Textos en inglés más abajo, marcados con [*] en cada párrafo /
Text in english below, marked with [*] in each paragraph.
_____________________________________________________________
Nicola Verlato
Nicola con su obra "Coge el camino a ninguna parte" / with his work "Take the Road to Nowhere"
Nicola Verlato es un notable artista italiano nacido en Verona en 1965.
Se considera casi autodidacta, pero sin embargo entre los 9 y los 14 años pasaba todos los veranos en el estudio de un pintor de monos (Fra' Terenzio), en un monasterio cercano a su pueblo en el noreste de Italia, donde él considera que aprendió a dibujar en un estilo académico.
Su primera muestra seria fue a los 15 años en el Ayuntamiento de Lonigo, una exposición en colaboración con otros dos artistas de la zona. Nicola también se instruyó en música clásica desde los 9 años (guitarra clásica, laúd, piano y composición) en el conservatorio de Verona. Más tarde el rock atrajo su atención, y tocó la guitarra eléctrica, bajo, sintetizadores, compuso canciones, jingles y bandas de sonido para documentales. También estudió arquitectura en la Universidad de Venecia, donde vivió casi trece años pintando retratos y escenas alegóricas para la aristocracia local y los extranjeros que llegaban a vivir a la ciudad. Durante este período en Venecia trabajó con casi todo lo que estuviera conectado con el dibujo: diseño escénico, decoraciones temporales, ilustraciones, cómic, storyboard, etc.
Alrededor de los 28 años comenzó a interesarse en el arte contemporáneo y, consecuentemente, a exponer en numerosas galerías en Italia y el extranjero, en muestras individuales y colectivas. [1]
Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Coge el camino a ninguna parte / Take the Road to Nowhere"
Óleo sobre lino / oil on linen, 149,8 x 243,8 cm., 2012
Colección Privada (Milán, Italia) / Private Collection (Milan, Italy)
"Bajo ataque 5 / Under Attack 5", vinílico sobre panel de madera / vinyl on wood panel, 50,8 x 40,6 cm., 2015
Serie "Madres" / Mothers Series
"Sueño de una noche de verano: con / A Midsummer Night's Dream: Featuring
Julie Atlas Muz, Freewheelin Franklin & Davy Crockett"
Óleo sobre lino / oil on linen, 203,2 x 101,4 cm., 2005. Colección Privada, Italia / Private Collection, Italy
Serie "Martirios y Mitos" / Martyrdoms and Myths Series
"La profunda religiosidad del capitalismo / The Deep Religiosity of Capitalism"
Óleo sobre lino / oil on linen, 133 x 100 cm., 2003.
Colección Helgesen (Oslo, Noruega) / Helgesen Collection (Oslo, Norway)
Serie "Martirios y Milagros"
«La inspiración para esta serie de pinturas me viene de mi interés por la iconografía. Quería verificar cómo funcionarían las viejas estrategias compositivas de los antiguos Maestros, aplicadas a los "martirios" de nuestro tiempo. Es como decir que la manera de componer pintura de la era barroca es para mí una herramienta para revelar la continuidad de las narrativas de nuestro tiempo con las del pasado.» [2]
"Una nueva era está llegando / A New Era is Coming"
Óleo sobre lino / oil on linen, 162,5 x 203,2 cm., 2006.
Colección Privada (Brescia, Italia) / Private Collection (Brescia, Italy)
Serie Pop pagano / Pagan Pop Series
"Pop pagano / Pagan Pop", óleo sobre lino / oil on linen, 177,8 x 127 cm., 2013
Colección privada (París, Francia) / Private collection (Paris, France)
Serie "Madres" / Mothers Series
"Madres / Mothers", óleo sobre lino / oil on linen, 106,6 x 162,5 cm., 2005
Colección privada, Italia / Private Collection, Italy
Serie "Madres"
«Creo que ha sido el más exitoso de mis grupos de pinturas hasta el momento. Probablemente mucha gente considera estas pinturas como mi marca de artista: una composición arremolinada con locas chicas desnudas flotando en un espacio lleno de objetos y escombros...
