lunes, 25 de junio de 2018

Victoria Selbach [Pintura / Painting]

Victoria Selbach

Victoria en su estudio, fotografiada por / at her Studio photographed by Kristina Safonova

Victoria Selbach es una pintora estadounidense nacida en Pittsburgh 1960.
Estudió dibujo y pastel en el Museo Carnegie Mellon de Pittsburgh y continuó sus clases de arte en la Universidad Carnegie Mellon. Sus años en la Universidad le proporcionaron una amplia gama de trabajos de curso, incluyendo dibujo de modelos del natural y estudio de anatomía en la morgue del Pitt Medical School. Luego, se mudó a Nueva York y se graduó de la Escuela de Diseño Parsons con un título en Diseño de Moda.

Serie / Series "Mille Fleurs" - "Nicole en / at Mille Fleurs 4"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 60". Colección privada / Private Collection
Los desnudos de "Mille Fleurs" son una colección de mujeres increíbles que me han inspirado en muchos niveles y contribuyen con su profunda belleza personal y relevancia a la obra. La serie lleva el nombre de "Mille Fleurs" una casa de campo Guggenheim en la costa norte de Long Island, donde el entorno único y la luz increíble permite interacciones mágicas con la musa.

Serie "Tapiz generacional" / Generational Tapestry Series
 "Sobre sus hombros / On Her Shoulders", acrílico y ensamblaje en técnica mixta sobre panel /
acrylic and mixed media assemblage on panel, 48" x 36"

«Cada panel de la serie "Tapiz generacional" representa un aspecto único de la experiencia femenina vital de mis abuelas, y está construido con un ensamblaje de sus manualidades y reliquias familiares. Una superficie se eleva sobre el collage como sostén de la figura de una mujer joven. Ella está literalmente construida sobre el legado de quienes la precedieron.»

Primera serie / First Series
"Desnudo / Nude 9", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 48"

«Mi madre me animó desde muy joven, celebrando cada creación temprana. Dudo seriamente que tenga algún 'talento' especial, pero ese tipo de refuerzo positivo, aprobación y apreciación afecta tu autoestima y valor. Me hizo sentir bien conmigo misma y me impulsó hacia el próximo proyecto. También me hizo sentir "especial" en el sentido de que está bien ser diferente. Yo era un bicho raro en mi entorno. Mis hermanos estaban afuera montando motos de cross, autos de carrera y jugando en el granero mientras yo tenía alergias al polen, la hierba, los caballos, y me quedaba dentro para dibujar, imaginar y crear. Habiendo crecido en una zona semi rural a las afueras de Pittsburgh, donde la cerveza, el fútbol y la caza de venados estaban de moda, no veía la hora de escapar, tomar riesgos, llegar a la ciudad de Nueva York y asistir a la Parsons School of Design.»

Serie "Diosas" / Goddesses Series
 "Vajrayogini: Tiene que ser real / Got to be Real", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 58" x 38".
Vajrayoginī es indiscutiblemente la deidad suprema del panteón tántrico. Ningún Buda masculino, se acerca a ella en trascendencia metafísica o práctica. Ella puede transformar las experiencias cotidianas mundanas en caminos espirituales más elevados. Se dice que la práctica de Vajrayogin es adecuada para aquellos que tienen un apego fuerte y deseoso, y para aquellos que viven en la "edad degenerada" actual. /
Vajrayoginī is inarguably the supreme deity of the Tantric pantheon. No male Buddha, approaches her in metaphysical or practical import. She can transform mundane daily experiences into higher spiritual paths. Vajrayoginī’s practice is said to be well-suited to those with strong desirous attachment, and to those living in the current “degenerate age”

"Héroe / Hero", collage y acrílico sobre lienzo /
collage and acrylic on canvas, 52″ x 76″. Colección privada / Private Collection

«Las primeras obras de arte que me impactaron fueron las pinturas e ilustraciones religiosas con las que tropecé creciendo como católica. La pesada y espeluznante carga intrigó mi imaginación y curiosidad. Su fuerte contraste con mi alegre y alegre infancia insinuaba algo más oscuro, más adulto, algo que debía temerse y por lo que a la vez te sentías atraída. Es el peso físico de esas piezas, no los aspectos de fantasía que puedo ver en mi trabajo actual. Tenían la capacidad de atraer al espectador, crear un deseo de conocer la emoción, experimentar empatía.»

Al citar a artistas de Diego Rivera a Jenny Saville como influencias, la sólida convicción de que las mujeres son bellas tal como son sigue siendo el núcleo de la misión artística de Selbach. Mostrando a las mujeres como realmente son, la mayoría de las modelos de Selbach aparecen en entornos domésticos cotidianos, sentadas junto a una ventana o mirándose en el espejo. En su mayoría, parece que no estuvieran posando; están arreglándose el pelo o rascándose el cuello, retratando la fuerza visual y la sutil belleza interior.

"Mary como musa / Mary as a Muse"
"Mary en / at Mille Fleurs", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 30"
"María como musa" captura la gracia y el poder de una única mujer, completamente a gusto, completamente presente pero envuelta en el misterio. A medida que la luz revela parcialmente lo que está presente, las sombras sugieren algo que está más allá de nuestra comprensión actual.

"Serie Perspectivas / Perspectives Series" - "La distancia / The Distance"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 30". Colección privada / Private Collection

«La gran mayoría de las mujeres que he pintado son personas que conozco, amo y respeto profundamente. Muy a menudo me acerco a una musa y le pido que trabaje conmigo, pero a veces los amigos dan un paso al frente y expresan un deseo real de colaborar. He hecho encargos. Aquellos que se acercan a mí deben sentir cierta química compartida para que lo que los resultados sean maravillosos, y a menudo comienzan amistades. A veces me siento abrumada por el poder y el resplandor de una mujer en el metro. Hasta ahora no he encontrado la manera de acercarme a extraños, pero la belleza y las mujeres inspiradoras están en todas partes ".

