Este post está construido con las imágenes e información que me ha ido proporcionando periódicamente Mafa Alborés, quien desde su blog "El animal invisible" realiza una impagable tarea de difusión y análisis de antrozoología artística, con la que disfrutamos desde hace mucho tiempo. Además de los habituales apuntes biográficos sobre los artistas seleccionados, incluyo fragmentos de los textos con que Mafa contextualiza las imágenes en sus artículos.
This post is built with the images and information that Mafa Alborés has been providing me periodically. From his blog "The invisible animal" he performs an invaluable task of diffusion and analysis of artistic anthrozoology, which we have enjoyed for a long time. In addition to the usual biographical notes on the selected artists, I include fragments of the texts with which Mafa contextualizes the images in his articles.
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Manuel Ángel ("Mafa") Fernández Alborés
(Nigrán, Pontevedra, Galicia, España / Spain)
Mafa Alborés es un profesor de artes plásticas y artista multimedia que vive en Barcelona, con un amplio currículum que se puede consultar aquí.
En el año 2015 desarrollaba el proyecto "El Animal Invisible: huellas, indicios y vestigios", que, según decía, "sirve para ilustrar el mundo crítico de la imagen de la naturaleza, el mismo en el que nos sumergimos a través de los contenidos habituales de este blog, y al que he decidido jugar como una propuesta creativa y crítica a la vez." Como compañero en esta propuesta escogió a su hijo, por entonces de 8 años, Pau, en lugar de sus alumnos. La razón fue que "por algún misterioso motivo, como yo a su edad, es un apasionado de todo lo relacionado con los animales reales o fantásticos, y con la zoología, y hace años, cuando apenas tenía cinco, me dijo que lo que sabemos de los seres prehistóricos es a través de los fósiles, y lo que sabrán los futuros habitantes del planeta de nuestra existencia y de la de los actuales animales será a través de restos de juguetes y fotografías. No consigo expresarlo tan bien como él lo hizo en su momento, pero he seguido dándole vueltas en mi cabeza y me he puesto a jugar con él para demostrar juntos cuánta razón tiene, y lo confuso que resulta el exceso de información visual.
Para ello hemos fotografiado, escaneado, construido dioramas, modelado pseudofósiles con improntas de ejemplares zoológicos reproducidos por Papo y Schleich, elaborado iluminaciones de pequeños decorados, observado el aspecto de las imágenes de las cámaras espía de la fauna salvaje, reproducido detalles de reproducciones zoológicas de todo tipo, en una especie de distorsión intencionada del concepto de vestigio como algo directo, ya que la era de la reproductibilidad y transformación de las imágenes nos lleva a interpretarlas de modo cada vez más ambiguo, como ya ha demostrado repetidamente Joan Fontcuberta. Es sólo un pasatiempo, pero ofrece resultados como mínimo curiosos.
Una manera divertida de pasar el rato mientras un crío aprende fotografía divirtiéndose y jugando, y el crío soy yo."
Como parte de este proyecto encontramos la pieza que me interesa para encabezar este artículo:
Mafa Alborés is a plastic arts teacher and multimedia artist living in Barcelona, with a wide curriculum you can check out here.
In 2015 he developed the project "The Invisible Animal: Imprints, Signs and Traces", which, he said, "serves to illustrate the critical world of the image of nature, the same world in which we are immersed through the usual contents of this blog, and which I have decided to play as a creative and critical proposal at the same time". As a partner in this proposal he chose his son, then 8 years old, Pau, instead of his students. The reason was that "for some mysterious reason, like me at his age, he is passionate about everything related to real or fantastic animals and zoology, and years ago, when he was barely five, he told me that what we know about prehistoric beings is through fossils, and what the future inhabitants of the planet will know about our existence and that of today's animals will be through the remains of toys and photographs. I can't express it as well as he did at the time, but I've kept turning it over in my head and playing with it to show together how right he is, and how confusing the excess of visual information is.
To do this we have photographed, scanned, built dioramas, modelled pseudo-fossils with imprints of zoological specimens reproduced by Papo and Schleich, elaborated illuminations of small sets, observed the appearance of images from wildlife spy cameras, reproduced details of zoological reproductions of all kinds, in a kind of deliberate distortion of the concept of vestige as something direct, since the era of the reproducibility and transformation of images leads us to interpret them in an increasingly ambiguous way, as Joan Fontcuberta has repeatedly demonstrated. It is only a hobby, but it offers curious results to say the least.
A fun way to pass the time while a kid learns photography having fun and playing, and the kid is me".
As part of that project we found the piece I'm interested in to head this article:
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Estela de Castro
(Madrid, España / Spain, 1978-)
Estela de Castro es un fotógrafa y docente española especializada en fotografía de retrato. Su trabajo está vinculado con los derechos humanos y de los animales.
Comenzó sus estudios de fotografía con 15 años en la escuela "Look” de Madrid, en la que estuvo 7 años. También se formó a través de talleres y cursos con los fotógrafos Javier Vallhonrat, Óscar Molina, Eduardo Momeñe, Valentín Vallhonrat, Manuel Outumuro y Sofía Moro. Trabajó como ayudante de fotógrafo durante un año en los estudios Ciclorama (Madrid).
Entre 2017 y 2019 desarrolló su proyecto Zoocosis en colaboración con Juan Cañamero. Se trata, como apunta Mafa, de "un áspero muestrario acerca del síndrome padecido por los animales en cautividad de diversos parques zoológicos. Nada nuevo desde el punto devista proyectual en general, pero sí muy destacable y especialmente considerable en la producción de de Castro."
Con este trabajo participó en el proyecto Capital Animal, dirigido por Rafael Doctor, que se expuso en Casa Encendida (Madrid), en el Centre del Carmen (Valencia), en el espacio Las Cigarreras (Alicante), en el Festival Revela-t (Barcelona) y en el espacio Est_Art (Madrid).
Sobre Zoocosis Estela de Castro escribe:
"El antropocentrismo provoca que el ser humano se crea el Dios de la Naturaleza.
Con ello siente que tiene el derecho de encerrar animales salvajes dentro de una especie de maqueta llamada Zoo.
Un mundo irreal que ha creado con la excusa de la conservación de algunas especies y la educación en el respeto hacia los animales.
Pero es una educación errónea, ya que los niños y niñas lo único que aprenden es que el ser humano tiene derecho de privar a los animales de su libertad en su propio beneficio.
