Me han llamado la atención las estilizadas esculturas de Timothy. Sus ciervos retorcidos, como si realizaran una complicada danza en plena ingravidez, tienen una gracia elegante y amable. Hay una sencillez pura en las formas, que no se recargan con más artificios que su propia dinámica. Un trabajo sutil y de gran fuerza estética. Textos en inglés al final del post señalados con [*] en cada párrafo.
Timothy's stylized sculptures caught my attention. His twisted deers, like performing a complicated dance in full weightlessness, have an elegant and friendly grace. There are a pure simplicity of form, which are not charged with more devices than their own dynamics. A subtle work with strong aesthetic force. English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Timothy Nimmo
Timothy Nimmo creció en la pequeña ciudad de Janesville, en el sur de Wisconsin. Fue el hijo del medio de una familia típica de clase media de 5 integrantes. Desde su infancia ha sido un agudo observador del mundo natural y amante de la vida al aire libre.
Timothy se graduó Cum Laude en 1984 con una licenciatura en pintura y escultura, con historia del arte como asignatura secundaria, en la Universidad de Wisconsin Whitewater. Allí aprendió todas las fases de la producción y creación de esculturas de bronce de su mentor James Wenkle. [1]
"Ciervo despertándose / Awakening Buck", bronce / bronze, 13" x 16" x 9"
Tuvo hijos mientras aún estaba en el colegio, y tras su graduación se convirtió en artesano para sustentar a su familia. Durante el cuarto de siglo siguiente fue varias veces profesional del moldeado, fundidor, propietario de una fundición y gestor de proyectos contratado para otros escultores. En estas actividades estuvo involucrado en la creación y ubicación de cientos de esculturas monumentales de bronce por todo el país, así como incontables bronces más pequeños creados por otros escultores que lo contrataban. Gracias a esto se convirtió en un maestro en moldes y hábil artesano en todas las fases de la producción de bronces. [2]
"Ciervo despertándose / Awakening Buck", bronce / bronze, 13" x 16" x 9"
"Ciervo despertándose / Awakening Buck", bronce / bronze, 13" x 16" x 9" [otra pátina / another patina]
Alrededor de 2008 comenzó un proceso de transición de hacer el arte de otros escultores a realizar sus propias creaciones a tiempo completo. En 2008 comenzó a crear, exhibir y vender su propio trabajo profesionalmente. Entró en sus primeras muestras en 2009. Su primer año fue altamente gratificante, ganando el primer premio en 2 de las 3 muestras a las que se presentó (Sculpture in the Hills y Sioux Falls Sculpture Walk). Durante los dos años siguientes experimentó un rápido crecimiento y resultados: muestras, premios y ventas fueron llegando muy rápidamente para un artista tan novel. [3]
"Espejismo / Mirage", bronce / bronze, 19" x 14" x 12"
"Danza eterna / Eternal Dance", bronce / bronze, 19,5" x 19" x 9"
«A través de toda mi carrera, ya fuera como artesano trabajando para otros escultores, o como escultor yo mismo, una cosa ha permanecido constante: el deseo de hacer del mundo un lugar más hermoso de lo que era cuando entré en él. Aunque creo que estoy lejos de haber finalizado, creo que ya he tenido éxito. Las obras que he hecho para otros, y las mías propias, continuarán enriqueciendo las vidas de otros mucho después de que yo me haya convertido en polvo.» [4]
"Danza eterna / Eternal Dance" (detalle / detail)
"Ciervo sagrado II - Guerrero / Sacred Stag II - Warrior"
Bronce / bronze, 44" x 15" (base) x 15" (base)
«Esta pose me permitió conseguir una torsión extrema. Fui capaz de emular algunos aspectos del humo, del fuego con esta forma. Esto lleva a un sentimiento de que se trata de un espíritu animal en proceso de materialización.»