"Serie Perspectivas / Perspectives Series"
Izq./ Left: "Nodriza buena del norte / Good Nurse of the North"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 51" x 35"
Der./ Right: "Nodriza malvada del oeste / Wicked Nurse of the West"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 50" x 34"
La misma mujer descansando en una silla diferente se encuentra con la distinción dramática de nuestra perspectiva. La casualidad de donde nos sentamos en la tierra, la llamada aleatoria del lugar que eclipsa todo lo que es de mayor importancia. Imaginamos una barrera que nos separa de lo que percibimos como malo o diferente, que refleja una ilusión que percibimos como buena. /
The same woman resting in a different chair met by the dramatic distinction of our perspective. The appenstance of where we sit on the earth, the random call of place that overshadows all that is of greater importance. We imagine a barrier, separating us from what we perceive as bad or different, which reflects an illusion that we perceive as good.

"Serie Perspectivas / Perspectives Series" -  "Terrenal / Earthly"
Acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 20" x 16"

«Me atrae la creación de representaciones de mujeres a tamaño mayor que el natural, para defender el verdadero poder de ver y celebrar realmente a las mujeres. Suelo bromear con que después de tantos años en la moda, simplemente no me interesaba pintar a una mujer con ropa. Pero es mucho más que eso. El cuerpo es hermoso, la forma en que atrapa la luz, la forma en que una mujer siente el calor de la luz que recorre su cuerpo, la forma en que nuestro verdadero ser puede ser liberado cuando dejamos de simular con adornos y accesorios. La ropa puede contar una historia y en las manos adecuadas incluso puede transmitir emoción. Pero el desnudo es puro, honesto, natural, completo. También es una cosa poderosa para una mujer poseer su imagen, presentarse de forma natural, confrontar el fanatismo histórico y rechazar la carga de un legado de mentiras perjudiciales. Hay poder en levantar el velo cultural.

Serie "Diosas" / Goddesses Series
 "Iemanjá / Yemayah", acrílico sobre lino / acrylic on linen, 56" x 36"
Yemayah representa la fecundidad y la inmensidad de la maternidad. Como dadora de vida, es fuerte y nutritiva, pero furiosamente protectora y destructiva. Llevada al Nuevo Mundo por el pueblo Yoruba de Nigeria, ha sido venerada durante siglos como Protectora durante el pasaje intermedio de la esclavitud. Yemayah ejemplifica la energía femenina activa, la fuente misma de toda la vida, el poder del océano, la furia de la destrucción y es el agente de todo cambio./
Yemayah represents fecundity and the vastness of motherhood. As the giver of life she is strong and nurturing, yet furiouslyprotective and destructive. Brought to the New World by the Yoruba people of Nigeria, she has been venerated for centuries as Protectress during the middle passage of slavery. Yemayah exemplifies active feminine energy, the very source of all life, the power of the ocean, the fury of destruction and is the agent of all change.

Serie "Tapiz generacional" / Generational Tapestry Series
"Las historias que nos contaron / The Stories We're Told"
Acrílico y ensamblaje en técnica mixta sobre panel / acrylic and mixed media assemblage on panel, 48" x 36"

«Mi trabajo comienza con una conexión con las mujeres. Elegimos un día con luz increíble y pasamos horas persiguiendo las intersecciones de luz y sombra. La mayor parte del tiempo que paso con la modelo consiste simplemente en movernos de un lugar a otro en la casa y el jardín en busca de una luz increíble donde ella pueda perderse en el momento.
El foco está siempre en la luz; es lo que libera a la musa para disfrutar realmente de la aventura. Cada modelo con la que he trabajado se siente cautivada con el proceso y cómo la hace sentir. Tomo cientos de imágenes digitales para usar como referencia. Pinto en el estudio sola, desarrollando un diálogo con la pieza hasta que la oigo llegar y hablar conmigo.

Victoria junto a su obra / with her work "Durga"

Victoria Selbach is an American painter born in Pittsburgh 1960. 
She studied drawing and pastel at the Carnegie Mellon Museum of Pittsburgh and continued on to art classes at Carnegie Mellon University. Her years at CMU provided a broad range of course work including drawing from live models and studying anatomy at the Pitt Medical School Morgue. Afterwards, she moved to New York City and graduated from Parsons School of Design with a degree in Fashion Design.

Serie "Diosas" / Goddesses Series
 "Durga", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 54" x 34". Colección privada / Private Collection
Durga representa el empoderamiento y la naturaleza protectora de la maternidad./
Durga represents the empowering and protective nature of motherhood.

Serie "Diosas" / Goddesses Series
"Taras doradas / Golden Taras", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 50" x 60"
Tara, la diosa de la compasión universal y la madre de la liberación, representa la acción iluminada. Tara nació de lágrimas de compasión. Avalokiteshvara miró un mundo de sufrimientos y lloró. Una Tara nació de las lágrimas del ojo izquierdo y la otra de las del derecho. Juntas simbolizan la compasión sin fin, trabajando día y noche para aliviar el sufrimiento. /
Tara, the goddess of universal compassion and the mother of liberation, represents enlightened action. Tara was born out of tears of compassion. Avalokiteshvara looked upon the world of suffering and wept. One Tara was born from the tears of the left eye and the other from those of the right. Together they symbolize unending compassion, laboring day and night to relieve suffering.

