viernes, 26 de abril de 2019

Rinocerontes / Rhinos (XCVII)

Artavazd Talalyan
Արտավազդ Թալալյան
(Ereván / Yerevan, Armenia, 1965-)


Artavazd Talalyan es un artista armenio nacido en 1965 en Ereván.
De 1980 a 1984 estudió en la universidad estatal de Bellas Artes de Ereván "P. Terlemezyan", y luego, de 1987 a 1993, en la Academia Teatral de Bellas Artes del Estado de Ereván. Desde 1999 es miembro de la Unión de Artistas de Armenia.
Exposiciones: En 1991, “Graphics 91”, Armenia, en 1992, exposición en la Embajada de Armenia en Moscú, en 1993, exposición colectiva en el Centro de Arte y Cultura de Abu-Dabi en los Emiratos Árabes Unidos, en 1994, exposición personal en la Embajada de los Estados Unidos en Armenia, en 1998 exposición de armenios modernos en Australia, en 1998 exposición en San Paulo en Brasil, en 2002 exposición dedicada al 70 aniversario de la Unión de Artistas Armenios, en 2003 exposición de la República "Gráfica" y en 2004 Exposición “Gráfico-Escultura”  en la Unión de Artistas Armenios, Armenia, y en 2007 exposición en San Petersburgo, Rusia.




Artavazd Talalyan is an Armenian artist born in Yerevan in 1965.
From 1980 to 1984 studied in Yerevan State Fine Arts college after P. Terlemezyan, then from 1987 to 1993 studied in Yerevan State Theatrical academy of Fine Arts. Since 1999 is member of Armenian Artists’ Union.
Exhibitions: In 1991 “Graphics 91” republic exhibition, Armenia, in 1992 exhibition in Armenian Embassy in Moscow, in 1993 group exhibition in Culture and Art Center of Abu-Dabi in United Arabic Emirates, in 1994 personal exhibition at the American Embassy in Armenia, in 1998 exhibition of modern Armenians in Australia, in 1998 exhibition in San- Paulo in Brazil, in 2002 exhibition devoted to the 70 anniversary of the Armenian Artists Union, in 2003 “Graphic” republic exhibition in Armenian Artists Union, Armenia, in 2004 “Graphic-Sculpture” exhibition in Armenian Artists Union, Armenia, in 2007 exhibition in Saint-Petersburg, Russia.


Más sobre / More about Artavazd Talalyan: Instagram, facebook
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Michael Lobyrev
Михаил Лобырев
(Novosibirsk; Rusia / Russia, 1967-)

Michael Lobyrev es un artista ruso que se graduó de la Escuela de Arte de Novosibirsk en 1991. Ha trabajado en ilustración de libros, y sus obras se encuentran en colecciones privadas en los Estados Unidos, Alemania, Suecia, Dinamarca, Francia, Italia, España y Rusia. 
En sus increíbles obras logra combinar el arte flamenco de los siglos XV y XVI, el estilo de los grandes pintores alemanes Durero y Holbein, Bosch y el surrealismo pop de los tiempos modernos.
Miembro de la Unión de Artistas de Rusia desde 1995. 


Michael Lobyrev is a Russian artist who graduated from the Novosibirsk School of Art in 1991. He has worked in book illustration, and his works are in private collections in the United States, Germany, Sweden, Denmark, France, Italy, Spain and Russia.
In his incredible works he manages to combine flamenco art from the 15th and 16th centuries, the style of the great German painters Dürer and Holbein, Bosch and the pop surrealism of modern times.
Member of the Union of Artists of Russia since 1995.
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Daniel Schlier
(Dannemarie, Francia / France, 1960-)

"Nashorn messen (lächelnd) / Medición del rinoceronte (sonriente) / Rhino Measure (Smiling)"
Óleo, acrílico y pan de oro sobre madera
oil, acrylic, and gold leaf on wood, 50 x 90 cm., 2012. Galerie Born

Daniel Schlier es un artista francés afincado en Estrasburgo nacido en Dannemarie en 1960, que retuerce las reglas de la pintura para producir sus maníacas y mutiladas composiciones.
Sus pinturas y collages, el peculiar homenaje de Schlier a las artes abstractas, presentan personajes grotescos y heroicos contrastados por fondos dimensionales y objetos imposibles. La singular y mágica impresión petrificada que se obtiene de su obra es el resultado de la combinación perfecta de materiales, técnicas y colores dispares de Schlier.
La composición de las pinturas es áspera: un personaje central y un objeto, sobre un fondo liso. La fuente iconográfica de sus obras podría estar en las pinturas y grabados de los maestros renanos de la Edad Media, como Holbein, Grünewald, Baldung Grien, que asociaban tanto lo sensual como lo macabro.
Sus obras se han exhibido en varios museos y galerías.

"Nashorn messen (Ritter) / Medición del rinoceronte (caballero) / Rhino Measure (Knight)"
Óleo, acrílico y pan de oro sobre madera
acrylic, and gold leaf on wood, 155 x 122 cm., 2008. Artsy

"Nashorn messen / Medición del rinoceronte / Rhino Measure"
Óleo, acrílico, granito Marinace / oil, acrylic, Marinace granite, 30 x 40 cm., 2015. Galerie Born

"Nashorn messen (mit rotem Kopf) III / Medición del rinoceronte (con cabeza roja) III /
Rhino Measure (with Red Head) III", óleo, acrílico y pan de oro sobre madera /
acrylic, and gold leaf on wood, 52 x 60 cm., 2012. Galerie Born

Daniel Schlier is a French Strasbourg-based artist born in Dannemarie in 1960, who bends the rules of painting to produce his mangled, manic compositions.
His paintings and collages - Schlier's peculiar tribute to the abstract arts - feature grotesque, heroic characters contrasted by dimensional backgrounds and impossible objects. The uniquely magic, petrifying impression taken from his work is a result of Schlier's seamless blending of painting materials, techniques, and disparate colors.
The composition of paintings is rough: a central character and an object, on a plain background. The iconographic source of his works could well be in the paintings and engravings of the Rhenish masters of the middle ages, such as Holbein, Grünewald, Baldung Grien, which so intensely associated the sensual and the macabre.
His works have been shown in several museums and galleries.

