jueves, 25 de febrero de 2016

Gabriel Grün [Pintura]

Gabriel Grün es un notable artista figurativo argentino cuya obra merece más espacio, así que habrá más en el futuro. Por el momento, esta selección que espero les agrade. Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

Gabriel Grün is a remarkable Argentine figurative artist whose work deserves more space, so there will be more in the future. Now here you have this selection, I hope you like it. English texts at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Gabriel Grün


Gabriel Grün es un artista nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1978. Gabriel pinta como un clásico, pero habla de su obra como "inexorablemente contemporánea". Trabaja en la línea de los antiguos maestros, preparando sus propias pinturas con aceites y pigmentos, y dedicando tiempo, mucho tiempo a cada trabajo.
«Supuestamente tendría que estar pintando lo que veo en televisión para ser contemporáneo, ya que es el discurso moderno, nuevo, pero no quiero pensar así, creo que puedo pensar y crear cosas nuevas. Estoy mucho más cómodo en el Louvre que en el Pompidou, en el Prado que en el Reina Sofía.» [1]

"La gran Galatea / The Great Galatea", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 150 cm., 2008

"Retrato imaginario de / Imaginary Portrait of Marie-Sabina", óleo sobre tela / oil on canvas, 162 x 130 cm., 2013

«[en la cartela] sustituí TRUE (verdadera) por IMAGINARY (imaginaria) y listo. La excusa para generar una imagen de Marie-Sabina (ver más abajo) y sus encantadoras manchas a la edad adulta. El cuadro terminó siendo también más arcaico, aflamencado, menos neoclásico, lo que en principio no está mal. La composición cambió a narrativa al agregarle la pequeña serpiente, que comparte la condición de Marie-Sabina, descubierta bajo una roca.» [2]

"Emperador y Emperatriz / Emperor and Empress"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 90 cm. cada uno / each, 2012

"Ninfa en el estanque / Nymph in the Pond", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 60 cm. 2009

«Los clásicos son los que más me han influenciado realmente, todo el Renacimiento, el Barroco, los alemanes, los flamencos y los italianos. Hay gente interesante hasta el siglo XIX, después en el siglo XX con los impresionistas se cae todo. Me puedo dar el lujo de ser muy crítico porque soy artista. Lo puedo criticar a Duchamp porque lo siento así, y creo que eso me hace bien porque me ubica en un lugar. De otra manera no podría tener la paciencia de estar un mes trabajando en un cuadro, ya que pensaría que todo vale y todo se puede aceptar.» [3]

"Autorretrato a la manera de / Self Portrait in the Manner of Rembrandt"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 75 cm., 2006

"Dánae", óleo sobre tela / oil on canvas, 125 x 160 cm., 2009

Izq./ Left: "Eva / Eve", óleo sobre tabla / oil on wood, 185 x 60 cm., 2006
Der./ Right: "Sirena / Siren", óleo sobre tabla / oil on wood, 185 x 60 cm., 2006

«Hay 3 artistas que me interesan mucho y son contemporáneos: uno es Odd Nedrum, un noruego con muchas influencias de Rembrandt, muy bueno, otro es Dino Valls, un gallego con el que compartimos muestra en Barcelona, y el otro, más cercano, del cual conocimos la obra con César Menegazzo en MiArt, es un italiano llamado Nicola Samorì que trabaja sobre chapas de cobre que es una técnica antigua. Son tres artistas con mucho reconocimiento internacional que hacen una figuración virtuosa.» [4]

"Colgado / Hanging", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 130 cm., 2009

