viernes, 13 de enero de 2017

Helmut Ditsch [Pintura]

Continuando con esta mirada a la figuración argentina contemporánea, la obra de Helmut Ditsch, hoy en día el artista más cotizado del país. Lienzos gigantescos en tonos fríos representando mares, montañas, desiertos, hielos, que absorben al espectador. Vastos espacios de pura naturaleza cargados de un fuerte componente emocional. Como dice Helmut, "La naturaleza es el medio temático de expresión, pero mis paisajes no son turísticos, son paisajes metafísicos, paisajes interiores".
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

Continuing with this look at contemporary Argentine figurative painting, the work of Helmut Ditsch, nowadays the most valued artist in the country. Gigantic canvases in cold tones representing seas, mountains, deserts, ice, which absorb the viewer. Vast spaces of pure nature loaded with a strong emotional component. As Helmut says, "Nature is the thematic medium of expression, but my landscapes are not tourism, they are metaphysical landscapes, interior landscapes."
Texts in English at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Helmut Ditsch


Helmut Ditsch es un artista argentino nacido en Villa Ballester, Buenos Aires, en 1962. Sus obras tienen un estilo único, y se inspira en los majestuosos vastos espacios de la naturaleza para producir lienzos de proporciones monumentales.
En los '90, habiéndose establecido oficialmente en Viena (Austria), su carrera artística alcanzó un punto imparable. En 1997 ya era considerado uno de los más exitosos artistas jóvenes, y dos años más tarde se consolidó con el éxito de su obra "La Cordillera", adquirida por el Banco Central de Austria por un precio récord para un artista argentino contemporáneo.
En 2000 estableció su estudio en Irlanda, completando en 2005 la serie Grandes Temas Naturales, que hasta entonces comprendía desiertos, motañas y hielo, como la obra "El mar", inspirada en el Océano Atlántico.
En 2001 expuso por primera vez para el público argentino en el Museo Nacional de Bellas Artes, reuniendo a más de 100.000 personas en el transcurso de esta muestra en solitario. Tal éxito de público se repitió en 2006, cuando Ditsch fue invitado a participar en exclusiva en la Feria del Libro de Buenos Aires.
Desde la venta de su pintura "Das Meer II" por 865.000 en 2010, ha sido considerado el artista más caro de Argentina.
A lo largo de su trayectoria artística, Ditsch comenzó a transitar varios senderos creativos, incluyendo conceptos relacionados con el diseño automotriz, vestimenta, composición musical y producción de vinos de alta gama. También tiene planes para establecer un espacio académico dedicado al pensamiento filosófico, combinando todas estas iniciativas bajo el paraguas conceptual de "Factoría artística Helmut Ditsch".
En 2015 se convirtió en profesor en la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM, Argentina). En junio de 2016 grabó su primer álbum: "Del final de los tiempos."
Actualmente viven en Liechtenstein. [1]

"El triunfo de la naturaleza / The Triumph of Nature", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 400, 2016

"Die Zehn Gebote II / Los diez mandamientos II / The Ten Commandments II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 210, 2000

«Para que la gente se haga una idea de lo que significa pintar una obra monumental hay que imaginarlo... o compararlo con la planificación de un edificio. Hay toda una proyección, después un cálculo de la logística. En esta primera etapa, que son un par de meses, el relevamiento... digamos que en un mes voy a estar haciendo imágenes, y ver... y luego estoy un par de meses encerrado, eligiendo el material, haciendo mis bosquejos, y tendré unos... seis meses, calculo, de trabajo en claustro, que es lo que tardaría para una obra de estas dimensiones, que es de 6 metros y pico, por dos metros y medio de alto. Todo eso significa que comenzás y no parás hasta no terminar. No puedo hacer pausa porque se me secan los colores y ahí te darías cuenta: "ah, acá paró porque...". Unir las pinturas es mucho más complicado en este tipo de técnica que tengo que es muy sutil, digamos.»
Helmut Ditsh en El Calafate. Sergio Villegas. [2]

