Shirley Rebuffo nos presenta la obra del pintor y escultor argentino Daniel Dratewka, a través de una buena selección de obras y una entrevista en la que el artista nos ofrece algunas impresiones acerca de sus propia práctica creativa y otras ideas y conceptos relacionados con el arte en general.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.
Shirley Rebuffo presents the work of Argentinean painter and sculptor Daniel Dratewka, through a good selection of works and an interview in which the artist offers us some impressions about his own creative practice and other ideas and concepts related to art in general.
Text in English at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Daniel Dratewka
(Buenos Aires, Argentina, 1980-)
"Daniel en el Taller / Daniel at the Studio"
Daniel Dratewka es un artista nacido el 11 de noviembre de 1980 en Buenos Aires, Capital Federal de la Argentina. Es Técnico superior en Bellas Artes, habiendo cursado también estudios avanzados de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido. En 1997, a los 16 años, comienza a estudiar en los talleres de pintura y escultura del Centro Cultural “Eternauta” junto a su primer gran maestro, el escultor Diego Negro. Participa de varias muestras colectivas y pinta murales grupales en la Ciudad de Buenos Aires hasta el año 2002. En el 2000 obtiene una beca de Estudio de color con el maestro Carlos Gorriarena, reconocido pintor argentino. Ahora trabaja desde su propio taller en el barrio Caballito. [1]
"El beso / The Kiss", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 120 cm., 2015
"El diluvio / The Deluge", óleo / oil, 70 x 50 cm., 2001
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cuáles son tus principales referentes dentro y fuera de la Historia del Arte?
Daniel Dratewka: Picasso, Francis Bacon, Egon Schiele, H. R. Giger y Van Gogh, dentro del ámbito de la pintura.
Me considero un cinéfilo, seguidor incondicional de Tarantino y de Lars von Trier.
Fuera de lo que es el ambiente artístico, admiro la cabeza y el profesionalismo de Michael Jordan y me confieso adicto a la sitcom de Jerry Seinfeld. [2]
"Mario", óleo sobre madera / oil on wood, 70 x 50 cm., 2001
"Niña llorando / Baby crying", óleo / oil, 70 x 50 cm., 2001
"La cría. Criatura / The Baby. Creature", técnica mixta / mixed media, 2020
SR: ¿Qué es para ti la belleza y dónde crees que reside?
DD: Habría que definir primero qué es la belleza. Para mí, la belleza es un acto de amor; está en todos lados, y muchas veces su manifestación depende de la capacidad del espectador para inquietarse ante aquello que, desde la contemplación o desde el desborde intelectual, lo lleva a disfrutar.
Yo veo belleza en una mujer de 95 años caminando con un bastón, por ejemplo; dando pequeños pasos como si el tiempo se detuviera o ella tuviera a bien aprovechar su derecho a caminar en otra frecuencia. Estoy siempre atento a los pequeños detalles que nos rodean, desde lo cotidiano, que parecen pasar desapercibidos cuando, en realidad, encierran una infinita belleza. Si se los sabe mirar, por supuesto. [3]
"Esperando la carroza / Waiting for the Float", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 180 x 100 cm.
"Pampa del infierno / Pampas of Hell"
SR: El diálogo entre diferentes técnicas (pintura, escultura y fotografía) dentro del mismo proyecto, lo enriquece. ¿Hay una búsqueda emocional diferente en cada una de las modalidades?
DD: A veces, la creación no puede supeditarse a una sola técnica. El acto de creación en sí demanda, en muchas circunstancias, otros medios de expresión. En mi caso, tengo la fortuna de manejar muchísimas técnicas y recursos para la creación de mis obras. Utilizo mucho la fotografía para darle inicio a la forma de mis cuadros. Además, tengo conocimientos de herramientas 3D que también me permiten proyectar mis esculturas, anticipar el volumen, su expresión o su esencia. El mensaje que busco transmitir, más allá de la fusión de técnicas, es el mismo: el presente como eje único del tiempo, ser y hacer, en el “aquí” y en el “ahora”. [4]
"Estudios. Dragón de Wawel / Studies. The Wawel Dragon"
Cada uno / each: 40 x 180 cm., 2014
El dragón de Wawel en Cracovia / The Wawel Dragon in Cracow: [Aniversarios (CCXCV)]
"Gorila 3 / Gorilla 3", 150 x 100 cm.