"Marsupialia", óleo sobre tela / oil on canvas, 195 x 89 cm., 2015

«Simpre me fascinó el realismo. Me parecía mágico, más significativo que la fotografía o las películas el hecho de que esas imágenes pudieran salir de las manos de alguien. Recuerdo, de niño, cortarme el dedo con el filo de una página de un gran libro de Dalí que tenía mi madre, y con el dolor y la sorpresa de haberme cortado con un papel, me vino la asociación de la pintura como poseedora de un poder peligroso, que sobrepasaba la realidad, y la amenaza de que había develado una suerte de secreto del que no se puede escapar ileso. Después del surrealismo, me impresionaron algunos ilustradores, pero lo que aprecié fue siempre la capacidad de emular el mundo natural y jugar con él, y la impresión de que se le estaba añadiendo algo. Al entrar en contacto con el gran arte del pasado, pronto estimé el siglo XX en su auténtico valor, comenzando, por supuesto, a fascinarme con los italianos, todos los habituales, y más tarde comencé a admirar cosas en los holandeses y flamencos que no encontré en ningún otro sitio. Me planteé altos estándares para lo que quería ser como artista, inconsciente de la distancia entre el mundo en que se movía Durero y el mío propio, cuya ingenuidad asimilé y que fue clave más tarde para permitirme ser terco y sólo sentirme juzgado por una carga de historia del arte que hiciera cualquier otra opinión carente de sentido en lo que refiere a mi propia misión pictórica. Para que quede constancia, he de mencionar a Holbein, Bronzino, Fra Angelico, Ribera, Bougereau... » [5]

"Pollo / Chicken", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 50 cm., 2008

"Autorretrato a la manera de / Self Portrait in the Manner of Memling"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 34 x 26 cm., 2007

Si como nos recuerda Ernst Gombrich "el arte se nutre más del arte que de la naturaleza", la obra de Gabriel Grün se presenta como un buen ejemplo para poner a prueba dicha hipótesis. Su serie "Alter Ego", en la que el pintor desarrolla un conjunto variado de autorretratos "a la manera" de aquellos a los que él reconoce como sus maestros, nos introduce en un universo de interrogantes ligados al problema de la creatividad, la apropiación de las tradiciones pictóricas, la persistencia de iconografías y el lugar ocupado por la práctica del oficio.
Maestros de la pintura occidental como el Bosco, Memling, Van Eyck, Leonardo, Durero, Holbein, Caravaggio y Ribera son revisitados con una intención no carente de sinceramiento respecto de algunos aspectos de la impronta de aquellos en los procesos creativos de Grün. Su mirada contemporánea los analiza, los desmonta y desmenuza, los ubica en clave de su propia cotidianeidad, mediante un seguimiento preciso y microscópico de las maneras en que ellos se presentan, para luego rastrear en su propio mundo de imágenes, signos, ideas y símbolos. En este sentido, el recurso de la cita parece ir más allá del homenaje. 
Gabriela Siracusano, 2007 [6]

"Hemafrodita / Hermaphrodite", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 130 cm., 2012

"Nari Asva", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 200 cm., 2009

«En aquél momento tomó forma una cierta sintaxis de la pintura; la forma como los árboles eran pintados o la piel representada podía seguirse de ciudad en ciudad y de maestros a aprendices, de acuerdo a auténticas genealogías estilísticas. Mi gusto por lo que los pintores eran capaces de hacer con este alfabeto, me vino principalmente de una temprana exposición al gran arte, pero no podría explicarlo. Parece como un mundo controlado en el cual puedes aprender las letras y luego hacer poesía con ellas. Sus efectos y logros brindan principalmente alegría, y cuando comprendes que puedes producirlo por tí mismo se vuelve inevitable, incluso si no pierde ese rasgo de peligro, como en la pintura, la pintura de la realidad, no hay espacio para esconder o disimular ningún aspecto de tu carácter. También quiero crear ese tipo de imágenes, aquellas que se adhieren a tu ojo y tu mente, no importa en qué contexto o con qué propósito hayan sido creadas. No eres un esclavo de esta compleja sucesión de pintores; aún puedes poner tu modelo delante y dar lo mejor de tí para transferir esa impresión visual al lienzo o el panel... Pero en realidad siempre habrá un lenguaje aprendido, composición, trazas de una u otra escuela de pintura, además de que el material impone sus tiempos y posibilidades, las condiciones para la creación.» [7]

"Leda", óleo sobre tabla / oil on wood, 120 x 120 cm., 2005

Izq./ Left: Metamorfosis en Queso Gruyere / Metamorphosis in Gruyere Cheese"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 100 x 50 cm., 2013
Der./ Right: "Mirra / Myrrh", óleo sobre tabla / oil on wood, 160 x 60 cm., 2005

