Nicolas Lavarenne [Escultura / Sculpture]

Hace unos años, paseando por las orillas del Lago Lemán en Montreux (Suiza), me topé con una escultura sumamente llamativa. Un personaje desnudo flotaba sentado en el aire gracias a un trípode de pértigas. Aquella figura, pensativa y ensimismada en la contemplación del lago, era una de las obras de la Bienal de Montreux, creada por el artista invitado de la muestra: Nicolas Lavarenne. La estética de aquella obra me resultó exquisita, pero me impresionó especialmente la armonía con el paisaje: el azul intenso del lago y al fondo la silueta de las montañas en dirección al Château de Chillon. Y es que la obra de este genial artista francés resulta especialmente fotogénica sea cual sea el entorno en el que se instale, cosa que puede apreciarse fácilmente en la selección de imángenes que les presento aquí.

A few years ago, strolling along the shores of Lake Geneva in Montreux (Switzerland), I came across a very striking sculpture. A naked figure seated, floating in the air thanks to a tripod of poles. That pensive and self-absorbed figure in the contemplation of the lake, was one of the works of the Montreux Biennial, created by the guest artist of the exhibition: Nicolas Lavarenne. The aesthetics of that work seems to me exquisite, but I was especially impressed by the harmony with the landscape: the intense blue of the lake and, in the background, the silhouette of the mountains in the direction of the Château de Chillon. The point is that the work of this great French artist is especially photogenic whatever the environment in which it is installed, which can be easily appreciated in the selection of images I present here to you.

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Nicolas Lavarenne

Nicolas junto a su obra / with his work "Grand Passeur"

Nicolas Lavarenne nació en 1953 en Chamelières, Francia. Creció en Niza acunado por las conversaciones que surgían del taller de su padre, que era pintor.

Estudió ingeniería mecánica y en 1978, después de unos años díscolos, comenzó a trabajar para sí mismo y dio sus primeros pasos en esculturas ornamentales. Después de haber pasado el verano de 1984 remodelando un bloque de madera para liberar dos cuerpos suspendidos de acróbatas, su primera escultura vio la luz del día. Gracias a ella, finalmente llegó el momento de su primera exposición y una colaboración con una galería. En 1987 sus esculturas fueron expuestas en Nueva York, luego en Los Ángeles. Hizo sus primeras pruebas en bronce.

"Grand Coureur / Gran corredor / Great Runner", bronce / bronze, h/a: 400 cm., 2006

Exposición en / Exhibition at Vaison-la-Romaine, 2010

"Grande Arc en Ciel / Gran arcoiris / Great Rainbow", bronce / bronze, h/a: 550 cm., 1999

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

En 1988 talla "L'enragé", su escultura de madera definitiva. En 1991, "Le guetteur", una figura encaramada en un trípode, mira por fin hacia los años venideros. También es el año de su primer encuentro con Marc Massa, su fundidor de bronce desde entonces. En 1993 recibió de Inglaterra su primer encargo para esculturas monumentales. Al año siguiente comenzó sus primeras exposiciones individuales en el extranjero.

Sus obras continúan llevándolo a los cuatro rincones del planeta para realizar exposiciones urbanas y para la instalación de sus esculturas en los lugares más prestigiosos.

"Grande Arc en Ciel / Gran arcoiris / Great Rainbow", bronce / bronze, h/a: 550 cm., 1999

Foto / Photo: Jean-François di Costanzo

"Grand Arc / Gran arco / Great Arc", bronce / bronze, h/a: 310 cm., 2002

Escultura monumental en el / Monumental Sculpture at Château de La Napoule, 6-7/2013

Mandelieu-la-Napoule, Alpes-Maritimes, Provence-Alpes-Côte d'Azur, Francia / France

«Un día – cuenta – me pregunté: ¿qué se me da bien? ¿qué me gusta hacer? Echando la vista atrás, me di cuenta de que sabía dibujar, de que podía hacer lo que quisiera con las manos.

