Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, en esta ocasión a la artista uruguaya Marcela Ambrois. Su obra presenta dos vertientes claramente diferenciadas; por un lado el paisaje, con lienzos atmosféricos en tonos tenues y evocadores, y por otro la geometría de sus composiciones utilizando el collage, el papel y una variedad de técnicas mixtas.
Texto en inglés al final del post.
New interview by Shirley Rebuffo, this time with Uruguayan artist Marcela Ambrois. Her work presents two clearly differentiated aspects; on the one hand the landscape, with atmospheric canvases in tenuous and evocative tones, and on the other hand the geometry of her compositions using collage, paper and a variety of mixed techniques.
Text in English at the end of the post.
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Marcela Ambrois
(Montevideo, Uruguay, 1988-)
Marcela Ambrois nace en Montevideo, Uruguay, el 27 de julio de 1988. Es una artista espontánea al hablar, y sumamente expresiva, lo que luego se deja ver en su obra. Dado el entorno familiar (madre y abuela artistas), el arte siempre estuvo presente. Las vivencias del paisaje, sea campo o playa, y los animales, no le son ajenos, ya que hasta sus 12 años vive en una zona rural, muy cerca de la ciudad de Mercedes, Soriano, Uruguay. En su adolescencia se traslada para realizar sus estudios secundarios y la carrera universitaria (Psicología) a Montevideo, trabajando en paralelo con carbonilla y óleo en el taller del artista Walter Nadal. Realiza el Nivel para Avanzados del International Baccalaureate en el Colegio para la asignatura de arte, haciendo el examen internacional, y en el Taller Casablanca, estudiando con Ignacio Iturria, Diego Píriz y Martín Rodríguez.
Como la presencia del campo es muy fuerte, realiza retiros artísticos en Colonia, Uruguay. Asimismo participa del grupo formado por el mismo Iturria, en la colonia para artistas dedicados en Miami, EEUU.
"Horizonte / Horizon", acrílico y témpera sobre tela / acrylic and tempera on canvas, 114 x 160 cm., 2017
"Ensamblaje / Assemblage", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 80 x 120 cm., 2019
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cuándo dijiste "esta es mi vocación, lo que me gusta es esto"?
Marcela Ambrois: Es largo, tiene que ver con el pasaje de los años. Un camino que fui tomando sin darme tanta cuenta, y a la vez la decisión de elegirlo como parte de mi vida. Es un lenguaje en el que siento que "es por ahí", que mi vida está conformada por el crear, el pensar en forma de arte, pintura, y los diversos lenguajes que lo componen. Desde chica me gustaba estar entre tantos elementos que están asociados al crear (lápices, plantas, ramas, hojas, papeles, barro, bichos, etc.), los cuales me permitían inventar algo y jugar. Con el tiempo me di cuenta que es la mejor forma que he encontrado para expresar lo que siento, o viceversa; sentir junto con la creación, lo que se manifiesta y esto me dice de mí y del mundo. El arte es eterno, es completo, a diario se aprende, y todos los días, aunque no esté trabajando en una obra específica, tengo mi foco en eso. No hay nada más certero para mí que esa forma de estar en el mundo. Me permite disfrutar de la soledad o el concentrarme en mí misma.
"Atmósfera de río / River Atmosphere", óleo sobre tela / oil on canvas, 115 x 150 cm., 2019
"Composición con formas / Composition With Shapes", papel / paper, 44 x 33 cm., 2020
SR: ¿Dónde has estudiado? Nombrame algunos de tus maestros y cuéntame qué crees que te han aportado.
MA: Mi primer maestro como guía completo en el arte fue Ignacio Iturria. Siguen siempre resonando en mi sus palabras y gestos. Tuve varios profesores o maestros, pero quien me llevó por el camino, a adentrarme en serio como vocación y como forma de vida, fue Ignacio.