«This pose allowed me to get quite extreme with the twisting. I was able to emulate some aspects of smoke, or fire with the shape. This leads to a greater sense of it being a spirit animal in the process of materializing.»
"Sombra de luna / Moon Shadow", bronce / bronze, 18" x 19" x 9"
«Una de las palabras clave que utilizo para definir mi obra es "transición". El concepto consciente de transición que más directamente me inspira es el arte de los antiguo tatuajes escitas y artefactos [ver más abajo] mezclados con la cultura abstracta contemporánea. La torsión de muchas de las imágenes escitas influyó directamente en mi escultura seminal, Nacimiento del Ciervo Sagrado, en estilo y concepto. El estilo de esta pieza (y de toda mi obra) es una suave transición de forma y línea para aumentar el concepto. Paso mucho tiempo de escultura en componer una pieza que se mueva con fluidez a través de las tres dimensiones, de tal modo que nunca haya un sesgo hacia un eje de altura, anchura o profundidad. Mi mentor me enseñó que una buena escultura no debe tener un punto de vista preferido ni tampoco uno desfavorable. El espectador siempre debe estar inconscientemente caminando alrededor de la escultura, o girarla y nunca ser capaz de quedarse en un punto de vista.» [5]
"Sombra de luna / Moon Shadow", bronce / bronze, 18" x 19" x 9"
"Visión chamánica / Shamanic Vision"
Bronce, oro, marfil fósil, ámbar / bronze, gold, fossil ivory, amber, 6" x 12" x 6"
«La visión chamánica ve un ídolo leopardo a través del ojo de la mente del chamán o verdadero creyente. Ellos no ven sólo el ídolo u objeto concreto, sino que lo impregnan con el espíritu del dios al que rinde homenaje. Así que el leopardo es algo rígido en sus cuartos traseros, pero la cabeza comienza a moverse, la pata se levanta como si fuera a atacar, y la ferocidad del espíritu del dios leopardo empieza a animar la efigie física.»
"Visión chamánica / Shamanic Vision" (detalles / details)
«Shamanic Vision sees a leopard idol through the mind's eye of the shaman or true believer. They see not just the idol or made object; but imbue it with the spirit of the god it pays homage to. So the leopard is somewhat stiff in it's hind quarters, but the head begins to move, the paw raises up as to strike, and the ferocity of the leopard god's spirit begins to animate the physical effigy.»
"Visión chamánica / Shamanic Vision"
Bronce, oro, marfil fósil, ámbar / bronze, gold, fossil ivory, amber, 6" x 12" x 6"
"Nacimiento del ciervo sagrado / Birth of the Sacred Stag"
Bronce / bronze, 44" x 15" (Base) x 15" (Base)
«Conceptualmente, creo que el buen arte nunca es absolutamente acerca del tema que trata. El tema es un vehículo para un concepto mayor (...) Yo juego con esa idea general de la transición y su significado y manifestaciones, utilizando como vehículo a los animales: transiciones del nacimiento espiritual, transiciones de la materia física en energía, o carne en espíritu, y transiciones de la vida hacia la muerte.» [6]
"Rey de la tormenta / Storm King" (detalle y obra / detail and work), bronce / bronze, 36" x 19" x 9"
«Mi abordaje físico de mi obra es una reflexión de mi creencia de que una buena escultura generalmente es un matrimonio entre concepto, estilo y ejecución. Mientras que la mayoría de la obra es extremadamente precisa, hay también imperfecciones que he dejado intencionadamente. Yo atesoro muchos "defectos" como no lo harían otros artistas, y rechazo permitir ciertos procedimientos que no molestarían a otros artistas.» [7]
"Rey de la tormenta / Storm King" (detalle / detail)
"Antílope indio / Blackbuck Bust", bronce / bronze, 7' x 12" x 12" (a la base / at base)
«Siempre intento crear una síntesis entre mi amor a la naturaleza y mi respeto por los grandes artistas que me han precedido. Como estudiante del proceso creativo y la historia del arte, nunca he dejado de maravillarme ante el gran arte que me comunica e impulsa a mayores niveles de conciencia. Ya sean artistas individuales como Brancusi, Manship, Marini, Moore, Van Gogh [ver más adelante] o el arte de la antigüedad escita, celta, oriental, egipcio, africano... siempre me sorprende la cantidad de formas en que nuestra especie ha llegado a ver, interpretar y transmitir sus puntos de vista sobre la vida y su naturaleza.» [8]
