jueves, 5 de noviembre de 2015

Lucy Hardie [Dibujo]

Lucy Hardie

Foto / Photo: Carl Labrosse

Lucy Hardie es una artista australiana con sede en Melbourne, Victoria.
Comenzó su educación en el colegio Waldorf, que sus padres construyeron en su granja, y fue allí que se fomentaron sus inclinaciones artísticas. Rodeada por la extensa colección de libros de su madre y su padre, se sintió fascinada desde una edad muy temprana por la obra de los Viejos Maestros; Matthias Grünewald, Ilya Repin y las ilustraciones de H.J. Ford e Ivan Bilibin, perdiéndose a menudo en su imaginería de otro mundo.

"Salomé", tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 30 x 45,5 cm., 2013

 "Wik Elder, Gladys Tybingoompa"
Grafito sobre papel de algodón / graphite on cotton paper, 15 x 21 cm., 2009

En 2007 presentó su exposición debut en la Galería Sinergia de Melbourne, vendiendo la totalidad de su obra en la noche de apertura. Desde entonces su obra se ha exhibido en Australia, Europa y los Estados Unidos, y ha aparecido en numerosas publicaciones.
La meticulosa representación de imagenes de Hardie, se alimenta de la obra de Ernst Fuchs, Vali Myers, Albín Brunovský, Vania Zouravliov, los fenómenos naturales, los cuentos de hadas y la Filosofía Integral.
"Turandot", tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 29,7 x 42 cm., 2010

«Me ha tomado años construir un hábito, como ir al gimnasio ... no es que yo haga eso, por supuesto (risas). Es sólo una cuestión de tiempo y práctica, pero no creas que es fácil, porque no lo es. Hay que estar bien con la monotonía. Creo que la primera mitad de una obra es como subir cuesta arriba, me distraigo. Pero si le echas horas, las horas lo van haciendo, y se puede ver cómo cobra vida, y antes de que te des cuenta ya estás fluyendo cuesta abajo. Siempre es una batalla al principio, así que creo que he encontrado una estructura útil, comenzando a las 9 en punto, con una pausa para el almuerzo, como una rutina normal.»

"Mary", tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 39,5 x 55 cm., 2012

"Mary" (detalle / detail)

«...generalmente no describo [mi obra] así, porque la palabra "espiritual" tiene todas esas connotaciones extrañas. Es espiritual en cuanto que medito, pero no estoy ligada a ninguna religión como tal. Mi motivación en mi obra, todas esas historias y mitos, me sirven para expresar el mensaje de la obra, que es el que es porque quiero que las personas sepan quiénes son. Quiero que se detengan y digan "joder" u "oh, uau", como esos momentos en los que ves un atardecer y te detienes un momento.»

"Bo Peep", tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 41,2 x 28,2 cm., 2010-11

Esta pieza está parcialmente inspirada en una canción de cuna inglesa, Little Bo Peep. "Little Bo Peep ha perdido su ovejita y no sabe dónde encontrarla." Aquí Bo Peep es más vieja. Ha encontrado a su oveja, pero ha muerto y sus huesos han quedado atrás. Esta pieza trata sobre apoyarse en el pasado para alimentar el futuro. Las sogas que caen desde la cabeza de Bo Peep y se entrelazan con el entorno, simbolizan la intimidad y conexión con el presente. La expresión de Bo Peep es de aceptación de lo que una vez fue, y lo que es ahora. No hay nada que recuperar o revitalizar, sólo mirar hacia delante.

This piece is partly inspired by English nursery rhyme, Little Bo Peep. "Little Bo Peep has lost her sheep and doesn't know where to find them". Here, Bo Peep is older. She has found her sheep, but they have long died and left their bones behind. This piece is about drawing on the past in order to fuel the future, the ropes extending from Bo Peep's head and in to her environment symbolising intimacy and connection with the present. Bo Peep's expression is one of acceptance of what once was and now is. There is nothing to regain or to revitalise, only to look forward to.