Esta falta de libertad provoca conductas estereotipadas y repetitivas generadas por el estrés, la soledad y la apatía, dando lugar a un síndrome llamado Zoocosis.
Durante más de dos años hemos acudido a varios Zoos, principalmente el Zoo de Madrid y hemos podido descubrir en primera persona cómo la mayoría de los animales padecen este síndrome." Zoocosis
Zoocosis. "Tristeza infinita / Infinite Sadness", Zoo de Barcelona
Estela de Castro is a Spanish photographer and teacher specialized in portrait photography. Her work is linked to human and animal rights.
She began her photography studies at the age of 15 at the "Look" school in Madrid, where she stayed for 7 years. She also trained through workshops and courses with the photographers Javier Vallhonrat, Óscar Molina, Eduardo Momeñe, Valentín Vallhonrat, Manuel Outumuro, and Sofía Moro. She worked as a photographer's assistant for a year in the Ciclorama Studios (Madrid).
Between 2017 and 2019, she developed her Zoocosis project in collaboration with Juan Cañamero. It is, as Mafa points out, "a rough sample about the syndrome suffered by the animals in captivity in various zoos. Nothing new from the point of view of design in general, but very remarkable and especially considerable in the de Castro's production."
With this work she participated in the project Capital Animal, directed by Rafael Doctor, which was exhibited in Casa Encendida (Madrid), in the Centre del Carmen (Valencia), in the space Las Cigarreras (Alicante), in the Revela-t Festival (Barcelona) and in the Est_Art space (Madrid).
About Zoocosis Estela de Castro writes:
"Anthropocentrism causes human beings to believe they are the God of Nature.
With this he feels he has the right to lock up wild animals inside a kind of model called Zoo.
An unreal world that he has created with the excuse of the conservation of some species and the education in the respect towards the animals.
But it is a wrong education, since the only thing children learn is that human beings have the right to deprive animals of their freedom for their own benefit.
This lack of freedom causes stereotypical and repetitive behaviour generated by stress, loneliness and apathy, giving rise to a syndrome called Zoocosis.
During more than two years we have gone to several Zoos, mainly to the Madrid Zoo and we have been able to discover in first person how most of the animals suffer this syndrome." Zoocosis
Estela de Castro en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Estela de Castro. Zoocosis. El síndrome de los animales cautivos en parques zoológicos observado por la mirada del fotógrafo. Contexto y antecedentes /
Estela de Castro. Zoocosis. The syndrome of captive animals in zoos observed by the photographer's gaze. Context and background.
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Candida Höfer
(Eberswalde, Brandenburgo, Alemania / Brandenburg, Germany, 1944)
Candida Höfer es una fotógrafa alemana, residente en Colonia, y una de las representantes de la llamada Escuela de Düsseldorf, de cuya obra ya nos hicimos eco en el blog más de una vez.
"Aunque Candida Höfer es más conocida por documentar espacios arquitectónicos y edificios de uso público, merece una mención especial desde hace tiempo en El Animal Invisible por uno de sus no especialmente más recordados proyectos fotográficos, dedicado a Jardines Zoológicos.
En este trabajo afronta la composición fotográfica con exigente atención a la geometría de acuerdo a los usos más frecuentes de la fotografía de arquitectura, algo a lo que al fin y al cabo nos tiene acostumbrados en otras de sus series, como aquellas dedicadas a Bibliotecas, por ejemplo.
Hay algo turbio en la arquitectura destinada al confinamiento animal amparado en su exhibición pedagógica, y se produce una especie de aliteración de conceptos, como hábitat o habitabilidad, que no hacen sino acentuar lo inhóspito de estos espacios.
En sus fotografías, de apariencia fríamente objetiva, no sólo nos cuestionamos qué hacen los animales salvajes en un entorno urbano apenas disimulado, sino incluso qué hacemos nosotros mismos habitándolo y transitándolo. Aunque el artificio de la ciudad no sea más que lo natural en la vida humana civilizada, el intento de simular su diferencia con el mundo natural sólo consigue acentuarla." (Mafa Alborés)
Candida Höfer is a German photographer, resident in Cologne, and one of the representatives of the so-called Düsseldorf School, whose work we have already dealt with in the blog more than once.
"Although Candida Höfer is best known for documenting architectural spaces and buildings for public use, she has long deserved a special mention in The Invisible Animal for one of her not especially well-remembered photographic projects, dedicated to Zoological Gardens.
In this work she approaches photographic composition with demanding attention to geometry in accordance with the most frequent uses of architectural photography, something to which she has accustomed us in other of her series, such as those dedicated to libraries, for example.
There is something murky in the architecture destined to animal confinement protected in his pedagogical exhibition, and a kind of alliteration of concepts is produced, such as habitat or habitability, which only accentuates the inhospitable nature of these spaces.
In her photographs, which are coldly objective in appearance, we not only question what wild animals do in a barely concealed urban environment, but even what we ourselves do by inhabiting it and passing through it. Although the artifice of the city is nothing more than the natural in civilized human life, the attempt to simulate its difference with the natural world only succeeds in accentuating it". (Mafa Alborés)
Candida Höfer en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Arquitectura y fotografía. Naturaleza y artificio. Candida Höfer: "Jardines zoológicos" /
Architecture and photography. Nature and artifice. Candida Höfer: "Zoological Gardens"
Candida Höfer en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XIX)], [Aniversarios Fotografía (CIX)], [Asonancias (XXXIV)]
Más sobre / More about Candida Höfer: Wikipedia
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Manuel Vilariño
(A Coruña / La Coruña, Galicia, España / Spain, 1952-)
Manuel Vilariño es un artista visual y poeta español, Premio Nacional de Fotografía em 2007. Representó a España en la 52ª Bienal de Venecia, también en 2007.
Si bien su obra no ha sido tratada en el blog de Mafa fue él quien me presentó esta difusa y sugerente silueta de un rinoceronte fotografiada por Vilariño.
Serie "Insomne" / Sleepless Series, "Abada". facebook
Manuel Vilariño is an Spanish Visual Artist and Poet. National Prize of Fine Arts in Photography of Culture of Spain 2007. Representative of Spain in 52ª Venice Biennale, Venice 2007.
Although his work has not been discussed on Mafa's blog, it was he who introduced me to this diffuse and suggestive silhouette of a rhinoceros photographed by Vilariño.