Aunque fue significativo lo formal y aprender técnicas, donde hubo varios profesores. El primero, a mis 14 años, fue Walter Nadal en el dibujo, la carbonilla, proporciones, seguido por Diego Píriz con el manejo del óleo y sus grandes teóricos. En el Colegio (The British Schools) tuve a Nadine Mizrahi, que era muy estricta y sensible a la vez. Cada uno aportó algo que me llevo. Tuve un guía, Eduardo Cardozo. También más adelante, en el Museo Torres-García, con el profesor y artista Federico Méndez y sus alumnos, que allí estaban, aprendí mucho: la pintura al fresco, pintar rodeada con los aires de Torres-García, geometrizar y componer. Todo eso te brinda estructura y libertad a la vez, y más aprender y, fundamentalmente, trabajar en colectivo. Al ser uruguaya, no podría obviar la influencia del gran Maestro Torres-García. Otro aprendizaje fue junto al artista Rimer Cardillo con quien manipulé papel hecho a mano con plantas, pasto u hojas de árboles encontradas, experiencia táctil-visual y a la vez ecológica.
Y, por último, ahora, exponer junto a Marcelo Larrosa, que es un gran profesor, persona y artista con tanto conocimiento y vocación que te transmite incesantemente. Allí conocí un grupo de personas increíbles con quienes expusimos en la Fundación Pablo Atchugarry (un gran maestro y persona maravillosa, de una generosidad extraordinaria). Estela Brítez, una gran artista, y el maestro Juan De Andrés. De todos modos, el aprender en mí seguirá por siempre. Me faltaron nombrar dos figuras escenciales, mi abuela materna "Chiqui", pintora, y mi madre Cecilia Pollio, artista también.
Considero, además, que los maestros fundamentales son los libros de arte y museos que he recorrido en distintas partes del mundo, donde se puede apreciar a los grandes Maestros del Arte como Monet, Cézanne, Klee, Miguel Ángel, y tantos.
Mi formación como Psicóloga y alineación en Gestalt me ha dado un conocimiento sobre mí misma y la complejidad del ser humano, todo tiene que ver.
"Formas I / Shapes I", papel / paper, 30 x 40 cm., 2020
"Álamos de otoño / Autumn Poplars", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2018
SR: ¿Cómo definirías el trabajo que haces?
MA: En el encare de una obra tomo como clave la intuición, el mundo interno que adquiere una forma, una estructura, y de ahí todo el bagaje que uno tiene, tanto en lo que absorbí como lo que vivo y lo que me rodea, mezclando presente, pasado, la historia, las vivencias, el colectivo, lo fascinante de imaginarse viviendo en otra época, la soledad. Son cosas que tal vez no se ven fiscamente cuando ves una de mis obras, pero está todo ahí, en mi mundo.
La cultura griega me fascina y me interesa mucho, el paisaje y los enigmas de la naturaleza me atrapan. El misterio de las cosas creo que define bastante mi hacer y la soledad. Además también soy algo austera, o de tendencia minimalista. Pienso que la clave es tratar de mostrar lo esencial y lo espiritual, dándole valor a lo estético, que no es solamente lo racional o lo que tiene que ver con lo puramente contemporáneo o lo conceptual. Me gusta el concepto y creo que da mucho valor a una obra, pero soy más romántica o amante de los misterios y el no tenerle miedo a que una obra muestre un lado puramente estético, con un tanto del drama que la vida nos regala, obviamente todo con espíritu y ánimo, si no, no emerge, y hay que luchar por ello.
Es difícil definir la estética ya que, por lo general, se confunde, es llevada por un lugar superfluo. Pero creo que la estética en el arte tiene que ser espiritual per se, algo así como lo definiría Kandinsky, y tener alma.
"Invisibilidad / Invisibility", papel / paper, 40 x 30 cm., 2019
"Arboles que bailan / Dancing Trees"
Acrílico y tinta sobre tela / acrylic and ink on canvas, 117 x 146 cm., 2018
SR: ¿Cuál es el momento más interesante desde el instante en que te planteas una obra?