Decidí hacer un trabajo manual. Durante siete años me dediqué a la talla ornamental de muebles de ebanista. Una vez mientras garabateaba, como solía, hice un pequeño dibujo, y decidí tallarlo en madera. Cuando terminé, lo miré y pensé: "¿qué es esto? ¿para qué sirve?". Aquel día comencé a hacerme preguntas sobre el arte. Aquello me trastornó completamente. Me cambió la vida: me reconcilió con ella. Comencé a esculpir cuando tenía 23 años, pero hasta cumplir los 33 no fui realmente escultor.»

"Grand Défi / Gran reto / Great Challenge", bronce / bronze, h/a: 175 cm., 2009

Sobre las murallas de / on the walls of Antibes, Alpes-Maritimes, Francia / France

"Grand Défi / Gran reto / Great Challenge", bronce / bronze, h/a: 175 cm., 2009

Sobre las murallas de / on the walls of Antibes, Alpes-Maritimes, Francia / France

Foto / Photo: Nathalie Arnaud 

«Esculpo ante todo para mí, aunque espero llegar a los demás, comunicarme con ellos. Mi mayor placer es que alguien se sienta conmovido por mis esculturas.»

"Grand élan / Gran impulso / Great Momentum", bronce / bronze

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

"Grand élan / Gran impulso / Great Momentum", bronce / bronze

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

«Para mí, una escultura es un objeto que trata de habitar un espacio, no sólo de ocupar el vacío. Cuando uno llega a un lugar donde hay una escultura, ésta tiene que estar presente. Es esa presencia lo que importa. La escultura es una presencia y, si es posible, una presencia con expresión.

Suelo identificarme con mis esculturas. Expresan mi sensibilidad. Soy parte de ellas, me cuentan mi historia. Pero el arte es un espejo y cada espectador encontrará en una expresión artística lo que él mismo aporte. El espectador se identifica con la obra de un modo u otro. Si no lo hace, es que la obra no se corresponde con su sensibilidad.»

"Grand Guetteur / Gran observador / Great Watcher", bronce / bronze, h/a: 600 cm., 1992

"Grand Guetteur / Gran observador / Great Watcher", bronce / bronze, h/a: 600 cm., 1992

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

«Esculpir es laborioso. Busco algo que no existe. Trato de construir en el espacio un volumen que sólo existe en mi mente y en un pedazo de papel. Ese volumen ha de poder verse desde todos los ángulos, y ha de ser interesante desde cada uno de ellos. A veces estoy trabajando en un rostro y veo surgir en él algo que me parece interesante. Lo giro un poco y veo que el perfil es un desastre. Rehago el perfil, lo giro para verlo en tres cuartos, y me espanta. Rehago ese ángulo y vuelvo a mirarlo de frente, y me horroriza.

Cuando por fin lo termino, acabo hastiado. He trabajado tanto en la escultura que sólo veo sus defectos. Necesito un mes o dos para digerirlo y admitir que no es perfecta. Me gusta verlas marcharse, para poder crear otras y hacer realidad otros sueños. La única escultura que me interesa es la que aún no he creado.»

"Grand Passeur / Gran barquero / Great Ferryman", bronce / bronze, h/a: 600 cm., 1994

"Grand Départ / Gran salida / Great departure", bronce / bronze, h/a: 390 cm., 2001

Foto / Photo: Natalie Arnaud

«No puedo tomar la distancia necesaria para juzgar mi propia obra. Cuando miro mis esculturas veo un cuerpo humano bastante realista, correcto desde el punto de vista anatómico; un cuerpo que se lanza al aire, que emprende el vuelo por medio de pértigas que, para mí, son como esos trazos que indican el movimiento del cuerpo en los dibujos de los cómics. Las pértigas levantan del suelo a la escultura, elevándola simbólicamente de la tierra y de la materia, haciéndola más ligera, casi virtual, imposible de tocar. Es la paradoja del escultor: el bronce es pesado, pero echa a volar.»

"Grand serein / Gran sereno / Great Serene", bronce / bronze

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

"Grand serein / Gran sereno / Great Serene", bronce / bronze

Calle Thuret / Thuret Street, Antibes, Francia / France. Foto / Photo: Jean-François di Costanzo

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Nicolas trabajando en su estudio / at work in his studio

Nicolas Lavarenne was born in 1953 in Chamelières, France. He grew up in Nice cradled by the conversations emerging from his father's workshop, who was a painter.