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Andoni Bastarrika
(Azpeitia, Guipúzcoa, País Vasco, España / Basque Country, Spain, 1970-)
De nacionalidad vasca, este escultor ha estado realizando estas impresionantes obras de arte por las playas de Euskadi desde hace 10 años. Obtuvo el reconocimiento internacional después de que una foto de una de sus esculturas de arena, un toro sentado de tamaño real, se volvió viral en Reddit. La gente no podía dejar de hablar de lo realista que parecía la escultura, desde la sutil definición muscular hasta los detalles de arena en forma de pelo en la frente.
Según contó a uztarria.com, Bastarrika comenzó a experimentar con esculturas de arena en 2010 como una forma de entretener a los niños cuando iban a la playa. La respuesta fue tan positiva que comenzó a centrarse más en esta forma de arte recién descubierta, desarrollando sus propias técnicas a medida que avanzaba. Antes de darse cuenta, se había hecho un nombre como escultor de arena.
Para realizarlas, las herramientas de trabajo que suele usar son muy simples. (20 minutos)
«A Andoni Bastarrika podríamos conectarlo con trabajos de artistas que han explotado la carga simbólica de criaturas marinas varadas en la playa pero Bastarrika, aunque trabaja con múltiples materiales naturales y no sólo esculpe o modela, es conocido sobre todo por sus efímeras esculturas de arena.
Tal vez por su uso de la tierra de forma tan básica podríamos recordar las técnicas del Raku de Leslie D. McKenzie, pero precisamente aquí no hay cocción ni permanencia de las piezas.
De forma sencilla, honesta y directa deja que sea tan sólo su habilidad y sus personales trucos para que los volúmenes no se caigan hasta que la marea no se las lleve lo que capte la atención del espectador, consciente de que lo que está viendo está a punto de desaparecer, y le recuerda que lo que representa, también.
Esta manera de trabajar hace que el resultado final sea meramente la documentación fotográfica y videográfica de sus piezas, y la constatación de algo que fué, o aparentó ser, y ya no es, por mucho que siga existiendo en las redes en forma de archivo digital de imágenes.
Este espíritu traspasa en cierto modo incluso su producción en materiales no efímeros, como sus piezas en madera, y se debate entre ambos términos en el caso de sus intervenciones en espacios naturales, dejando que sea la metereología y los fenómenos naturales los que se encarguen de reintegrar el material pictórico o escultórico y borrar poco a poco las huellas de sus imágenes, siempre conectadas con el propio entorno natural que las soporta.» (Mafa Alborés)
Of Basque nationality, this sculptor has been making these impressive works of art on the beaches of the Basque Country for 10 years. He gained international recognition after a photo of one of his sand sculptures, a life-size sitting bull, went viral on Reddit. People couldn't help but talk about how realistic the sculpture looked, from the subtle muscle definition to the hair-like sand details on the forehead.
As he told uztarria.com, Bastarrika began experimenting with sand sculptures in 2010 as a way to entertain children on their way to the beach. The response was so positive that he began to focus more on this newly discovered art form, developing his own techniques as he went along. Before he knew it, he had made a name for himself as a sand sculptor.
To make them, the working tools he usually uses are very simple. (20 minutos)
«We could connect Andoni Bastarrika with the works of artists who have exploited the symbolic load of sea creatures stranded on the beach, but Bastarrika, although he works with multiple natural materials and not only sculpts or models, is known above all for his ephemeral sand sculptures.
Perhaps because of his use of the land in such a basic way we could remember Leslie McKenzie's Raku techniques, but here there is no firing or permanence of the pieces.
In a simple, honest and direct way he lets it be only her skill and personal tricks so that the volumes do not fall until the tide takes them away which captures the attention of the viewer, aware that what he is seeing is about to disappear, and reminds him that what he represents, too.
This way of working means that the final result is merely the photographic and video documentation of his pieces, and the confirmation of something that was, or appeared to be, and is no longer, however much it still exists on the networks in the form of a digital image archive.
This spirit goes beyond even his production in non-ephemeral materials, such as his pieces in wood, and debates between both terms in the case of his interventions in natural spaces, leaving it to meteorology and natural phenomena to reintegrate the pictorial or sculptural material and gradually erase the traces of his images, always connected to the very natural environment that supports them.» (Mafa Alborés)
Andoni Bastarrika en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Animales surgidos de la arena por Andoni Bastarrika e integración de obra antrozoológica en el paisaje /
Animals emerging from the sand by Andoni Bastarrika and integration of anthrozoological work in the landscape.
Más sobre / More about Andoni Bastarrika: facebook, Diario Vasco
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Luis Pérez Mínguez
(Madrid, España / Spain, 1950 - 2014)
Luis Pérez Mínguez fue un fotógrafo español que a los quince años sufrió un accidente al saltar al mar y desde entonces padeció una paralización parcial del cuerpo o hemiparesia. Marchó a París para tratar de recuperarse y allí comenzó a iniciarse en la técnica fotográfica.
La medida en que este incidente marcó al fotógrafo resulta innegable. Su obra no es otra cosa que la muestra de un eterno camino hacia el descubrimiento de la naturaleza y el hombre. El cuerpo humano y la figura, su relación con la naturaleza, la integridad del hombre para con su oficio,... y sobre todo las fronteras donde todo ello comienza a desvanecerse, constituyen los verdaderos referentes de su obra creativa.
Portada del catálogo de la muestra en /
Cover of the exhibition catalogue. Llonja, Palma, Mallorca, Marzo / March, 1989. Blog
Luis Pérez Mínguez was a Spanish photographer who, at the age of fifteen, suffered an accident when he jumped into the sea and since then has suffered a partial paralysis of the body or hemiparesis. He went to Paris to try to recover and there he started to learn the photographic technique.
The extent to which this incident marked the photographer is undeniable. His work is nothing more than a sample of an eternal path towards the discovery of nature and man. The human body and the figure, their relationship with nature, the integrity of man for his trade, ... and above all the borders where all this begins to fade, are the true references of his creative work.
Antoni Socías Albadalejo
(Inca, Mallorca, España / Spain, 1955-)
Antoni Socías Albadalejo es un artista multidisciplinar español residente en Mallorca, cuyos trabajos contienen un compromiso social y se configuran mediante la unión de diversas técnicas como la fotografía, el vídeo, instalaciones, objetos y textos para crear espacios donde desarrollar su acción artística con una poética personal e irónica desde un ejercicio crítico y autocrítico.