SR: Los perros son un leitmotiv de muchas de tus obras. ¿Qué importancia tienen estos perros para que sean objeto de tu pintura? ¿Y los demás animales?
DD: Me fascinan los animales.
Tienen belleza, reacciones imprevistas, formas de mirarme, de seguirme. Me gusta que no estén bajo ningún otro control que el instinto. Vivo en cuarentena permanente, siempre acompañado de mis perros. Han estado siempre ahí en los momentos más duros. Es la fidelidad incondicional lo que más me atrae de ellos, una conexión irrepetible. No puedo conectar con las personas como lo hago con los animales; a veces, una sola mirada, despojada de todo lenguaje, es suficiente. Mi amor por los perros es, quizás, un acto reflejo que manifiesta mi dificultad, cada vez más evidente, para relacionarme con las personas. Me considero una persona solitaria. Puedo estar meses solo en mi casa y no necesitar nada del exterior. Me gusta mi propio mundo, el mundo exterior es una fábula para otras personas. [5]
SR: ¿Haces apología de los derechos de los animales?
DD: De ninguna manera. No es un tema en mi obra, y no me siento cómodo con la palabra “apología” [6]
"Metamorfosis / Metamorphose", técnica mixta / mixed media, 50 x 300 cm., 2014
SR: ¿Qué técnicas prefieres?
DD: En mis inicios fui mucho del óleo, pero no puedo con sus tiempos, por eso rápidamente abracé el acrílico. Lo mezclo con arena, cola, papel, hilos, aserrín. Amo la multiplicidad de intrigas que generan los distintos elementos. Me gusta mucho la materia, me encanta componer texturas, creo que enriquece mucho la obra, le aporta una cualidad de organismo irrepetible. [7]
"Autorretrato con chacal / Self Portrait With Jackal", acrílico sobre tabla / acrylic on wood, 70 x 50 cm.
"El chacal / The Jackal"
SR: Muchos de tus dibujos tienen un aura perturbadora, ¿cuál es el porqué de esta sensación que generas?
DD: Busco crear un lenguaje de fácil lectura, pero no me siento cómodo con la indiferencia. Perturbar es bueno. Si bien acepto que el espectador sea libre en el ejercicio de su interpretación, no quiero un arte “intelectual” o de “metáforas”, me gusta poder llegar con mi obra a la mayor cantidad de público posible.
Que cada espectador sea libre de sentir lo que quiera. El miedo es humano, es una señal de estar vivo. Yo admito la tensión entre los elementos que componen la obra, para mí eso es arte, la tensión, el romper con lo preestablecido. Si eso perturba al público, bienvenido sea, lo peor que le puede suceder a una obra de arte es la indiferencia, el lugar común o la ausencia de sorpresa. [8]
"El abrazo / The Embrace", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 180 x 100 cm., 2015
"Reflexión / Reflection", óleo / oil, 50 x 70 cm., 2001
SR: La distorsión caracteriza buena parte de tu trabajo escultórico. ¿Deseas que ciertas emociones se transmitan de manera vibrante y siniestra al espectador?
DD: Yo no veo lo siniestro. Veo humor. Veo expresión. Juego con ese límite. Me gusta pensar en mis criaturas como seres que van más allá de lo físico; lo que se está viendo no es una escultura fija, sino la expresión de un momento.
Trabajo libremente y sin censuras ni prejuicios. ¿Qué es siniestro? ¿Qué es perturbador? A mí, por ejemplo, lo siniestro me parece una enfermedad. Yo estoy creando como un niño, como hacía de chico, cuando creaba mis propios juguetes, podía hacer la configuración de una escena completa simplemente usando los objetos que tenía a mano, me fascinaba la única idea de crear mundos y personajes. Quizás sea que no quiero dejar de jugar, encuentro en mis esculturas una manera de preservar ese deseo tan infantil y enérgico de la creación.