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ACTUALIZACIÓN / UPDATE: 6/11/2015

Me apunta atinadamente Antonio Moriones, que la imagen de Little Bo Peep está tomada de una fotografía que Gertrude Käsebier realizó a la corista y modelo de artistas Evelyn Nesbit c.1903. Dicha foto puede verse más abajo, en el apartado "Referencias"

Antonio Moriones points wisely, that the image of Little Bo Peep is taken from a portrait of the chorus girl and artists' model Evelyn Nesbit by Gertrude Käsebier, c.1903. You can see the photo below in the "References" section.
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"Alegría, el aleteo cotidiano / Joy, the Daily Fluttering", grafito sobre papel de algodón / 
graphite on cotton paper, 14,8 x 21 cm., 2009 - 2011

«Sé que la gente es competitiva, y si quieres ser "el mejor", entonces siempre tendrás rivales, siempre habrá envidia. Pero si quieres conectar con tu audiencia, y darles algo, entonces no estás compitiendo con nadie. Porque yo soy una persona única, estoy ofreciendo algo único, y hay un cierto sabor propio de mi obra.»

"Gran vida, gran muerte / Great Life, Great Death"
Tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 29 x 43,2 cm., 2013

Lucy Hardie is an Australian artist based in Melbourne, Victoria.
She began her education at a Waldorf school that her parents built on their farm and it was here that her artistic inclinations were fostered. Surrounded by her mother and father’s extensive collection of art books, she became enchanted at an early age by the work of the Old Masters, Matthias Grünewald, Ilya Repin and the illustrations by H. J. Ford and Ivan Bilibin, often losing herself in their otherworldly imagery.

"Mujer real con vestido irreal II / Real Woman in Unreal Dress II"

In 2007, Hardie held her debut solo exhibition at Synergy Gallery in Melbourne, which sold out on opening night. Her work has since been exhibited throughout Australia, in Europe and the US and featured in numerous publications.
Informing Hardie's meticulously rendered imagery includes the work of Ernst Fuchs, Vali Myers, Albín Brunovský and Vania Zouravliov, natural phenomena, fairy tales and Integral Philosophy.

"Cuatro fases del sufrimiento / Four Stages of Suffering", grafito y tinta sobre papel de algodón /
graphite and ink on cotton paper, 56 x 76 cm., 2009

Izq./ Left: "Tú estás aquí / You Are Here"
Tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 29 x 43,2 cm., 2014
Der./ Right: "¿Cuál es tu rostro original? / What is Your Original Face?"
Tinta y pan de metal sobre papel de algodón / ink and metal leaf on cotton paper, 25,5 x 46 cm., 2014

«It has taken me years to build a habit, like going to the gym…not that I do that of course (laughs). It’s just a matter of time and practice, but don’t expect that it’s going to be easy, because it’s not. Just be okay with the drudgery. I find the first half of a piece of work is like climbing uphill, I get distracted. But if you put in the hours, then the hours are done, and you can see it come to life and before you know it, you are flowing downhill. It’s always a battle in the beginning, so I find having a structure helpful, starting at 9 o’clock, having a lunch break, like a normal routine.»


"El regalo de la muerte / The Gift of Death"
Tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 16 x 34 cm., 2012

Esta pieza es una oda a la muerte. La pureza del blanco en los ojos del anciano simbolizan la habilidad de la muerte para arrancar la cáscara exterior y ayudarnos a centrarnos o "ver" lo que es real y eterno. Revelar lo que hay bajo la superficie; esto es para mí la belleza y el regalo de la muerte. Esta pieza fue creada en aproximadamente 60 horas, aplicando finas capas de pluma y tinta sobre papel de algodón.

This piece is an ode to Death. The pure whites of the old man's eyes symbolise death's ability to strip away the outer shell, and help us focus on or 'see' what is real and everlasting. To reveal what is under the surface - this to me is the beauty and the gift of death. This piece was created over approximately 80 hours by applying many fine layers of pen and ink on cotton paper.