Licenciado en Bellas Artes por la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona entre 1973 y 1978, otuvo en el año 1975 el Premio de pintura Joan Miró, Sala Pelaires, Palma de Mallorca. En enero de este año fue nombrado Académico de Bellas Artes de la Academia de Sant Sebastián de las Islas Baleares.
Antoni Socías & Luis Pérez Mínguez, "Charcos / Puddles", 65 x 200 cm., 1987
Antoni Socías Albadalejo is a Spanish multidisciplinary artist living in Mallorca, whose works contain a social commitment and are shaped by the union of various techniques such as photography, video, installations, objects and texts to create spaces where he can develop his artistic action with a personal and ironic poetics from a critical and self-critical exercise.
He graduated in Fine Arts from the Escola Superior de Belles Arts de Barcelona between 1973 and 1978, and in 1975 he was awarded the Joan Miró Painting Prize, Sala Pelaires, Palma de Mallorca. In January of this year he was named Academic of Fine Arts of the Academy of Sant Sebastian of the Balearic Islands.
«Antoni Socías y Luis Pérez Mínguez en su proyecto conjunto RESNOU ("Nadanuevo", realizado en 1989), integran y hacen dialogar desde el contraste (y el disparate) dioramas y paisajes reales en dípticos o trípticos cuya intención es mostrar el desquiciamiento visual.» (Mafa Alborés)
Antoni Socías & Luis Pérez Mínguez, "Palm Springs - Banyalbufar", 65 x 200 cm., 1987
«Antoni Socías and Luis Pérez Mínguez in their joint project RESNOU ("Nothingnew", made in 1989), integrate and make dialogue from the contrast (and nonsense) dioramas and real landscapes in diptychs or triptychs whose intention is to show the visual unbalance.» (Mafa Alborés)
Más sobre / More about Luis Pérez Mínguez: Wikipedia
Más sobre / More about Antoni Socías: Wikipedia
Valentín Vallhonrat Ghezzi
(Madrid, España / Spain, 1956-)
Valentín Vallhonrat Ghezzi es un fotógrafo, comisario artístico y profesor universitario español.
Estudió Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1986 colabora como fotógrafo con la revista Vogue en sus ediciones inglesa, italiana, alemana, portuguesa y japonesa. Realiza múltiples campañas publicitarias de ámbito nacional e internacional y es profesor del máster en estudios curatoriales en la Universidad de Navarra.
En los años noventa realizó tirajes especializados de fotografía para múltiples exposiciones por todo el mundo. Desde 1996 está asociado con el fotógrafo Rafael Levenfeld para el archivo, la conservación y la exposición de colecciones fotográficas. Su obra ha sido expuesta en museos como el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Multimedia de Moscú y el National Science and Media Museum en Bradford (Reino Unido), entre otros.
En 1990 recibió el premio Cecil Beaton de fotografía y en 2018 la medalla de plata del Museo Universidad de Navarra, entidad en la que participa en su dirección artística.
En esta serie Valentin Vallhonrat desarrolla un primer ensayo de comprensión de la sistematización simbólica e ideal de la naturaleza salvaje a través de los dioramas de un museo de ciencias naturales. En ellos se intenta recrear una imagen de la vida salvaje , al modo de un paisaje domesticado (por disecado) y apto para que la mirada del espectador encuentre un primer plano, imposible en la realidad, abierto a a intimidad de los animales .
Las escenografías de los dioramas en su teatralización de la vida animal pretenden también, a parte de esa recreación de carácter paisajístico , introducir la espectacularidad que supone trasladar un fragmento de las sabanas africanas o las tundras del Ártico al interior de un museo en una ciudad. Las ilustraciones detallistas que los naturalistas habían recreado la naturaleza en los libros, los dioramas en su tridimensionalidad intentan recrear una vivencia de lo lejano e inaccesible.
Valentín Vallhonrat Ghezzi is a Spanish photographer, art curator and university professor.
He studied Information Sciences at the Complutense University of Madrid. Since 1986 he has been working as a photographer with Vogue magazine in its English, Italian, German, Portuguese and Japanese editions. He has carried out many national and international advertising campaigns and is a lecturer in the Master's Degree in Curatorial Studies at the University of Navarra.
In the nineties, he produced specialized photographic prints for many exhibitions around the world. Since 1996 he has been associated with photographer Rafael Levenfeld for the archiving, conservation and exhibition of photographic collections. His work has been exhibited in museums such as the Spanish Museum of Contemporary Art in Madrid, the Andalusian Centre of Contemporary Art in Seville, the Reina Sofía National Art Centre Museum, the National Art Museum of Catalonia, the Museum of Multimedia Art in Moscow and the National Science and Media Museum in Bradford (United Kingdom), among others.
In 1990 he was awarded the Cecil Beaton prize for photography1 and in 2018 he received the silver medal from the University of Navarra Museum, an entity in which he participates in its artistic direction.
In this series, Valentin Vallhonrat develops a first essay of understanding the symbolic and ideal systematization of wild nature through the dioramas of a natural science museum. In these dioramas we try to recreate an image of wild life, in the manner of a domesticated landscape (by dissection) and suitable for the viewer's gaze to find a close-up, impossible in reality, open to the intimacy of animals.
The diorama sets in their theatricalisation of animal life also aim, in addition to this recreation of a landscape, to introduce the spectacular nature of transferring a fragment of the African savannahs or the tundras of the Arctic to the interior of a museum in a city. The detailed illustrations that naturalists had recreated nature in books, the dioramas in their three-dimensionality try to recreate an experience of the distant and inaccessible.
Hiroshi Sugimoto
杉本博司
(Tokio, Japón / Tokyo, Japan, 1948-)
Hiroshi Sugimoto es un fotógrafo y arquitecto japonés.
Comenzó su trabajo con Dioramas en 1976, una serie en la que fotografió exposiciones en museos de historia natural. Inicialmente las fotos fueron tomadas en el Museo Estadounidense de Historia Natural, un lugar al que regresó para dioramas posteriores en 1982, 1994 y 2012. Donde muchas de las primeras impresiones en gelatina de plata - incluyendo Oso Polar (1976), su primera fotografía de la serie Diorama - animales actuales, varias de las fotografías de 2012, incluyendo el Bosque Mixto Caducifolio y el Bosque Lluvioso Olímpico, se centran en paisajes naturales. La suposición cultural de que las cámaras siempre nos muestran la realidad engaña a muchos espectadores para que asuman que los animales de las fotos son reales hasta que estas examinan cuidadosamente.