"Antílope indio / Blackbuck Bust", bronce / bronze
«El Blackbuck es un antílope del este de la india, con unos llamativos cuernos en espiral y una marcada coloración blanca y negra, similar a la del panda. Me fascinaron las posibilidades compositivas del animal. Aquí las repetitivas pequeñas espirales dentro de espirales del cuerno, tienen su reflejo en la leve espiral de la cabeza y el cuello. El otro desafío que me interesó respecto a este animal era su patrón de colores. Generalmente ignoro tales patrones en un animal, y me centro en la forma, haciendo un pequeño tributo a su coloración con la pátina. Pero el patrón de este ciervo es una parte tan importante de su identidad que no podía ser ignorado. Hacerlo sería como ignorar las rayas del tigre, las marcas distintivas del panda o las manchas del leopardo. Hice las zonas de la cara y el pecho con suaves incisiones así como utilizando una pátina blanquecina en esas áreas. Dejé tanto el blanco como el negro bastante translúcidos para concentrarme en la forma y mantener la integridad visual.» [9]
"Busto de Íbice (grande) / Ibex Bust (large)", bronce / bronze, 6' 8" x 24" x 16"
"Íbice muriendo / Dying Ibex", bronce / bronze, 15" x 12" x 12"
Los textos están tomados del sitio web del artista, de su ficha biográfica, sus comentarios sobre las obras y su declaración artística.
Texts from artist's website, from his biographic information, his comments about the works and his statement.
Más sobre Timothy en / More about Timothy in:
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Timothy!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Timothy!)
Algunas referencias / Some References
Arte Escita / Scythian Art
El arte escita se compone principalmente de objetos decorativos, tales como joyas, producidos por las tribus nómadas de la zona conocidas por los antiguos griegos como los escitas, centradas en la estepa póntica, y que se extendías desde el Kazajistán moderno a la costa báltica de la actual Polonia y Georgia. Las identidades de los pueblos nómadas de las estepas es a menudo incierta, y el término "escita" a menudo se debe tomar libremente; el arte de los nómadas mucho más al este del núcleo del territorio escita exhibe características muy similares, así como diferencias, y términos como el "mundo escita-siberiano" se utiliza con frecuencia.
Estatuilla de madera dorada de un ciervo de los entierros de Pazyryk /
Gilded wooden statue of a deer, Pazyryk burials, s.V a.C. / 5th Century B.C.
Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia).
Foto / Photo: MARQ Alicante
La placa en forma de figura de ciervo tumbado es una de las obras más conocidas del arte escita, una especie de patrón antiguo y de símbolo moderno.
Algunos autores han interpretado estas figuras como la representación de un animal sacrificado o desgarrado, en otro caso se ha querido ver en ellas un botín de caza o incluso un animal en período estral. Las representaciones de ciervos tumbados se colocaban en diferentes objetos, incluso en las armas. En la actualidad, la versión más aceptada es que estas placas (u otras semejantes a éstas) servían como adornos de los estuches escitas para arcos y flechas (en griego, gorytus -carcaj con arco recurvo y flechas-). Información de aquí.
The plate figure in the form of a lying deer is one of the best known works of Scythian art, a kind of ancient pattern and modern symbol.
Some authors have interpreted these figures as representing a slaughtered or torn animal, otherwise has wanted to see in them a hunting bounty or even an animal in estrus period. Representations of lying deer were placed on different objects, including weapons. Currently, the most accepted version is that these plates (or other such like) served as ornaments on Scythian bows and arrows Case (Greek: gorytus - carcaj with recurve bow and arrows). Info from here.