He studied mechanical engineering and in 1978, after a few wayward years, he started working for himself and took his first steps in ornamental sculptures. After having passed the summer of 1984 reshaping a block of wood to liberate two suspended bodies of acrobats: his first sculpture saw the light of day. Thanks to this sculpture, it is finally time for his first exhibition and a collaboration with a gallery. In 1987, his sculptures were exposed in New York, then in Los Angeles. He made his first tests in bronze.

"Grand songeur / Gran meditativo / Great Pensive", bronce / bronze, h/a: 400 cm.

Instalación en las Selva Negra, Alemania / Installation at Black Forest, Germany

"Grand Pensif / Gran pensativo / Great Thoughtful", bronce / bronze, h/a: 530 cm.

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

In 1988, Nicolas Lavarenne carves “L’enragé”, his ultimate wood sculpture. In 1991 "Le guetteur", a figure perched on a tripod, is at last looking towards the oncoming years. It is also the year of his first meeting with Marc Massa, his bronze founder since then. In 1993 he received from England his first commision for monumental sculptures. The following year commenced his first personal exhibitions abroad.

His works continue to lead him to the four corners of the planet for urban exbitions and for the installation of his sculptures in the most prestigious places.

"Grand Pensif / Gran pensativo / Great Thoughtful", bronce / bronze, h/a: 530 cm.

Montreux, Suiza / Switzerland. Foto / Photo: Esther Frías, 8/2013

"Grand Pensif / Gran pensativo / Great Thoughtful", bronce / bronze, 530 cm.

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

«One day I asked myself: what am I good at? what do I like to do? Looking back, I realized that I knew how to draw, that I could do whatever I wanted with my hands.

I decided to do a manual job. For seven years I dedicated myself to making the ornamental carving of cabinetmaker's furniture. Once, while scribbling, as I used to, I made a small drawing, and decided to carve it in wood. When I finished, I looked at it thinking, "What is this, what is it for?" That day I started asking myself questions about art. That completely upset me. It changed my life: I reconciled with it. I started sculpting when I was 23, but until I was 33 I was not really a sculptor.»

"Grands Combats / Grandes combates / Big Fights", bronce / bronze, h/a: 390 cm., 2016

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

"Grands Combats / Grandes combates / Big Fights", bronce / bronze, h/a: 390 cm., 2016

«I sculpt above all for myself, although I hope to reach others, communicate with them. My greatest pleasure is that someone feels moved by my sculptures.»

"Grands Combats / Grandes combates / Big Fights", bronce / bronze, 390 cm., 2016

"Grand Arc Boutant / Gran arbotante / Great Flying Buttress", bronce / bronze, 200 cm.

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

«For me, a sculpture is an object that tries to inhabit a space, not just to occupy the void. When you arrive at a place where there is a sculpture, it has to be present. It is that presence that matters. Sculpture is a presence and, if possible, a presence with expression.

I usually feel identified with my sculptures. They express my sensitivity. I am part of them, they tell me my story. But art is a mirror and each viewer will find in an artistic expression what he himself contributes. The viewer feels identified with the work in one way or another. If he does not, it is that the work does not correspond to his sensitivity.»

"Grande Libre / Gran libre / Great Free", bronce / bronze, h/a: 450 cm., 2017

"Grande Enigme / Gran enigma / Great Enigma", bronce / bronze, h/a: 600 cm., 2007

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

«Sculpting is laborious. I'm looking for something that does not exist. I try to build in space a volume that only exists in my mind and on a piece of paper. That volume must be visible from all angles, and it must be interesting from each one of them. Sometimes I'm working on a face and I see something that seems interesting to me. I turn it around a bit and I see that the profile is a disaster. I remake the profile, I turn it to see it in three quarters, and it frightens me. I remake that angle and look back at it, and it horrifies me.

When I finally finish it, I end up tired, I've worked so much in sculpture that I only see its flaws, I need a month or two to digest it and admit that it's not perfect, I like to see them leave, to be able to create others and make other dreams come true. The only sculpture that interests me is the one I have not created yet.»