"Nashorn messen / Medición del rinoceronte / Rhino Measure"
Crayones de colores sobre papel / color crayon on paper, 30 x 42 cm., 2012. Galerie Bernard Jordan

"Nashorn messen (negativ) II / Medición del rinoceronte (negativo) II / Rhino Measure (Negative) II"
Óleo, acrílico y pan de oro sobre madera
acrylic, and gold leaf on wood, 50 x 90 cm., 2011. Galerie Born

Más sobre / More about Daniel Schiller: Collectionair, Galerie Bernard
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Jennifer Gennari
(Long Island, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1983-)

Jennifer Gennari es una artista figurativa de formación clásica. Se graduó en 2005 de la Escuela de Arte y Diseño de Ringling y en 2008 se fue a Italia para estudiar en la Academia de Arte de Florencia, donde pasó tres años estudiando realismo clásico con Daniel Graves.
regresó a Nueva York en 2011 y comenzó a trabajar como asistente de pintura de Jeff Koons. Finalmente, se fue para continuar con la enseñanza en el Museo y la Escuela de la Academia Nacional, la Academia de Bellas Artes de Long Island, y da clases privadas en su estudio en el Upper East Side de Manhattan.
Jennifer ha escrito un libro sobre el dibujo de la figura humana y también ha organizado una clase online a través de Craftsy que instruye a los principiantes en las técnicas utilizadas en la creación de retratos tradicionales.
La obra de Jennifer se ha mostrado a nivel internacional y ha recibido múltiples premios y distinciones.

"Rinoceronte blanco / White Rhino". Instagram
El rinoceronte blanco y su pajarito amigo. Parece que están a punto de emprender una gran aventura /
White rhino and his little bird friend. They look like they're about to set out on quite the adventure

Jennifer Gennari is a classically trained figurative artist. She graduated in 2005 from Ringling College of Art and Deign and in 2008 left for Italy to study at the Florence Academy of Art where she spent three years abroad studying classical realism under Daniel Graves.
Jennifer returned to New York in 2011 and started working as a painting assistant to Jeff Koons. She eventually left to pursue teaching at the National Academy Museum and School, the Long Island Academy of Fine Art, and instructs students privately from her studio in Manhattans Upper East Side.
Jennifer has written a book on drawing the human figure, and has also hosted an online class through Craftsy that instructs beginners on the techniques used in creating traditional portraits.
Jennifer’s work has been shown internationally and has received multiple awards and honors.

Más sobre / More about Jennifer Gennari: Website, Instagram
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Heather Lenefsky
(EE.UU./ USA)

Heather Lenefsky es una artista estadounidense.
Su pincelada enérgica descubre un nivel de emoción apenas contenida... a punto de convertirse en un desastre. Le encanta trabajar 'alla prima', una forma de dibujar en óleo donde la artista trabaja 'sobre lo húmedo', preferiblemente del natural. Fue su descubrimiento de Terry Miura alrededor de 2009, junto con un estudio de artistas que trabajaban alla prima, que la sedujo a pasar de una exitosa carrera dental a una apasionada carrera en el arte.
Su deseo de pintar y su amor por los animales dieron lugar a encargos más populares: los retratos de mascotas. Su apetito por el crecimiento artístico la llevó a estudiar de forma intensiva en el Watts Atelier of the Arts y luego seguir con Ilustración de Entretenimiento en Los Ángeles.

"Estudio de un rinoceronte / Rhino Study", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 9" x 12". Pinterest

Heather Lenefsky is an American artist.
Her energetic brushwork betrays a level of excitement barely contained… on the brink of becoming a hot mess. She loves to work 'alla prima,' a way of sketching in oil where the artist works 'wet into wet,' preferably from life.  It was her discovery of Terry Miura around 2009, along with a studio of alla prima artists that seduced her from a successful dental career into a passionate career in art.  
Her desire to paint and her love of animals evolved into her most popular commission request; the pet portrait.  Her appetite for artistic growth lead her to intensive study at Watts Atelier of the Arts and then on to pursue Entertainment Illustration in Los Angeles.

Más sobre / More about Heather Lenefsky: Website, Blog, Instagram
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James Guppy
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1954-)
en / at Australia

"El rinoceronte y la taza de té / The Rhinoceros And The Tea Cup"

James Guppy es un pintor y fotógrafo británico residente en Australia, cuyas obras he publicado más de una vez. De tanto en tanto, aparece algún nuevo rinoceronte entre sus creaciones....

"El rinoceronte y la taza de té / The Rhinoceros And The Tea Cup" (detalle / detail)

James Guppy is a British painter and photographer living in Australia, whose works I have published more than once. From time to time, a new rhinoceros appears among his creations ....

James Guppy en "El Hurgador" / in this blog: [James Guppy (Pintura)], [Rinocerontes (XL)], [Rinocerontes (LX)]
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Casey H. Perez
(EE.UU./ USA)
en / at Sacramento, California

"Rinoceronte indio / Indian Rhino", acuarela / watercolor, 10" x 14"

Casey H. Pérez es un artista estadounidense que actualmente reside en Sacramento, California, en su casa estudio.
Ha sido creativo toda su vida, siempre esforzándose por producir obras de arte que puedan capturar la personalidad y/o transmitir emociones.
Graduado de la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, California, con una Licenciatura en Ilustración Tradicional en 2011, se ha centrado en crear obras de arte de lo que sea que lo inspire. Los temas pueden abarcar desde animales domésticos y vida silvestre, hasta paisajes, figuras o la combinación de todos ellos.