«La belleza es paradójica. Puedes pensarla como compleja, pero de hecho es asombrosamente simple cuando te expones a ella. La belleza no convencional me permite explorar los senderos de la mente afectada por ella, forzando a esa belleza a ser percibida en lugares y configuraciones inesperadas. Mi modelo para el cuerpo femenino ha sido exclusivamente la escultora Lorena Guzmán, así que debería haber algún tipo de respuesta en ello. Juego libremente con las variaciones de la belleza que surge nuevamente toda vez que la tensión se construye hacia una única figura, con su tipo único de perfección. La belleza te estremece, es incuestionable y crece mientras los estereotipos se desvanecen. Te pide algo. Siendo vulnerable a su significado estás vivo y tienes la capacidad de trascender lo ordinario. No hay un tipo físico o marca para ello, es una mezcla que también tiene que ver con lo que tú le das. Es un encuentro, y es por eso que a menudo vuelves de él incambiado e ileso. La pretensión de capturarla en una pintura explica por qué constituye un ejercicio de riesgo; revelas mucho de tí mismo en la interpretación, y la rabia de la belleza al exponerla.» [8]

"Murciélago / Bat", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 120 cm., 2007

"Autorretrato a la manera de / Self Portrait in the Manner of Holbein"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 125 x 100 cm., 2007

«Prefiero la presentación de la figura aislada de una manera icónica, con independencia de lo que hago con el fondo. No lo hago tan bien con narrativas largas; prefiero algún detalle para señalar un supuesto contexto. Mis figuras están solas, encontrando la mirada del espectador, como en las pinturas alegóricas o las cartas del Tarot. La silueta no está cortada y la composición es, por lo general, bastante estática. Todo es bastante frontal, con poco lugar para ambigüedades. Mi interés por la antigua religión griega es auténtico, pero raras veces se nota en mis pinturas. Utilizo la mitología de una manera convencional, sobre todo inspirado en su papel y uso en la propia historia del arte, no de una forma recreacionista como podría hacerlo Alma-Tadema. Los paisajes son genéricos, accesorios, al estilo de las colinas y ríos serpenteantes flamencos que Michelangelo desdeñó, pero aún así busco la belleza en el formulismo. El retrato aparece en forma de auto-retrato, que utilizo una y otra vez, y nunca me canso. Lo realmente importante en la pintura es cómo lo haces. Ni siquiera las ideas, sino la manera. Es lo que hace que una Madonna destaque entre diez mil. El misterio está ahí, en la forma que una imagen se incrusta y no te la puedes quitar de la cabeza. Los temas que adoras se te pueden hacer aburridos, y ser transportado por una muestra de un género por el que tenías poco interés. Como pintor tienes una cantidad limitada de trabajo para hacer, por lo que la sensación de urgencia está siempre presente, el sentido de deuda que tienes cuando percibes la práctica del arte como algo personal y significativo. Con la intención de usar este antiguo lenguaje he tenido que aprender sus técnicas, qué pigmentos se utilizaron y con qué propósito, la molienda, las capas, el barniz... el orden y materiales establecen límites que son el único ámbito en el se puede aspirar a dominar el oficio; expresar algo es una cuestión para más adelante.» [9]

"Gaia", óleo sobre tela / oil on canvas, 125 x 160 cm., 2010

"El Traje de Ramas / The Suit of Branches", óleo sobre tela / oil on canvas, 88 x 170 cm., 2015

«Una obra en la que indagué en la situación de una figura inquieta, frágil, pero que elige un camino, cruza un puente y nos mira sobre el hombro, como si estorbáramos un ritual íntimo.»
Sobre la obra que inspiró este trabajo, la pintura presente al cerrar los paneles laterales de "El carro de heno" de El Bosco (ver más abajo), dice Gabriel:
«(...) me abstuve de buscar verla recientemente para que me sirviera de inspiración lejana y general del cuadro, como un Norte nebuloso hacia el cual dirigirme, sin contaminarme directamente y haciendo que su recuerdo me guiara.» [10]

"Parcas / Parcae",óleo sobre tabla / oil on wood, 180 x 135 cm., 2007
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Fuentes / Sources:
* Blog
* Entrevista en / Interview in HEY! modern art & pop culture
* Entrevista en / Interview in ArteBA 08 - Wussmann, César Menegazzo
* Gabriela Siracusano, texto sobre la muestra / text on the show Alter Ego, Buenos Aires, 2007

Más sobre Gabriel en / More about Gabriel inBlog, Google+

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Gabriel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Gabriel!)