"Serie Perspectivas / Perspectives Series" - "Mirada / Gaze", tríptico / triptych
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, cada panel / each panel: 54" x 26"

«I was encouraged from a young age by my mom who celebrated every early creation. I seriously doubt I had any special ‘talent’ but that sort of positive reinforcement, approval, and appreciation impacts your self identity and worth. It made me feel good about myself and spring-boarded me onto the next project. It also made me feel ‘special’ in the sense that it’s alright to be different. I was a bit of a bird of a different feather in my surroundings. My brothers were outside riding dirt bikes, racing cars, and playing in the hay barn while I had allergies to pollen, grass, horses, and stayed inside to draw, imagine, and create. Growing up in a semi-rural area just outside Pittsburgh where beer drinking, football, and deer hunting were all the rage, I could not wait to escape, take risks, get to NYC, and attend Parsons School of Design.»

Serie "Diosas" / Goddesses Series
 "Parvati: bajo el ficus / Under the Ficus", 54" x 26". Encargo / commision
Parvati, diosa del amor, la fertilidad y la devoción, es energía y poder recreativos y la causa del vínculo que conecta a todos los seres. Ella es la voz de aliento, la razón y la libertad, así como de la resistencia, el poder, la acción y la justicia retributiva. Esta paradoja simboliza su disposición a adaptarse como la madre universal. Los numerosos aspectos de Parvati reflejan la creencia hindú de que lo femenino tiene rango universal y su género no es una condición limitante./
Parvati, goddess of love, fertility and devotion, is recreative energy and power and the cause of bond that connects all beings. She is the voice of encouragement, reason, and freedom, as well as of resistance, power, action and retributive justice. This paradox symbolizes her willingness to adapt as the universal mother. Parvati’s numerous aspects reflect the Hindu belief that the feminine has universal range and her gender is not a limiting condition.

Primera serie / First Series
"Desnudo / Nude 3", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36"

«The first artworks that had an impact on me where the religious paintings and illustrations that I stumbled on growing up Catholic. The heavy laden creepiness intrigued my imagination and curiosity. Their stark contrast to my sunny cheery childhood hinted at something darker, more adult, something to be feared and yet drawn to. It is the physical weight of those pieces not the fantasy aspects that I can see in my current work. They had an ability to pull the viewer in, to create a desire to know the emotion, to experience empathy.»

Citing artists from Diego Rivera to Jenny Saville as influences, a strong conviction that women are beautiful as they are remains at the core of Selbach’s artistic mission. Showing women as they truly are, most of Selbach’s models appear in everyday, domestic settings, sitting by the window or glancing in the mirror. For the most part they feel unposed, adjusting their hair or scratching their neck, portraying visual strength and subtle inner beauty.

Serie "Diosas" / Goddesses Series - "Shekhinah"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 24". Colección privada / Private Collection
Shekhinah, el "habitante interno", es la encarnación mística de la femineidad y la presencia de Dios centrada en la tierra. Aunque Shekhinah encarna la alegría, ella es un símbolo de sufrimiento compartido y empatía por todas las heridas del mundo, especialmente las del exilio. Shekhinah es un recordatorio de que no hay división entre nosotros o entre la creación y la divinidad. /

Shekhinah, the ‘dweller within’, is the mystical embodiment of the feminine and the earth-centered presence of god. Although Shekhinah embodies joy she is a symbol of shared suffering and empathy for all the hurts of the world especially those in exile. Shekhinah is a reminder that there is no division between us or between creation and divinity.

Primera serie / First Series
"Desnudo / Nude 4", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 30"

«The vast majority of women I have painted are individuals I know, love, and deeply respect. Most often, I will approach a muse and ask her to work with me, but sometimes friends step forward and express a real desire to collaborate. I have done commissions. Those who reach out to me must sense a certain shared chemistry so the results are wonderful and often start friendships. At times I find myself overwhelmed by the power and radiance of a woman on the subway. So far I haven’t successfully found a way to approach strangers, but beauty and inspiring women are everywhere.»

Serie "Tapiz generacional" / Generational Tapestry Series
"Jardín de los versos de la madre / Mother's Garden of Verses"
Acrílico y ensamblaje en técnica mixta sobre panel / acrylic and mixed media assemblage on panel, 48" x 36" 
Colección privada / Private Collection

«Each panel of the Generational Tapestry series represents a unique aspect of my grandmothers lived feminine experience and is built on an assemblage of their personal handcrafts and heirlooms. A surface is raised above the collage to support the figure of a young woman. She is literally built on the legacy of those who came before.»

"Mary como musa / Mary as a Muse"
"Mary 2", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 48"
"Mary as Muse" captures the grace and power of one unique woman, completely at ease, fully present yet cloaked in mystery. As the light partially reveals what is present the shadows hint at all that is just beyond our current understanding.

«I am drawn to creating larger-than-life size depictions of women to champion the true power of really seeing and celebrating women. I joke that after all those years in fashion I just simply was not interested in painting a woman in clothing. But it’s much more than that. The body is gorgeous, the way it catches the light, the way a woman feels the warmth of the light roll across her body, the way our true selves can be released when we drop all pretense, accouterments and embellishments. Clothing can tell a story and in the right hands can even convey emotion. But the nude is pure, honest, natural, complete. It is also a powerful thing for a women to own her image, to present herself naturally, confronting historical bigotry, and rejecting the burden of a legacy of prejudicial lies. There is power in lifting the cultural veil.»

"Serie Perspectivas / Perspectives Series" - "Derviche / Dervish 1"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 34". Colección privada / Private Collection
La serie Dervish celebra a las mujeres que renuncian a la sujeción de la conformidad, las restricciones y lo prohibido, para deleitarse en lo emocional y profundo. Una mujer que celebra lo divino abrazando su propia complejidad energética mientras enfatiza la apertura, la aceptación y la tolerancia. /
The Dervish series celebrates women who relinquish the hold of conformity, restrictions and the forbidden to revel in the emotional and profound. Woman that celebrate the divine by embracing their own energetic complexity while emphasizing openness, acceptance and tolerance.