"Rinoceronte blanco africano / African White Rhino"
Acuarela / watercolor, 10" x 12". Etsy

"Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros", acuarela / watercolor, 7" x 10"
"El gran rinoceronte indio de un solo cuerno"

Casey H. Pérez is an American artist currently living and workin in Sacramento, California in his home studio.
He has been creative his whole life - always striving to produce artwork that can capture personality and/or convey emotions. 
Graduated from the Academy of Art University in San Francisco, CA with a BFA in Traditional Illustration in 2011, and have focused on creating artwork from whatever may inspire him. Subject matters can range from domestic animals and wildlife, to landscapes, figures, or the combination of all of those.

"Rinoceronte negro en las llanuras / Black rhino on the plains"
Acuarela / watercolor, 10" x 14". Etsy

Más sobre / More about Casey H. Perez: Website
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Cynthia Roudebush
(Annapolis, Maryland, EE.UU./ USA)

Cynthia Roudebush es una artista estadounidense que pinta animales, paisajes y flores utilizando acuarelas.

"Rinoceronte / Rhino", acuarela / watercolor. FineArtAmerica

Cynthia Roudebush is an American artist who paints animals, landscapes and flowers using watercolors.
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Dušan Krtolica
(Belgrado / Belgrade, Serbia, 2002-)


Dušan Krtolica es un joven artista serbio con habilidades prodigiosas. A los 15 años ya había presentado 6 exposiciones con sus dibujos, e ilustrado una enciclopedia de animales prehistóricos.
Cuando tenía tan solo dos años sus padres descubrieron sus increíbles facultades para el dibujo, y cuando cumplió los 4 lo inscribieron en una escuela de arte.
Dušan generalmente dibuja un par de horas al día. "No es difícil para mí. Lo disfruto." ¿Y qué es lo mejor?, que el chico dibuja de memoria. "Ya tengo una imagen del animal que quiero dibujar en mi cabeza, así que no tengo que mirar su foto mientras lo dibujo."
"De las enciclopedias aprendí mucho sobre el mundo de los animales. Me encanta compartir el conocimiento con mis amigos y con todos aquellos a los que les interesen estos temas".



Dušan Krtolica is a young Serbian artist with prodigious skills. At 15 he had already presented 6 exhibitions with his drawings, and illustrated an encyclopedia of prehistoric animals.
With only two years, his parents discovered his incredible abilities for drawing, and when he turned 4 he enrolled in an art school.
Dušan usually draws a couple of hours every day. “It isn’t difficult for me. I enjoy it.” The best part? The boy does it completely from memory. “I already have a picture of the animal that I want to draw in my head, so I don’t have to look at its [actual] picture when I’m drawing it.”
"From the encyclopedias I learned a lot about the world of animals, I love sharing knowledge with my friends and with all those who are interested in these topics."




Más sobre / More about Dušan Krtolica: Blog, facebook, Bored Panda
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Zoe Keller
(Woodstock, Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
en / at Portland, Oregon

Zoe Keller es una artista estadounidense nacida en Woodstock, Nueva York. Utiliza el grafito para crear narraciones visuales representadas meticulosamente a gran escala.
Ya disfrutamos de una amplia selección de su obra hace unos meses. Ahora les dejo este pequeño dibujo de un rinoceronte con su cría.

"Rino", 6" x 6", 2018

Zoe Keller is an American artist born in Woodstock, New York. She uses graphite to create large-scale, meticulously rendered visual narratives.
We already enjoyed a wide selection of her work a few months ago. Now here you have this little drawing of a rhinoceros with its young.

Zoe Keller en "El Hurgador" / in this blog: [Zoe Keller (Dibujo)], [Christina Mrozik (Dibujo, pintura)]
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Jean-Baptiste de Poret
(Besançon, Francia / France, 1983-)

"Dessin de rinoceros / Diseño de rinoceronte / Rhino Design"
Carboncillo sobre papel  / charcoal on paper, 29,7 x 42 cm.

Jean-Baptiste de Poret es un pintor francés independiente.
La pintura / el dibujo son su verdadera pasión. Se ha especializado en el mundo animal, haciéndolo vivir a través del lienzo y los pinceles, transcribiendo el carácter humano y las emociones de su naturaleza...

"Dessin de rinoceros / Diseño de rinoceronte / Rhino Design"
Carboncillo / charcoal, 29,7 x 42 cm.

"Rinoceronte / Rhino", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40 x 50 cm.

"Rinoceronte / Rhino", pintura rápida en acrílico / speed painting acrylique

Jean-Baptiste de Poret is an independent French painter.
Painting / drawing are his true passion. More and more present, he became more specialized in the animal world. Make live through the canvas and brushes, transcribe the human character and emotions of their nature...

"Rinoceronte / Rhino", pintura rápida en acrílico / speed painting acrylique

"Rinoceronte / Rhino", carboncillo / charcoal

"Rhinocéros au soleil / Rinoceronte al sol / Rhino in the Sun"
Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 29,7 x 42 cm. Link

"Dessin de rinoceros / Diseño de rinoceronte / Rhino Design"
Carboncillo / charcoal, 29,7 x 42 cm.

Más sobre / More about Jean-Baptiste de Poret: Behance
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Andy Warhol
Andrew Warhola
(Pittsburgh, Pensilvania, EE.UU./ PA, USA, 1928 - Nueva York / NY, 1987)

"Animales que se extinguen, Rinoceronte de Sumatra / Vanishing Animals, Sumatra's Rhinoceros"
Pintura de polímero sintético sobre papel /
synthetic polymer paint on paper, 58,5 x 80 cm., 1986

Andy Warhol en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

domingo, 21 de abril de 2019

Aniversarios / Anniversaries (CCLXXXVII) [Abril / April 15-21]

Todos los aniversarios de Abril aquí / All anniversaries for April here.
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El 15 de Abril es el cumple de

Olga Boznańska, artista polaca nacida en 1865 en Cracovia. Fue una pintora notable en Polonia y Europa, estilísticamente asociada con el impresionismo francés.
Nació durante las particiones extranjeras de Polonia. Era hija de un ingeniero ferroviario, Adam Nowina Boznański, y Eugenia (de nacimiento Mondan) de origen francés. Aprendió a dibujar con Józef Siedlecki, Kazimierz Pochwalski y Antoni Piotrowski a nivel local. Estudió en la escuela de mujeres de Adrian Baraniecki. Debutó en 1886 en la exposición de la Asociación de Amigos de Bellas Artes de Cracovia.

