Continuando con las entrevistas de Shirley Rebuffo, presentamos la obra de Alejandro Bovo Theiler, un artista argentino cuya obra, a decir de Idangel Betancourt López, "se ubica sin dudas en esta tradición del arte contemporáneo, y consigue de este modo seguir ahondando en la crisis de la cultura occidental a través de la actualización de objetos totémicos y escenarios de pulsiones primitivas."
Estructuramos la extensa narrativa y profusa producción de Alejandro en dos posts, el primero con texto en castellano y el segundo en inglés.
Continuing with Shirley Rebuffo's interviews, we present the work of Alejandro Bovo Theiler, an Argentine artist whose work, according to Idangel Betancourt López, "is undoubtedly located in this tradition of contemporary art, and thus manages to continue delving into the crisis of Western culture through the updating of totemic objects and scenarios of primitive drives".
We structure Alejandro's extensive narrative and profuse production in two posts, the first one with text in Spanish and the second in English.
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Alejandro Bovo Theiler
(Bahía Blanca, Argentina, 1971-)
Alejandro Bovo Theiler
Retrato con La cabeza de / Portrait with the head of Moisés Characato. Foto / Photo: Jorge Ramacciotti
Nace en Bahía Blanca, Argentina el 13 de agosto de 1971. Es artista plástico y visual, Licenciado en Escultura por la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Desde 1990 desarrolla y expone en muestras individuales, colectivas y proyectos interdisciplinarios. Trabaja en producción, investigación, capacitación y gestión en Arte. Su obra forma parte de diversas colecciones en el mundo: Argentina, Portugal. Francia, Inglaterra, Brasil, EEUU, Canadá, España, México, Colombia, Holanda, Chile, de la Colección del CFI (Consejo Federal de Inversiones) y de la Colección Oficial de la Provincia de Córdoba. Ha recibido además varios premios.
Desde el año 2002 integra el Colectivo Arqueológico “Amigos el Museo Ambato de La Falda” desarrollando tareas como guionista y curadoría en dicho Museo.
"La obra de Bovo Theiler se ubica sin dudas en esta tradición del arte contemporáneo, y consigue de este modo seguir ahondando en la crisis de la cultura occidental a través de la actualización de objetos totémicos y escenarios de pulsiones primitivas. Lo artesanal reconstruye la pregunta por la propia existencia del arte para plantar una memoria del trabajo manual a partir de materialidades como la cerámica y el textil. Cantidades minerales van construyendo las formas arquetípicas que van desde muñeca/os ensamblados con maderas, tejidos y cerámicos, o cabezas totémicas, hasta una Manta-Jardín que, tendida en una cuerda, cuelga entre la infancia y la vejez, un mapa del territorio de la memoria entre botones ¿de los niños, de la abuela, de los amantes? y canteros y fuentes-mandalas que trazan una geometría de la evocación". Idangel Betancourt López
"La cabeza de / The Head of Moisés Characato"
Modelado, ensamble y costura/cerámica-textil /
modelling, assemblage and sewing/ceramic-textile, 70 x 35 x 30 cm., 2013. Foto / Photo: Nico Bucci
"Río, nido y matorral / River, Nest and Scrubland"
Serie Bidimensiones Textiles / Two-dimensional Textiles Series
tapiz / tapestry, costura y bordado sobre bastidor / sewing and embroidery on frame, 40 x 60 cm., 2011
Foto / Photo: Nico Bucci
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo : ¿Cómo comenzó tu camino con el arte?
Alejandro Bovo Theiler : Mi camino con el arte comenzó en la infancia. Como muchos de los caminos, no comenzó en sí mismo, sino que nació de otros senderos.
Hasta donde recuerdo, de pequeño, mostraba una personalidad expansiva y también concentrada, contenida. Había en mí un deseo innato por plasmar y dejar impronta con una permanente observación sobre todos los detalles, los que comentaba y asombraba a mi familia. Siempre fui de mirar a los ojos y escuchar atento lo que hablaban los adultos. Esos rasgos, entiendo, fueron mis primeras herramientas de expresión.
Quizás nada fuera de lo común, pero guardo las sensaciones y la memoria de impulsos luego potenciados.