"La primera vez que llegué a Nueva York en 1974, hice lo que todos los turistas. Con el tiempo visité el Museo de Historia Natural donde hice un curioso descubrimiento: los animales disecados situados ante fondos pintados parecían completamente falsos, sin embargo, echando un rápido vistazo con un ojo cerrado, toda perspectiva se desvanecía y de repente parecían muy reales. Había encontrado una manera de ver el mundo tal y como lo hace una cámara. Un objeto falso, una vez fotografiado, es tan auténtico como el real." (Hiroshi Sugimoto)
Fraenkel Gallery/The J. Paul Getty Museum. The New Yorker
Hiroshi Sugimoto is a Japanese photographer and architect.
Sugimoto began his work with Dioramas in 1976, a series in which he photographed displays in natural history museums. Initially the pictures were shot at the American Museum of Natural History, a place he returned for later dioramas in 1982, 1994, and 2012. Where many of the earlier silver gelatin prints – including Polar Bear (1976), his first photograph from the Diorama series – present animals, a number of the 2012 photographs including Mixed Deciduous Forest and Olympic Rain Forest focus on natural landscapes. The cultural assumption that cameras always show us reality tricks many viewers into assuming the animals in the photos are real until they examine the pictures carefully.
«When I first arrived in New York in 1974, I visited many of the city's tourist sites, one of which was the the American Museum of Natural History. I made a curious discovery while looking at the exhibition of animal dioramas: the stuffed animals positioned before painted backdrops looked utterly fake, yet by taking a quick peek with one eye closed, all perspective vanished,and suddenly they looked very real. I had found a way to see the world as a camera does. However fake the subject, once photographed, it's as good as real.» (Hiroshi Sugimoto)
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En referencia al trabajo sobre dioramas de Vallhonrat y Sugimoto, Mafa observa:
«Ante la contemplación de los dioramas, tanto Sugimoto como Vallhonrat reflexionan sobre la existencia del diorama como tal, y eso es lo que realmente me importa y reclama mi atención. Indudablemente lo hacen desde diferentes ópticas, nunca mejor dicho, pero ambas ópticas son fotográficas, y ambos indagan en los efectos de la existencia de la fotografía, de la cámara oscura, en analogía a la caverna platónica, sobre la credibilidad de nuestra propia percepción de la realidad.
Vallhonrat, efectivamente, se sumerge en la escena cerrando el encuadre y acortando la óptica para forzar angulares que pese a aumentar el enfoque del fondo priorizen el acercamiento de las piezas expuestas recalcando su tridimensionalidad y evocando su presencia física, pero, sobre todo, entrando en su espacio, que es un espacio de evocación y por tanto de ilusión, de vivencia cercana al sueño.
No siempre se sitúa de modo que nos veamos a la misma altura ocular que los protagonistas de la escena, no siempre introduce al espectador en la piel de otro posible animal observador, pero sí es cierto que consigue dicho efecto con los impalas, los búfalos de agua o los avestruces.
Tal vez lo que ocurre es que a Sugimoto le interesa lo que no llega de la realidad exterior a nuestra construcción interior de la realidad, analizando nuestra percepción visual acotando los límites del fuera de campo que parecería explicarlo todo, como en las fotos de Don Freeman. En ellas vemos a los operarios del museo, o los armazones generalmente invisibles que sostienen las escenografías a media construcción o a media reparación.»
In reference to Vallhonrat and Sugimoto's diorama work, Mafa observes:
«When contemplating dioramas, both Sugimoto and Vallhonrat reflect on the existence of the diorama as such, and that is what really matters to me and calls for my attention. Undoubtedly they do so from different perspectives, never better said, but both perspectives are photographic, and both investigate the effects of the existence of photography, of the camera obscura, in analogy to the Platonic cave, on the credibility of our own perception of reality.
Vallhonrat, in fact, immerses himself in the scene by closing the frame and shortening the optics to force angles which, despite increasing the focus of the background, prioritise the approach of the pieces on display, emphasising their three-dimensionality and evoking their physical presence, but, above all, entering their space, which is a space of evocation and therefore of illusion, of experience close to the dream.
It is not always situated in such a way that we see ourselves at the same eye level as the protagonists of the scene, it does not always introduce the spectator to the skin of another possible observing animal, but it is true that it achieves this effect with impalas, water buffaloes or ostriches.
Perhaps what happens is that Sugimoto is interested in what does not come from the exterior reality to our interior construction of reality, analyzing our visual perception limiting the limits of the out of field that would seem to explain everything, as in the photos of Don Freeman. In them we see the museum workers, or the generally invisible frames that support the half-built or half repaired scenographies.»
Mínguez, Socías, Vallhonrat & Sugimoto en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Rememorando los Sueños de Animal de Valentín Vallhonrat /
Remembering Valentin Vallhonrat's Animal Dreams
Hiroshi Sugimoto en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Hiroshi Sugimoto fotografiando dioramas. El cuadro dentro del cuadro y otros retos intelectuales de la fotografía naturalista. /
Hiroshi Sugimoto photographing dioramas The picture within the picture and other intellectual challenges of naturalistic photography.
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Marcel van Luit
(Groningen, Holanda / Netherlands)
Marcel van Luit nació y se crió en Groningen, una ciudad del norte de los Países Bajos.
Su viaje hacia lo que es hoy comenzó hace años de una manera muy inesperada. Marcel se desempeñaba como trabajador social y acababa de tener su primer hijo Otis. Su vida dio un giro total cuando se enfermó y le diagnosticaron EGB (Síndrome de Guillain-Barré), una enfermedad muy rara. Estuvo completamente paralizado durante mucho tiempo y después de los primeros meses en el hospital fue transferido a un centro de rehabilitación. Pasó casi un año antes de que finalmente volviera a casa. Cuando la parte superior de su cuerpo empezó a trabajar de nuevo y pasó demasiado tiempo en el centro de rehabilitación, necesitó encontrar un hobby. Todavía estaba en una silla de ruedas en ese momento. Sería un éxito si pudiera encontrar algo que le ayudara a pasar los días y que entrenara los músculos de sus manos y dedos al mismo tiempo. Así que empezó a tomar fotos con su cámara. Cada vez que su hijo pequeño venía a visitarlo, tomaba tantas fotos de Otis como podía. Lo echaba mucho de menos. Empezó a editar sus fotos en mundos de ensueño. Como Marcel no podía salir y llevar a su hijo a ninguna parte en ese momento, creó las aventuras en las que quería que estuvieran. Así es como todo comenzó. Descubrió una nueva pasión y talento dentro de sí mismo al editar diferentes fotos para completar nuevos mundos. Desarrolló su aspecto característico jugando con los tonos, la oscuridad y la luz. Para él la oscuridad y la luz pueden ir de la mano.