Creo que lo más interesante de estas pinturas es la ambigüedad con la que han sido recibidas. Alguna gente piensa que fueron hechas por una mujer (mi nombre en Estados Unidos puede pasar por uno de mujer), y por ende las interpretan como una declaración feminista, mientras que otra gente ve en ellas el resultado de una mentalidad misógina... Afortunadamente la mayoría de los espectadores las abordan como la materialización en pintura de algún tipo de visiones. En todo caso, siempre me interesa provocar controversia con mis pinturas.» [3]
Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Punto de ruptura 1 / Breaking Point 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58,4 x 91,4 cm., 2012
Colección Privada (Chicago, Illinois, EE.UU.) / Private Collection (Chicago, IL, USA)
Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Punto de ruptura 4 / Breaking Point 4", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,9 x 91,4 cm., 2012
Colección Privada (Londres, Inglaterra) / Private Collection (London, England)
Tras pasar 7 años en Milán, donde se creó una firme notoriedad en Italia, en 2004 decidió mudarse a Nueva York. En los últimos años expuso principalmente en Nueva York y en varias galerías y museos estadounidenses, de Italia y Noruega, pero también en India y Alemania, Holanda y otros países europeos. Participó con una instalación de pinturas y esculturas como representante del pabellón italiano en la Bienal de Venecia de 2009. Desde 2011 vive y trabaja en Los Ángeles. [4]
Serie "Un disparo" / One Shot Series
"Otro episodio de violencia en la eterna lucha entre las palabras y las imágenes /
Another Episode of Violence in the Eternal Fight Between Words and Images"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 91,4 x 121,9 cm., 2011
Colección Privada (Nueva York, EE.UU.) / Private Collection (NY, USA)
"Skateboarder 2", óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 81,2 x 81,2 cm., 2015
Colección privada (Washington, EE.UU.) / Private collection (Washington DC, USA)
«La pintura al óleo es tan sólo una parte de los diferentes materiales que utilizo para pintar. Es extremadamente útil para ciertas cosas, y para mí es imprescindible utilizarla para obtener esa clase de sutilezas de luz y sombras, imposibles de obtener con otras técnicas... Me gusta utilizarla sobre una construcción muy precisa hecha con carboncillo o colores acuosos, colores oleosos extendidos sobre las líneas del carboncillo o pinceladas suaves y sensuales. El único problema con el óleo es lo lento que seca...» [5]
Serie "Madres" / Mothers Series
"Madres II / Mothers II", óleo sobre lino / oil on linen, 182,8 x 182,8 cm., 2005
Colección Privada (Nueva York, EE.UU.) / Private Collection (NY, USA)
Serie Pop pagano / Pagan Pop Series
"De Madonna a Madonna / From Madonna to Maddona", óleo sobre lino / oil on linen,182,8 x 127 cm., 2013
Colección Privada (París, Francia) / Private Collection (Paris, France)
Madonna en "El Hurgador" / in this blog:
«Creo que la diferencia [entre pintura e ilustración] radica tan sólo en un diferente abordaje compositivo. La ilustración es una pintura hecha para un medio específico, el papel impreso: libros, revistas o periódicos. Se entiende que es siempre un soporte visual para un texto.
La pintura está hecha para otro medio, que es principalmente una pared en un espacio real, y generalmente no sustenta texto alguno. Es una imagen que se explica por sí misma.