"Grande Enigme / Gran enigma / Great Enigma", bronce / bronze, h/a: 600 cm., 2007

Foto / Photo: Natalie Arnaud

"Grande Prière / Gran plegaria / Great Prayer", bronce / bronze, h/a: 600 cm.

«I can not take the distance necessary to judge my own work. When I look at my sculptures I see a human body quite realistic, correct from the anatomical point of view; a body that is thrown into the air, which takes flight by means of poles that, to me, are like those traces that indicate the movement of the body in the drawings of the comics. The poles raise the sculpture from the ground, raising it symbolically from the earth and the material, making it lighter, almost virtual, impossible to touch. It is the paradox of the sculptor: the bronze is heavy, but it takes flight.»

"Grande Prière / Gran plegaria / Great Prayer", bronce / bronze, h/a: 600 cm.

Exposición "Homo in caelis" en la ciudadela de Sisteron / at the Sisteron Citadel, 9/2015

Foto / Photo: Jean-Marc Foulon

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Fuentes / Sources:
* Website
* Video que puede verse más abajo / video you can see below
* Entrevista de / Interview by Sylvie Castonguay. Revista de la OMPI, 1/2009

Más sobre / More about Nicolas Lavarenne: Website, FG Fine Art, Instagram, facebook 

Jean-Marc Foulon: Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias Nicolas y Guillaume!)

Muchas gracias también a Jean-Marc Foulon por sus excelentes fotografías

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nicolas and Guillaume!)

Thanks also to Jean-Marc Foulon for his excellent photographs.

Michael Bergt [Pintura / Painting]

Michael Bergt

(Deshler, Nebraska, EE.UU./ NE, USA, 1956-)

Michael Bergt es un artista estadounidense nacido en 1956 en Deshler, Nebraska.

Con una carrera de más de treinta años, la obra figurativa de Bergt retoma y reinterpreta elementos clave de la mitología occidental, el arte renacentista y la iconografía cristiana en clave contemporánea. Imágenes tan recurrentes y familiares como Leda y el cisne, el minotauro y Europa pueblan sus lienzos y reviven tratando temas tan actuales como las cuestiones de género y la sexualidad.

Michael se vale de diversos medios tales como el temple al huevo, el lápiz de color, las tintas e incluso la escultura para desarrollar un cuerpo de obra amplio y consistente.

Dedicaré un par de posts a repasar su obra. En este primero, obras creadas básicamente con temple al huevo, dibujos y pinturas con lápiz de color.

"Estiramiento / A Reach"

Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 74,9 × 105,4 cm

"Burlado / Mocked"

Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 69,9 × 55,9 cm., 2010

«He sido muy afortunado. Tuve mi primera muestra en San Francisco cuando tenía 24 años. Se vendió todo, y ya nunca volví a mirar atrás. Y eso es raro. Nací en una pequeña comunidad agrícola, y de dónde salieron esas ideas, no tengo ni idea. Pero siempre dibujaba desde que era pequeño, y la gente me preguntaba: "¿Qué quieres hacer cuando seas grande?". Y yo decía: "Voy a ser un artista". Sabes, eres bastante a menudo demasiado ingenuo para saber que [algo] es imposible, y ese tipo de cosas te mantiene en esa línea. Porque si alguien hubiera dicho: "No, eso es imposible, no puedes hacer esto", entonces habría hecho otra cosa. Pero obviamente no caí en ese patrón.»

"Según Picasso / After Picasso"

Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 35,6 × 45,7 cm., 2017

"Según Picasso / After Picasso"

Carboncillo y aguada sobre papel tonal / charcoal, gouache on toned paper, 11" x 15", 2017