"Placa de oro con pantera, probablemente para un escudo o placa de peto /
Gold plaque with panther, probably for a shield or breast-plate"
Largo / long, 33 cm., s.VII a.C. / 7th-century BC. Región de Krasnodar, Chertomlyk (kurgan)
Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
Foto / Photo: Wikipedia
Scythian art is art, primarily decorative objects, such as jewellery, produced by the nomadic tribes in the area known to the ancient Greeks as Scythia, which was centred on the Pontic-Caspian steppe and ranged from modern Kazakhstan to the Baltic coast of modern Poland and to Georgia. The identities of the nomadic peoples of the steppes is often uncertain, and the term "Scythian" should often be taken loosely; the art of nomads much further east than the core Scythian territory exhibits close similarities as well as differences, and terms such as the "Scytho-Siberian world" are often used.
Wikipedia
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Paul Manship
Paul Manship con modelos de su escultura de un reloj solar para la Feria Mundial de 1939-40 /
with models of sundial sculpture for the 1939-40 World's Fair
Foto de / Photo by Margaret Bourke-White, 1939 - Life Magazine
Paul Howard Manship, escultor nacido en Estados Unidos en 1885.
Comenzó sus estudios en la Escuela de Arte San Pablo de Minnesota. A partir de ahí se trasladó a Filadelfia y continuó su educación en la Academia de Pensilvania de Bellas Artes. Después emigró a la ciudad de Nueva York, donde se matriculó en la Art Students League de Nueva York. Allí estudió anatomía con George Bridgman y modelado con Hermon Atkins MacNeil.
En 1909, a instancias de Konti, entró en la competencia y ganó el Premio de Roma y poco después marchó a Roma, donde asistió a la Academia Americana desde 1909 hasta 1912. Mientras estuvo en Europa se interesó cada vez más en el arte arcaico; su propio trabajo comenzó a tener algunas características arcaicas, y se sintió más y más atraído por los temas clásicos
Cuando regresó a Estados Unidos de su estancia en Europa, Manship encontró que su estilo era atractivo tanto para los modernistas como para los conservadores. Su simplificación de línea y detalle era un llamamiento a los que querían ir más allá del realismo clásico de Beaux-Arts que prevalecía entonces. Además, su visión y uso de una "belleza" más tradicional, así como el evitar las tendencias más radicales y abstractas en el arte, hicieron su obra atractiva para los coleccionistas más conservadores de arte. El trabajo de Manship es a menudo considerado como un importante precursor del Art Deco.
Murió en 1966.
"Cazador indio con su perro / Indian Hunter with his Dog", 1926
"Figuras de la Humanidad, Doncella / Mankind Figures, Maiden", 1933.
Rockefeller Center (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)
Paul Howard Manship, American sculptor born in 1885.
He began his studies at the St. Paul School of Art in Minnesota. From there he moved to Philadelphia and continued his education at the Pennsylvania Academy of Fine Arts. Following that he migrated to New York City where he enrolled in the Art Students League of New York, studying anatomy with George Bridgman and modeling under Hermon Atkins MacNeil.
In 1909, at Konti's urging, he entered the competition for, and won, the Rome Prize and shortly thereafter decamped for Rome where he attended the American Academy from 1909 until 1912. While in Europe he became increasingly interested in Archaic art, his own work began to take on some archaic features, and he became more and more attracted to classical subjects
When he returned to America from his European sojourn, Manship found that his style was attractive to both modernists and conservatives. His simplification of line and detail appealed to those who wished to move beyond the Beaux-Arts classical realism prevalent in the day. Also, his view of and use of a more traditional "beauty" as well as an avoidance of the more radical and abstract trends in art made his works attractive to more conservative art collectors. Manship's work is often considered to be a major precursor to Art Deco.