"Portret kobiety (Cyganka) / Retrato de una mujer (Gitana) / Portrait of a Woman (Gypsy Woman)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 53 cm., 1888.
Muzeum Narodowe w Krakowie / Museo Nacional (Cracovia, Polonia / Krakow, Poland). Wikimedia Commons

Entre 1886 y 1890 estudió arte en las escuelas privadas de Karl Kricheldorf y Wilhelm Dürr en Munich. A partir de entonces se dedicó principalmente a retratos, naturalezas muertas y, ocasionalmente, paisajes. En 1898 se unió a la Sociedad de Artistas Polacos "Sztuka" y ese mismo año se mudó a París, donde se convirtió en miembro de la Société Nationale des Beaux-Arts, comenzó a enseñar en la Académie de la Grande Chaumière y se unió a la Sociedad Polaca de la literatura y el arte (Polskie Towarzystwo Literacko-Artystyczne).
Su retrato más famoso, de una niña desconocida con crisantemos de 1894, fascinó a sus contemporáneos por su ambiente simbolista y su visión psicológica. Boznańska recibió la Legión de Honor francesa en 1912, el Laurel de Oro de la Academia de Literatura de Polonia en 1936, y en 1938 la Orden de Polonia Restituta.
Murió en 1940.

"Portret malarza Paula Neuena / Retrato del pintor / Portrait of painter Paul Nauen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121 x 91 cm., 1893.
Muzeum Narodowe w Krakowie / Museo Nacional (Cracovia, Polonia / Kraków, Poland). Wikimedia Commons

"Amazonka - portret siostry Izy / Amazona, Retrato de la hermana de Iza /
Amazon Woman - Portrait of Iza's Sister", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 205 x 94 cm., 1891
Muzeum Narodowe w Kielcach / Museo Nacional (Kielce, Polonia / Poland). Wikimedia Commons

On April 15 is the birthday of

Olga Boznańska, Polish artist born in 1865 in Kraków. She was a notable female painter in Poland and Europe, and was stylistically associated with the French impressionism.
She was born during foreign partitions of Poland. She was the daughter of a railway engineer, Adam Nowina Boznański, and Eugenia née Mondan of French origin. Boznańska learned drawing first with Józef Siedlecki, Kazimierz Pochwalski and Antoni Piotrowski locally. She studied at the Adrian Baraniecki School for Women. She débuted in 1886 at the Kraków Association of Friends of Fine Arts exhibition.

"Autoportret japonski / Autorretrato con sombrilla japonesa / Self Portrait With Japanese Umbrella"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 65 x 52 cm., 1892
Muzeum Narodowe we Wrocławiu (Breslavia, Polonia / Wroclaw, Poland). Wikimedia Commons

From 1886–1890 she studied art in the private schools of Karl Kricheldorf and Wilhelm Dürr in Munich. From then on she devoted herself mostly to portraits, still lifes and occasionally landscapes. In 1898, she joined the Society of Polish Artists "Sztuka" and in the same year moved to Paris, where she became a member of the Société Nationale des Beaux-Arts and started teaching at the Académie de la Grande Chaumière and joined the Polish Society of Literature and Art (Polskie Towarzystwo Literacko-Artystyczne).
Her most famous 1894 portrait of an unknown child Girl with Chrysanthemums fascinated her contemporaries by its symbolist atmosphere and psychological insight. Boznańska received the French Legion of Honour in 1912, the Golden Laurel of the Polish Academy of Literature in 1936, and in 1938 she was awarded the Order of Polonia Restituta.
She died in 1940.

"Dziewczynka chryzantemy / Chica con crisantemos / Girl With Chrysanthemums"
Óleo sobre cartulina / oil on paperboard, 88,5 x 69 cm., 1894.
Muzeum Narodowe w Krakowie / Museo Nacional (Cracovia, Polonia / Kraków, Poland). Wikimedia Commons


El 16 de Abril es el cumple de

Eugène-Emmanuel-Amaury Pineu-Duval, más conocido por su seudónimo Amaury Duval, pintor francés nacido en 1888 en Montrouge.
Fue uno de los dos hijos de Amaury Duval (1760–1838), y por lo tanto sobrino del dramaturgo Alexandre Pineux Duval.
Fue uno de los primeros estudiantes en el estudio de Jean Auguste Dominique Ingres (una fuerte influencia en todas las obras de Duval). Participó en la expedición de 1829 de artistas y académicos enviada por Carlos X de Francia a Grecia llamada "Expedición Morea" para producir dibujos arqueológicos. Expuso por primera vez en el Salón de París en 1833 con muchos retratos, como su Dama Verde (que ya no existe) y su Autorretrato (que aún puede verse en el museo de Bellas Artes de Rennes).

"La Naissance de Venus / El nacimiento de Venus / The Birth of Venus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 197 x 109 cm., 1862. 
Palais des Beaux-Arts (Lille, Francia / France). Wikimedia Commons

En 1834 expuso su "Pastor griego descubriendo un antiguo bajorrelieve". Entre 1834 y 1836 realizó una larga gira por Florencia, Roma y Nápoles, donde descubrió el arte del Renacimiento italiano. Al regresar a Francia fue uno de los artistas encargados de decorar iglesias por el gobierno de Luis Felipe, y luego Napoleón III: la capilla de Sainte Philomène en la iglesia Saint-Merry (1840–1844), la capilla de la virgen en Saint-Germain-l'Auxerrois en París (1844–1846) y luego la iglesia parroquial de Saint-Germain-en-Laye (1849–1856). También publicó sus memorias.
Murió en 1885.