"Das Eis und die vergängliche Ewigkeit /
Los hielos y la eternidad efímera / The Ice and the Perishable Eternity"
Acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 730 x 290 cm., 2001-02

«Hubo momentos puntuales que me enamoraron y se convirtieron en los disparadores de mi carrera plástica. Momentos que tienen que ver con la naturaleza y con Mendoza, especialmente.
Siempre dibujé, era mi forma de expresarme. Aparte me salía bien, era un placer, me divertía mucho. A los ocho años llegué por primera vez a Mendoza; recuerdo el viaje desde Buenos Aires, recuerdo las nubes que se veían en el trayecto. Noté una atmósfera absolutamente limpia, y eso me marcó. Necesité pintar para ser parte de todo ese fenómeno. O sea que mi carrera como artista plástico nace en Mendoza: ahí tomo conciencia de que quiero hacer eso.» [3]

"Kaltenberg III", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 x 100 cm, 2015

"Kaltenberg III" (detalle / detail)

«La naturaleza es el medio temático de expresión, pero mis paisajes no son turísticos, son paisajes metafísicos, paisajes interiores. El mar que pinto, o el desierto, o el glaciar que pinto es TÚ glaciar. Son lugares comunes, y ese realismo contundente de la obra permite al espectador ingresar a esa obra. Ese espacio que yo creo es un espacio que el espectador ocupa cuando está delante de la obra, y no solamente lo ocupa sino que lo palpa, lo vivencia y se emociona hasta las lágrimas.» 

«Para mí el arte es amor. El arte especulativo es inhumano. No aparecen el amor ni la belleza. Y yo quería pintar para el pequeño hombre, el común de la gente, y buscar lo esencial para los seres humanos. ¿Cuál es la añoranza que late en los corazones? A eso fui. Mi mar es el mar de todos. Mi desierto, el desierto de todos. Y lo veo cuando la gente se emociona delante de mis glaciares, y llora sin saber por qué. Se redescubren ellos en algo muy profundo que yo sé que tengo que buscar, abriéndome emocionalmente.» [4]

"Glaciar Perito Moreno I / Perito Moreno Glacier I"
50°29´22" Sur / South - 73°02´48" Oeste / West - 16.11.2008  6:50PM
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 225 cm., 2012

"Traunsee", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 220, 2003

«Comienzo a pintar y tengo los bosquejos del mar, y tengo toda la logística armada... De pronto dejo de ver la foto... soy el mar, y no me equivoco con las olas. Ninguna se repite y mi mano va como teledirigida.» [5]

"Das Meer II / La mar II / The Sea II", óleo y acrílico sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 150 x 600, 2005

"Das Meer II / La mar II / The Sea II" (detalle / detail)

«El crítico es un actor fundamental para que el arte intensivo pueda funcionar. Vos le quitás el crítico y el arte en forma intensiva no funciona. Tiene que estar ahí, y es el personaje más importante, mucho más importante que el artista. Es el que hace el show. Para mí eso es válido, pero para mí no tiene ninguna autoridad. El tema es la autoridad que se le da al crítico, cuando en realidad es el artista el único que tiene autoridad. El artista es el que hace vanguardia, no el crítico.» [6]

"Cosmigonon", óleo y acrílico sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 273 x 730 cm., 2002

Helmut pintando / painting "Cosmigonon"

«Mi postura existencialista tiene que ver con la muerte temprana de mi madre, la persona más importante que uno tiene desde que nace... es un fenómeno existencial por excelencia, porque desde chico estuve obligado a preguntarme por qué, a sufrir el dolor de la pérdida y no entender el por qué. Cuando pensé que había tenido respuestas a todo eso, me volvió a pasar con mi esposa, y lo que observé es que me volví a cuestionar todo, todo lo que había aprendido hasta esa edad. Y empezar de cero otra vez. Y creo que la ansiedad de entender me lleva a seguir en la misma postura. No perdió intensidad esa búsqueda.» [7]