"Autumn en / at Mille Fleurs 3"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 60". Colección privada / Private Collection

«My work starts with a connection to the women. We choose a day with incredible light and spend hours chasing the intersections of light and shadow. Most of the time spent with the model is simply moving from place to place in the house and garden looking for incredible light where she can loose herself in the moment.
The focus is always on the light, which frees the muse to really enjoy the adventure. Every model I have ever worked with is enthralled with the process and how it makes her feel. I capture hundreds of digital images to use for reference. I paint in the studio alone, developing a dialogue with the piece until I can hear her reach out and speak to me.»

Serie / Series "Mille Fleurs" - "Nicole en / at Mille Fleurs 1"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 30". Colección privada / Private Collection
‘Mille Fleurs’ nudes are a collection of amazing women who have inspired me on many levels and contribute their deep personal beauty and resonance to the work. The series is named for ‘Mille Fleurs’ a Guggenheim cottage on the North Shore of Long Island where the unique setting and incredible light allows for magical interactions with the muse.

Victoria en su estudio, fotografiada por / at her Studio photographed by Kristina Safonova
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Kristina Safonova es una fotógrafa rusa cuya obra puede verse en /
is a Russian photographer whose work can be seen in
Website, facebook, Instagram

Fuentes / Sources:
* Website
* Por fin, una artista pinta desnudos femeninos como realmente son /
Finally, Artist Paints Female Nudes As They Really Are.
Artículo y entrevista de / article and interview by Priscilla Frank.
Huffington Post, 8/2014, actualizado / uptaded 6/2017
* Galería de Bellas Artes: Una entrevista con / Gallery of Fine Art: An Interview With V.S., 
Por / by Katie Barnes, Indian Ink, 3/2017
* Perfil de / Profile of V.S. Widewalls, 11/2014

Más sobre / More about Victoria Selbach: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Victoria!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Victoria!)

domingo, 24 de junio de 2018

Aniversarios (CCXXXIII) [Junio / June 18-24]

Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 18 de Junio es el cumple de

Allaert van Everdingen pintor y grabador holandés de la Edad de Oro en aguafuerte y mediatinta, nacido en 1621 en Alkmaar, Países Bajos.
Según Arnold Houbraken él y sus hermanos mayores, los pintores Jan y César van Everdingen, fueron enseñados por Roelandt Savery en Utrecht. Allaert se mudó en 1645 a Haarlem, donde estudió con Pieter de Molijn, y finalmente se estableció alrededor de 1657 en Ámsterdam.

"Pejzaż z wodospadem / Paisaje con una cascada / Landscape With a Waterfall"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 88,8 cm., entre / between 1671-1675. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe w Warszawie (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)

Sería difícil encontrar un mayor contraste que el que presentan las obras de Savery y Everdingen. Savery heredó el brillante estilo de los Brueghels, que llevó al siglo XVII, mientras que Everdingen se dio cuenta del gran y eficaz sistema de paisaje coloreado y de gran intensidad que caracteriza a los precursores de Rembrandt. Una fascinación por lo exótico es probablemente lo que inspiró a Allaert a viajar por su cuenta, aunque está bastante dentro del rango de probabilidad de que haya adquirido su enfoque de su maestro de dibujo, Pieter de Molijn.
Fue enterrado en 1675.

"Paisaje sueco con una cascada / Swedish Landscape With a Waterfall"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 88,8 cm., entre / between 1650-1675.
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

On June 18 is the birthday of

Allaert van Everdingen Dutch Golden Age painter and printmaker in etching and mezzotint, born in 1621 in Alkmaar, Netherlands.
He and his older brothers, the painters Jan and Caesar van Everdingen, according to Arnold Houbraken, were taught by Roelandt Savery at Utrecht. Allaert moved in 1645 to Haarlem, where he studied under Pieter de Molijn, and finally settled about 1657 in Amsterdam.

"De geschutgieterij van Hendrik Trip in Julita Bruk in Zweden /
La fundición de armas de Hendrik Trip en Julita Bruk en Suecia"
The Gun Foundry of Hendrik Trip in Julita Bruk in Sweden"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 192 x 254,5 cm., entre / between 1650-1675.
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

It would be difficult to find a greater contrast than that presented by the works of Savery and Everdingen. Savery inherited the brilliant style of the Brueghels, which he carried into the 17th century; whilst Everdingen realized the large and effective system of coloured and powerfully shaded landscape which characterises the precursors of Rembrandt. A fascination with the exotic is probably what inspired Allaert to travel himself, though it is quite within the range of probability that he acquired his approach from his drawing master, Pieter de Molijn.
He was buried in 1675.

"Vista de Haarlem desde el / View of Haarlem from the Noorder Buiten Spaarne"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39 x 65,5 cm., entre / between 1640-1675. 
Frans Hals Museum (Haarlem, Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons


El 19 de Junio es el cumple de

Paweł Wróbel, pintor primitivista polaco nacido en 1913 en Katowice-Szopienice.
Debido a que su madre soltera era muy pobre, su educación se limitó a tres cursos de la escuela primaria. A los 10 años comenzó a trabajar como minero.
En sus pinturas le da mucho más color e intensidad de la que en realidad tiene la vida gris del minero. Nos muestra en detalle la ciudad y escenas de los pueblos, la vida social, las fiestas, las bodas y los funerales.

"Pejzaż śląski / Paisaje de Silesia / Silesian Landscape"
Arílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 51 x 59,5 cm., 1978
Muzeum Śląskie w Katowicach / Museo de Silesia (Katowice, Polonia / Poland). Link

Casi desde el principio su arte fue recibido con gran entusiasmo y se hizo muy popular. Sus pinturas están presentes en los museos polacos importantes y en colecciones en Polonia y en el extranjero. La televisión polaca hizo algunos documentales muy interesantes sobre su persona y arte. A Wróbel estos éxitos se le subieron un poco a la cabeza. Empezó a beber más y más, e incluso afirmó que había expuesto junto con Picasso en París.
Se ganó el sobrenombre de "Brueghel de Silesia".
Murió en 1984.