En la infancia -lo sabemos todos- el llanto y la risa van de la mano. Se pasa rápidamente de un estado al otro con facilidad. Mis criaturas son eso: llantos y carcajadas. Luminosidades y ocasos. [9]
"Oveja con azufre / Sheep with Sulphur", técnica mixta / mixed media, 2019
"Criatura / Creature", técnica mixta / mixed media, 2019
SR: ¿Qué peso le atribuyes dentro de tu trabajo a tus esculturas? ¿Hay un boceto previo detrás o son espontáneas?
DD: Son seres que viven dentro de mí desde que soy un niño. En mi niñez, por supuesto, me fascinaban los dinosaurios, los tiburones y los dragones de leyendas medievales. Creo que a todos los niños les dio un poco por eso, no soy la excepción, pero siento que hay seres que quisieron también manifestarse en el mundo, no tuvieron la difusión de un dinosaurio o un tiburón, por eso siento que yo puedo darles esa expresión, hacerlos visibles por más invisibles que sean.
Me considero un testigo ocular privilegiado del momento en que las formas estallan en mis propias manos. Respecto a la forma, muy pocas veces hago boceto de mis esculturas. Son simplemente imágenes, posturas, flexiones que vienen a mi mente, luego rápidamente las dibujo con alambre y las voy trabajando, dejando también que la propia figura se exprese ante mí. Lucho mucho con la forma y el equilibrio de cada criatura, al no tener una estructura muy concreta. ¿Qué hago? Voy jugando. Muchas veces, con el correr de los días, si algo no me convence, rompo en pedazos la obra. Es violento, sí, pero es terapéutico; puede ser algo tétrico, pero lo veo, en todo caso, obstétrico, diría, porque es el parto, el nacimiento de nuevas figuras que se componen de otras. Siempre me gustó Frankenstein como el más noble acto de creación contra la muerte, y eso me inspira. [10]
SR: ¿De qué materiales se componen?
DD: Trabajo con fierros, alambre, enigmas, papel y masilla. [11]
"El abrazo / The Embrace", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 120 cm., 2015
"Autorretrato mono / Self Portrait Monkey", 50 x 70 cm.
SR: ¿Qué tiene que tener una imagen para que te resulte inspiradora?
DD: La inspiración me viene de un llamado interior. Las imágenes llegan en sueños o mientras camino o hago cosas de la vida cotidiana. Siento que no son imágenes, ni inspiraciones, sino llamados. Rugidos, aullidos de esas criaturas que quieren ser, nada más que eso: SER.
Debo decir, de todas maneras, que hay un hilo, un primer hilo, si me permiten, vinculado con la identidad de mi apellido. Existen cuentos para niños en Polonia, de donde procede mi familia, protagonizados por un “Dratewka”. Esas narraciones encuentran al personaje siempre vinculado con muchos animales, y en la difícil misión de liberar a su pueblo de un dragón que acecha.
Esas fábulas me inspiran. Algunos de mis seres vienen de ahí. Los llamo “benebólicos”, tiene un orden evolutivo, una clasificación química, pero eso es otra historia. [12]
"Manada / Herd", técnica mixta / mixed media, 2020
Izq./ Left: "El beso / The Kiss", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 120 cm., 2015
Der./ Right: "Pijamada", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 100 cm., 2015
SR: ¿Qué temáticas abordas cuando tu trabajo está enfocado para exposiciones en galerías y museos? ¿Son las mismas temáticas que utilizas cuando no te sientes presionado con una exposición?
DD: Crear es un acto de libertad. No puedo condicionar mis creaturas a las demandas específicas de un museo o galería. Me parece que eso no sirve, es traicionar mi esencia. Me acostumbré a trabajar en serie; de esta manera, toda la obra tiene una relación entre sí, no tengo que forzarla para un determinado espacio o exposición. La búsqueda de la identidad es la temática que recorre toda mi obra. [13]
"Criatura / Creature", técnica mixta / mixed media, 2020
"Gorila / Gorilla", 150 x 100 cm.
SR: ¿Qué te queda por hacer? Proyectos a futuro.
DD: Así como mis criaturas salen de mí, me gustaría que lleguen al otro, que se conozcan no solamente sus formas, sino la razón detrás de sus expresiones. Algunas están manifestándose ante el apocalipsis de sus propios mundos, y esa expresión ha quedado congelada en el instante previo al Estallido Total, que es como llamo a ese momento. Los benebólicos se extinguieron, pero yo siento que me piden resucitar. Aunque sea para quedarse quietas.