Pablo Picasso en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

«Debido a que gran parte de mi trabajo se deriva de los clásicos, la gente lo ve y automáticamente piensa que no tengo ningún interés en el arte contemporáneo, que solo me interesan el Renacimiento, la mitología o la iconografía cristiana. Si bien estoy interesado en todo eso, lo veo todo en términos de su referencia al día de hoy, porque no puede obviarse el hecho de que estamos viviendo hoy, y ya estamos influenciados por el hecho de que sabemos tanto más acerca de la psicología y el subconsciente, los movimientos artísticos, la comunicación, y todos estamos conectados con el mundo, tenemos Google, podemos obtener información. Todo eso modifica el cómo entiendes esta información. Creo que lo que quiero decir más que nada es que no me parece irrelevante el uso de estas técnicas o iconografía antiguas para abordar algo que es muy contemporáneo. Creo que eso lo hace igual de relevante, o más, porque está incluyendo una gran variedad de historia en lugar de decir, por ejemplo, "Solo puedo usar expresionismo abstracto para decir algo sobre cómo percibimos el mundo, o cómo entender el color y la luz." Creo que eso se convierte en una inquietud muy formalista, pero reduce el ancho de banda.»

"La ola / The Wave"

Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 14,5" x 21,5" 2011

"Amanda"

Temple al huevo y pan de oro sobre panel / egg tempera & gold leaf on panel, 39,4 × 34,3 cm.

"La gran ola / The Great Wave"

Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 14,5" x 22", 2013

«Siempre me ha fascinado la figura bellamente representada y los diseños y la decoración. En mi nueva obra me enfoco en estos dos intereses: mis estudios de figuras tienen un contexto dentro de los diseños encontrados en grabados eróticos japonesas de "Shunga", miniaturas persas y las tradiciones de patrones del arte oriental: realismo y patrón / estética oriental y occidental.

La historia del arte puede verse como un intento de equilibrar estas dos intenciones: crear la ilusión de tres dimensiones o enfocarse más en una calidad interpretativa y abstracta, mejorando así el diseño y la decoración. Esto refleja el contraste entre una visión literal y simbólica del mundo, confirmando lo que percibimos, en contraste con lo que sentimos sobre lo que percibimos.

Cuando incluyes una narrativa, la dinámica se vuelve aún mayor. ¿Cuál es el significado de lo que estamos haciendo, cómo se ve y qué patrón crea? Si relajamos la necesidad de separar lo que es real de lo imaginario, se convierte simplemente en una relación y, por lo tanto, gana poder. Esas relaciones son las potencialidades con las que construimos nuestra cultura, nuestro sentido del yo y nuestra identidad. El tiempo y el espacio están en juego, y "jugar" es la palabra clave para lo que estoy haciendo.»

"Retenida / Held"

Temple al huevo y pan de oro sobre panel / egg tempera & gold leaf on panel, 19,5" x 12,5"

Michael vivó un tiempo en España. Acerca de esa experiencia dijo:

«... lo que España me dio fue una experiencia cultural diferente. Me llevó a Europa y a vivir con un idioma diferente, una historia diferente. Además, el resto de Europa está disponible una vez que estás allí: en un par de horas puedes conducir o volar para visitar cualquier lugar. Un par de veces al año salíamos a visitar Francia, conducir por España y visitar Marruecos. Fue una gran experiencia cultural. (...)

Solía llamarlo mis años de "rellenado", porque mientras estuve allí, salía todos los días y hacía acuarelas en lugares, estudiando todo: paisaje, interiores y personas. Estaba llenando mi reserva de imágenes, los efectos de la luz, la técnica. Después de eso, tenía todo un caché de información listo.»

"Andrómeda"

Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 42 x 36, 2014

"Observando / Looking Over", carboncillo, lápiz de color y aguada sobre papel tonal /

charcoal, color pencil & gouache on toned paper, 22" x 18"

«Hago esculturas, dibujos, pinturas, hago muchas cosas en términos de artes visuales y en cualquier cosa que me permita explorar a fondo. Podría haber pasado toda una carrera siendo sólo escultor, y hay veces que miro la escultura y pienso: "Dios, eso hubiera sido divertido", pero a veces me gusta pintar. Voy a seguir pintando. De otra forma, cambia con el tiempo cuando te das cuenta de que no eres un esclavo del trabajo, el trabajo es tu esclavo, en términos de dónde creces o qué está sucediendo para ti. Y a medida que evolucionas, la obra que surge de auí es un reflejo de quién eres, en lugar de lo que persigues con tu trabajo. (...)