"Przy straganach / En los puestos / At the Stalls", arílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 50 x 70 cm., 1970s
Muzeum Śląskie w Katowicach / Museo de Silesia (Katowice, Polonia / Poland). Link

"Górniki popijają ze Skarbnikiem i św. Barbarą / Los mineros beben con el tesorero y Santa Bárbara /
Miners drink with the Treasurer and Saint. Barbara", 1983
Muzeum Górnictwa Węglowego w Zabrzu /
Museo de las minas de carbón (Zabrze, Silesia, Polonia / Poland). Link

On June 19 is the birthday of

Paweł Wróbel, Polish primitivist painter born in 1913 in Katowice-Szopienice.
Because his unmarried mother was very poor his education was limited to three classes of the elementary school. On the age of 10 years he started working as a miner. 
In his paintings he gives much more colour and intensity to the grey miner’s life than it has in reality. He depicts us in detail the town and village-scenes, social life, parties, weddings and funerals.

"Na jarmarku / En la feria / At the Fair"
Óleo sobre panel de fibra / oil on fibreboard, 41 x 66,5 cm., 1977. DESA Dzieła Sztuki i Antyki

"Kopalnia / Mina / Mine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 60 cm., 1978
Muzeum Śląskie w Katowicach / Museo de Silesia (Katowice, Polonia / Poland)

Almost from the very beginning his art was received with great enthusiasm and he became very popular. His paintings are present in the important Polish museums and in collections in Poland and abroad. The Polish television made some very interesting documentaries over his person and art. These successes went somewhat to Wrobel’s head. He started drinking more and more and even claimed that he had an exposition together with Picasso in Paris.
He gained the nickname of the Silesian Brueghel.
He died in 1984.

"Orkiestra / Orquesta / Orchestra", 56 x 100 cm., acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 1979
Muzeum Śląskie w Katowicach / Museo de Silesia (Katowice, Polonia / Poland)


El 20 de Junio es el cumple de

Lucy Elizabeth Kemp-Welch, pintora y profesora británica nacida en 1869 en Bournemouth, especializada en la pintura de caballos de trabajo. Es conocida por las pinturas de caballos en el servicio militar que produjo durante la Primera Guerra Mundial y por sus ilustraciones para la edición de 1915 de Black Beauty de Anna Sewell.
Mostró una temprana excelencia en el arte y expuso por primera vez cuando tenía 14 años. Después de asistir a una escuela de arte local, en 1891 ella y su hermana menor Edith se mudaron a Bushey para estudiar en la escuela de arte de Hubert von Herkomer. Como una de las mejores y más dotadas estudiantes de Herkomer, pudo montar su propio estudio. Mientras todavía era estudiante colocó una pintura, "Pastores gitanos llevando caballos a una feria", que se exhibió en la Royal Academy en 1895. Kemp-Welch recibió más reconocimiento público en 1897 cuando su pintura "Colt-Hunting in the New Forest" también se expuso en el Real Academia.

"El silencio blanco del invierno / Winter's White Silence"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 181,5 cm., 1923-24
Leamington Spa Art Gallery & Museum (Reino Unido / UK). ArtUK

En 1914 Kemp-Welch se convirtió en presidente de la Sociedad de pintores de animales.
En diciembre de 1914, Kemp-Welch fue contratado por el Comité de Reclutamiento Parlamentario Británico para pintar la obra de arte para el famoso cartel de reclutamiento del ejército, "¡Adelante! Adelante hacia la victoria. Alístate ahora".
En 1924, para el Royal Exchange, Kemp-Welch diseñó y completó un gran panel conmemorativo del trabajo de las mujeres durante la Primera Guerra Mundial. Desde 1926 en adelante se centró en representar escenas de la vida gitana y de circo, y pasó varios veranos siguiendo el Circo de Sanger, representando caballos.
Murió en 1958.

"Armamento pesado para el frente / Big Guns to the Front"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 198 x 381 cm., 1918
National Museum (Cardiff, Gales / Wales). ArtUK

"¡Adelante! Adelante hacia la victoria. Alístate ahora / Forward! Forward to victory. Enlist now"
Litografía a color / color lithography, 76 x 49 cm., 1915.
Library of Congress Prints and Photographs Division (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

On June 20 is the birthday of

Lucy Elizabeth Kemp-Welch, British painter and teacher born in 1869 in Bournemouth, who specialized in painting working horses. She is best known for the paintings of horses in military service she produced during World War One and for her illustrations to the 1915 edition of Anna Sewell's Black Beauty.
She showed an early excellence in art and exhibited for the first time when she was 14 years old. After attending a local art school, in 1891 she and her younger sister Edith moved to Bushey to study at Hubert von Herkomer’s art school. As one of Herkomer's best and most favoured students, she was able to set up her own studio. While still a student Kemp-Welch had a painting, Gypsy Drovers taking Horses to a Fair shown at the Royal Academy in 1895. Kemp-Welch received further public recognition in 1897 when her painting Colt-Hunting in the New Forest was also shown at the Royal Academy.

"¡Adelante las armas! / Forward the Guns!"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 x 306,1 cm., 1917
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

In 1914 Kemp-Welch became president of the Society of Animal Painters.
In December 1914, Kemp-Welch was engaged by the British Parliamentary Recruiting Committee to paint the artwork for the famous army recruitment poster, Forward! Forward to Victory Enlist Now.
In 1924, for the Royal Exchange, Kemp-Welch designed and completed a large panel commemorating the work of women during World War One. From 1926 onwards she focussed on depicting scenes of gypsy and circus life and spent several summers following Sanger's Circus, recording the horses.
She died in 1958.