Recibí sencillos y claros estímulos con un acompañamiento de mi Mamá y Papá respecto a experimentar lo expresivo, sin mayores formateos. El entorno de mis abuelos, tíos y maestras en una guardería de arte a los 3 y 4 años también fue receptivo. Recuerdo el jardín de infantes con los desafíos de clavar maderas, montar estructuras, recortar papeles, acciones simples y comunes que rememoro también con la frustración que me producía mi autoexigencia, junto con el placer de hacer y transformar. Por entonces decía que iba a ser pintor y carpintero. Luego la suma de valiosas referencias sensibles y artísticas siguieron estimulando mi anhelo expresivo.
Así, de pequeño hasta la adolescencia, vivía todas esas experiencias como habilitaciones. Aquello me permitió poner una semilla en mi futuro y pude darme naturalmente una prospectiva de avance para soñar con hacer lo que me gustaba. Todo ello inmerso en una infancia y una adolescencia que, por momentos, ha sido dolorosa y difícil. También hubo algunas épocas, pocas, por momentos apacibles y bellas, pero atravesada por otras instancias tormentosas. Ya desde entonces el arte, o mi deseo de él, comenzó a salvarme, supe entonces lo que me hacía bien dentro de un contexto tan complejo.
Entiendo también que la propia deriva, hasta los 18 años de vida familiar y comunitaria, en Monte Buey, un pueblo pequeño en la gran llanura argentina, nutrieron un subsuelo de intensidades, oficios, afectos y vivencias, lo que luego sería el fértil yacimiento para mis imaginarios de duelos y celebraciones.
Cuando niños y adolescentes somos tan abiertos, tan atentos y tan inocentes ¿Cómo saber cuáles circunstancias y sucesos nos conectarán con nuestros tesoros interiores y los capitales simbólicos de nuestro clan?
Definitivamente mi camino artístico comenzó en ese niño que fui, con su singularidad, su gran sensibilidad, su vulnerabilidad, sus miedos, sus caprichos, sus sueños, su ternura.
"Sube baja / Up Down", tapiz / tapestry
costura y bordado sobre bastidor / sewing and embroidery on frame, 35 x 35 cm., 2012
Foto / Photo: Nico Bucci
"Mia". Serie Eclipses y equipajes / Eclipses and Baggage Series
objeto / object, modelado textil mediante costura y bordado / textile modeling, sewing and embroidery, 2013
Foto / Photo: Ulises Barranco
SR: Háblanos un poco de tu manera de trabajar, ¿en qué etapas te has convertido en el artista y profesional que eres?
ABT: Recapitular los ciclos y momentos del “Artista”, con el fin de observar cuáles son las etapas que dan cuenta de su proceso, me provoca cierto vértigo, asombro y mucha gratitud.
Una sucesión de tantísimas jornadas a través de los años y las décadas, donde vida y obra comenzaron a ser una trama indisoluble, consecuencia de la certeza absoluta de convertirme en artista, así lo viví sin ninguna otra opción. Quemar las naves tiene altos costos, pero es un envión enorme hacia uno mismo. Son ciclos que se entrelazan y solapan.
Las etapas que hoy puedo discernir son las siguientes: la de los juegos iniciáticos, la formación y el estudio, la vocación, el oficio, la profesión, la conciencia autoral, la vida comunitaria.
Por temperamento propio, pero también por una política de ejercer la profesión, trascurrí días, meses y años experimentando por el primario impulso de hacer, por el placer de construir y expresarme con proyectos y desafíos diferentes. Hay mojones que me permiten identificar el cómo algunas etapas se abren y cierran más de una vez; el cómo conviven en simultaneidad, a pesar que sé que el recorrido tiene aprendizajes y superaciones lógicas e irrevocables.
Pienso que, como primera etapa fue el proceso que refiere al juego y a ese deseo innato al que me referí, seguramente favorecido por los juegos con mi hermano un año mayor y mi hermana un año menor. Además, mis padres compartían sus habilidades y aptitudes artísticas. Mi Madre con la costura para vestirnos y mi Padre incursionando con la cerámica e invitándonos a jugar con la arcilla. Es y fue, hasta el presente, entidad mágica y divina.
La vocación entonces ya estaba activada y sabía que nada me detendría. Y, a favor de ella, estuvo la forzada necesidad de canalizar situaciones muy difíciles del orden emocional y anímico.