MA: Lo más interesante es el momento del "darse cuenta", es decir, que va por ahí lo que quiero manifestar, que es eso, o que algo "encontré" y se me presenta de forma ininterrumpida. Puedo fluir con esa sensación. Aunque en el mismo instante puedo poner en práctica mi acumulación de conocimientos, técnicas, formas, que en realidad hay un estilo que naturalmente me sale o me fluye. Pero nada es más importante que enfrentarse a una tela o papel (en general esos son mis elementos) y poder seguir con la noción que tengo de lo que quiero expresar.
"Quietud / Stillness", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 110 x 120 cm., 2016
"Formas III / Shapes III", papel / paper, 30 x 40 cm., 2020
SR: Si te digo agua, mar, playa, ¿te lleva a recordar algún lugar que puedas plasmar en un cuadro?
MA: Si, bueno, sobre la playa y el mar, hay un lugar en especial al que vamos siempre con mis tíos y primas, y son los veranos por Rocha, muy alejado de todo, cerca del Cabo Polonio. Un lugar que me genera muchísima inspiración además de disfrutar estar ahí con el ruido del mar, el viento, la arena, encontrar objetos por la playa, los bosques naturales, casi nadie o muy pocas personas... pasa que disfruto del silencio y me ayuda a contactarme mucho con mis emociones y estados más profundos.
SR: ¿Qué es para ti la belleza y dónde crees que reside?
MA: La belleza para mi es el alma de las cosas. Reside en casi todo lo que tenga esa alma, esa atmósfera, lo que es puro. Inevitablemente lo veo sobre todo en la naturaleza, aunque el mundo tiene infinidad de belleza. Los animales, los objetos, las frutas, los seres humanos, entre esos grupos, seleccionando algunos de ellos, tienen la capacidad de transmitir esa belleza. Hay un mirar de forma amorosa que nos hace apreciarlo más intensamente.
"Paisaje despojado / Stripped Landscape"
Óleo y técnica mixta sobre tela / oil and mixed media on canvas, 142 x 150 cm., 2020
"Composición con formas en relieve / Composition With Relief Shapes"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 2019
SR: Has incursionado ahora en una nueva forma de trabajar que se relaciona un poco más con la línea, la simetría. ¿Cómo surgió trabajar así? ¿Te sientes cómoda con esa posibilidad de geometrizar?
MA: Sí, me siento muy cómoda porque me ayuda a dar estructura. Hace tiempo incorporo el papel en algunas de mis obras, y para trabajar el papel y componer, hacerle cortes, ponerlos de tal o cual forma; para todo eso ayuda el estudiar la proporción áurea y geometrizar.
Antes no era tan consciente de ello, pero sin duda la intuición va por ahí, ya se sabe cómo es la armonía, no te engaña. La línea surge de muchísimas formas o está en todos lados: en la naturaleza, por ejemplo al descomponer un paisaje, aparece inevitablemente la línea; en un árbol, en el horizonte, en las plantas, flores, ramas, las rocas y en la arquitectura que vemos. La geometría está en todo lo que nos rodea. Yo soy más bien de línea sinuosa o descontracturada. Podría decirse: mancha y línea, forma y deformar, algo así. Me ayuda a entender nuestro mundo y es fascinante.
"Tarde de campo / Afternoon in the Field", óleo sobre arpillera / oil on burlap
"Médanos", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 90 cm., 2020
SR: Los colores que usas son muy neutros, suaves, como sacados de un ensueño. ¿Existe alguna búsqueda emocional o simbólica en la elección de tu paleta cromática? ¿Qué técnica utilizas para lograr esa pátina tan melancólica que recubre tus obras?