Un reportaje de "La vida es Arte", en el que Gabriel habla sobre cómo prepara sus pinturas de modo artesanal /
A report of "Life is Art", in which Gabriel talks about how he prepares his paintings in a traditional way





Algunas referencias / Some References

El Bosco (Hieronymus Bosch)

"El carro de heno / The Hay Wagon"
Tríptico / triptych, óleo sobre panel / oil on panel, 147 x 212 cm., c.1516
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

La pintura era parte de un grupo de 6 adquiridas por el rey Felipe II de España en 1570, y entregadas en El Escorial cuatro años más tarde. Luego fue vendida al Marqués de Salamanca y dividida en tres pinturas. En 1848, el panel central fue comprado por Isabel II de Epaña y llevado a Aranjuez. El derecho regresó a El Escorial y el izquierdo fue al Prado. El tríptico fue finalmente recompuesto en 1914 en este último museo. Existe una copia en el Escorial.

"El camino de la vida (El vendedor ambulante o El Peregrino) / 
The Path of Life (The Ambulant Vendor or The Pilgrim)"
Parte exterior del tríptico "El carro de heno" / outside of The Hay Wagon Triptych
Óleo sobre panel / oil on panel, 135 x 90 cm., c.1516. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

The painting was part of a group of six acquired by king Philip II of Spain in 1570, and shipped to El Escorial four years later. It was later sold to the Marquis of Salamanca, and divided into three paintings. In 1848, the central panel was bought by Isabella II of Spain and brought to Aranjuez, the right one was returned to Escorial and the left went to the Prado. The triptych was finally recomposed in 1914 in the latter museum. A copy exists at the Escorial.

El Bosco en "El Hurgador" / Hieronymus Bosch in this blog:
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Mary-Sabina

Artista desconocido / Artist Unknown
"Mary-Sabina nacida en / born in 1736"
Royal College of Surgeons, Hunterian Museum (Lincoln's Inn Fields, Londres, Reino Unido / London, UK)

En la cartela puede leerse:
"La verdadera imagen de Mary-Sabina, que nació el 12 de octubre de 1736 en Matuna, una plantación perteneciente a los Jesuitas en la ciudad de Cartagena (Colombia) en América, de dos esclavos negros llamados Martiniano y Patrous."
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Nicola Samorí


Nicola Samorí es un pintor italiano nacido en 1977. Después de graduarse de la Academia de Bellas Artes en Bologna, el artista ha estado exponiendo su trabajo en Italia y otros países.
Sus pinturas están llenas de energía sensual. El estilo deriva de las pinturas clásicas del renacimiento temprano. Con un altísimo grado de precisión, sus pinturas emergen de la oscuridad del espacio pictórico hacia la luz con un realismo dramático.

"Maddalena", óleo sobre tabla / oil on wood, 70 x 50 cm., 2010

"Volta del Mondo", óleo sobre cobre / oil on copper, 100 x 100 cm., 2014

Nicola Samori is an Italian painter born in 1977. After his graduation at the Academy of Fine Arts in Bologna, the artist has been showing his work in Italy and other countries. 
His paintings are full of sensuous energy. The style is derived from the classical paintings of early renaissance masters. With the highest degree of precession, his figures emerge from the darkness of pictorial space into the light with dramatic realism.

"J.V.", óleo sobre tabla / oil on wood, 55 x 52 cm., 2009

Nicola Samorí en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXXVI)]
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Sobre el resto de los artistas mencionados / About the other mentioned artists:

William-Adolphe Bouguereau:
[Pintando perros (IV)], [La Colección Bentaberry (I)], [Manos a la obra (XX)], [Manos a la obra (XXV)], [Aniversarios (XLV)]
Lawrence Alma-Tadema[Aniversarios (LII)]
Il Bronzino[Loretta Lux (Fotografía, Fotomanipulación)], [Recolección (VI)]
Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti):
[Arte & Humor (II)], [Aniversarios (V)], [Arte perdido (V)], [Adam Lister (Las obras, Anexo)], [Sucedió en el museo (I)], [Sucedió en el museo (I, Anexo)]
Michelangelo Merisi da Caravaggio:
[La Colección Bentaberry (II)], [Lost Art (II)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Marc Dennis (Pintura)], [Michael Zavros (Pintura)]
Leonardo Da Vinci:
[La Colección Bentaberry (I)], [Aniversarios (XI)], [Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)], [Arte y humor (VIII) - Referencias], [Arte y Humor (IX) - Referencias], [Sucedió en el museo (II, Anexo)]
Marcel Duchamp[Arte & humor (II)]
Fra Angelico[Fred Wessel (Pintura)], [Arte y humor (VIII) - Referencias]
Hans Holbein el Joven:
[Hans Holbein el Joven, Retratos (I) (Pintura)], [Hans Holbein el Joven, Retratos (II) (Pintura)], [Las referencias de Rumsey (Pintura, Grabado)]
Hans Memling[Fotógrafos japoneses (II)], [Daria Endresen (Arte digital)]
Odd Nedrum[Aniversarios (X)]
Rembrandt Harmeszoon van Rijn:
[Pintando perros (II)], [Desde Irán (II) - Kamal-ol-Molk], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)], [Aniversarios (XXV)], [Uruguayos (XXIV)]
José de Ribera[Aniversarios (CVI)]
Dino Valls[Danisevicius, Valls, Zhu Yiyong], [Dino Valls (II) (Pintura)]
Jan Van Eyck[Pintando perros (IV)], [Arte perdido (II)]



Textos en inglés / English Text

[1]
Gabriel Grün is an artist born in Buenos Aires, Argentina, in 1978. Gabriel paints as a classic, but talks about his work as "inexorably contemporary". He works following the lines of the old masters, preparing his own paintings with oils and pigments, and spending long, long time to each work.
«Supposedly I should be painting what I see on television to be contemporary, as is the modern, new address, but I don't want to think so. I think I can think and create new things. I'm much more comfortable in the Louvre than in the Pompidou, in the Prado than in the Reina Sofia.»

[2]
«[In the cartouche] I just replaced TRUE for IMAGINARY. The excuse to generate an image of Marie-Sabina (see above) and her charming spots to adulthood. The picture ended up being more archaic too, flamencoised, less neoclassical, which is not bad at first. The narrative composition changed by adding the small snake, which shares the condition of Marie-Sabina, discovered under a rock.»

[3]
«I'm really influenced by the classics, the entire Renaissance, Baroque, German, Flemish and Italian. There are interesting people until the nineteenth century, then in the twentieth century with the Impressionists everything falls. Me I can afford to be too critical because I am an artist. I can criticize Duchamp because I feel it, and I think that is good to me because it puts me in one place. Otherwise I would not have the patience to be a month working in a painting because I would think that anything goes and everything is acceptable.»

[4]
«There are 3 artists that interest me a lot and are contemporary: one is Odd Nedrum, a Norwegian with many influences of Rembrandt, very good, another is Dino Valls, a Spaniard with whom we share an exhibition in Barcelona, and the other, closer, whose work we knew with Caesar Menegazzo in MiArt, is an Italian named Nicola Samorì working on copper plates is an ancient technique. Three artists with great international recognition that make a virtuous figuration.»

[5]
«I was always awed by realism, it just seemed magical to me, more meaningful somehow than photo or film, the fact that those images could come from someone's hands. I remember, as a child, cutting my finger with the edge of a page from a big book my mother had of Dalí, and with the pain and surprise of being cut by paper came an association of painting as holding a dangerous power, that of surpassing reality, and the threat that I was disclosing some sort of secret you couldn't get away from unharmed. After surrealism I was impressed by some illustrators, but what I appreciated was always the capacity to mirror the natural world and play with it, and the impression of something added to it. As I was exposed to great art of the past I soon assessed the XX century for its true value, beginning of course to be blowed away by the italians, all the regular ones, and later came to admire things in the dutch and flemish that were not to be found elsewhere. I set for myself high standards for what I meant to be as an artist, ingenuous to the distance between the world Dürer moved in and my own, which ingenuity I kept and was crucial later in allowing me to be stubborn and only feel judged by an over-arching Art History that made any other opinion quite meaningless, in regard to my own pictorial mission. I will for the record mention Holbein, Bronzino, Fra Angelico, Ribera, Bougereau...»