Mi ingreso a la UNC (Universidad Nacional de Córdoba) fue entonces un antes y un después definitivo. Allí me gradué de Licenciado en Escultura. El recorrido académico y afectivo significó una apertura inmensa para mi formación y conformación. Reafirmo en ello, y para mí, los indisolubles principios evolutivos e integradores de “vida-obra” y “persona-artista”.
Hay mucho para contar de cada etapa y sus implicancias en consolidación de mis imaginarios y las soluciones y resoluciones formal/poéticas en mi trabajo hasta el presente. Tuve y tengo las herramientas adquiridas en mi proceso de sobrevivencia de aquellas situaciones y traumas que transité. De ese modo aprendí a reconocer mi autor, ese aliado interno que fluye libre. Libre de poder hacer y manifestar lo sensible, lo simbólico del modo que está a mi alcance.
Puedo afirmar sin dudarlo que mi arte ha evolucionado en relación a mi maduración personal, resiliencia que en paralelo generó puentes entre la persona y el artista. El crecimiento profesional sucedió en la medida que logré ponerme al alcance de los otros/as, darme a conocer a nuevos públicos y permanecer en escucha sensible a todas las voces, más allá de su aprobación, rechazo e indiferencia.
"Adrede / Intentionally", tapiz / tapestry
costura y bordado sobre bastidor / sewing and embroidery on frame, 35 x 35 cm., 2012
Foto / Photo: Nico Bucci
"Lita Cachita", escultura-objeto / object-sculpture
ensamble y modelado mediante costura y bordado /
assemblage and modelling, sewing and embroidery, 2012. Foto / Photo: Ulises Barranco
SR: ¿Crees que hay que tener la base teórica sólida para después poder deconstruirla?
ABT: Parafraseando al filósofo y antropólogo argentino Rodolfo Kusch, pienso que el “suelo cultural” es la base que nos sostiene-sustenta. Básicamente porque nos brinda la posibilidad de vivir para habitar la tensión entre naturaleza y cultura. Quizás sea el hecho fundacional para una conciencia individual y colectiva en la construcción de todo campo de conocimiento.
En lo específico de la pregunta creo que, a partir del bagaje cultural, contextual y familiar de nuestras primeras etapas como sujetos, es que podemos incorporar, digerir y adquirir información que va transformando y acrecentando nuestra integralidad subjetiva y racional. Esto para decir que, la formación que vamos realizando con la inclusión de materiales teóricos e intelectuales de todo tipo (académico o no), nos brinda herramientas poderosas para avanzar en el camino, desagregándonos de nuestra infinita y misteriosa ignorancia.
Percibo que cuando la praxis y el oficio cotidiano, artístico u otra ocupación, coexisten con toda adquisición intelectual, es que estos operan como referencias coherentes para la persona. Esa coexistencia de saberes es muy valiosa en todo camino de individuación.
En definitiva, la operación de agregar-desagregar hace posible que nuestra base se decante y consolide en disponibilidad.
"Sueño / Dream", tapiz / tapestry
Serie Bidimensiones Textiles / Two-Dimensional Textiles Series
costura y bordado sobre bastidor / sewing and embroidery on frame, 60 x 45 cm., 2016
Foto / Photo: Ulises Barranco
"Chuchi chuchi", escultura-objeto / sculpture-object
ensamble y modelado mediante costura y bordado /
assemblage and modelling, sewing and embroidery, 2017. Foto / Photo: Jorge Ramacci
SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de lo que haces?
ABT: Disfrutar del trabajo significa, en principio, el poder estar dedicado y llevando adelante procesos y proyectos.
Disfrutar de este oficio es descubrirme en la performance vital del entramado ya referido de vida y obra; de estar parado en este compromiso misterioso, de soltarme en ese mar de compensaciones que es el día a día.
Disfrutar es también haber aprendido a desactivar la mirada autocrítica y dar lugar a las emociones y adrenalinas más sanas, más conscientes. En este momento de mi proceso sé que eso de “una de cal y una de arena” implica todo, un refrán popular con tanta sabiduría primordial.
Al principio mi mayor obsesión fue preservar y defender el espacio de juego, a veces perdido o a veces robado, por las contingencias de diversos momentos personales, familiares y sociales.