"En la trasera del hipódromo, hora de la cena / At the Back of the Racecourse, Dinner Time"
Lápiz / pencil, 21,5 x 34,5 cm., 1901. Tennants


El 21 de Junio es el cumple de

Oscar Bluemner (de nacimiento Friedrich Julius Oskar Blümner, después de 1933 conocido como Oscar Florianus Bluemner), pintor modernista estadounidense nacido en Prenzlau, Alemania, en 1867.
Estudió pintura y arquitectura en la Real Academia de Diseño de Berlín. Se mudó a Chicago en 1893, donde trabajó como dibujante en la Exposición Colombina Mundial. Después de la exposición intentó encontrar trabajo en Chicago. En 1901 se trasladó a Nueva York, donde tampoco pudo encontrar un empleo estable. En 1903 creó el diseño ganador para el Bronx Borough Courthouse en Nueva York, aunque se acreditó a Michael J. Garvin. El escándalo que surgió en torno a esto derribó al presidente del distrito, Louis Haffen, por corrupción y fraude.
En 1908 Bluemner conoció a Alfred Stieglitz, quien le introdujo en las innovaciones artísticas de la vanguardia europea y estadounidense. En 1910 Bluemner había decidido dedicarse a pintar a tiempo completo en lugar de la arquitectura.

"Viejo canal del puerto / Old Canal Port", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40,25 x 30,25 cm., 1914
Whitney Museum of American Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). GAP

Expuso en la Armory Show de 1913. Dijo que la contribución de los estadounidenses no coincidía con la de los europeos porque el proceso de selección estadounidense reflejaba rivalidades y compromisos en lugar de juicio curatorial, lo que resultaba en una "melée de ejemplos antagónicos". Luego, en 1915, Stieglitz le ofreció una exposición individual en su galería, 291. A pesar de participar en varias exposiciones durante los siguientes diez años, incluidas algunas individuales, Bluemner no pudo vender muchas pinturas y vivió con su familia en la pobreza.
Creó pinturas para el Proyecto Federal de Arte en la década de 1930.
Después de la muerte de su esposa en 1926 se mudó a South Braintree, Massachusetts. A partir de ahí en 1932 contribuyó con una carta a un debate en curso en el New York Times sobre la pregunta "¿Qué es el arte estadounidense?".
Tuvo una exitosa exposición individual en 1935 en la Galería Marie Harriman en la ciudad de Nueva York. En el New York Times, Edward Alden Jewell la llamó la "apoteosis" de Bluemner.
El arista se suicidó el 12 de enero de 1938.

"Tonos de la tarde / Evening Tones", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 387,35 x 508 cm., 1911-17
Smithsonian American Art Museum (Washington, D.C., EE.UU./ USA). GAP

On June 21 is the birthday of

Oscar Bluemner (born Friedrich Julius Oskar Blümner, after 1933 known as Oscar Florianus Bluemner), German-born (Prenzlau, 1867) American Modernist painter.
He studied painting and architecture at the Royal Academy of Design in Berlin. He moved to Chicago in 1893 where he freelanced as a draftsman at the World's Columbian Exposition. After the exposition, he attempted to find work in Chicago. In 1901, he relocated to New York City where he also was unable to find steady employment. In 1903, he created the winning design for the Bronx Borough Courthouse in New York, although it is credited to Michael J. Garvin. The scandal that arose around this took down borough president Louis Haffen for corruption and fraud. 
In 1908 Bluemner met Alfred Stieglitz, who introduced him to the artistic innovations of the European and American avant-garde. By 1910, Bluemner had decided to pursue painting full-time rather than architecture.

"Luz de la mañana (Colinas de Dover, Octubre) / Morning Light (Dover Hills, October)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,8 x 76.2 cm., 1912-16
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution (Washington, D.C., EE.UU./ USA)

He exhibited in the 1913 Armory Show. He said that the Americans' contribution failed to match that of the Europeans because the American selection process reflected rivalries and compromises rather than curatorial judgment, resulting in a "melée of antagonistic examples". Then in 1915 Stieglitz gave him a solo exhibition at his gallery, 291. Despite participating in several exhibitions, including solo shows, for the next ten years Bluemner failed to sell many paintings and lived with his family in near poverty.
He created paintings for the Federal Arts Project in the 1930s.
After his wife's death in 1926, Bluemner moved to South Braintree, Massachusetts. From there in 1932 he contributed a letter to an ongoing debate in the New York Times on the question "What is American Art?".
He had a successful one-man show in 1935 at the Marie Harriman Gallery in New York City. In the New York Times, Edward Alden Jewell called it Bluemner's "apotheosis". 
Bluemner committed suicide on January 12, 1938.

"Estación de bandera, Nueva Jersey / Flag Station, New Jersey"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 27 x 34 cm., 1925. 
The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Oscar Bluemner en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XIX)]


El 22 de Junio es el cumple de

Edward "Ed" Francis Paschke, pintor estadounidense de origen polaco nacido en Chicago en 1939.
Su interés desde la infancia en la animación y las caricaturas, así como la creatividad de su padre en la talla de madera y la construcción, lo llevaron a una carrera en el arte. Como estudiante en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, fue influenciado por muchos artistas presentados en las exposiciones especiales del Museo, en particular la obra de Gauguin, Picasso y Seurat.
Recibió su licenciatura en Bellas Artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1961, y más tarde su maestría en Arte en 1970 en la misma escuela. Reclutado en el ejército el 4 de noviembre de 1962, fue enviado a Fort Polk, Louisiana, donde trabajó en el Departamento de Capacitación, trabajando en proyectos que incluían ilustraciones para publicaciones, letreros, objetivos y manuales para explicar armas y procedimientos a las tropas entrantes.
En 1976 comenzó a enseñar en la Universidad Northwestern. Era un profesor sensible y comprensivo, a menudo invitaba a los estudiantes a su estudio de Howard Street y forjaba relaciones personales.