«Pasamos de los sueños de animales de Valentín Valhonrat a los ensueños antrozoológicos de, sin duda, un trabajo mucho más espectacular visualmente, bonitista y también mas obvio o prosaico, que no sabemos bien dónde situar.
Por un lado conecta con la irrefrenable corriente de artistas de la edición digital que inunda las redes apuntándose a cierta reivindicación naturalista, y por otro encaja en un esteticismo un tanto acaramelado de un retorno a un edén donde todas las criaturas son hermosas y conviven en armonía.
Una de esas tipologías de trabajos que colmarían las expectativas de los anaqueles de tiendas de decoración post-new-age que venden y empaquetan con lazos de productos naturales sueños supuestamente poéticos y conservacionistas. La belleza femenina como estereotipo vinculada a la madre naturaleza, los niños en convivencia idílica con hermosas fieras salvajes y otros muchos tópicos tal vez ya vistos pero sin duda defendidos con una convicción y un primoroso alarde técnico que acaba por transportarnos e invitarnos a dejarnos llevar por puro placer.
Podríamos achacar a Van Luit muchos de los tópicos que hacíamos recaer tangencialmente sobre el trabajo de mayor calado de Gregory Colbert, genuínamente fotográfico pese a sus excesos en la edición, pero Van Luit practica el fotomontaje digital desde una perspectiva casi pictórica, con ciertos visos de surrealismo de sala de bienestar económico, algo tal vez lleno de contrasentidos pero demasiado ilustrativo de los tiempos que vivimos para ser ignorado.
Además, pese a la inicial acidez con que comentamos su obra y el empalago que a menudo nos produce, seríamos hipócritas si negásemos la calidad de su ejecución o el placer estético que muchas de ellas nos producen, y, al fin y al cabo, la diversidad en el mundo del arte ha de ser aceptada como un bien necesario y no excesivamente puntilloso.
Creemos que el trabajo de Van Luit, recursos técnicos aparte, se aproxima estéticamente más al de pintores como Kate Bergin, Tiffany Bozic, Will Wilson, o tantos otros autores que hemos comentado en nuestras selecciones.» (Mafa Alborés)
Marcel van Luit was born and raised in Groningen, a city in the northern part of the Netherlands.
His journey to who he is today, started years ago in a very unexpected way. Marcel was working as a social worker and just had his first son Otis. His life turned completely upside down when he got sick and was diagnosed with GBS (Guillain-Barre Syndrome), a very rare disease. He was completely paralyzed for a long time and after the first months in the hospital he was transferred to a rehabilitation center. It took almost a year before he finally got home again. When his upper body was starting to work again and he had too much time on his hands in the rehabilitation center, he needed to find himself a hobby. He was still in a wheelchair at that moment. It would be a win-win if he could find something to get him through the days and that trained the muscles in his hands and fingers at the same time. So he started to take pictures with his camera. Whenever his baby son came to visit him, he took as many photos of Otis as he could. He missed him so badly. He started to edit his photos into dream worlds. As Marcel couldn’t go out and take his son anywhere at that time, he created the adventures he wanted them to be in. That’s how it all started. He discovered a whole new passion and talent within himself as he edited different photos in to complete new worlds. He developed his signature look by playing with tones, darkness and light. As darkness and light can go hand in hand for him.
«We go from Valentin Valhonrat's animal dreams to the anthrozoological dreams of, without a doubt, a much more visually spectacular, beautiful and also more obvious or prosaic work, which we do not know well where to place.
On the one hand, it connects with the unstoppable current of artists of the digital edition that floods the networks aiming at certain naturalistic vindication, and on the other hand, it fits in a somewhat caramelized aestheticism of a return to an Eden where all creatures are beautiful and live together in harmony.
One of those types of works that would meet the expectations of the shelves of post-new-age decoration shops that sell and package with ties of natural products supposedly poetic and conservationist dreams. Feminine beauty as a stereotype linked to Mother Nature, children in idyllic coexistence with beautiful wild beasts and many other topics perhaps already seen but undoubtedly defended with a conviction and a fine technical display that ends up transporting us and inviting us to let ourselves be carried away by pure pleasure.
We could blame Van Luit for many of the clichés that we were making tangentially fall on Gregory Colbert's most important work, genuinely photographic in spite of his excesses in editing, but Van Luit practices digital photomontage from an almost pictorial perspective, with certain hints of surrealism of an economic welfare room, something perhaps full of contrasts but too illustrative of the times we live in to be ignored.
Furthermore, despite the initial acidity with which we comment on his work and the cloying that it often produces, we would be hypocrites if we denied the quality of his execution or the aesthetic pleasure that many of them produce for us, and, at the end of the day, diversity in the world of art has to be accepted as a necessary good and not excessively punctilious.
We believe that Van Luit's work, technical resources aside, is closer aesthetically to that of painters such as Kate Bergin, Tiffany Bozic, Will Wilson, or so many other authors that we have commented on in our selections.» (Mafa Alborés)
Marcel Van Luit en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Marcel Van Luit y sus ensueños digitales antrozoológicos /
Marcel Van Luit and his anthrozoological digital dreams
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Ramon López i Ayats
(Barcelona, España / Spain, 1963-)
Como podemos leer en el blog de Mafa:
«López tiene vocación y formación como biólogo, pero como muchos naturalistas vió aumentar su creciente pasión por el medio a través de los libros ilustrados y las reproducciones zoológicas de toda índole, un aliciente más para sus aptitudes artísticas, que desarrolló desde una edad temprana.