Luego, ese logro se puso en tensión con otros aspectos de la realidad adulta y se multiplicó gradualmente. Lo importante es el cómo valoremos el recorrido y permitirse el aprendizaje con gratitud. No siempre lo vi así por eso lo recalco.
Me reconozco en el goce de pequeños momentos prensiles, en ver cómo se desenvuelve un plan o una convocatoria. Me entusiasma cuando puedo ver que aquellos objetivos que me propuse, quedan superados por lo que la experimentación devuelve.
Están también las revelaciones, fruto de las diversas interacciones con las personas- espectadores, con los colegas, con las instituciones y organizaciones que desean o requieren de mi de obra o asesoramiento.
Es muy curioso el mapa que se va configurando a partir de cada experiencia en tantos años, de eso también vive la alegría de la profesión, del tiempo. Pero no podría referirme al disfrute en el obrar sin contemplar la extraordinaria función que cumple el displacer, como las obstrucciones en el desarrollo creativo. No habría disfrute sin los momentos de “dis-gusto” como las maravillas que nos prodigan las dificultades y los imprevistos. Paradojas estas que me apasionan y a las que estoy muy atento.
"Jardinero y Kunko - asunción de lo redivivo y lo incondicional /
Gardener & Kunko - assumption of the revived and the unconditional"
ensamble y modelado cerámica y textil /
ceramic and textile assembly and modeling, 200 x 45 x 60 cm., 2021
Foto / Photo: Jorge Ramacciotti
SR: "La Dicha", nombre de tu casa-taller, es un apelativo sublime, que lo dice todo de la plena satisfacción, el gozo. ¿Fue esa circunstancia que te llevó a elegirlo?
ABT: La Dicha, el nombre de mi casa-taller en La Falda (sierras de Córdoba, Argentina), es verdaderamente una historia poderosa.
Sobre el muro de calle de la casa está montado un plato cerámico acompañado de cerámicas esmaltadas en azul. En enero de 2016 me encontré con esa cerámica en El Carmen de Viboral (Colombia) un pequeño y bello pueblo antioqueño, distante una hora de Medellín.
Comprendo que fue un auténtico “Ouroboros”, que también fue el nombre de la muestra que estaba realizando en ese momento en la Galería de Arte de la Biblioteca EPM de Medellín.
El Carmen de Viboral de destaca por ser una comunidad donde se producen diversas y exquisitas cerámicas pintadas a mano que convocan a miles de amantes de este arte. En la peatonal y otras calles, por cuadras y cuadras, se destacan las fachadas de sus casas y comercios abigarradas de cuencos, fuentes, platos y mosaicos literalmente incrustados. Ya atardecía y finalizábamos el recorrido de pesquisa, junto al colega y amigo Diego Ruiz Gómez. Me dispuse entonces a revisar con mucha curiosidad algunas piezas de segunda mano, con alguna falla y allí encontré el plato con esas dos palabras: "la dicha".
Mandala de ingreso a "La Dicha", casa-taller / Entrance mandala to "La Dicha", house-workshop
»Apenas lo vi, observé su centro solar. Supe en ese instante que había hallado con él algo tan importante como el nombre que hacía tiempo deseaba darle a mi casa-taller. Un plato cerámico con un bellísimo mandala con flores amarillas y azules que rodean el centro de un luminoso amarillo con un pequeño corrimiento del esmalte que deja ver la loza. Pensé y reafirmé entonces que cualquier dicha auténtica es aquella que logra sumar las "fallas" a una integridad y belleza real. Esa que nos permite correr la capa externa, aprendernos y conocernos más hondamente.
Esta historia significa mucho para mí. Significa comprender el abrirnos hasta poder trascender la idea de perfección, para ver y hacernos cargo de lo que somos. Me permitió ratificar en parte esa función del Arte. Una obra nos toca la herida de vivir y es a través de pequeños e inmensos tesoros, es que podemos reforzar nuestra conexión con la existencia y las verdades que nos sostienen.
"Jardinero y Kunko... (espalda) / Gardener & Kunko (back)
SR: ¿Qué retos conlleva hacer estos trabajos tan elaborados?
ABT: En relación a las estéticas “barrocas” y acumulativas que resultan de los modos constructivos de mi trabajo, uno de los mayores retos, para mí, es lo procedimental. O sea que, estando muy involucrado con el trabajo, hay momentos en los que urge darme una perspectiva justa, para tomar distancia. Esto implica seguir siempre contactado desde el proceso, con sus aspectos más rutinarios, e intentar abrirme a la identidad que surge con cada obra.