"Oscuro Santa Elena / Dark St. Helens"
Óleo y témpera sobre lienzo / oil and tempera on canvas, 260 x 170 cm., 1995

"Punto de no retorno II / Point of no Return II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 240 cm., 2016

«...hago todo solo. Lo renacentista en mí es que incursiono en varias disciplinas creadoras para poder estar en equilibrio. Necesito hacer música, diseñar, crear cosas, todo para poder estar en equilibrio con la pintura. Hubo una etapa en la que descubrí que lo que hacía estaba fuera del tiempo, no era parte del mainstream, ni de la moda. Necesité siempre otro ritmo, no podía producir una obra tan rápido -como lo pide el mercado-.
Me exigían cincuenta o cien cuadros por año si quería un contrato con una galería. Nunca pude entender eso. Sabía que tenía que vender para sobrevivir, pero lo que vendía era arte.» [8]

"Das Gebirge / Las Montañas / The Mountains", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 1190 cm., 1998-99

"Das Gebirge / Las Montañas / The Mountains" (detalle / detail)

"Über dem Güssfeldt-Gletscher / Sobre el glaciar Güssfeldt / Over the Güssfeldt Glacier"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 170 x 260 cm., 1993

«La Mona Lisa se hizo tan famosa porque hay magia ahí dentro, no importa el formato. No ha habido artistas que se hayan dedicado a grandes formatos con una densidad de trazo, como lo que yo hago. No se conocen obras del formato que yo elijo, hechas por un solo artista. Las escuelas de Rubens, por dar un ejemplo, se habían creado con una velocidad de producción que imponían las casas reales y sus artistas tenían que producir rápido.
Era imposible hacer una obra de grandes dimensiones en un lapso tan corto y así fueron surgiendo grupos de trabajo. Pero si analizamos esas obras vemos que no tienen la misma energía que la pintura del maestro. Pinturas, justamente mas chicas, más compactas, como la Mona Lisa. Cuando ves los originales de Rubens ves toda la fuerza ahí. No pasa lo mismo con las obras en donde ha participado todo un conglomerado de artistas. El desafío que yo me impuse es hacer esa pintura chica -con esa densidad de trazo- pero en grandes formatos, multiplicando de esta forma el fenómeno y su efecto.» [9]

"Glaciar Perito Moreno III / Perito Moreno Glacier III"
50°29´22" Sur / South - 73°02´48" Oeste / West - 16.11.2008  7:54PM
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 500 cm., 2013

"Klagenfurter Becken / Cuenca de Klagenfurt / Klagenfurt Basin"
Óleo y temple al huevo sobre lienzo / oil and egg temple on canvas, 150 x 500 cm., 1996

"Klagenfurter Becken / Cuenca de Klagenfurt / Klagenfurt Basin" (detalle / detail)

«Mi obra establece un diálogo con la gente real, la gente de la calle, y no con lo que yo he llamado el sistema de "Unidad de cuidados intensivos". Los artistas de vanguardia no pueden vivir sin un curador famoso, mucho mármol, glamour y los medios... pero tienen una esperanza de vida corta. En mi opinión, esta clase de artista al que yo llamo "paciente", terminará muriendo, precisamente porque nadie excepto el establishment reconoce lo que hace como arte. Pero lo que yo hago es de una naturaleza completamente diferente.
(...) aquellas obras de arte que no pueden existir por sí mismas, no son obras de arte universales. Pero el artista no tiene la culpa del sistema. Muchos artistas sucumben al establishment, y todo lo que ello implica. "Unidad de cuidados intensivos" del arte es un epíteto que aplico a esta clase de red que termina por traicionar a los artistas. Y muchos de ellos no tienen la oportunidad de liberarse de esta tendencia, porque todo el sistema está apoyado a nivel global. Para mí no hay otra opción que exponer en plazas públicas. Al menos eso es lo que hago, y puedo asegurarte que estoy muy feliz con la decisión que he tomado.» [10]

"Cafayate", óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 210 x 320 cm., 2004