En eso estoy trabajando, en el armado de una gran instalación con mis creaturas; ya tengo el lugar. Solo queda definir la fecha, cuando el mundo retome su agenda y los benebólicos tengan su oportunidad. [14]
Serie Gorilas / Gorillas Series
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Daniel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Daniel!)
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text
[1]
Daniel Dratewka is an artist born on 11 November 1980 in Buenos Aires, Federal Capital of Argentina. He is a Fine Arts Technician, having also completed advanced studies in Image and Sound Design. In 1997, at the age of 16, he began to study in the painting and sculpture workshops of the "Eternauta" Cultural Center together with his first great teacher, the sculptor Diego Negro. He participates in several collective exhibitions and paints group murals in the City of Buenos Aires until 2002. In 2000 he obtains a scholarship to study color with Carlos Gorriarena, a well known Argentine painter. Now he works from his own studio in the Caballito neighborhood.
[2]
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: What are your main references in and out of Art History?
Daniel Dratewka: Picasso, Francis Bacon, Egon Schiele, H. R. Giger and Van Gogh, within the field of painting. I consider myself a film buff, an unconditional follower of Tarantino and Lars von Trier.
Outside the artistic environment, I admire the head and professionalism of Michael Jordan and I confess myself addicted to Jerry Seinfeld's sitcom.
[3]
SR: What is beauty to you and where do you think it resides?
DD: We should first define what beauty is. For me, beauty is an act of love; it's everywhere, and many times its manifestation depends on the spectator's capacity to be disturbed by that which, from contemplation or from intellectual overflow, leads him to enjoy.
I see beauty in a 95-year-old woman walking with a cane, for example; taking small steps as if time were standing still or she were taking advantage of her right to walk on another frequency. I am always attentive to the small details that surround us, from the everyday, which seem to go unnoticed when, in reality, they contain an infinite beauty. If you know how to look at them, of course.
[4]
SR: The dialogue between different techniques (painting, sculpture and photography) within the same project, enriches it. Is there a different emotional search in each of the modalities?
DD: Sometimes creation cannot be subordinated to a single technique. The act of creation itself demands, in many circumstances, other means of expression. In my case, I am fortunate to have the ability to use many techniques and resources for the creation of my works. I use photography a lot to start the form of my paintings. In addition, I have knowledge of 3D tools that also allow me to project my sculptures, to anticipate the volume, its expression or its essence. The message I seek to convey, beyond the fusion of techniques, is the same: the present as the sole axis of time, being and doing, in the "here" and in the "now".
[5]
SR: Dogs are a leitmotif in many of your works. How important are these dogs in order to be the object of your painting? And the other animals?
DD: I am fascinated by animals.
They have beauty, unexpected reactions, ways of looking at me, of following me. I like that they are not under any other control than instinct. I live in permanent quarantine, always accompanied by my dogs. They have always been there in the toughest moments. It is their unconditional loyalty that attracts me most from them, a connection that cannot be repeated. I cannot connect with people as I do with animals; sometimes, a single glance, stripped of all language, is enough. My love for dogs is, perhaps, a reflex action that manifests my difficulty, more and more evident, to relate to people. I consider myself a solitary person. I can spend months alone in my house and not need anything from the outside. I like my own world, the outside world is a fable for other people.
[6]
SR: Do you advocate for animal rights?
DD: No way. It's not a theme in my work, and I'm not comfortable with the word "advocacy.
[7]
SR: What techniques do you prefer?
DD: In my early days I was very much into oil, but I can't keep up with the times, so I quickly embraced acrylic. I mix it with sand, glue, paper, threads, sawdust. I love the multiplicity of intrigues generated by the different elements. I like the material very much, I love composing textures, I think it enriches the work a lot, it gives it a quality of unrepeatable organism.
[8]
SR: Many of your drawings have a disturbing aura, what is the reason for this feeling you generate?
DD: I try to create a language that is easy to read, but I'm not comfortable with indifference. Disturbing is good. While I accept that the viewer is free in the exercise of his or her interpretation, I don't want an "intellectual" or "metaphorical" art, I like to be able to reach as many people as possible with my work.