Componer una imagen como ilustración difiere de componer una pintura porque la relación entre la imagen y el espectador cambia entre dos medios diferentes. En la ilustración el espectador se reduce tan sólo a sus ojos. En la pintura, todo el cuerpo del espectador se involucra en la experiencia de estar en el espacio y mirando la pintura.» [6]
"Ataque al asentamiento / Attack on The Settlement", óleo sobre lino / oil on linen, 81,2 x 106,6 cm., 2015
Colección privada (Copenague, Dinamarca) / Private collection (Copenhagen, Denmark)
Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Punto de ruptura 9 / Breaking Point 9", óleo sobre lino / oil on linen, 91,4 x 60,9 cm., 2013
Colección Privada (Los Ángeles, EE.UU.) / Private Collection (LA, USA)
«Comencé a pintar al óleo cuando tenía 7 años, y a vender pinturas a los 9... lo gracioso es que no creo haber cambiado del todo desde entonces... Sólo intento mejorar, pero mis ídolos siguen siendo los mismos: Carvaggio, Michelangelo, Corregio, etc... Es verdad que he cambiado mucho respecto a los temas; cuando era un pibe mis pinturas eran sobre historias religiosas: crucifixiones, resurrecciones, etc., a pesar de no haber recibido educación religiosa de mi familia.
Lo que ha cambiado ahora es que encuentro esa misma clase de intensidad de aquellos temas religiosos en la narrativa de las mitologías de nuestro tiempo.» [7]
Serie Pop pagano / Pagan Pop Series
"La aparición de la pintura encantada / The Haunting of the Haunted Painting"
Óleo sobre lino / oil on linen, 111,7 x 203,2 cm., 2014
Colección privada, Italia / Private Collection, Italy
Serie "Un disparo" / One Shot Series
"Triste pero cierto / Sad But True", óleo sobre lino / oil on linen, 121,9 x 81,2 cm., 2012
Coleción privada (Nueva York, EE.UU.) / Private collection (NY, USA)
«No me importa la realidad en sí misma. Estoy interesado en la forma como la percibimos y manipulamos a través de modelos y representaciones. Así, el entorno estético de un videojuego es muy similar a alguien trabajando con mis métodos e intenciones: el dibujo como principio constitutivo de la pintura, las imágenes como resultado de la construcción de un modelo en lugar de un documento de la realidad, etc...
Es más, creo que los videojuegos son la mejor prueba del retorno a la representación en el mundo occidental, impulsado por la tecnología digital, tras casi dos siglos de imágenes y documentos. Gracias al software 3D y el mercado del entretenimiento, estamos volviendo a la senda estético-cognitiva de la representación y los modelos. Cuando un videojuego es exitoso, es capaz de difundir una visión específica del mundo. Por ejemplo, la forma como una hoja es diseñada, está determinada por el software que se utiliza. Ese software puede establecer un standard estético, cambiando la forma como se pinta una hoja. De la misma manera, cuando Piero della Francesca pintaba un hoja o, digamos, una montaña, estaba compartiendo una visión del mundo sustentada por el sistema cultural en el que vivíva y trabajaba. En resumen, los videojuegos producen nuevos modelos y estándares estéticos, y yo estoy interesado en esos estándares.» [8]
Serie "Un disparo" / One Shot Series
"Si / If", óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 91,4 x 121,9 cm., 2011
Colección Vaf Stiftung (Milán, Italia) / Vaf Stiftung collection (Milan, Italy)
"Los colonos / The Settlers", vinílico y óleo sobre lino / vinyl and oil on linen, 167,6 x 182,8 cm., 2015
Colección privada (Berlín, Alemania) / Private collection (Berlin, Germany)
«Yo tan sólo pinto lo que excita mi imaginación. Mi obra trata de los cuerpos, la narrativa y así sucesivamente. Sobre mitologías, específicamente mitologías de nuestro tiempo. Me gusta compartir información visual sobre estos fenómenos y combinarlos en un tipo de representación nuevo y más complejo, una pintura acabada en la cual la información está organizada de una forma coherente y estructurada. Esto es gracias a un proceso muy articulado que pasa por el dibujo, modelos tridimensionales en arcilla, software 3D y, finalmente, la pintura.