"Corazón inmaculado / Immaculate Heart", tinta y pan de metal sobre papel de algodón / 
ink and metal leaf on cotton paper, 25,5 x 46 cm., 2013

«...I generally don’t describe it [my work] like that because the word “spiritual” has all these weird connotations. It’s spiritual in that I meditate, but I don’t attach myself to any religion as such. My motivation in my work, all these stories and myths, serve to express the message of the artwork, which is that I want people to know who they are. I want them to stop and say “fuck” or “oh wow”, like that moment when you see a sunset and stop for a moment.»


"Omnipotencia / Omnipotence", 2012

"Operación transmutación / Transmutation Operation", grafito y tinta sobre papel de algodón /
graphite and ink on cotton paper, 22 x 22 cm., 2009

"Mujer real con vestido irreal I / Real Woman in Unreal Dress I"
Grafito sobre papel de algodón / graphite on cotton paper, 29,7 x 42 cm., 2012

«I know people are competitive, and if you want to be “the best” then you are always going to have rivals, there is always going to be envy. But if you want to connect with your audience, and give something to them, then you’re not competing with anyone. Because I’m a unique person, I’m offering something unique, and it’s a certain flavour that comes out of my work.»


"Mujer y lobo / Woman and Wolf", tinta sobre papel de algodón / ink on cotton paper, 22 x 24.5 cm., 2010
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, y de una entrevista realizada por Stacey Williams a Lucy junto con Charles Corby, publicada en PRJKTR, abril, 2015. Completa (en inglés) aquí /
Texts from artist's website, and from an interview with Lucy and Charles Corby by Stacey Williams, published on April, 2015 in PRJKTR. Full text here.

Más imágenes e información sobre Lucy en / More images and information about Lucy in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lucy!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lucy!)



Lucy sobre su obra... / Lucy about her work...

«A través de mi obra, presento mi visión personal de las polaridades de la experiencia humana. Con la muerte como catalizador de la transformación y la nueva vida como tema central, cada pieza actúa como una reflexión simbólica de un estado psicológico, diseñada para facilitar al espectador una experiencia más profunda de la conexión con la parte de nosotros que está más allá de los pensamientos, la parte que es siempre libre. Independientemente del contenido, esto es lo que busco evocar en el espectador con mi obra: una experiencia de libertad, y en la experiencia de la libertad, el conocimiento de que tenemos lo suficiente.»

«Mi paleta se compone de blanco y negro. Ellos representan la dualidad de nuestras naturalezas; la oscuridad y la luz, y yo busco hacerlas visibles a ambas. Utilizando una pluma de tinta Micron .005 sobre paño de algodón, mis dibujos se construyen con muchas finas capas. Disfruto trabajando con detalle y crear una sola pieza puede tomarme meses. Aunque mis métodos son de trabajo intensivo, aspiro a eliminar las evidencias de esto, para que el espectador pueda tener la gran oportunidad de experimentar la esencia (o el mensaje) de la creación, sin distraerse o perderse en estas cuestiones.»

«Mis influencias incluyen la obra de Ernst Fuchs, Zdzislaw Beksinski, Vali Myers, Vania Zouravliov y Albín Brunovský. A través de mi propia obra, llevo adelante una investigación personal en sus técnicas como un medio para facilitar mi propia expresión. Su fascinación en la exploración de lo más oscuro, los aspectos más misteriosos de la psique humana, la precisión de sus actuaciones y la importancia dada a los detalles y la exactitud, son evidentes en mis fotos. Mi trabajo también se alimenta de la fotografía en blanco y negro de Paolo Roversi y Joseph Sudek, por la Filosofía / Psicología Integral, y la rica imaginería inherente a los cuentos de hadas.»»
Texto traducido de Port Jackson Press.
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«Through my work, I present my personal vision of the polarities of the human experience. With death as a catalyst for transformation and new life appearing as a central theme, each piece acts as a symbolic reflection of a psychological state, designed to facilitate in the viewer a deeper experience of the connection with the part of us that is beyond thought, the part that is always free. Regardless of the content, this is what I seek for my work to evoke in the viewer: an experience of freedom, and in the experience of freedom, the knowing that we are enough.»