Se trata siempre de una presencia diferente a cualquier otra que la preceda. Por ello, de alguna manera, es necesario acechar lo que naturalizo y por momentos desdoblar la mirada, atento en la encrucijada del viaje hacia lo desconocido.
Y en contraposición, el otro reto, nada menor, es permanecer con la suficiente humildad que solo puede garantizar el juego sentido. Eso implica confiar siempre en el GPS de mi inconsciente, en la inocencia y la ferocidad de esa agenda profunda que atraviesa la realidad personal y colectiva.
SR: ¿En dónde se separan la lógica y la experiencia de la fantasía?
ABT: Comprendo que tanto la lógica como la fantasía, nos ayudan tal cual animales mamíferos-humanos a convivir con el enorme desconocimiento de ese todo inconmensurable que habitamos y que también nos habita. Ese todo/matriz que expresa una naturaleza dual y antagónica. En buena parte de los paradigmas contemporáneos de diversas disciplinas, y también en la investigación-producción artística, es con la noción de tensión que podemos conectar con duplas como “lógica y fantasía” sin polarizarnos. Me resulta estéril intentar separar los opuestos en vez de tensionar fértilmente esas conexiones. Comprendo que los pares antagónicos del arco de la subjetividad y la racionalidad son elementos complementarios y relativos a lo que permite cada contexto socio-cultural como el biológico.
Desde mi experiencia de trabajo terapéutico, con la perspectiva gestáltica, sostengo el ejercicio de discernir entre fantasía e imaginación. La fantasía, como referí antes, me resulta más un mecanismo de control intelectual, a diferencia de la imaginación, a la que percibo como un regalo que recibimos. Una invitación a beber de un manantial profundo un agua portadora de sincronicidades y el gran desafío de salir de lo conocido, de confiar en lo impensado.
"Giulia - también yo soy infinito en mi ternura / Giulia - I Too Am Infinite In My Tenderness"
(vista frontal / front view), escultura-objeto / object-sculpture
ensamble y modelado mediante costura y bordado / assemblage and modelling, sewing and embroidery
Foto / Photo: Ulises Barranco
"Giulia..." (vista lateral / side view)
SR: En tus obras, no solo has experimentado con lo bidimensional, sino que también con lo tridimensional, escultura con materiales nobles, pero poco convencionales para eso. Háblanos de esos materiales.
ABT: Desde el comienzo he ido habitando el plano, el volumen y el espacio con naturalidad. Eso se problematizó lógicamente a partir de la instancia académica. Pero, ya hace tiempo que coexisten en mi producción plano, volumen y espacio en una dinámica virtuosa. Sin embargo, he tenido desde pequeño una propensión instintiva y habilidad específica con lo volumétrico, lo objetual, lo aditivo. Abordar lo volumétrico me resultaba muy estimulante. Ya en el trabajo con los distintos materiales y a partir de las vivencias de poder profundizar con ellos, es que percibo a toda materialidad desde una perspectiva, no solo física, sino también metafísica. La experimentación de diferentes materias ha implicado poder reconocer que toda materia tiene su propia voz y una voluntad interna por cobrar forma. Así como el hacedor trabaja desde la complejidad de su propia identidad, también permite que en el desarrollo del trabajo pueda suceder una conversación, no solo técnica sino espiritual, con toda materia y sustancia. En mis obras la materia también es tema y contenido que brindan sentido a mi arte. Ella no es solo portadora o sostén de un discurso ajeno o colonizador desde lo artístico. De allí la nobleza que dona a la voluntad realizadora y es por esa naturaleza compleja e inhumana que la obra resulta inédita y con una potencia singular.