Helmut pintando "El triunfo de la naturaleza" / painting "The Triumph of Nature"
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista / Interview. H.D. dialoga con / dialogue with Rony Vargas. Youtube
* H.D. en El Calafate. Audio. Youtube
* Entrevista con H.D.: el triunfo de la belleza / Interview with H.D.: The Triumph of Beauty
Por / by Camila Reveco, 5/2014. Los Andes
* Videos que puede verse más abajo / Videos you can see below
* El argentino del récord: H.D. y su glaciar millonario /
The Argentine of the record: H.D. and his millionaire glacier
Por / by María Paula Zacharías, 6/2016. La Nación

Más sobre Helmut en / More about Helmut in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Helmut!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Helmut!)


Helmut Ditsch, un artista en las alturas / An artist in the heights, 2015
Idea y dirección / Idea and Direction: Anouk Lancestremère
Cámara / Camera: Bahía Lancestremère
Música / Music: Helmut Ditsch "Después de la tormenta / After the Storm"

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Helmut pintando. "Obra en proceso II" / Helmut painting. "Work in Progress II"





Textos en inglés / English Translation

[1]
Helmut Ditsch is an Argentine artist born in Villa Ballester, Buenos Aires, in 1962. His works are unique in its style, inspired by the majestic vastitudes of nature, and produced on canvases that reach monumental proportions.
In the nineties, having settled officially in Vienna, Austria, his artistic career acquired an unstoppable momentum. In 1997 he was already considered to be one of the most successful of young artists, and two years later, he consolidated this success with the work La Cordillera (The Mountain Range), acquired by the OeNB (Central Bank of Austria) at a record amount for a contemporary Argentine artist.
In 2000, Ditsch set up his atelier in Ireland, completing in 2005 the series Grandes Temas Naturales (Great Themes of Nature) that had until then comprised deserts, mountains and ice, with the work El Mar (The Sea), inspired by the Atlantic Ocean.
In 2001, he exhibited for the first time for the Argentine public at the National Museum of Fine Arts, bringing together more than 100,000 people during in the course of this solo exhibition. Such a turnout was repeated in 2006, when Ditsch was invited to participate exclusively in the International Book Fair of Buenos Aires.
Since the sale of the painting "Das Meer II" for U$S 865.000 in 2010 he has been considered the most expensive artist in Argentina.
Alongside his artistic trajectory, Ditsch began traversing various creative paths, including concepts relating to automotive design, clothing, music composition and production of high end premium wines. He also plans to establish an academic space dedicated to philosophical thinking, combining all of these initiatives under the umbrella of the concept of the “Helmut Ditsch Art Factory”.
In 2015 he became a professor at the Argentinian University UNSAM. In June 2016 he recorded his first album "Del final de los tiempos"
Nowadays he lives in Liechtenstein.

[2]
«For the people to have an idea of what it means to paint a monumental work, you must imagine ... or compare it with the planning of a building. There is a whole projection, after a calculation of the logistics. In this first stage, which may take a couple of months, the survey ... let's say, in a month I will be doing images, and seeing ... and then I'll be locked up for a couple of months, choosing the material, doing my sketches, and I will have some ... six months of calculation, work in a cloister, which is what it takes for a work of these dimensions, which is 6 meters something, by two and a half meters high. All that means that I start and non stop until I finish. I can't pause because the colors dry up and then you would realize: "ah, here he has stopped because ...". Joining the paintings is much more complicated in this type of technique that I have that is very subtle, so to say.»

[3]
«There were certain moments that I fell in love with and became the triggers of my plastic career. Moments that have to do with nature and with Mendoza, especially.
I always drew, it was my form of expression. Otherwise I was good, it was a pleasure, I had a lot of fun. At the age of eight I arrived for the first time in Mendoza; I remember the trip from Buenos Aires, I remember the clouds that could be seen on the way. I noticed an absolutely clean atmosphere, and that marked me. Need to paint to be part of the whole phenomenon. So my career as a plastic artist was born in Mendoza: there I become aware that I want to do that.»