Me gusta particularmente cómo señala este hecho mostrando en su página web una imagen de su infancia en una competición de castillos de arena en la que se le puede ver modelando la figura de un león, destacándose por ser el único volcado en recrear la imagen de un ser vivo. No puedo evitar sentir empatía con quien desde niño se aficionó a las artes plásticas por el placer de recrear y reproducir las formas de aquello que más cautivaba su imaginación: los animales.»
Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros", bronce / bronze, escala / scale 1/5. Instagram
«Este biólogo y escultor de Vilanova y la Geltrú fue socio de Gabriel Ruiz en Gàlig, una empresa fundamentalmente dedicada a las volumetrías de todo tipo pero centrada en las reproducciones naturalistas para zoológicos y museos de historia natural hasta su disolución en 1993. Desde entonces López desarrolla su propia actividad, tal vez más centrada en las reproducciones zoológicas, paleontológicas y biológicas en general, y monta su propio taller bajo el significativo nombre de Quagga en Sant Martí Sarroca.
Quagga ha realizado figuras de animales y humanos para museos de Madrid, Stuttgart, Bremen y Turín, entre otros, o para el zoo de Zurich, los acuarios de Barcelona y Liverpool.
La Fundación Dalí y la Fundación la Caixa también han recurrido a sus servicios.»
Edición de rinocerontes de bronce a escala para el Zoo de Zurich /
Bronze edition of scaled rhinos for Zürich Zoo. Instagram
"La belleza negra / The Black Beauty". Instagram
Recién salido del molde de yeso, aún con los embudos / Just out from gypsum mould, still with funnels
"Rinoceronte negro / Black Rhino". Instagram
As we can read on Mafa's blog:
«López has a vocation and training as a biologist, but like many naturalists he saw his growing passion for the environment increase through picture books and zoological reproductions of all kinds, a further incentive for his artistic skills, which he developed from an early age.
I particularly like the way he points out this fact by showing on his website an image of his childhood in a sandcastle competition in which you can see modeling the figure of a lion, standing out as the only one devoted to recreating the image of a living being. I can't help but empathize with the person who, since he was a child, was fond of plastic arts for the pleasure of recreating and reproducing the forms of that which most captivated his imagination: animals.»
"Rinoceronte de Java / Javan Rhinoceros". Instagram
Edición de rinocerontes de bronce a escala para el Zoo de Zurich /
Bronze edition of scaled rhinos for Zürich Zoo
«This biologist and sculptor from Vilanova i la Geltrú was a partner of Gabriel Ruiz in Gàlig, a company fundamentally dedicated to volumetrics of all kinds but focused on naturalistic reproductions for zoos and natural history museums until its dissolution in 1993. Since then, Lopez has developed his own activity, perhaps more focused in zoological, paleontological and general biological reproductions, and sets up his own workshop under the significant name of Quagga in Sant Martí Sarroca.
Quagga has made animal and human figures for museums in Madrid, Stuttgart, Bremen and Turin, among others, or for the zoo in Zurich, the aquariums of Barcelona and Liverpool.
The Dalí Foundation and the La Caixa Foundation have also used his services.»
"Indio, blanco y negro. 3 modelos justo antes de patinar, sólo con la primera imprimación ácida /
Indian, white & black. 3 bronze models just before patina only with the first acid primer". Instagram
Ramón López en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
Artesanía y ciencia en estado puro. Ramón López y Quagga. Recreaciones naturalistas. /
Craft and science in its purest form. Ramón López and Quagga. Naturalistic recreations.
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Wolf Ademeit
(Alemania / Germany, 1954-)
en Duisburgo / at Duisburg
Wolf Ademeit es un fotógrafo que prefiere llamarse a sí mismo un aficionado. Es dueño de una agencia de publicidad y un estudio de fotografía. Se interesó por primera vez en la fotografía cuando estudiaba el oficio de litógrafo y ha sido su pasión desde hace más de 30 años.
Dice el autor: "Sólo unos pocos fotógrafos usan la fotografía de animales en los zoológicos como una forma de arte. Creo que es una oportunidad perdida... Con mis fotos me gustaría mover la fotografía de estos animales hacia el foco de la fotografía artística y mostrar fotos que no son sólo puramente documentales."
"Frontal"
«A su manera particular, el perfeccionista Wolf Ademeit repite el recurso de los fondos negros para sus tomas de animales salvajes en libertad o en cautiverio. Los animales fotografiados en instalaciones zoológicas le permiten un mayor control de la toma, hasta cierto punto, pero elige deliberadamente puntos de vista que subexpongan completamente el fondo, cuando no lo oculta con materiales negros o lo obltera en la post producción para sesaltar las formas iluminadas del animal como esculturas surgiendo de sus nichos.»
"Rivales / Rivals"
«(...) aunque muestra un decidido interés por retratar psicológicamente a sus modelos, en una clara búsqueda de empatizar al espectador con sus fotografías, no recurre a sofisticadas sesiones de estudio, sino que se limita a buscar a los animales en el lugar más accesible para un humano urbanita: el zoológico. En este sentido lo podríamos emparentar con Manuela Kulpa, o con Britta Jaschinsky, pero no busca recrear la ilusión de un espacio salvaje, como Kulpa, ni denunciar la desubicación de la naturaleza como hace Jaschinsky (...).
De algún modo, lo que Wolf Ademeit consigue es una personal combinación de los méritos de todos los fotógrafos mencionados, centrándose exclusivamente en la expresividad física de los animales, interactuando entre sí o con el fotógrafo, como un retratado más. Sus fondos negros consiguen que sea la luz quien descubra los volúmenes escultóricos de los animales, como en las fotos de estudio de Brad Wilson, pero su sentido de la composición consigue la complicidad con el diseño gráfico y escénico de Andrew Zuckerman. Como Manuela Kulpa, conecta con la vivencia interna del animal al margen del cautiverio, pero como Britta Jaschinski, nos transmite un lacónico nihilismo, una sensación de despedida del mundo natural a cargo de sus protagonistas animales.» (Mafa Alborés)
"Trasero / Back"
Wolf Ademeit is a photographer that prefers calling himself a hobbyist. He owns an advertising agency and a photo studio. He first took interest in photography when studying lithographer's craft and it's been his passion since, for more than 30 years now.
Says the author: "Only a few photographers use the photography of animals in zoos as an art form. I think this is a missed opportunity… With my pictures I would like to move the photography of these animals in the focus of the art photography and show photos which are not only purely documentary."