Los materiales de mi presente son materialidades accesibles y me acompañan también desde temprano: arcilla, maderas-tablas, ramas, textiles, yeso, papeles y cartones. Es el modo y la intensidad con la que me he vinculado a ellos lo que ha implicado una gran resignificación, su manifestación antropológica, ya que son materiales mayormente cotidianos y a la vez parte de un legado ancestral. El origen rural de mi familia de inmigrantes italianos y suizos (yo 3ra y 4ta generación en Argentina) con siglos de arraigo a la vida campesina en Europa y América. Ese es el contexto histórico específico del que emerjo, con que me identifico y reivindico, a través de estos materiales sencillos y los oficios que su uso implica. Es una tensión entre continuidad y ruptura ya que en la experimentación hay transferencias tácitas ligadas a esa historia inmensa que nos antecede. Como artista-autor vuelvo a respaldarme en ellos para ejercer una apropiación a través de otros usos y discursos. Es con mi propia práctica poética que logro volver a habitar, a su través, la sombra y las luces de mi clan. Se constela así un nuevo orden afectivo para dar rienda suelta a mis búsquedas, problemáticas, deseos, decisiones y disidencias.
"Albo", escultura / sculpture
Serie Fetiches de Empoderamiento / Empowerment Fetishes Series
ensamble y modelado cerámico-textil / assemblage and ceramic-textile modelling, 80 x 50 x 30 cm., 2018
Foto / Photo: Jorge Ramacciotti
SR: Investigación e innovación. Son dos palabras que identifican tus trabajos. ¿Qué puedes exponernos al respecto?
ABT: Investigación e innovación son aspectos que se producen a partir de ciertas sinergias. Esto sin garantías de que los resultados puedan ser satisfactorios para el autor, en mi caso, o por el público receptor que consume la propuesta.
Tanto investigar como producir van ligados a un ánimo erótico exacerbado por una predisposición lúdica. Al menos para mí es así.
Mis procesos de trabajo consisten en exploraciones mayormente no planeadas ni lineales. De hecho, las ideas suelen no estar antes de que me disponga a desarrollar “eso’’ que me llama y por lo que me pongo en acción. Son procesos de simultaneidad, que incluyen materiales, disparadores visuales, ideas, sentimientos, conceptos, etc. Cabe decir que, más de una vez, el deseo de innovar en el “campo del arte” funciona con las lógicas de la publicidad, y a su vez, en nombre de la investigación, se fuerzan conexiones que no revelan un avance real en relación a lo enunciado. Investigación e innovación son dos palabras que, como otras, pueden ser pronunciadas sin respaldo real, “esnobistamente”. Hago esta aclaración por principio ético y a sabiendas de estas posibles distorsiones que suelen ser base de deslealtades, plagios y “préstamos” inconsultos y sin cita al pie que redundan en perjuicios para quien investiga e innova los cuidados y la empatía suficiente. Quizás explicitarlo pueda estimular nuevas reflexiones a sabiendas de la imposibilidad de universalizar la vivencia propia.
"Matildo & Cocola"
intervención en / intervention at Galería Laguanacazul, Buenos Aires, 2010
Foto / Photo: Rodrigo Fierro
"La profecía del ciempiés / The Centipede Prophecy"
Políptico de la serie ´Bidimensiones Textiles / Polyptych, from the Two-Dimensional Textiles Series
Tapices y relieves / tapestries and reliefs, 110 x 210 cm., 2020
Foto / Photo: Carlos Ortega Ortega
SR: Los polípticos son auténticos rompecabezas. ¿Qué hay detrás de toda esa fantasía?
ABT: El desarrollo de la imagen a través de telas muy diversas, mediante costura y bordado, indiferenciadamente, me resulta una tarea muy hipnótica. Semeja una dinámica de collage y conlleva un proceso complejo que se decanta entre lo pictórico y lo objetual. Llegué al trabajo en el plano textil luego de experimentarlo en abundancia, aplicado a lo escultórico, libros de artista y también objetos a modo de vestuarios y mantas.
Con esos antecedentes la forma de trabajar estaba signada en la vinculación y cooperación del anverso y reverso. Tanto en el modo operativo de producir, como el clima compulsivo y obsesivo de la expresión. No deseaba perder de vista ni los hilos ni las puntadas. Esa simultaneidad y dualidad la sigo conservando, pero con los tapices sobre bastidor la experiencia se desplazó al tapiz donde el movimiento de la aguja es de una cardinalidad de 360 grados. Ese modo de hacerlo, con dominio y control espacial, permite que la costura a mano vaya modulando no solo el espesor, sino también graduando la expansión de las tramas, según cada género lo resista.
Asimilé también el ensamble de algunos elementos cerámicos, corchos, botones, etc. Por ello trabajo sobre bastidores cuadrangulares de madera con la tela de base fijada con tachuelas, al modo tradicional, esto para poder ejercer fuerza sobre el plano.