[6]
If as Ernst Gombrich reminds us "art feeds more from art than from nature," Gabriel Grün's work is presented as a good example to test this hypothesis. His series "Alter Ego", in which the painter develops a diverse set of self-portraits "in the manner" of those whom he recognizes as his masters, introduces us to a world of questions related to the problem of creativity, the appropriation of pictorial traditions, the persistence of iconography and the place occupied by the practice of the trade.
Masters of Western painting as Bosch, Memling, Van Eyck, Leonardo, Durer, Holbein, Caravaggio and Ribera are revisited with an intention not without sincerity on some aspects of the imprint of those in the creative processes of Grün. His contemporary look analyzes, disassembled and crumbling, places it according his own daily lives, through accurate and microscopic monitoring of the ways in which they are presented, then search into his own world of images, signs, ideas and symbols. In this sense, the appeal of the quote seems to go beyond the tribute.
Gabriela Siracusano, 2007

[7]
«In that time a certain syntax of painting took form, the way trees were painted or skin rendered could be followed from town to town and master to apprentice conforming true genealogies of styles. My taste for what painters could do with this alphabet came from an early exposure to high art, mainly, but that wouldn't explain it, it seems like a world controlled, you can learn the letters and then make poetry with them, the effects and achievements principally bring joy, and when you understand you can produce this yourself, it becomes unavoidable, even if it doesn't loose that trait of danger, as in painting, painting for real, there's no space to hide or dissimulate any aspect of your character. I want to create that kind of images too, the kind that sticks to your eye and mind, no matter the context or purpose to which it was created. You are not a slave to this complex succession of painters, you can still put your model in front of you and just do your best to pass along that visual impression to the canvas or panel... But in truth there will always be a learned language, composition, shreds of some school of painting or other, besides, the material imposes its times and possibilities, the conditions for creation.»

[8]
«Beauty is paradoxical. You might think it complex but it's actually staggeringly simple when exposed to it. Unconventional beauty allows me to explore the paths of the mind affected by it, by forcing beauty to be perceived in places and configurations you wouldn't expect. My model for the female body has been exclusively the sculptress Lorena Guzmán, so there should be some kind of answer in that. I play freely with the variations of beauty that arise anew each time the tension builds towards an unique figure, with its unique kind of perfection. Beauty makes you shiver, it is unquestionable and grows as stereotypes vanish. It asks something of you, being vulnerable to it means you are alive and have the capacity to trascend the ordinary. There's not a physical type or mark for it, it is a mixture, has to do with what you bring to it too, it is an encounter, that's why you seldom come out of it the same and unharmed. The pretense to capture it in painting explains why it constitutes a risky exercise, you disclose a lot of yourself in interpreting, and chance Beauty's anger for the exposure.»

[9]
«I favor presenting the figure isolated in an iconic manner, regardless of what I do with the background. I don´t do so well with long narratives, preffering some detail to point to a supposed context. My figures stand alone, meeting the viewer´s gaze, as in allegorical paintings or Tarot cards, the siluette is not cut and the composition quite static, usually. It´s all quite frontal, with little place for ambiguities, my interest in ancient greek religion is grnuine, but it seldom shows in my paintings, I use Mythology in a conventional way, mostly being inspired by its role and use in Art History itself, not in the way a recreacionist like Alma-Tadema would have. Landscapes are generical, props in the manner of the flemish twisting rivers and hilltops Michelangelo dismissed, but even so I search for beauty in the formulaic. The actual portrait appears in the guise of the self-portrait, which I use time and again, I never tire. What´s really important in painting is how you do it, not even the ideas, but the manner, that makes a Madonna stand alone between ten thousand, the mystery is there, in the way an image sticks and won´t be taken out of your head. Themes you adore you can find boring, and be transfixed by an example from a genre you had little regard for. As a painter you have a limited anount of work that is yours to do, so the feeling of urgency is ever-present, the sense of debt you have when you perceive art practice as something personal and meaningful. In pretending to use this old language I´ve had to learn its techniques, what pigments were used and for what purpose, the grinding, layering, glazing... the order and materials place limits that are really the only place where you can aspire to master the craft, expressing something is an issue for later.»

[10]
«A work in which I inquired on the status of a restless figure, fragile, but choosing a path, cross a bridge and looks at us over his shoulder, as if we disturb an intimate ritual.»
About the work that inspired this painting, the one you can see when the side panels of "The Hay Wain" by Hieronymus Bosch (see above) is closed, Gabriel says:
«(...) I refrained from see them recently to serve as a distant and general inspiration for the painting, as a hazy North toward which I address without contaminate me directly and making its memory guide me.»

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