Incluso el uso de la tipología del retablo no es una referencia específica al período histórico del catolicismo, sino más bien a algo más profundamente incrustado en nuestros cerebros, que neurológicamente conecta esas formas con el misticismo. El catolicismo utiliza esos formatos por su habilidad para crear reacciones emocionales específicas. Sin embargo, las mismas formas fueron utilizadas en tiempos neolíticos en estructuras de culto, y aún son utilizadas por las tribus Barasana del Amazonas con el mismo propósito.» [9]
Serie "Madres" / Mothers Series
"No hay lugar como el hogar / There's No Place Like Home", óleo sobre lino / oil on linen, 203,2 x 238,7 cm., 2006
Colección privada (Milán, Italia) / Private Collection (Milan, Italy)
"No hay lugar como el hogar / There's No Place Like Home", óleo sobre lino / oil on linen, 203,2 x 238,7 cm., 2006
Colección privada (Milán, Italia) / Private Collection (Milan, Italy)
_______________________________________________________________
Fuentes / Sources:
* Biografía en su / Biography in his Website
* Una visión del mundo. Entrevista del crítico de arte / A vision of the World. Interview by the Art Critic
Domenico Quaranta. Art Pulse
* Entrevista de / Interview by The Blind Architect, Jul., 2012. Empty Kingdom
_______________________________________________________________
Fuentes / Sources:
* Biografía en su / Biography in his Website
* Una visión del mundo. Entrevista del crítico de arte / A vision of the World. Interview by the Art Critic
Domenico Quaranta. Art Pulse
* Entrevista de / Interview by The Blind Architect, Jul., 2012. Empty Kingdom
_______________________________________________________________
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nicola!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nicola!)
En este video (en italiano) podemos ver a Nicola hablando sobre su obra, formación, proyectos y en acción. Presten atención al proceso creativo, partiendo de bocetos tradicionales, dibujos, esculturas, modelos 3D por ordenador, para llegar por fin a la pintura. El video alterna un time-lapse de la creación de su gran lienzo "Burzum".
Colección Vaf Stiftung (Milán, Italia) / Vaf Stiftung Collection (Milan, Italy)
In this video (in Italian) we can see Nicola talking about his work, training, projects and at work. Pay attention to the creative process, starting from traditional sketches, drawings, sculptures, 3D computer models to finally create the paint. The video alternates a time-lapse of the artist at work with his large canvas "Burzum".
Textos en inglés / English text
[1]
Nicola Verlato is a remarkable artist born in Verona, Italy on the 19th of February 1965. His artistic education has been quite unorthodox, he consider himself almost self thought, however, from 9 to 14 ,he spent every summer at the studio of a monk-painter (Fra' Terenzio) in the monastery nearby his village in northeast Italy, he consider that the place where he learned how to drawing in the academic style.
His first serious show was at the age of 15 in the town hall of Lonigo, a 3 person show in collaboration with other 2 artists of the area. Nicola has been also trained in classical music from the age of 9 ( classic guitar, Lute, piano and composition) at the conservatory in Verona, later, he drove his attention toward rock music playing electric guitar, bass, sinths, composing song, jingles and soundtracks for documentaries. He also studied architecture at the university of Venice where he lived for almost 13 years painting portraits and allegorical scenes for the local aristocracy and the affluent foreigners living in that city. During this period in Venice he worked on almost everything that was connected with drawing: stage design, temporary decorations, illustrations, comics, storyboard etc. Around 28 he started to be interested in contemporary art, and, consequentially, to show in numerous gallery in Italy and abroad in solo and group shows.
[2]
Martyrdoms and Miracles Series
«The inspiration for this series of paintings came from my interest in iconography. I wanted to verify how the old compositional strategies of the old masters would have worked applied on the ‘martyrdom’s’ of our time, it is like to say that the way to compose the painting of the baroque era is for me a tool to reveal the continuity of the narrations of our time with the ones of the past.»