El modo en que se genera la imagen es muy aleatorio e incidental. Las telas y las costuras son parte de inesperadas combinaciones visuales y táctiles. Cuando organizo el tapiz como políptico no siempre es premeditado. Suele suceder que una imagen inicial en un bastidor, pide más espacio para desplegarse en una escena mayor y ello genera ese nuevo “rompecabezas”.
Por supuesto detrás de cada obra hay historias particulares vinculadas a sueños, obsesiones, memorias y confesiones. La construcción de estas piezas tiene un especial estímulo narrativo y polisémico. Entiendo que cierta sencillez que conllevan estas imágenes, habilita e interconecta al ámbito mítico de quien observa. Surge así una esfera receptiva, que compensa eso que falta, o que queda entreabierto, a través del lenguaje y la poética cercana que propongo con ellos.
"Kunko", escultura-objeto / object-sculpture
ensamble y modelado mediante costura y bordado /
assemblage and modelling, sewing and embroidery, 2018
Foto / Photo: Jorge Ramacciotti
SR: ¿Qué lugar le asignas a la dimensión poética en lo que haces? Porque veo que trabajas con la naturaleza, pero con títulos divertidos y sugerentes, pero cuando les das una segunda lectura hay detrás un sentido profundo.
ABT: En mi perspectiva toda construcción de sentido conlleva una dimensión poética. Ella fluye en simultáneo a todas las operaciones intrínsecas, a cada manifestación artística y a toda expresión humana. Entiendo que no se trata solo de intencionalidad o deseo poético sino de la sensibilidad de coexistir con la presencia lírica de la realidad, con el compromiso de habitar y compartir esa dimensión poética. Es definitiva para el reconocimiento sensible de cada elemento con el que trabajo y para con la trama vincular desde la que me expreso. Al desenvolverse el trabajo autoral y con cada una de las resoluciones formales se manifiesta ese bagaje de poeticidad. Cada recorrido lírico ofrece ese “detrás” con sus capas de profundidad, sensibilidad común y transversal para quien quiera y pueda.
Como todo artista cuento historias, no siempre porque me proponga hacerlo, a veces las historias se montan a mis búsquedas o sobreviven a mis invenciones y solo puedo reconocerlas tiempo después. Pero también puedo afirmar que las historias y narrativas son ejercidas por las propias obras y entonces el artista también es lo contado, lo dicho, lo poetizado. De ninguna manera podría excluirse de estos acontecimientos el humor, lo incidental, lo banalmente aleatorio, por el contrario, son los agentes de la realidad preciosa del instante que se vuelca libre.
"Borka", escultura-objeto / object-sculpture
ensamble y modelado mediante costura y bordado /
assemblage and modelling, sewing and embroidery, 2018
Foto / Photo: Jorge Ramacciotti
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Transmigración / Transmigration
Libro de artista / Artist's Book
Ensamblaje textil mediante costura y bordado / textile assemblage, sewing and embroidery, 2017
Fotos / Photos: Ulises Barranco
"En un país ...allá,
la gata Felipa tuvo un sueño
y mil gatos después
el gato plateado
encontró a la niña que estaba buscandoló"
"In a country ...over there,
Felipa the cat had a dream
and a thousand cats later
the silver cat
found the little girl who was looking for him"
Alejandro Bovo Theiler. En performance con Transmigración / Performance With Transmigration
Portada y contratapa / Front and Back Covers
SR: ¿Podrías referirte a tus libros de artista?
ABT: Realizo libros de artista hace ya veinte años y es una de mis tareas preferidas. La experiencia de hacer un libro de artista es habilitar un micro espacio de edición para generar unas convergencias de elementos a veces fragmentarios y dispares como fronterizos. Específicamente he desarrollado y presentado más de una docena y tengo otros tantos en proceso. Algunos de ellos: Felicidad, La templanza, Transmigraciones, Viceversa, Palmas, Las bienvenidas y Vientos. Con esas siete piezas participé en siete ediciones (2013 al 2019) de la Feria del libro de Artista de Nueva York que se realiza en el MOMA PS1 junto a la sección Argentina, con curaduría de Pedro y Matías Roth. Además, he expuesto y trabajado con algunos de ellos en numerosas ciudades de Argentina y del mundo: Medellín (Colombia), Madrid y Barcelona (España), Cochi (India), Roma, Pescara, San Pietro al Natisone (Italia).