Creo que toma tiempo llegar a esa conclusión, simplemente porque cuando eres joven estás muy ocupado intentando aprender tu oficio: te estás enfocando en mejorarlo, viendo cómo te enfrentas a otras personas. Entonces quedas atrapado en todo el aspecto comercial de encajar en una galería, hacer ventas, no hacer ventas.

En un cierto punto hay esta epifanía, ya sabes, lo que hace que, se produzcan o no las ventas, realmente sucedió algo en ti que se transfirió a la obra, y luego todos lo sintieron en ella. Así que cuando me he quedado atascado es cuando he perseguido la obra, y no me he mantenido fiel a lo que estaba sucediendo en mí que generó esa obra, y entonces es cuando empiezo a darme cuenta, "Oh, tengo que invertir esta ecuación, es la ecuación que está mal." Lo ves en las carreras de los artistas todo el tiempo, donde te das cuenta de que en cierto punto todo lo que están haciendo son réplicas de ellos mismos, están como haciendo la misma cosa una y otra vez, porque eso es lo que está funcionando.»

"Soñadora / Dreamer", lápiz de color sobre panel / color pencil on panel, 45,7 × 53,3 cm.

"El sueño (estudio) / The Dream (Study), 1997 

Lápiz de color sobre papel gris / colored pencil on gray paper, 19 1/4" x 23 1/4"

Michael Bergt is an American artist born in 1956 in Deshler, Nebraska.

With a career of more than thirty years, Bergt's figurative work takes up and reinterprets key elements of Western mythology, Renaissance art and Christian iconography in a  contemporary key. Images as recurrent and familiar as Leda and the swan, the minotaur and Europe populate his canvases and revive, dealing with presenting topics such as gender and sexuality.

Michael uses several media and techniques such as egg tempera, colored pencil, inks and even sculpture to develop a broad and consistent body of work.

I will dedicate a couple of posts to review his work. In this first one, works created basically with egg tempera, drawings and paintings with color pencil.

"Imaginación / Imagination"

Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 71,1 × 88,9 cm.

"Janus", lápiz de color y aguada sobre papel tonal /

color pencil and gouache on toned paper, 45,7 × 35,6 cm., 2017

«I’ve been very fortunate. I had my first show in San Francisco when I was 24 years old. That show sold out, and I never looked back from there. And that’s rare. I was born in a small farming community, and where I got the idea, I have no clue. But I was always drawing since I was little, and people would ask, “What do you want to do when you grow up?” And I said, “I’m going to be an artist.” You know, you’re quite often too naive to know [something] is impossible, and that sort of keeps you in that line. Because if anyone had said, “No that’s impossible, you can’t do this,” then I would have done something else. But obviously I didn’t fall in that pattern.»

"Leda y cisne (estudio) / Leda and Swan (Study)", tinta sobre papel / ink on paper, 19" x 22"

"Leda y cisne / Leda and Swan", temple al huevo sobre panel de icono, con oro 23 kt./

egg tempera on icon panel with 23kt gold, 20" x 20", 2015.

«Because so much of my work is so classically derived, people see it and automatically think I have no interest in contemporary art, that I’m only interested in the Renaissance, mythology, or Christian iconography. While I am interested in all of that, I see it all in terms of its reference to today, because you can’t help the fact that we’re living today, and we’re already influenced by the fact that we know so much more about psychology and the subconscious, art movements, communication, and we’re all plugged in with the world, we have Google, we can get information. All of that modifies how you understand any of this information. I guess what I want to say more than anything is that I don’t see anything irrelevant about using these ancient techniques or iconography to address something that is very contemporary. I think that makes it just as relevant, or more so, because you’re including a bigger array of history instead of saying, for instance, “I can only use Abstract Expressionism to say something about how we perceive the world, or how we understand color and light.” I think that that becomes a very formalistic concern, but it narrows the bandwidth.»

"El nudo / The Knot", lápiz de color y aguada sobre papel / 

color pencil & gouache on paper, 55,2 × 44,5 cm.

"Mirada / Stare", temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 74,9 × 59,7 cm.

«I've always been fascinated with the figure beautifully rendered and by pattern and decoration. In my new work, I focus on these two interests: my figure studies are given a context within the designs found in erotic Japanese "Shunga" prints, Persian miniatures and the pattern traditions of Eastern Art: realism and pattern/Eastern and Western aesthetics.