Black and white forms my palette. They represent the duality of our natures, the dark and the light, and I seek to make both visible. Using a Micron .005 ink pen on cotton rag, my drawings are built up in many fine layers. I relish working in detail and a single piece can take months to create. While my methods are labour intensive, I aim to minimise evidence of this, so that the viewer is allowed the greatest opportunity to experience the essence – or the message – of the creation, without getting distracted by or lost in its extremities.

My influences include the work of Ernst Fuchs, Zdzislaw Beksinski, Vali Myers, Vania Zouravliov and Albín Brunovský. I undertake through my own works a personal research into their techniques as a means of facilitating my own expression. Their fascination in exploring the darker, more mysterious sides of the human psyche, their performances preciseness and the importance given to detail and precision, are apparent in my pictures. My work is also informed by the black and white photography of Paolo Roversi and Joseph Sudek, by Integral Philosophy / Psychology and the rich imagery inherent in fairy tales.


Algunas referencias / Some references

Albín Brunovský

Albín Brunovský, caricatura de / caricature by Stano Lajda

Albín Brunovský, fue un pintor, artista gráfico, litógrafo, dibujante y pedagogo nacido en 1935, considerado uno de los más grandes pintores eslovacos del siglo XX.
Comenzó su carrera en el arte trabajando en escenografías y diseño de carteles. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bratislava con el Prof. Vicente Hložník de 1955 a 1961. La Escuela Hloznik era bien conocida por su alta preparación artística y técnica en las artes gráficas y su perspectiva humanista.
Para el fundador, como para muchos de sus estudiantes, el gran ciclo gráfico de Goya "Los horrores de la guerra" sirvió como un patrón o modelo. Brunovský dio conferencias en la Academia desde 1966 hasta 1990. En 1981 fue nombrado profesor, creando su propia escuela de grabado varios años después. Su obra a menudo refleja el del movimiento moderno, el arte de la citación. Fue también el diseñador de la última serie de billetes de Checoslovaquia. Sus ilustraciones fueron principalmente para libros infantiles.
A lo largo de su carrera experimentó con diversas técnicas gráficas y fue muy influenciado en su tema por la poesía y la literatura, así como, por supuesto, como por otros artistas.
Murió en 1997.

"Laberinto del mundo y paraíso del corazón III (Máscaras) / 
Labyrinth of the world and paradise of heart III (Masques)", litografía / lithography, 39 x 30 cm., 1989

"Damas I (Viuda) / Ladies I (Widow)", litografía / lithography, 42 x 32 cm., 1987

Albín Brunovský was a painter, graphic artist, lithographer, illustrator and pedagogue born in 1935, considered one of the greatest Slovak painters of the 20th century.

Brunovský started his early career in art by working on stage set and poster design. He studied at the Academy of Fine Arts in Bratislava under Prof. Vincent Hložník from 1955 to 1961. The Hloznik School was well known for its high artistic and technical preparation in graphic arts and its humanist perspective. 

For the founder, as for many of his students, Goya’s great graphic cycle "The Horrors of War" served as a pattern or model. Brunovský himself lectured at that Academy from 1966 to 1990. In 1981 he was appointed a professor, creating his own engraving school several years later. Brunovský's work often mirrored that of the modern movement, citation art. Brunovský was also the designer of the last series of Czechoslovak banknotes. His illustrations were primarily for children's books.

Over the course of his career, Brunovsky experimented with various graphic techniques and was highly influenced in his subject matter by poetry and literature, as well, of course, as by other artists.

He died in 1997.