"Bocca Rouge", óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 24", 2000. Link

Aunque Paschke se inclinó por las imágenes representativas, aprendió a pintar sobre la base de los principios de la abstracción y el expresionismo. Al igual que muchos artistas de Chicago, tenía una afición por el arte marginal, así como por los tatuajes.
Recopiló con avidez medios visuales relacionados con la fotografía en todas sus formas: desde periódicos, revistas y carteles hasta películas, televisión y videos, con preferencia por las imágenes que tendían hacia lo arriesgado y lo marginal. A través de esto, estudió las formas en que estos medios transformaron y estilizaron la experiencia de la realidad, lo que a su vez impactó en su consideración de las preguntas formales y filosóficas sobre la veracidad y la invención en su propia pintura. Al mismo tiempo, buscó vivir y trabajar en situaciones (desde fábricas hasta asistente psiquiátrico) que lo conectaran con las diversas comunidades étnicas de Chicago, así como alimentar su fascinación por la ruda vida urbana y la anormalidad humana. Así desarrolló una obra distintiva que oscilaba entre la introspección personal y estética, y confrontaba los valores sociales y culturales.
Murió en 2004.


"Magique", óleo sobre lienzo / oil canvas, 70 x 107 cm., 1982. Christie's

On June 22 is the birthday of

Edward "Ed" Francis Paschke, American painter of Polish descent born in Chicago in 1939.
His childhood interest in animation and cartoons, as well as his father's creativity in wood carving and construction, led him toward a career in art. As a student at the School of the Art Institute of Chicago he was influenced by many artists featured in the Museum's special exhibitions, in particular the work of Gauguin, Picasso and Seurat.
He received his bachelor of fine arts degree from the School of the Art Institute of Chicago in 1961, and later his master's degree in Art in 1970 from the same school. Drafted into the Army on November 4, 1962, he was sent to Fort Polk, Louisiana, where he worked in the Training Aids Department, working on projects including illustrations for publications, signs, targets and manuals to explain weapons and procedures to incoming troops. 
In 1976, he started to teach at Northwestern University. He was a sensitive and supportive professor, often inviting students to his Howard Street studio and forging personal relationships.

"Bronceado / Sunburn"
Óleo sobre lienzo / oil canvas, 70,8 x 96,4 cm., 1970
Museum of Contemporary Art (Chicago, EE.UU./ USA) © MCA Chicago.

Although Paschke was inclined toward representational imagery, he learned to paint based on the principles of abstraction and expressionism. Like many Chicago artists, he had a fondness for Outsider Art, as well as Tattoo Art.
He avidly collected photographs-related visual media in all its forms, from newspapers, magazines, and posters to film, television, and video, with a preference for imagery that tended toward the risqué and the marginal. Through this he studied the ways in which these media transformed and stylized the experience of reality, which in turn impacted on his consideration of formal and philosophical questions concerning veracity and invention in his own painting. At the same time, he sought living and working situations—from factory hand to psychiatric aide—that would connect him with Chicago’s diverse ethnic communities as well as feed his fascination for gritty urban life and human abnormality. Thus he developed a distinctive body of work that oscillated between personal and aesthetic introspection and confronting social and cultural values.
He died in 2004.

"Jesús", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 174 x 101,6 cm., 1974. Pinterest


El 23 de Junio es el cumple de

Robert Sargent Austin, notable ilustrador, grabador, dibujante y diseñador de moneda nacido en 1895 en Leicester, ampliamente considerado como uno de los principales grabadores británicos de mediados del siglo XX.
Estudió en la Escuela Municipal de Arte de Leicester de 1909 a 1913 y luego en el Royal College of Art de Londres, donde sus estudios fueron interrumpidos por la Primera Guerra Mundial. Regresó al Colegio en 1919 para estudiar grabado bajo la dirección de Sir Frank Short y obtuvo una beca de grabado para estudiar en Italia. Durante los últimos 10 años del renacimiento de grabado entre 1920 y 1930, produjo grabados planchas de cobre trabajadas con gran detalle en un estilo casi prerrafaelita. Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como artista de guerra registrando los esfuerzos de las mujeres en la Royal Air Force y en los servicios de enfermería para el Comité Asesor de Artistas de Guerra. Luego regresó a la docencia en el Royal College of Art como profesor de grabado desde 1946. Austin actuó como asesor en el diseño de billetes bancarios para el Banco de Inglaterra entre 1956 y 1961 y diseñó los billetes de diez chelines y de una libra emitidos a principios de los años. 1960s.

"Gato y mandolina / Cat and Mandolin"
Grabado sobre papel satinado / engraving on buff laid paper, 10,5 x 16 cm., 1925. Blouin Art

Fue elegido miembro de la Real Sociedad de Pintores Aguafortistas y Grabadores (R.E.) en 1927, sucediendo a Malcolm Osborne como presidente de la Sociedad entre 1962 y 1970. Fue elegido miembro de pleno derecho de la Real Sociedad de Acuarelistas (RWS) en 1934 y se desempeñó como su presidente desde 1957 hasta 1973. Fue elegido Asociado de la Real Academia en 1939 y miembro pleno (RA) en 1949 como grabador.
Estaba casado con la escritora Ada May Harrison, para quien ilustró una serie de libros. Tuvieron un hijo, Robert, y dos hijas, Rachel y Clare. Compró una antigua capilla metodista en Burnham Overy Staithe en North Norfolk y la convirtió en un estudio desde donde podía mirar las hermosas marismas, el paisaje y pintarlas.
Murió en 1973.