MA: Realmente desde un principio no fui tan consciente que tendía a entonar dejándome llevar hacia la colorimetría alta. Luego fui dándome cuenta de la preferencia por esos tonos. Podría decirse pintura en luz. Como muchas veces admiro tanto el paisaje, encuentro esos tonos en el paisaje del día y la luz, y lo atmosférico que me gusta representar. Nada que disfrute más que pintar al aire libre (“au plein air”) y dejarme invadir por la luz, la que a veces me encandila, y me gusta. Es una tendencia propia, y a veces intento generar contraste sin dudas, pero el tema del ensueño entona bien con el misterio que me hace sentir fascinada. Y en ese misterio, o en los mundos inconscientes veo también algo de drama (si no lo siento con fuerza), o como una vez me dijo un amigo: son paisajes en los que hay una "calma inquietante". Emocional o simbólicamente tal vez lo asocio con ese misterio en un cosmos tan cambiante. Lo que no cambia tal vez es la esencia de las cosas.
En realidad mezclo muchísimos colores, aunque no parezca en un primer golpe de vista. Tal vez sí con predominancia de amarillos, azules y blancos, también negros. Se forman verdes, a veces en la combinación de pinceladas y otros verdes que elijo. Sería difícil describir una técnica porque utilizo muchas y varios elementos: pinceles diversos, espátulas, brocha gorda. Y en su forma tal vez la mancha, aguadas y otros más empastados.
"Ensamblaje II / Assemblage II", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 100 x 85 cm., 2019
SR: ¿Qué te atrae de lo onírico?
MA: Lo onírico es la magia de la imaginación, del dejar fluir, de lo que surge espontáneamente. Casi como flotar, como alucinar algo sin que intervenga la razón. ¡Es maravilloso! Luego viene la razón que muchas veces complementa y da sentido, pero cuando se vuelve excesiva es cuando la realidad se complica. Pero también es bueno combinar ambas, se da inevitablemente si logramos escuchar todo o entrar en estado de ensoñación, o parecido a una meditación. También es humana la búsqueda, el dar sentido a lo que hacemos. Creo que soñar o el estado onírico es un misterio fantástico.
"Atmósfera / Atmosphere", acrílico y tinta sobre tela / acrylic and ink on canvas, 120 x 180 cm., 2018
SR: ¿Qué intentan exteriorizar tus obras?
MA: Exteriorizan sin duda mi mundo interno, o lo que yo interpreto del mundo en el que estamos, aunque termina siendo personal y a la vez hay algo del colectivo, del entorno en el que estamos viviendo y en el que me crié. La realidad como la veo: sensaciones, sentimientos, y luego pintar por el hecho de pintar, es decir, la pintura como pretexto que es lo sublime. Exteriorizan también el alma de la naturaleza, a la cual tanto respeto, porque debe ser la manifestación mas grande de algún Dios.
SR: ¿Cuánto hay de pensado y cuánto de espontáneo en tus obras?
MA: Es una ardua combinación de ambas. Ardua porque lo complejo es unir ambas. Generalmente me gusta trabajar puramente desde la intuición, me sale naturalmente, pero desde que una tiene cierta formación y consciencia es inevitable que ésta se entrecruce y conforme la obra. A la obra le da forma la línea, la composición, aunque, por lo general, esto se da de forma muy espontánea y natural, casi de manera explosiva y después despacio, como una sonata, un ir y venir.
SR: ¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?
MA: Utilizo todos los que conozco, pero adecuados a lo que esté haciendo. Elijo aquellos con los que me siento más cómoda, y a la vez me desafío en nuevos caminos y aprendizajes.
"Árboles / Trees", lápiz y tinta sobre papel / pencil and ink on paper, 20 x 25 cm.,
"Pradera / Meadow", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 180 cm., 2016
SR: ¿Qué te interesa que generen tus obras en el espectador?
MA: Me interesa que generen conciencia de alguna forma (definición en términos generales: conocimiento que el ser humano tiene de su propia existencia, de sus estados y de sus actos) sobre nosotros y lo que nos rodea (animales, personas, pobreza, riqueza, sociedad, valores morales, ética, entre muchos otros) y el valor de lo esencial. A la vez que funcione estéticamente (entendido desde lo sensorial) y la armonía. La idea es que cada uno pueda ver lo que le resuene en su interior y pueda apreciarlo.
