indifference. She was not a princess anymore, was a woman looking to her side, from the window of her house, with a mixture of boredom and indifference. Then I painted the room as an empty box and then I thinked to add the male character ( husband, boyfriend, lover ? ) Like a clown, desperate to get her attention with a red flower that drips a blood petal. So I thought first in an image of traditional tales ( a princess and a frog ) and then during development the image was changing to end up being a scene with characters with a surreal touch."

[8]

"Later I began to realize the unconscious aspects of the work: Filomena has an air in the face of a friend who lives in Amsterdam and which for those days was in Buenos Aires. Also the choice of subject (indifference) was no accident when I did it was at a stage of much creative and certainly very 'indifferent' to my surroundings.

The name Filomena takes me back to childhood because it was the name of a spinster seamstress neighbor of my cousin who was always stuck inside your room.

But all these interpretations are post-creation time and even now when I'm writing about this job, appear and surprise me. When I'm painting I don't think about, I'm driven by the intention while I trying out colors, expressions. Everything changes and the overall result has nothing to do with the primary image that popped into my mind."

viernes, 4 de octubre de 2013

Steve Huston [Pintura / Painting]

Excelente la obra de este pintor y docente, que nos presenta en cada pintura un esmerado estudio del cuerpo humano: movimiento, fuerza, tensión muscular. Obreros y luchadores son la materia prima para sus potentes composiciones.

Excellent work of this painter and teacher who presents in each painting a detailed study of human body: movement, strenght, muscle tension. Laborers and fighters are the raw material for his powerful compositions.

Steve Huston

(Alaska, EE.UU./ USA, 1959-)

Steve durante su exposición de 2009 en Skotia Gallery / Steve during his solo show in Skotia Gallery (2009)

Imagen de aquí / Image from here.

Steve Huston nació en 1959 en Alaska y allí se crió. Estudió en el Art Center College of Design de Pasadena, mientras trabajaba en la construcción durante el verano para pagar su matrícula. Incluso antes de graduarse con un título de Bellas Artes, comenzó a hacer ilustraciones para clientes como Caesar's Palace, MGM, Paramount Pictures y Universal Studios entre otros.

Tras cerca de una década de trabajo comercial, Huston decidió dar un giro a su vida. Comenzó a enseñar dibujo y pintura del natural, composición y anatomía; primero en el propio Art College, luego en Disney, Warner Brothers y Estudios Dreamwork. Esto le permitió el privilegio de transmitir el conocimiento que se le había ofrecido, mientras a la vez perfeccionaba su arte y buscaba nuevas influencias para la nueva carrera que avizoraba.

Estas le llegaron de Tiziano y Rembrandt, los primeros tonalistas estadounidenses, el carácter doméstico de los proyectos de arte de WPA, y el poder heroico y gráfico de los comic estadounidenses.

En 1995 comenzó su carrera como artista plástico, ganando premios en el California Art Club Gold Medal Show ese mismo año y el siguiente. Siguió una serie de muestras en galerías, primero en Los Angeles y luego en New York y otros sitios.

"La visión artística de Huston transita desde la representación de figuras aisladas a la de múltiples figuras celebrando el movimiento de los jornaleros comunes. Huston lleva de la mano al observador a un viaje nostálgico a través de la historia de la ética del trabajo estadounidense, conmemorando su continuidad en nuestra sociedad post-industrial. Huston estilísticamente pinta hombres musculosos que sacrifican sus cuerpos al cumplimiento de su tarea, aunque elevando su status a la cualidad de valentía. A veces representa boxeadores o trabajadores de la construcción, abordando estos sujetos con la misma veneración con que los viejos maestros abordaban sus pinturas religiosas barrocas.

Hay un fuerte sentido de la luz que baña las figuras como si estuvieran iluminadas por una fuente central. La técnica en la que pinta estas figuras crea una sensación de movimiento y energía; la imagen pictórica nunca está estancada. Huston reconoce la belleza y honor, la dignidad y heroísmo del trabajo duro de estos individuos, y la batalla estadounidense del hombre contra la máquina. La fuerza que une a la humanidad es la lucha cotidiana que todos enfrentamos; Huston honra estas cualidades con su énfasis en la acción, describiendo las estructuras del cuerpo humano con una combinación de encanto, precisión y las líneas ondulantes de la musculatura."

Texto traducido de ARTslanT que puede leerse completo (en inglés) aquí.