"Servicio Imperial Militar de Enfermeras de la Reina Alejandra - Una hermana interesada en un caso /
Queen Alexandra's Imperial Military Nursing Service - A Sister Interested in a Case". 
Dibujo / drawing, 1943. Wikimedia Commons

"Mujer ordeñando una cabra / Woman Milking Goat", grabado / engraving, 4,5" x 4,5", 1926. Abbott and Holder

On June 23 is the birthday of

Robert Sargent Austin, noted illustrator, engraver, draftsman and currency designer born in 1895 in Leicester, widely considered to be one of Britain's leading mid-twentieth century printmakers.
He studied at Leicester Municipal School of Art from 1909 to 1913 then at the Royal College of Art in London where his studies were interrupted by the First World War. He returned to the College in 1919 when he studied etching under Sir Frank Short and was awarded a scholarship in engraving to study in Italy. During the last 10 years of the etching revival between 1920 and 1930 he produced etchings from copper plates worked in very fine detail in an almost Pre-Raphaelite style. During the Second World War Austin worked as a war artist recording the efforts of women in the Royal Air Force and in the nursing services for the War Artists' Advisory Committee. He then returned to teaching at the Royal College of Art as Professor of Engraving from 1946. Austin acted as an advisor on the design of banknotes to the Bank of England between 1956 and 1961 and designed the ten shillings and one pound notes issued in the early 1960s.

"Viajando, campesinos del sur de Italia / Travelling, Southern Italian Peasants"
Carboncillo / charcoal, 21" x 29", c.1923. Abbott and Holder

Austin was elected a Fellow of the Royal Society of Painter-Etchers and Engravers (R.E.) in 1927 and succeeded Malcolm Osborne to become the Society's President from 1962 to 1970. He was elected a full member of the Royal Watercolour Society (R.W.S.) in 1934 and served as President from 1957 to 1973. He was elected an Associate of the Royal Academy in 1939 and to the full membership (R.A.) in 1949 as an engraver.
Austin was married to the writer Ada May Harrison for whom he illustrated a number of books. They had a son, Robert, and two daughters, Rachel and Clare. He purchased an old Methodist chapel in Burnham Overy Staithe in North Norfolk and converted it into a studio where he could look out onto the beautiful marshes and landscape and paint.
He died in 1973.

"Hombre con una cruz / Man with a Cross", grabado impreso en tinta negra sobre papel laminado /
etching printed in black ink on laid paper, 13,3 × 12,7 cm., 1927


Hoy, 24 de Junio, es el cumple de

Ferdinand Bol, pintor, grabador y dibujante holandés nacido en Dordrecht en 1616. Aunque su obra sobreviviente es rara, muestra la influencia de Rembrandt; al igual que su maestro, Bol se decantó por los temas históricos, retratos, numerosos autorretratos y figuras solitarias con adornos exóticos.
Primero fue aprendiz de Jacob Cuyp en su ciudad natal y / o de Abraham Bloemaert en Utrecht. Después de 1630 estudió con Rembrandt, viviendo en su casa de Sint Antoniesbreestraat. En 1641 comenzó su propio estudio. En 1652 se convirtió en ciudadano de Ámsterdam, y en 1653 se casó con Elisabeth Dell, cuyo padre ocupó puestos en el Almirantazgo de Ámsterdam y en el gremio de comerciantes de vino, ambas instituciones que más tarde le dieron encargos al artista. Pasados unos años (1655) se convirtió en el jefe del gremio.

"Los regentes de la Casa de Leprosos / The Regents of the Leprozenhuis"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 175 x 214 cm., 1668. 
Amsterdam Museum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons

Por esta época, Bol era un pintor popular y exitoso. Su paleta se había iluminado, sus figuras poseían mayor elegancia, y hacia la mitad de la década recibía más encargos oficiales que ningún otro artista en Ámsterdam.
La primera esposa de Bol murió en 1660. En 1669 Bol se casó por segunda vez con Anna van Erckel, viuda del tesorero del Almirantazgo, y aparentemente se retiró de la pintura en ese momento de su vida.
Murió en 1680.

"Un astrónomo / An Astronomer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 135 cm., 1652
National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Elías alimentado por un ángel / Elijah fed by an Angel"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 x 153 cm., entre / between 1660 - 1663
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Today, June 24, is the birthday of

Ferdinand Bol, Dutch painter, etcher and draftsman born in Dordrecht in 1616. Although his surviving work is rare, it displays Rembrandt's influence; like his master, Bol favored historical subjects, portraits, numerous self-portraits, and single figures in exotic finery.
He was first an apprentice of Jacob Cuyp in his hometown and/or of Abraham Bloemaert in Utrecht. After 1630 he studied with Rembrandt, living in his house in Sint Antoniesbreestraat. In 1641 Bol started his own studio. In 1652 he became a burgher of Amsterdam, and in 1653 he married Elisabeth Dell, whose father held positions with the Admiralty of Amsterdam and the wine merchants' guild, both institutions that later gave commissions to the artist. Within a few years (1655) he became the head of the guild.

"Una dama tocando el laúd / A Lady Playing the Lute"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 x 9 cm., 1654.
Nationalmuseum (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Wikimedia Commons

Around this time, Bol was a popular and successful painter. His palette had lightened, his figures possessed greater elegance, and by the middle of the decade he was receiving more official commissions than any other artist in Amsterdam.
Bol's first wife died in 1660. In 1669 Bol married for the second time to Anna van Erckel, widow of the treasurer of the Admiralty, and apparently retired from painting at that point in his life.
He died in 1680.

"Aegina wacht op de komst van Zeus / Egina esperando la llegada de Zeus
Aegina Waiting the Arriving of Zeus", s.XVII / 17th century
Meininger Museen (Meiningen, Turingia, Alemania / Thuringia, Germany). Wikimedia Commons

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