I want each viewer to be free to feel whatever he or she wants. Fear is human, it's a sign of being alive. I admit the tension between the elements that make up the work, for me that's art, the tension, breaking with the preestablished. If that disturbs the public, welcome it, the worst thing that can happen to a work of art is indifference, commonplace or the absence of surprise.
[9]
SR: Distortion characterizes much of your sculptural work. Do you want certain emotions to be transmitted in a vibrant and sinister way to the viewer?
DD: I don't see the sinister. I see humor. I see expression. I play with that limit. I like to think of my creatures as beings that go beyond the physical; what is being seen is not a fixed sculpture, but the expression of a moment.
I work freely and without censorship or prejudice. What is sinister? What is disturbing? To me, for example, the sinister seems like a disease. I'm creating like a as a child, when I created my own toys, I could make the configuration of a whole scene simply by using the objects I had at hand, I fascinated by the unique idea of creating worlds and characters. Perhaps it is that I do not want to stop playing, I find in my sculptures a way to preserve that desire so childish and energetic of creation.
In childhood - we all know - crying and laughter go hand in hand. One passes quickly from one state to the other with ease. My creatures are just that: crying and laughter. Lights and sunsets.
[10]
SR: What weight do you give to your sculptures in your work? Is there a previous sketch behind them or are they spontaneous?
DD: They are beings that have lived inside me since I was a child. In my childhood, of course, I was fascinated by dinosaurs, sharks and dragons from medieval legends. I think all children got a little bit of that, I'm not the exception, but I feel that there are beings that wanted to manifest themselves in the world as well, they didn't have the spread of a dinosaur or a shark, so I feel I can give them that expression, make them visible no matter how invisible they are.
I consider myself a privileged eyewitness of the moment when the shapes explode in my own hands. As far as form is concerned, I rarely make sketches of my sculptures. They're simply images, postures, bending that come to my mind, then I quickly draw them with wire and work them out, also letting the figure express itself to me. I struggle a lot with the shape and balance of each creature, not having a very specific structure. What do I do? I'm playing. Many times, as the days go by, if something doesn't convince me, I break the work into pieces. It's violent, yes, but it's therapeutic; it may be a bit gloomy, but I see it, in any case, as obstetric, I would say, because it's the birth, the birth of new figures that are made up of others. I always liked Frankenstein as the noblest act of creation against death, and that inspires me.
[11]
SR: What materials are they made of?
DD: I work with iron, wire, riddles, paper and putty.
[12]
SR: What does an image have to have to inspire you?
DD: Inspiration comes to me from an inner calling. Images come in dreams or while I'm walking or doing everyday things. I feel that they are not images, nor are they inspirations, but callings. Roars, howls of those creatures that want to be, nothing more than that: BEING.
I must say, however, that there is a thread, a first thread, if I may say so, linked to the identity of my surname. There are stories for children in Poland, where it comes from my family, starring a "Dratewka". These stories find the character always linked to many animals, and in the difficult mission of freeing his people from a lurking dragon.
Those fables inspire me. Some of my beings come from there. I call them "benebolics", it has an evolutionary order, a chemical classification, but that's another story.
[13]
SR: What themes do you address when your work is focused for gallery and museum exhibitions? Are they the same themes you use when you don't feel pressured with an exhibition?
DD: Creating is an act of freedom. I cannot condition my creatures to the specific demands of a museum or gallery. It seems to me that this is no good, it is a betrayal of my essence. Me I used to work in series; this way, all the work has a relationship with each other, I don't have to force it for a certain space or exhibition. The search for the identity is the theme that runs through all my work.
[14]
SR: What do you have left to do? Future projects...
DD: Just as my creatures come out of me, I would like them to reach the other, to know not only their forms, but the reason behind their expressions. Some are manifesting themselves before the apocalypse of their own worlds, and that expression has remained frozen in the instant prior to the Total Burst, which is what I call that moment. The benebolics were extinguished, but I feel like I'm being asked to resurrect. Even if it's just to sit still.
That's what I'm working on, setting up a big facility with my creatures; I already have the place. All that remains is to set the date, when the world will resume its agenda and the benebolics have their chance.
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