"La baigneuse / La bañista / The Bather"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 138.5 x 98.3 cm., 1865. Christie's

On April 16 is the birthday of

Eugène-Emmanuel-Amaury Pineu-Duval, better known by the pseudonym Amaury Duval, French painter born in 1888 in Montrouge.
He was one of two sons of Amaury Duval (1760–1838) and thus a nephew of the playwright Alexandre Pineux Duval.
He was one of the first students in Jean Auguste Dominique Ingres's studio (a strong influence on all Duval's works). Duval took part in the 1829 artists' and scholars' expedition sent by Charles X of France to Greece as the Morea Expedition to produce its archaeological drawings. He first exhibited at the Paris Salon in 1833 with many portraits such as his Green Lady (no longer extant) and his Self-portrait (still to be seen in the musée des Beaux-Arts de Rennes).

"Femme de St. Jean de Luz / Mujer de San Juan de Luz / Woman of St. Jean de Luz"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1866
Palais des Beaux-Arts (Lille, Francia / France). Wikimedia Commons

In 1834 he exhibited his "Greek shepherd discovering an antique bas-relief". From 1834 to 1836 he took a long Grand Tour to Florence, Rome, and Naples, where he discovered Italian Renaissance art. On returning to France he was one of the artists commissioned to decorate churches by the government of Louis-Philippe then Napoleon III – the Sainte Philomène chapel at the église Saint-Merry (1840–1844), the chapel of the virgin at Saint-Germain-l'Auxerrois in Paris (1844–1846) then the parish church of Saint-Germain-en-Laye (1849–1856). He also published his memoirs.
He died in 1885.

"Portrait d'Isaure Chassériau / Retrato de / Portrait of Isaure Chassériau"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117 x 90 cm., 1838.
Nièce de l'artiste, fille de Théodore /
sobrina del artista, hija de Théodore / niece of the artist, daughter of Théodore
Musée des Beaux-Arts (Rennes, Francia / France). Le Prince Lontain


El 17 de Abril es el cumple de

Manuel Lepe Macedo, artista naïf mexicano nacido en 1936 en Puerto Vallarta, quien pintó principalmente temas basados en el paisaje y el paisaje urbano de su natal Puerto Vallarta.
Lepe nunca recibió instrucción formal como artista y asistió solo a cuatro años de la escuela primaria. Sus pinturas llegaron a simbolizar la ciudad durante los años en que se estaba volviendo popular como centro turístico.
Lepe se hizo internacionalmente conocido con exposiciones de su obra en varios museos y galerías de Estados Unidos. Fue nombrado artista nacional de México por el presidente Luis Echevarría Álvarez en 1979.

"Guadalajara", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 80 cm., 1978. Rubén Cham Art

Durante sus cuarenta años de vida artística presentó cuarenta y tres exposiciones. Probablemente la más importante fue la que montó en el Museo de Arte y Ciencia de la ciudad de Los Ángeles, California, en 1979, con motivo de la celebración del Año Internacional del Niño y a la que asistieron más de un millón de personas.
He died in 1984 in Guadalajara from a cerebral aneurysm. His workshop in Puerto Vallarta is preserved as a gallery and museum. Some of his works are on display there as well as at the Peter Gray Museum of Art on the Coastal Campus of the University of Guadalajara, North of Puerto Vallarta.

"Florero león / Lion Flowerpot", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 1980. Rubén Cham Art

"Río encantado / Enchanter River", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 100 cm., 1979. Rubén Cham Art

On April 17 is the birthday of

Manuel Lepe Macedo, Mexican Naïve artist born in 1936 in Puerto Vallarta, who painted mostly themes based on the landscape and townscape of his native Puerto Vallarta.
Lepe was never formally trained as an artist, and attended only four years of primary school. His paintings came to symbolize the town during the years that it was becoming popular as a resort.
Lepe became internationally known, with exhibitions of his work in several US museums and galleries. He was named Mexico's national artist by president Luis Echevarría Álvarez in 1979.

"Sol fuerte / Strong Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 1980. Rubén Cham Art

During his forty years of artistic life he held forty-three exhibitions. Probably the most important was the one in the Museum of Art and Science of the city of Los Angeles, California, in 1979, on the occasion of the celebration of the International Children's Year and attended by more than one million people.
Murió en 1984 en Guadalajara por un aneurisma cerebral. Su taller en Puerto Vallarta se conserva como galería y museo. Algunas de sus obras están en exhibición allí, así como en el Museo de Arte Peter Gray en el Campus Costero de la Universidad de Guadalajara, al norte de Puerto Vallarta.
"Cielo rosa / Pink Sky", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 1979. Rubén Cham Art



El 18 de Abril es el cumple de

Antoine Irisse (nombre real Avram Iris), pintor francés de la Escuela de París, nacido en 1903 en Kishinev, Besarabia (entonces Rusia, actualmente Moldavia).
Desde 1929 la crítica lo clasificó, por la parte más importante de su obra, entre los fauvistas. Su pintura, llena de poesía, es un himno a la luz, el color, la alegría de vivir pagana. Simplificó las formas y la perspectiva. Sus temas eran simples como él mismo: vistas de su estudio, modestos accesorios vitales, jarrones de flores, retratos.
Era un poeta inspirado en Matisse a quien admiraba. El color era para él una herramienta de expresión y un lenguaje cargado de emoción.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Kishinev y, huyendo de los pogromos de Besarabia, emigró a Bélgica, donde estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas.
Ya en Kishinev, las conversaciones entre jóvenes estudiantes giraban en torno a la capital de Francia, donde, según se decía, muchos artistas, procedentes de todos los horizontes, creaban un nuevo arte.
A los 23 años se traslada permanentemente a París. Trabaja en el estudio de Wlérick y Arnold, donde conoce a sus amigos Pignon y Dayez. También asiste a la Académie de la Grande Chaumière. Descubre en París la libertad de pintar. Finalmente puede ser él mismo. Participa activamente en la vida artística de Montparnasse.