SR: ¿Vas a estudiar a Río de Janeiro? ¿Seguirás trabajando?
MA: Estaré trabajando allá. Veré cómo funciona. Pero pienso que al ser un entorno de tanta vegetación sé que me funcionará y me inspiraré bastante. También hay espacios y galerías de arte muy interesantes. ¡Por ahora no puedo decir mucho más! Pasada la experiencia podré contarte.
¡Te agradezco por tan linda entrevista!
"Incisiones en ritmo / Incisions in Rhythm", papel / paper, 15 x 11,5 cm., 2020
"Algo como agua / Something Like Water", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 130 cm., 2017
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias por la entrevista, Marcela!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot for the interview, Marcela!)
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / Text in English
Marcela Ambrois was born in Montevideo, Uruguay, on July 27, 1988. She is a spontaneous artist when speaking, and extremely expressive, which is later shown in her work. Given the family environment (mother and grandmother artists), art was always present. The experiences of the landscape, whether it is the countryside or the beach, and the animals are not strange to her, since until she was 12 she lived in a rural area, very close to the city of Mercedes, Soriano, Uruguay. In her adolescence she moved to Montevideo to pursue her secondary studies and her university career (Psychology), working in parallel with charcoal and oil in the workshop of the artist Walter Nadal. He took the Advanced Level of the International Baccalaureate at the College for the subject of Art, taking the international exam, and at the Casablanca Workshop, studying with Ignacio Iturria, Diego Píriz and Martín Rodríguez.
As the presence of the countryside is very strong, she takes artistic retreats in Colonia, Uruguay. She also participates in the group formed by Iturria himself, in the colony for artists in Miami, USA.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: When did you think "this is my vocation, what I like is this"?
Marcela Ambrois: It's long, it has to do with the passage of time. A path that I took without realizing so much, and at the same time the decision to choose it as part of my life. It is a language in which I feel that "it is that way", that my life is made up of creating, thinking in the form of art, painting, and the diverse languages that compose it. Since I was a child I liked to be among so many elements that are associated with creating (pencils, plants, branches, leaves, paper, clay, bugs, etc.), which allowed me to invent something and play. As time went by I realized that this is the best way I have found to express what I feel, or vice versa; to feel along with the creation, what is manifested and this tells me about me and the world. Art is eternal, it is complete, you learn it every day, and every day, even if I am not working on a specific piece, I have my focus on it. There is nothing more certain for me than that way of being in the world. It allows me to enjoy solitude or to concentrate on myself.
SR: Where did you study? Name some of your teachers and tell me what you think they brought to you.
MA: My first teacher as a complete guide in art was Ignacio Iturria. His words and gestures still resonate with me. I had several teachers, but the one who led me along the way, to enter seriously as a vocation and as a way of life, was Ignacio.
Although it was significant the formal and learn techniques, where there were several teachers. The first one at my age of 14 was Walter Nadal in drawing, charcoal, proportions, followed by Diego Píriz with the handling of oil and the great theorists of this technique. In the School (The British Schools) I had Nadine Mizrahi, who was very strict and sensitive at the same time. Each one brought something that I took with me. I had a guide, Eduardo Cardozo. Also later, at the Torres-García Museum, with the teacher and artist Federico Méndez and his students, who were there, I learned a lot: fresco painting, painting surrounded by the airs of Torres-García, geometrizing and composing. All this gives you structure and freedom at the same time, and more learning and, fundamentally, working as a collective. Being Uruguayan, I could not ignore the influence of the great Master Torres-García. Another learning experience was with the artist Rimer Cardillo, with whom I manipulated handmade paper with plants, grass or leaves from found trees, a tactile-visual experience and at the same time an ecological one.