[4]
«Nature is the thematic medium of expression, but my landscapes are not tourist, they are metaphysical landscapes, interior landscapes. The sea that I paint, or the desert, or the glacier I paint, is YOUR glacier. They are common places, and this forceful realism of the work allows the viewer to enter that work. That space that I create is a space that the viewer occupies when he is in front of the work, and not only occupies it but feels it, experiences it and is moved to tears.»

«For me art is love. Speculative art is inhuman. Love and beauty do not appear. And I wanted to paint for the little man, the common people, and look for the essentials for human beings. What is the longing that beats in the hearts? That's to what i went. My sea is the sea of all. My desert, the desert of all. And I see it when people get excited in front of my glaciers, and cry without knowing why. They rediscover themselves in something very deep that I know I have to look for, opening myself emotionally.»

[5]
«I begin to paint and I have the sketches of the sea, and I have all the logistics armed ... Suddenly I stop seeing the photo ... I am the sea, and I am not mistaken with the waves. None is repeated and my hand goes as a remote control.»

[6]
«The critic is a fundamental actor so that the intensive art can work. You take away the critic and art in an intensive way does not work. It has to be there, and it is the most important character, much more important than the artist. He's the one doing the show. For me that is valid, but for me it has no authority. The question is the authority that is given to the critic, when in fact the artist is the only one who has authority. The artist is the one who makes vanguard, not the critic.»

[7]
«My existentialist stance has to do with the early death of my mother, the most important person that one has since birth ... is an existential phenomenon par excellence, because since I was young I was forced to wonder why, to suffer the pain of loss and not understanding why. When I thought I had answers to all that, it happened to me again with my wife, and what I observed is that I went back to question everything, everything I had learned until that age. And start from scratch again. And I think that the anxiety of understanding leads me to continue in the same posture. That search did not lose any intensity.»

[8]
«... I do everything alone. The Renaissance in me is that I enter into various creative disciplines in order to be in balance. I need to make music, design, create things, everything to be in balance with the painting. There was a stage where I discovered that what I did was out of time, it was not part of the mainstream, nor of fashion. I always needed another rhythm, I could not produce a work as fast as the market demands.
They demanded me fifty or a hundred pictures a year if I wanted a contract with a gallery. I could never understand that, I knew I had to sell to survive, but what I sold was art.»

[9]
«The Mona Lisa became so famous because there's magic in there, no matter the format. There have been no artists that have been dedicated to large formats with a trace density, like what I do. There are no known works of the format that I choose, made by a single artist. Rubens' schools, to give an example, had been created with a speed of production imposed by the royal houses and their artists had to produce fast.
It was impossible to do a large work in such a short period of time, and so work groups emerged. But if we analyze these works we see that they do not have the same energy as the painting of the master. Smaller paintings, more compact, like the Mona Lisa. When you see the originals of Rubens you see all the force there, the same thing does not happen with the works where a whole conglomerate of artists has participated. The challenge I faced was to make that kind of little painting - with that density of stroke - but in large formats, multiplying in this way the phenomenon and its effect.»

[10]
«My work establishes a dialogue with real people, the people on the street, and not with what I choose to call the “Intensive Care Unit” system. Avant-guard artists can’t live without a very famous curator, lots of marble, glamour and the media ….but they have a short life-span. In my opinion, this kind of artist is what I call a “patient”, and one that ends up dying, precisely because no one except the establishment recognizes this as art. But what I do is completely different in nature.
(...)  those works of art that cannot exist by themselves, they are not universal works of art.  But the artist is not to blame for the system. So many artists succumb to the establishment, and all that this entails. “Intensive Care Unit” Art is the epiphet I give to this kind of network that ends up betraying artists. And most artists don’t have the opportunity to extricate themselves from this tendency because the whole system is propped up globally. For me there is no other option than to exhibit in public squares. At least this is what I do, and I can assure you that I am very happy with the decision that I have made.»

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