"Les marins / Los marinos / The Sailors", 1950

Sus exposiciones se vuelven escasas durante los años oscuros de la Segunda Guerra Mundial. Irisse permanece en París pero, denunciado como judío por uno de sus proveedores, debe esconderse y escapar de la Gestapo. Adquiere la nacionalidad francesa en 1940.
Irisse dedicó toda su vida a la pintura. Sin embargo, tuvo que mantener a su familia (su hija nació en 1940) y para preservar una auténtica búsqueda pictórica, escogió un segundo trabajo, el de ceramista. Pero nunca dejó de pintar. Es durante este período que su arte alcanza su pleno desarrollo. Cuando finalmente pudo dedicarse por completo a la pintura, en 1954, fue devastado por una enfermedad que le dejaría solo dos años de vida.
Irisse elige evolucionar naturalmente hacia una forma de expresión más abstracta. La última exposición de una parte importante de su trabajo, aún en la Galería André Weil, en diciembre de 1956, fue un gran éxito de crítica.
Murió en 1957.

"Fête païenne II / Fiesta pagana II / Pagan Festival II", 1953. Colección privada / Private Collection

On April 18 is the birthday of

Antoine Irisse (real name Avram Iris), French painter of the School of Paris, born in 1903 in Kishinev, in Bessarabia (then in Russia, currently in Moldova).
Criticism classed him, since 1929, for the most important part of his work among the Fauves. His painting, full of poetry, is a hymn to light, color, pagan joie de vivre. He simplified the forms and the perspective. His subjects were simple as he was himself: views of his studio, modest living accessories, vases of flowers, portraits.
It was a poet inspired by Matisse whom he admired. Color was for him a tool of expression and was a language loaded with emotion.
He studied at the School of Fine Arts Kishinev and, fleeing the pogroms of Bessarabia, he emigrates to Belgium where he studied at the Royal Academy of Fine Arts in Brussels.
Already in Kishinev, the conversations between young students revolved around the capital of France where, it was said, many artists, coming from all horizons, created a new art.
At 23, he moved permanently to Paris. He works in the studio of Wlérick and Arnold, where he meets his friends Pignon and Dayez. He also attends the Académie de la Grande Chaumière. He discovers in Paris the freedom to paint. He can finally be himself. He actively participates in the artistic life of Montparnasse.

"Olimpia / Olympia I", 1950

His exhibitions become scarce during the dark years of the Second World War. Irisse remains in Paris but, denounced as Jewish by one of his suppliers, he must hide and escapes the Gestapo. He acquires French nationality in 1940.
Irisse devoted all his life to painting. Yet he had to support his family (his daughter was born in 1940) and to preserve an authentic pictorial research, choose a second job, that of ceramist. But he never stopped painting. It is during this period that his art reaches its full development. When he could finally devote himself entirely to painting, in 1954, he was devastated by an illness that will leave him only two years to live.
Irisse chooses to evolve naturally towards a more abstract form of expression. The last exhibition of a major part of his work, still at the André Weil Gallery, in December 1956, was a great success of critic.
He died in 1957.

"Jeune fille à la mandoline II / Chica con mandolina II / Girl with Mandolin II", 1949



El 19 de Abril es el cumple de

František Gross, pintor y artista gráfico checo nacido en 1909 en Nová Paka.
En 1917 se graduó de la escuela secundaria en Nová Paka. Luego estudió en la Universidad Técnica Checa en Praga con el profesor Oldřich Blažíček y en la Academia de Artes Decorativas de Praga con el profesor František Kysela. En 1931, junto con Ladislav Zívr y František Hudeček, organizó una exposición cubista en una escuela secundaria en Nová Paka. Fue miembro del foro de artistas checo Umelecka beseda desde 1941, y miembro del famoso Grupo 42 entre 1942 y 1948, grupo que incluyó a Ladislav Zivr, nativo de Nova Paka, y Miroslav Hak, un fotógrafo. Desde 1945 ha sido miembro de la Asociación Hollar, también miembro del Grupo de Radar en 1961-1970.

"Suelo industrial / Industrial Land"
Grabado a color sobre papel / coloured etching on paper, 24 x 32 cm. Pinter Aukciósház

Su obra se basa en sugerencias del cubismo, en las que trabajó en un sentido constructivo y conectado con contenidos imaginativos. Pintó cuadros de mecanismos absurdos en los que transformó sus impresiones de la civilización urbana moderna.
Desde la década de 1930, utilizó nuevas técnicas de frottaje, collages, creando pinturas, objetos y pequeñas esculturas. En la década de 1940, creó imágenes de grotescas y extravagantes máquinas-personajes, y su variedad evolucionó constantemente con nuevas invenciones poéticas en el espíritu de la estética no figurativa. También creó grabados.
Murió en 1985.

"Hlava / Cabeza / Head", óleo sobre panel duro / oil on hardboard, 1981. Hospodářské noviny


"Bretaña / Bretagne", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 48 x 67 cm., 1946. Blouin Art

On April 19 is the birthday of

František Gross, Czech painter and graphic artist born in 1909 in Nová Paka.
In 1917 he graduated from secondary school in Nová Paka. He then studied at the Czech Technical University in Prague with Professor Oldřich Blažíček and at the Academy of Decorative Arts in Prague with Professor František Kysela. In 1931, together with Ladislav Zívr and František Hudeček, he organized a cubist exhibition in a secondary school in Nová Paka. He was a member of the Czech artists' forum Umelecka beseda since 1941, and a member of the famous Group 42 between 1942 and 1948, including Ladislav Zivr, a native of Nova Paka, and Miroslav Hak, a photographer. Since 1945 he has been a member of the Hollar Association, also a member of the Radar Group in 1961-1970.