And finally, now, I exhibit with Marcelo Larrosa, who is a great teacher, person and artist with so much knowledge and vocation that he transmits to you incessantly. There I met a group of incredible people with whom we exhibited at the Pablo Atchugarry Foundation (a great teacher and wonderful person, of extraordinary generosity). Estela Brítez, a great artist, and the master Juan De Andrés. Anyway, the learning in me will go on forever. I had to name two essential figures, my maternal grandmother "Chiqui", a painter, and my mother Cecilia Pollio, an artist as well.
I consider, in addition, that the fundamental teachers are the books of art and museums that I have traveled in different parts of the world, where the work of the great Masters of the Art like Monet, Cézanne, Klee, Miguel Angel, and so many, can be appreciated.
My training as a Psychologist and Gestalt alignment has given me a knowledge about myself and the complexity of the human being, everything has to do with it.
SR: How would you define the work you do?
MA: When I face a work I take intuition as the key, the internal world that takes on a form, a structure, and from there all the baggage one has, both in what I absorbed as what I live and the world in which I am immersed, mixing present, past, history, experiences, the collective, the fascinating of imagining living in another time, loneliness. These are things that perhaps you don't see physically when you see one of my works, but it's all there, in my world.
Greek culture fascinates and interests me a lot, the landscape and the enigmas of nature capture me. The mystery of things I think defines my work and loneliness quite a bit. Then I'm also a bit austere or minimalist. I think that the key is to try to show the essential and the spiritual, giving value to the aesthetic, which is not only the rational or what has to do with the purely contemporary or the conceptual. I like the concept and I think it gives a lot of value to a work, but I am more romantic or lover of the mysteries and not being afraid that a work shows a purely aesthetic side, with some of the drama that life gives us, obviously all with spirit and courage, if not, it does not emerge, and we must fight for it.
It is difficult to define aesthetics because the world confuses it, it takes it to a superfluous place. But I think that aesthetics in art has to be spiritual per se, something like Kandinsky could define it, and have a soul.
SR: What is the most interesting moment since you are considering a work?
MA: The most interesting is the moment of "realizing", that is, that what I want to manifest is going around, that it is that, or that I "found" something and is presented to me in an uninterrupted way. I can flow with that feeling. Although in the same instant I can put into practice my accumulation of knowledge, techniques, forms, that in reality there is a style that naturally comes out or flows to me. But nothing is more important than facing a canvas or paper (in general those are my elements) and being able to continue with the notion that I have what I want to express.
SR: If I tell you water, sea, beach, does that remind you of any place you can paint?
MA: Yes, well, on the beach and the sea, there is a place in particular where we always go with my uncles and cousins, and it's the summers in Rocha, very far from everything, near the Polonio Cape. A place that generates a lot of inspiration in addition to enjoying being there with the noise of the sea, the wind, the sand, finding objects on the beach, the woods, almost nobody or very few people... it happens that I enjoy silence and it helps me to contact a lot with my emotions and deeper states.
SR: What is beauty to you and where do you think it resides?
MA: Beauty for me is the soul of things. It resides in almost everything that has that soul, that atmosphere, that is pure. Inevitably I see it mostly in nature, although the world has infinite beauty. The animals, the objects, the fruits, the human beings, among those groups, selecting some of them, have the capacity of to transmit that beauty. There is a loving look that makes us appreciate it more intensely.
SR: You have now made a foray into a new way of working that relates a little more to line, symmetry. How did working like this come about? Are you comfortable with that possibility of geometrizing?
MA: Yes, I feel very comfortable because it helps me give structure. Some time ago I incorporated paper in some of my works, and to work on the paper and compose it, cut it out, put it in this or that shape; for all that it helps to study the golden ratio and to geometrize.
I wasn't so aware of it before, but without a doubt intuition goes that way, you know how harmony is, it doesn't fool you. The line emerges from many forms or is everywhere: in Nature, for instance, when a landscape is decomposed, the line inevitably appears; in a tree, on the horizon, in plants, flowers, branches, rocks, and in architecture that we see. Geometry is in everything around us. I rather like the sinuous or uncontracted line. You could say: stain and line, shape and deformity, something like that. It helps me understand our world and it is fascinating.