[3]
Mothers Series
«I think it has been the most successful of all my groups of paintings until the present moment, probably many people consider those paintings as my trademark: swirling composition with naked crazy girls floating in a space filled with objects and debris…
I think that the most interesting thing about those paintings is the ambiguity with which they have been received. Some people thought that they were made by a woman (my name in America could be believed to be a female one) therefore they interpret them as a feminist statement, while, other people, saw them as the result of a misogynist mentality… fortunately the majority of the viewers approach them as the materialization into painting of some kind of visions, anyway, I’m always interested in provoking controversies with my paintings.»
[4]
After spending 7 years in Milan, where he created his well grounded notoriety in Italy, in 2004 decided to move to NY city. In these last years he showed principally in NY city and in various galleries and museum around the States, Italy and Norway, but also in India as well as Germany, Holland and other Europen countries. He participated with an installation of paintings and sculptures as a representative of the Italian Pavillion at the 2009 Venice Biennale. Since 2011 Nicola Verlato lives and works in Los Angeles.
[5]
«Oil paint is just a part of the different materials i’m using to make a painting, it is extremely useful for certain things, and to me is mandatory to use it to get those kind of subtleties of light and shadows impossible to obtain with other techniques…I like to use them over a very precise construction made with charcoal or water based colors, oil colors spread over the lines of the charcoal or the brushstrokes in such a soft and sensual way, the only problem of oil paint is how slow it takes to dry...»
[6]
«I think the difference [between painting and illustration] stands only in a different compositional approach. Illustration is a painting made mainly for a specific media, printed paper such as books magazines or newspapers, it is also always intended to be a visual support for a text.
Painting is made for another media, which is mainly a wall in the real space and usually it doesn’t support any text at all, it is a self explanatory image.
Composing an image as an illustration differs from composing a painting because the relationship between the image and the viewer’s change between the 2 different media. In illustration the viewer is reduced just to his eyes, in painting the entire body of the viewer is involved into the experience of being in the space and looking at the painting.»
[7]
«I started to paint in oil when I was 7, and to sell paintings when I was 9…the funny thing is that I don’t think I have changed at all since then…I was just trying to get better, my idols are still the same, Caravaggio, Michelangelo Correggio etc…It’s true that I changed a lot about subject matter, when I was a kid all my paintings were about religious stories: crucifixions, resurrections etc even despite I haven’t received a religious education form my family.
What changed now is that I found the same kind of intensity of those religious themes in the narrative of our time mythologies.»
[8]
«I don’t care about reality itself; I’m interested in the way we perceive it and manipulate it through models and representations. Thus, the aesthetic environment that video games shape is very akin to somebody working with my methods and intentions: drawing as the painting’s constitutive principle, images as the result of a model’s construction instead of as a document of reality, etc.
Moreover, I think video games are the best proof of the return of representation, fostered by digital technology, in the Western world after almost two centuries of images as documents. Thanks to 3D software and the entertainment market, we are getting back to an aesthetic-cognitive path of representations and models. When a video game is successful, it’s able to spread a specific vision of the world. For example, the way a leaf is designed is determined by the software used: that software can set an aesthetic standard, changing the way I paint a leaf. In the same way, when Piero della Francesca painted a leaf or, let’s say, a mountain, he was sharing a vision of the world supported by the cultural system in which he was living and working. In short, video games are producing new aesthetic standards and models, and I’m interested in these standards.»
[9]
«I’m just painting what excites my imagination. My work is about bodies and narrative and so forth, about mythologies, specifically mythologies of our time. I like to gather visual information about these phenomena and combine them together in a new and more complex kind of representation, a very finished painting in which all the information is organized in a coherent and structured way. This is thanks to a very articulated process that passes through drawing, three dimensional models in clay, 3D software and finally painting.
Even the use of altarpiece typology is not a reference to a specific historical period of Catholicism, but rather to something deeply embedded in our brains, which neurologically, connects these kinds of shapes with mysticism. Catholicism just used these formats for their ability to create specific emotional reactions; however, the same shapes were used in neolithic times in cult structures, and are still used by the Barasana tribes of the Amazon River for the same purpose.»
Espectacular la obra.
ResponderEliminar