Al libro de artista lo comprendo como una disciplina que permite trabajar en infinitas direcciones plásticas-visuales. Abordar cada edición es conectar a la experiencia de la forma, el color, las texturas, etc. y abrirse a otras áreas de conocimiento para reunir elementos muy fragmentarios, tanto ajenos como biográficos. Desde mi experiencia es un objeto de potencial performático ya que, para su uso, lectura, experimentación y manipulación exige poner el cuerpo. Me conmueven esas escenas.
Con los libros de artista exploro más intensamente la conexión material entre el anverso y el reverso en el plano textil. Es la reversibilidad del plano y la irreversibilidad de lo tramado, uno de los aspectos más interesantes en su producción mediante el ensamble textil con la costura y el bordado.
Por todo lo dicho y por los valores textuales, alfabéticos o no, por los elementos iconográficos o más herméticos y por la experiencia táctil/visual de su recorrido, los libros de artista se han convertido, para mí, en una vivencia transdisciplinar que habilita cruces inéditos y múltiples mestizajes artísticos.
SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?
ABT: En relación a la labor creativa, sinceramente, me cuesta identificar debilidades, a diferencia de las que encuentro en mi propia persona en la vida cotidiana. Será que toda la vulnerabilidad y fragilidad que me reconozco históricamente, se han ido resignificando en la alquimia de obrar en Arte. De las tantas paradojas que referí, ésta quizás sea una de las más profundas. Acerca de cómo lo frágil y/o débil demanda atención y cuidado, lo cual genera una conciencia sanadora sobre ello, para al fin fortalecernos; a la vez aquellos aspectos con que nos creíamos poderosos o hasta omnipotentes deben tornarse más sutiles, flexibles y porosos para que realmente logremos su usufructo o excelencia.
SR: Tu obra es un hilo que recorre diversos territorios artísticos: escultura, objetos, dibujos, lo textil, la cerámica. ¿Con qué trabajas ahora y qué tienes pensado para un futuro?
ABT: Las diferentes posibilidades del oficio plástico/visual, tanto las más disciplinares como más experimentales, las vivo como oportunidades de reconocer aspectos diferentes de mí mismo, siendo y haciendo.
Comprendo que, más allá de las facilidades o dificultades al abordar formalidades, lenguajes o materias, se trata de la necesidad de avanzar y descubrir. Como dices, ese recorrido por territorios, hace posible profundizar la propia perspectiva autoral y poder reconocerse o extrañarse en relación a lo obrado, o como a potenciar los intercambios con otros artistas y personas de las ramas diversas; conocer de las otras sensibilidades, inteligencias y posibilidades. Ese don expansivo de toda circulación refina la propia práctica y es para mí un plan de acción en sí mismo; una guía y prospectiva hacia el futuro.
Respecto a mi agenda para los próximos meses, en este contexto aún marcado y limitado por la pandemia, me propongo seguir produciendo a diario en las series de obras, las que siempre están abiertas a nuevos integrantes: tapices, muñecas más objetuales como más escultóricas, unas pinturas/dibujos, libros de artista y también dos grupos de cerámicas de pequeño y mediano formato que produje en la primera mitad del año.
Además, estoy comprometido con el desarrollo de una Clínica de Artes en Perspectiva Autoral trabajando de modo personal (con presencia física y virtual) con numerosos artistas de distintas regiones. También estoy desarrollando algunos textos autobiográficos como la compilación de otros escritos en relación los proyectos que he realizado desde la década de 1990.
Por último y en referencia a los proyectos, una última reflexión: si en algo me han sido útiles estos tiempos de cuarentenas y restricciones sanitarias, (más allá de los comunes perjuicios laborales y sociales) es el hecho de tomar mayor conciencia acerca de la retroalimentación que mueve la agenda propia y la agenda “externa”.
Gracias El Hurgador por vuestra requisitoria.
¡Muchas gracias por la entrevista, Alejandro!
Thanks a lot for the interview Alejandro!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
Bovo es un artista excepcional. La muestra en la galería del Buen Pastor en Cordoba que acaba de inaugurar es imperdible
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