SR: The colors you use are very neutral, soft, as if taken from a dream. Is there any emotional or symbolic search in the choice of your chromatic palette? What technique do you use to achieve that melancholic patina that covers your works?
MA: Actually, from the beginning I wasn't so aware that I tended to work towards high colorimetry. Then I became aware of the preference for those tones. You could say painting in light. Since I often admire the landscape so much, I find those tones in the landscape of the day and the light, and the atmospheric that I like to represent. Nothing I enjoy more than painting outdoors ("au plein air") and letting myself be invaded by the light, which sometimes dazzles me, and I like it. It's a tendency of my own, and sometimes I try to generate contrast without a doubt, but the theme of the dreaming fits in well with the mystery that makes me feel fascinated. And in that mystery, or in the unconscious worlds, I also see some drama (if I don't feel it strongly), or as a friend once told me: they are landscapes in which there is a "disturbing calm". Emotionally or symbolically, perhaps I associate it with that mystery in such a changing world. What does not change is perhaps the essence of things.
In fact I mix a lot of colors, even though it may not seem at first glance. Perhaps I do so with a predominance of yellows, blues and whites, and also blacks. Greens are formed, sometimes in the combination of brushstrokes and other greens that I choose. It would be difficult to describe a technique because I use many and various elements: different brushes, palette knives, large brush. And in its form perhaps the stain, gouaches and others more filled.
SR: What attracts you to the oneiric?
MA: The oneiric is the magic of imagination, of letting it flow, of what emerges spontaneously. Almost like floating, like hallucinating something without the intervention of reason. It's wonderful! Then comes the reason that many times complements and gives sense, but when it becomes excessive is when reality becomes complicated. But it is also good to combine both, it happens inevitably if we manage to listen to everything or enter into a state of dreaming, or similar to a meditation. It is also human to search, to give meaning to what we do. I think that dreaming or the dream state is a fantastic mystery.
SR: What are your works trying to show?
MA: They exteriorize without a doubt my internal world, or what I interpret from the world we are in, although it ends up being personal and at the same time there is something of the collective, of the environment in which we are living and in which I grew up. Reality as I see it: sensations, feelings, and then painting for the sake of painting, that is, painting as a pretext that is the sublime. Also they externalize the soul of Nature, which I respect so much, because it must be the greatest manifestation of some God.
SR: How much thought and how much spontaneity is there in your work?
MA: It's an arduous combination of both. It's hard because the complex thing is to bring the two together. Generally I like to work purely from intuition, it comes naturally to me, but since one has a certain formation and consciousness, it is inevitable that this formation is intertwined and in accordance with the work. The work is shaped by the line, the composition, although, in general, this happens very spontaneously and naturally, almost explosively and then slowly, like a sonata, a coming and going.
SR: What tools, materials and themes do you work with the most? Why do you choose the materials you use to work?
MA: I use all the ones I know, but they are appropriate for what I am doing. I choose those with which I feel most comfortable, and at the same time I challenge myself in new ways and learning.
SR: What do you want your works to generate in the viewer?
MA: I am interested in them generating awareness in some way (definition in general terms: knowledge that the human being has of his own existence, of his states and of his actions) about us and what surrounds us (animals, people, poverty, wealth, society, moral values, ethics, among many others) and the value of the essential. At the same time that works aesthetically (understood from the sensory) and in harmony. The idea is that everyone can see what resonates within them and can appreciate it.
SR: Are you going to study in Rio de Janeiro? Will you continue working?
MA: I will be working there. I will see how it works. But I think that since it is such a vegetated environment, I know that it will work for me and I will be quite inspired. There are also some very interesting spaces and art galleries, but I can't say much more about that right now! After the experience I will be able to tell you.
I thank you for such a nice interview!
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