The history of art can be seen as an attempt to balance these two intentions: to create the illusion of three dimensions, or focus more on an interpretive, abstract quality, thereby enhancing pattern and decoration. This reflects the contrast between a literal and symbolic view of the world—confirming what we perceive—contrasted with what we feel about what we perceive.

When you include a narrative, the dynamic becomes even greater. What is the meaning of what we're doing, how does it look, and what pattern does it create? If we relax the need to separate what is real from what is imagined it becomes simply a relationship, and thus gains power. Those relationships are the potentialities from which we construct our culture, our sense of self, and our identity. Time and space are in play, and "play" is the operative word for what I'm doing.»

"Balance de poder / Balance of Power"

Temple al huevo y acrílico sobre panel / egg tempera and acrylic on panel, 121,9 × 76,2 cm., 2017

Michael was living in Spain for some time. About that experience he told:

«...what Spain gave me was a different cultural experience. It got me to Europe and to live with a different language, different history. Also, the rest of Europe is so available once you’re there: within a couple hours you can drive or fly to visit anywhere. A couple of times a year we would just head out and visit France, drive around Spain, visit Morocco. It was a great cultural experience. (...)

I used to call it my “backfill” years, because while I was there, I would go out every day and do watercolors on locations, studying everything: landscape, interiors, and people. I was filling my reservoir of imagery, the effects of light, technique. After that, I had this whole cache of information all ready.»

"Escondite / Hide and Seek", temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 18" x 24", 2004

"Mitologías / Mythologies", pluma de color, aguada / color pen, gouache, 28" x 23,5"

«I do sculpture, drawings, paintings, I do a lot of things in terms of visual arts, and any one of those I could mine deeper. I could have spent a whole career just being a sculptor, and there are times I look at sculpture and I think, “God that would have been fun,” but there are times that I really like painting. I’m going to continue painting. In another way it kind of shifts over time when you realize that you aren’t a slave to the work, the work is a slave to you, in terms of where you’re growing or what’s happening for you. And as you evolve, the work that comes out of that is a reflection of who you are rather than you chasing your work.  (...)

I think it takes time to come to that realization, simply because when you’re young, you’re so busy trying to learn your craft: you’re focusing on improving your craft, seeing how you stand up to other people. Then you get caught up in the whole commercial aspect of fitting in a gallery, making sales, not making sales.

At a certain point there’s this epiphany, you know, that what makes sales happen or not is when you actually had something happen in yourself that got transferred to the work, and then everyone felt it in the work. So every time I’ve got stuck is when I chased the work, and I didn’t stay true to what was going on in me that created that work, and then that’s when I begin to realize, “Oh, I’ve gotta flip this equation, it’s the equation that’s wrong.” You see it in artists’ careers all the time, where you realize that at a certain point all they are doing are replications of themselves, they’re just sort of doing the same thing over and over and over, because that’s all that’s working.»

"Protector", lápiz de color y aguada sobre papel tonal / 

color pencil & gouache on toned paper, 67,3 × 58,4 cm., 2017

"Sagrado / Sacred"
Lápiz de color y aguada sobre papel tonal / color pencil & gouache on toned paper, 14,5" x 22", 2014

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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista, 3 preguntas de / Interview, Three questions by Lauren Thompson, Santa Fe Reporter, 7/2017
* Visita al estudio de M.B. / Studio Visit M.B., por / by Lauren Tresp & Clayton Porter
The Magazine Santa Fe, 12/2017

Michael Bergt en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XIV)], [Michael Bergt (Tinta, Serie negra)], [Recolección (CLXXIV-1)]

Más sobre / More about Michael Bergt: Website, facebook, Nüart Gallery

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Michael!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)

Visita al estudio / Studio Tour, 1/2016
Artisan/Santa Fe Santa Fe store

En este vídeo (en inglés) podemos ver el estudio de Michael, mientras comenta los contenidos de uno de sus talleres de pintura. /
In this video we can see Michael's study, while commenting on the contents of one of his painting workshops.