"Inactividad febril / Feverish Inactivity", aguatinta / aquatint, 11 11/16" x 15 1/2", 1976

Albín Brunovský en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LV)]
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Henry Justice (H. J.) Ford

"Escucha, escucha, dijo la sirena al príncipe / Listen, listen, said the mermaid to the prince"
Ilustración para el libro de Andrew Lang "Un libro de hadas marrón" / 
Illustration for Andrew Lang's "A Brown Fairy Book.", 1904

Henry Justice Ford, fue un prolífico y exitoso artista e ilustrador inglés nacido en 1860, activo desde 1886 hasta finales de 1920. A veces conocido como HJ Ford o Henry J. Ford, logró la atención del público cuando proporcionó las muchas hermosas ilustraciones de hadas para los Libros de Andrew Lang, que capturaron la imaginación de una generación de niños británicos y fueron vendidos por todo el mundo entre los años 1880 y 1890.
En 1892 Ford comenzó a exhibir pinturas de temas históricos y paisajes en las exposiciones de arte de la Real Academia. Sin embargo fueron sus ilustraciones para libros como Los entretenimientos de las mil y una noches (Longmans 1898), Kenilworth (TC & EC Jack 1900) y A School History of England', de Charles Fletcher y Rudyard Kipling (Clarendon Press 1911) que proporcionaron a Ford tanto sus ingresos como su fama.
Murió en 1941.
"Póstumo e Imogena / Posthumus and Imogen", fines del s.XIX / late 19th Century
Acuarela de "Cimbelino" de William Shakespeare / "Watercolor from Shakespeare's Cymbeline

Henry Justice Ford, was a prolific and successful English artist and illustrator born in 1860, active from 1886 through to the late 1920s. Sometimes known as H. J. Ford or Henry J. Ford, he came to public attention when he provided the numerous beautiful illustrations for Andrew Lang's Fairy Books, which captured the imagination of a generation of British children and were sold worldwide in the 1880s and 1890s.
In 1892, Ford began exhibiting paintings of historical subjects and landscapes at the Royal Academy of Art exhibitions. However it was his illustrations for such books as The Arabian Nights Entertainments (Longmans 1898), Kenilworth (TC & EC Jack 1900) and A School History of England' by Charles Fletcher and Rudyard Kipling (Clarendon Press 1911) that provided Ford with both income and fame.
He died in 1941.


"Bias lleva los bueyes de Ificles a Neleo / Bias bring the oxen de Iphiclus to Neleus"
Ilustración de "El libro de toda clase de historias", de Andrew Lang / 
Illustration from "All Sort of Stories Book" by Andrew Lang, 1911
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Evelyn Nesbit por / by Gertrude Käsebier

"Miss N", retrato de / portrait of Evelyn Nesbit, c.1903

Más sobre Gertrude Käsebier en "El Hurgador" / More about Gertrude Käsebier in this blog:
[Aniversarios Fotografía (LXXI)]
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Otros artistas mencionados por Lucy / Other artist's mentioned by Lucy:

Beksiński, Zdzisław, [Viktor Safonkin (Pintura)]
Bilibin, Ivan (Ива́н Я́ковлевич Били́бин), [Las referencias de Alberto Bali (Pintura, Escultura, Arquitectura)]
Fuchs, Ernst, [Recolección (XXIII)]
Grünewald, Matthias, [Gottfried Helnwein (Pintura)]
Myers, Vali, [Aniversarios (XXVIII)]
Repin, Ilya Yefimovich (Илья́ Ефи́мович Ре́пин), [Aniversarios (XXVIII)], [Arte y humor (VI) - Anexo], [Max Ginsburg (Pintura)], [Sucedió en el museo (I)], [Sucedió en el museo (I, Anexo)]
Roversi, Paolo: [Recolección (XXIV)]
Zouravliov, Vania (Ваня Журавлев), [Kikyz1313 (Dibujo, Pintura)]

3 comentarios:

  1. Yo añadiría como referencia la foto de Evelyn Nesbit tomada en 1900 por Gertrude Käsebier que ilustra su entrada en la Wikipedia (es.wikipedia.org/wiki/Evelyn_Nesbit) para la imagen de Bo Peep.

    Enhorabuena por el blog y gracias por compartir tus hallazgos.

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  2. Este comentario ha sido eliminado por el autor.

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  3. Muy buena observación. Ya está incluida la cita bajo el dibujo de Lucy, y la correspondiente fotografía de Nesbit en el apartado de "Referencias".
    Muchas gracias por la visita y los comentarios.

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