"Vesnice / Pueblo / Village", técnica mixta / mixed media, 21 x 30,5 cm., 1963. Galerie Art Praha

“His work is based on Cubism's suggestions, which he worked on in a constructive sense and connected with imaginative content. He painted pictures of absurd mechanisms in which he transformed his impressions from modern urban civilization.
From the 1930s he used new techniques of frottage, collages, created paintings, objects and small sculptures. In the 1940s, he created images of grotesquely fanciful characters-machines, and their variety was constantly evolving with new poetic inventions in the spirit of non-figurative aesthetics. He also created a number of prints.
He died in 1985.

"Desayuno / Breakfast", óleo sobre panel / oil on board, 118 x 102 cm. Sotheby's



El 20 de Abril es el cumple de

Jean-François Raffaëlli, pintor, escultor y grabador realista francés nacido en 1850 en París.
Mostró un interés por la música y el teatro antes de convertirse en pintor en 1870. Una de sus pinturas de paisajes fue aceptada para ser expuesta en el Salón ese mismo año. En octubre de 1871 comenzó tres meses de estudio con Jean-Léon Gérôme en la École des Beaux-Arts de París. no tuvo otra instrucción formal.
Raffaëlli produjo principalmente imágenes de vestimenta hasta 1876, cuando comenzó a representar a la gente de su tiempo, particularmente campesinos, trabajadores y hurgadores vistos en los suburbios de París, con un estilo realista. Su nueva obra fue defendida por críticos influyentes como J.-K. Huysmans, así como por Edgar Degas.
El hurgador se convirtió para Raffaëlli en un símbolo de la alienación del individuo en la sociedad moderna.

"Les buveurs d'absinthe (Les déclassés) / Los bebedores de absenta (Los empobrecidos) /The Absinthe Drinkers (The Impoverished)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 108 x 108 cm., 1881
Palace of Legion of Honor Art Museum (San Francisco, California, EE.UU./ CA, USA)

Degas invitó a Raffaëlli a participar en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881, una acción que dividió amargamente al grupo; Raffaëlli no solo no era un impresionista, sino que amenazaba con dominar la exposición de 1880 con su muestra de 37 obras. Monet, resentido por la insistencia de Degas en expandir las exhibiciones impresionistas al incluir a varios realistas, optó por no exponer, y se quejó: "La pequeña capilla se ha convertido en una escuela común que abre sus puertas al primer pintor de brocha gorda que aparece". Un ejemplo del trabajo de Raffaëlli de este período es "Los bebedores de absenta" (1881). Originalmente titulado "Los empobrecidos", la pintura fue ampliamente elogiada en la exposición de 1881.

"Place St. Augustin / Plaza de San Agustín / St. Augustin Square"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Wikimedia Commons
Huntington Museum of Art (Huntington, Virginia Occidental, EE.UU./ West Virginia, USA)

Después de ganar la Légion d'honneur en 1889, Raffaëlli cambió su foco de atención de los suburbios de París a la ciudad misma, y ​​las escenas callejeras que resultaron fueron bien recibidas por el público y la crítica. Hizo varias esculturas, pero estas se conocen hoy solo a través de fotografías. En los últimos años de su vida, se centró en los grabados a color.
Murió en 1924.

"Hurgadores parisinos / Parisian Rag Pickers"
Óleo y crayón sobre panel / oil and oil crayon on board, 34 x 28,4 cm., 1879
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On April 20 is the birthday of

Jean-François Raffaëlli, French realist painter, sculptor, and printmaker born in 1850 in Paris.
He showed an interest in music and theatre before becoming a painter in 1870. One of his landscape paintings was accepted for exhibition at the Salon in that same year. In October 1871 he began three months of study under Jean-Léon Gérôme at the École des Beaux-Arts in Paris; he had no other formal training.
Raffaëlli produced primarily costume pictures until 1876, when he began to depict the people of his time—particularly peasants, workers, and ragpickers seen in the suburbs of Paris—in a realistic style. His new work was championed by influential critics such as J.-K. Huysmans, as well as by Edgar Degas.
The ragpicker became for Raffaëlli a symbol of the alienation of the individual in modern society.

"Herreros bebiendo / Blacksmiths Taking a Drink"
Óleo sobre lienzo montado sobre cartón / oil on canvas mounted on cardboard, 77 x 57 cm.
Musée de la Chartreuse (Douai / Francia / France). ARC

Degas invited Raffaëlli to participate in the Impressionist exhibitions of 1880 and 1881, an action that bitterly divided the group; not only was Raffaëlli not an Impressionist, but he threatened to dominate the 1880 exhibition with his outsized display of 37 works. Monet, resentful of Degas's insistence on expanding the Impressionist exhibitions by including several realists, chose not to exhibit, complaining, "The little chapel has become a commonplace school which opens its doors to the first dauber to come along." An example of Raffaëlli's work from this period is Les buveurs d'absinthe (1881, in the California Palace of Legion of Honor Art Museum in San Francisco). Originally titled Les déclassés, the painting was widely praised at the 1881 exhibit.

"Boulevard Saint-Michel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 x 77 cm.
Museo Estatal Pushkin (Moscú, Rusia / Moscow, Russia). Arthive

After winning the Légion d'honneur in 1889, Raffaëlli shifted his attention from the suburbs of Paris to city itself, and the street scenes that resulted were well received by the public and the critics. He made a number of sculptures, but these are known today only through photographs. In the later years of his life, he concentrated on color printmaking.
He died in 1924.