«In his own particular way, the perfectionist Wolf Ademeit repeats the use of black backgrounds for his shots of wild animals in freedom or in captivity. The animals photographed in zoological facilities allow you greater control of the shot, to some extent, but deliberately choose viewpoints that completely underexpose the background, when he does not hide it with black materials or obliterates it in the post production to highlight the illuminated forms of the animal as sculptures emerging from its niches.» (Mafa Alborés)
"Pequeño rinoceronte / Little Rhino"
«(...) although he shows a determined interest in psychologically portraying his models, in a clear search to empathize the viewer with his photographs, he does not resort to sophisticated study sessions, but limits himself to looking for the animals in the most accessible place for an urban human being: the zoo. In this sense we could relate him to Manuela Kulpa, or to Britta Jaschinsky, but he does not seek to recreate the illusion of a wild space, as Kulpa does, nor to denounce the dislocation of nature as Jaschinsky does (...).
In a way, what Wolf Ademeit achieves is a personal combination of the merits of all the above-mentioned photographers, focusing exclusively on the physical expression of the animals, interacting with each other or with the photographer, as one more sitter. His black backgrounds make the light the one who discovers the sculptural volumes of the animals, as in Brad Wilson's studio photos, but his sense of composition achieves the complicity with Andrew Zuckerman's graphic and scenic design. Like Manuela Kulpa, she connects to the inner experience of the animal on the fringes of captivity, but like Britta Jaschinski, she conveys a laconic nihilism, a sense of farewell to the natural world in the hands of her animal protagonists.» (Mafa Alborés)
"Feromonas / Pheromon"
Todos los rinocerontes de Ademeit / All Ademeit's Rhinos: Website
* De George Shiras a Steve Winter. Sobre la particular estética de las cámaras espía y las "trap cameras" nocturnas y los dignos herederos del genio fotográfico. /
From George Shiras to Steve Winter. On the particular aesthetics of spy cameras and night trap cameras and the worthy heirs of the photographic genius.
* Fotógrafos y animales. Wolf Ademeit. / Photographers and animals. Wolf Ademeit
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Steve Winter
(Fort Wayne, Indiana, EE.UU./ IN, USA, 1957-)
en Nueva Jersey / at NJ
Steve Winter ha sido fotógrafo de National Geographic por más de dos décadas. Se especializa en vida silvestre, y en particular en los grandes felinos. Es un explorador de Nat Geo y ha sido nombrado Fotógrafo del Año y Fotoperiodista del Año de la BBC Wildlife. Fue dos veces ganador del Premio Internacional de Visión Global de la Imagen del Año y ganó el primer premio en la categoría de historia de la naturaleza de World Press Photo en 2008 y 2014. También ganó el 2º premio en World Press Photo 2020 en la categoría de temas contemporáneos. Ha aparecido en 60 Minutes, CBS Nightly News, NPR, BBC, CNN, NG WILD y otros medios de comunicación. Habla globalmente sobre los grandes felinos y la conservación para Nat Geo LIVE.
"A los rinocerontes siempre les gusta atacarnos en el PN Kaziranga. Tuve que hacer trabajo de carrocería en nuestro Jeep muchas veces y compré una puerta nueva una vez que un rinoceronte la rompió./
Rhinos always seem to like to charge us in Kaziranga NP. I had to get body work done on our Jeep numerous times and bought a new door once that a rhino had smashed.". Instagram
«Desde luego, si existiese un premio George Shiras a la fotografía naturalista, el mayor merecedor del galardón sería sin duda Steve Winter. Como ya dijimos en una ocasión al respecto de una de sus imágenes con machos de rinocerontes recién salidos de una refriega territorial, sus fotografías tienen un aire de despedida, de de inminente desaparición, que cargan de melancolía y poderosa belleza sus encuadres, que invitan a la inmersión en esa oscuridad a través de la que atisbamos destellos de vida colorida y de texturas geológicas y orgánicas.» (Mafa Alborés)
"Dos rinocerontes indios luchando por su territorio /
Two Indian one horned rhinos fighting for territory". Kaziranga National Park
Steve Winter has been a photographer for National Geographic for over two decades, He specializes in wildlife, and particularly, big cats. He is a Nat Geo Explorer and he’s been named BBC Wildlife Photographer of the Year and BBC Wildlife Photojournalist of the Year. He was a two-time winner of Picture of the Year International’s Global Vision Award and won 1st prize in the nature story category from World Press Photo in 2008 and 2014. And won 2nd prize in World Press Photo 2020 in the Contemporary Issues category. He has appeared on 60 Minutes, CBS Nightly News, NPR, BBC, CNN, NG WILD and other media outlets. He speaks globally on big cats and conservation for Nat Geo LIVE.
Kaziranga National Park
«Of course, if there were a George Shiras award for naturalist photography, the biggest recipient of the award would undoubtedly be Steve Winter. As we once said about one of his images with male rhinos just out of a territorial scuffle, his photographs have an air of farewell, of imminent disappearance, that charge their frames with melancholy and powerful beauty, that invite to the immersion in that darkness through which we glimpse flashes of colorful life and textures geological and organic.» (Mafa Alborés)
Rinocerontes indios pasan frente a una cámara trampa situada en el Parque Nacional Kaziranga, en India /
Indian one-horned rhinoceroses run through a camera trap set in Kaziranga National Park, India
Steve Winter en el blog de Mafa / in Mafa's Blog: Link
De George Shiras a Steve Winter. Sobre la particular estética de las cámaras espía y las "trap cameras" nocturnas y los dignos herederos del genio fotográfico. /
From George Shiras to Steve Winter. On the particular aesthetics of spy cameras and night trap cameras and the worthy heirs of the photographic genius.
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Impecable como siempre.
ResponderEliminarMuchas gracias por la mención y por incluirme en tu ilustre galería. Es todo un honor. Y, como siempre, un nuevo y jugoso aporte a la galería rinoceróntica, que por lo que veo, esta vez he colaborado indirectamente a engrosar con contenidos propios y ajenos. Me tranquilizas mucho la conciencia, porque después de todo lo que he llegado a vampirizar del Hurgador, no sabes cuánto me gusta ver una recopilación de recopilaciones del Animal Invisible, aunque muchos de los autores ya los habíamos contemplado tanto desde un sitio como del otro, o han hechos viajes de ida y vuelta, porque muchos de ellos ya me los habías descubierto tú.
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