"Arrastrar / Haul" [Serie 'Tracción' / 'Pulling' Series]

Se puede disfrutar del trabajo de Steve en su sitio web, su facebook, y también en el sitio web de la Eleanor Ettinger Gallery.

Steve Huston was born and raised in Alaska (1959). He studied at Pasadena's Art Center College of Design, while working construction each summer to pay his tuition. Even before graduating with his BFA, Huston began illustrating, for such clients as Caesar's Palace, MGM, Paramount Pictures and Universal Studios among others.

"Un duro día de trabajo / A hard days work"

After nearly a decade of doing commercial work, Huston decided a change was in order. He began teaching life drawing and painting, composition and anatomy; first at his alma mater, then at the Disney, Warner Brothers, and Dreamworks Studios. This allowed him the privilege of passing on the knowledge he had been given, while further honing his craft and seeking out new influences for the career he now envisioned.

Such influences came to include Titian and Rambrandt, the early American Tonalists, the homespun character of the WPA art projects, and the heroic and graphic power of the American Comic Book form.

"Dan McCaw y su hijo John son los dos que llevan la pintura. Ambos son artistas fantásticos por derecho propio." S.H.

"Dan McCaw and his son John are the two carrying the painting. Both are terrific artists in their own right." S.H.

Stanley Kowalski de 'Un tranvía llamado deseo' / from 'Streetcar Named Desire'

[Serie 'Actores' / 'Actors' Series], obra y detalle / work & detail

"Huston’s artistic vision transitions from depicting isolated figures to representing multiple figures celebrating the motion of common day laborers. Huston takes the viewer on a nostalgic journey into the history of the American work ethic commemorating its continuation into our post-industrial society. Huston stylistically paints muscular men who sacrifice their bodies for their accomplishments, yet he elevates their status with a valiant quality. Often depicting boxers or construction workers, he approaches these subjects with the same veneration old masters approached Baroque religious paintings. There is a strong sense of light cast among the figures as though they are being illuminated by a central source. The technique in which he paints the figures creates as sense of movement and energy; even though the image is pictorial it is never stagnant. Huston recognizes the beauty and honors the dignity and heroism of hard working individuals and the American battle of man versus machine. The uniting force of humanity is the everyday struggle that we all endure; Huston honors these qualities with his emphasis on action, describing the structures of the human body with a combination of charm, accuracy and rippling lines of musculature."

Text from ARTslanT you can fully read here.

"Este es uno de los varios trabajadores que hice pensando en el cuerpo evolucionando en una posición de trabajo. Cortas piernas, espalda curvada. La espalda está tomada de 'Stag at Sharkey's' de Bellow (ver a continuación)". S.H.

"This was from several workers I did where I thought of the body evolved into the working position. Hence shorter legs, bowed back. The back was drawn from Bellows 'Stag at Sharkeys' (shown below)." S.H.

George Bellows (*), "Stag at Sharkey's", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92 x 122,6 cm., 1909.

The Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

(*) George Wesley Bellows (12 o 19 de agosto de 1882 - 8 de enero de 1925) fue un pintor y litógrafo estadounidense, integrado en la Escuela de Ashcan. Famoso por sus escenas en el ring y de la vida urbana en Nueva York, fue además cronista de la primera guerra mundial, paisajista y uno de los mejores retratistas de su generación. Más información en Wiki.

(*) George Wesley Bellows (August 12 or 19, 1882 - January 8, 1925) was an American realist painter, known for his bold depictions of urban life in New York City, becoming, according to the Columbus Museum of Art, "the most acclaimed American artist of his generation". More info in Wiki.

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Algunos dibujos / Some drawings

"Dibujo para 'Arrastrar' (ver más arriba) / Drawing for 'Haul' (see above)",

Conté sobre papel tonal con blanco / Conte on tone paper with white, aprox. / about 12" x 16"

"Dibujo para 'Tirar' / Drawing for 'Draw'"

You can enjoy more Steve's works in his website, his facebook, and also in the Eleanor Ettinger Gallery's website.

"Dibujo para "Tirando hacia abajo" / Drawing for 'Drawing Down'"

Steve Huston en "El Hurgador" / in this blog: [Arte perdido (V)]

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Steve!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Steve!)

Para los interesados en ver a Steve en acción, hay una serie de videos en su facebook que muestran el proceso de creación de su obra "El Actor".

For those interested to see Steve in action, there are a number of videos on his facebook that show the process of creating his work "The Actor", with artist's explanations.

"El actor / The Actor", 72" x 48"