"L'homme aux deux pains / Hombre con dos panes / Man With Two Loaves of Bread"
Óleo sobre panel / oil on panel, 55 x 37,5 cm., 1879. ARC



Hoy, 21 de Abril, es el cumple de

Dod Procter, de nacimiento Doris Margaret Shaw, artista inglesa nacida en Hampstead, Londres, en 1890. Fue la esposa del artista Ernest Procter.
A los 15 años se inscribió en la Escuela de Pintura dirigida por Elizabeth Forbes y Stanhope Forbes. Allí conoció a su futuro esposo, Ernest Procter. Fueron considerados los alumnos estrella de Forbes. En Newlyn conoció a Laura Knight, quien se convirtió en una amiga de toda la vida y una influencia considerable en su carrera.
En 1910 Dod y su madre fueron a París, donde Dod, junto con Ernest Procter, estudió en el Atelier Colarossi. Dod y Ernest fueron influenciados por el impresionismo y el posimpresionismo y los artistas que conocieron en Francia, como Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne. La pareja se casó en 1912.

"La chica dorada / The Golden Girl"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 57 cm., c.1930. ArtUK
Colección Ingram / The Ingram Collection (Londres, Reino Unido / London, UK)

Durante la Primera Guerra Mundial Ernest sirvió en Francia trabajando con un destacamento de la Unidad de Ambulancias. Después de la guerra la pareja se estableció en Newlyn y esta fue la casa de  los Procter durante la mayor parte de sus vidas laborales.
A lo largo de la década de 1920 Dod continuó pintando figuras femeninas solas, a veces desnudas, otras cubiertas con ropas leves. Cuando "Mañana / Morning" se exhibió en la muestra de verano de la Royal Academy de 1927, fue votada como pintura del año y comprada por el Daily Mail para la Galería Tate, donde ahora se encuentra. Tanto el público como los críticos respondieron a Morning, alabando su "estilo sensual pero sombrío" que evocaba la "luz plateada" de Cornualles del oeste.

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 x 38 cm.
Penlee House Gallery & Museum (Penzance, Cornualles, Inglaterra / West Cornuall, England). ArtUK

En la década de 1930 su estilo de pintura cambió completamente. Obras como "El huerto / The Orchard" (1934), "Sheila entre los helechos / Sheila Among the Ferns" (1935) y "Cocina de casa de campo en Myrtle / Kitchen at Myrtle Cottage" (1935) muestran el acabado meticuloso y la iluminación de su trabajo anterior, pero sin sus líneas duras anteriores y bloques de color bien delineados. Ernest Procter murió inesperadamente mientras viajaba en 1935. La pareja a menudo organizaba exposiciones conjuntas en las Galerías Leicester y Dod continuó haciéndolo después de la muerte de Ernest.
En 1938 decidió mudarse a Zennor, cerca de su amiga, la artista Alethea Garstin.
Fue miembro de varias organizaciones de artistas, como la Escuela Newlyn. En 1942 se convirtió en miembro de pleno derecho de la Royal Academy, donde su obra se exhibó en muchas ocasiones.
Durante la década de 1950, Procter pasó un tiempo en Jamaica, con Garstin, donde pintó principalmente retratos de niños.
Se convirtió en Presidenta de la Sociedad de Artistas de St. Ives (STISA) en 1966.
Murió en 1972.

"El huerto / The Orchard", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 x 127 cm., 1934
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Today, April 21, is the birthday of

Dod Procter, born Doris Margaret Shaw, English artist born in Hampstead, London in 1890. She was the wife of the artist Ernest Procter.
At the age of 15, Dod enrolled in the School of Painting run by Elizabeth Forbes and Stanhope Forbes. At Forbes, Dod met her future husband Ernest Procter; they were considered Forbes' star pupils. In Newlyn, Dod met Laura Knight, who became a lifelong friend and a considerable influence on her career.
In 1910 Dod and her mother went to Paris where Dod, alongside Ernest Procter, studied at the Atelier Colarossi. Dod and Ernest were both influenced by Impressionism and Post-impressionism and the artists that they met in France, such as Pierre-Auguste Renoir and Paul Cézanne. The couple married in 1912.

"La hora tranquila / The Quiet Hour"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 63.5 cm., 1935. ArtUK
The New Art Gallery (Walsall, Inglaterra / England)

During World War I Ernest served in France working with a Friends' Ambulance Unit detachment. After the war, the couple settled in Newlyn and this was Procters' home for most of their working lives.
Throughout the 1920s Dod Procter continued to paint single female figures, sometimes nude, others in softly draped clothes. When "Morning" was displayed at the 1927 Royal Academy Summer Exhibition, it was voted Picture of the Year and bought by the Daily Mail for the Tate Gallery, where it now hangs. Both public and critics responded to Morning, praising its "sensuous but sombre style" which evoked the west Cornish "silver light".

"Temprano en la mañana / Early Morning, Newlyn"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,7 x 60,2 cm., 1926. ArtUK
Glynn Vivian Art Gallery (Swansea, Gales / Wales)

In the 1930s Dod Procters' style of painting changed completely. Works such as The Orchard (1934), Sheila Among the Ferns (1935) and Kitchen at Myrtle Cottage (1935) display the meticulous finish and lighting of her earlier work but without her previous hard lines and solidly delineated bodies of colour. Ernest Procter died unexpectedly while travelling in 1935. The couple had often staged joint exhibitions at the Leicester Galleries and Dod continued to do so after Ernest's death.
In 1938, Proctor decided to move to Zennor, near her friend, the artist Alethea Garstin.
She was a member of several artists organisations, such as the Newlyn School. In 1942 she became a full member of the Royal Academy, where her work was exhibited on many occasions.
During the 1950s Procter spent some time in Jamaica, with Garstin, where she mainly painted portraits of children.
She became President of St Ives Society of Artists (STISA) in 1966.
She died in 1972.

"Eileen Mayo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 70 cm.
Penlee House Gallery & Museum (Penzance, Cornualles, Inglaterra / West Cornuall, England). ArtUK

Dod Procter en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXIX)], [Recolección (CXXVIII-1)]