He died in 1966.
"Diana", 1925
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El resto de los artistas mencionados en "El Hurgador" / The other mentioned artists in this blog:
Constantin Brâncuși: [Aniversarios (III)]
Margaret Bourke-White: [Aniversarios Fotografía (XX)], [Recolección (LXXVI)]
Marino Marini: [Aniversarios (IV)]
Henry Moore: [Moore al aire libre (I) (Escultura)], [Moore al aire libre (II) (Escultura)], [Aniversarios (XXVII)]
Van Gogh:
[La Colección Bentaberry (I)], [Arte & Humor (III)], [Arte perdido (IV)], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)], [Aniversarios (VIII)], [Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)]
Traducción al inglés / English Translation
[1]
Timothy Nimmo grew up in the small city of Janesville in Southern Wisconsin. He was the middle son in a fairly typical middle class family of 5. From childhood he has been a keen observer of the natural world and avid outdoors man.
Timothy graduated Cum Laude 1984 with a BFA in sculpture and painting, art history minor; from the University Wisconsin Whitewater. There he learned all phases in the creation and production of bronze sculpture from his mentor, James Wenkle.
[2]
Having children while still in college, upon graduation he became an artisan for hire to support his family. For the next quarter century he was at various times a professional art mold maker, foundry man, foundry owner and project manager in the hire of other sculptors. In these capacities he was involved in the creation and placement of hundreds of monumental bronze sculptures nation wide as well as uncounted many hundreds of smaller bronze creations for the sculptors he was contracted by. Through this he became a master mold maker and skilled artisan in all other phases of hands on art bronze production.
[3]
Around 2008 he began a process transitioning from making the art of other sculptors to that of making his own creations full time. In 2008 he began creating, exhibiting and selling his own work professionally full time. He entered his first shows in spring of 2009. His first year was highly rewarding as he won 1st place in 2 of the 3 shows he entered (Sculpture in the Hills and Sioux Falls Sculpture Walk). Rapid growth and results continued in the ensuing next 2 years. Shows, awards, and sales were quick in coming for an artist so new.
[4]
«Through my whole art career whether as an artisan working for other sculptors or as a sculptor of my own works one thing has remained a constant: The desire to make the world a more beautiful place than it was when I entered it. Though I hope I am far from finished in this; I believe I have succeeded already. Works I have made for others and those of my own will continue to enrich the lives of others long after I am dust.»
[5]
«One of the key words I use in describing my work is, "transition". The conscious concept of transition that inspired me most directly was the art of the ancient Scythian tattoos and artifacts [see above] blended with contemporary abstract sculpture. The twisting of many of the Scythian images directly influenced my seminal sculpture, Birth of the Sacred Stag in both style and concept. The style of this piece (and all of my work) is one of smooth transitions of form and line to augment the concept. I spend much time in sculpting composing the piece to move fluidly through all three dimensions; such that there is never a bias towards one axis of height, width or depth. My mentor taught that a good sculpture will have neither 1 preferred view nor any 1 unfavorable view. The viewer should always be subconsciously walking around the sculpt, or turning it and never being able to settle on one point of view.»
[6]
«Conceptually, I believe good art is never completely about the subject matter. The subject is an apt vehicle for a great concept. (...) I play upon this overall idea of transition and it`s meanings and manifestations with the vehicle of animals: transitions of spiritual birth, transitions of physical matter to life energy, of flesh to spirit, and transitions of life into death.»
[7]
«My physical approach to my work is a reflection of my belief that good sculpture generally is a marriage of concept, style, and execution. While much of the work is extremely precise, there are also imperfections which are intentionally left. I embrace many "defects" other artists would not; and refuse to allow certain procedures other artists would not be bothered by.»
[8]
«Always, I try to create a synthesis between my love of nature and my respect of the great artists who have come before. As a student of the process of creation and art history I have never lost my sense of wonder at great art to communicate to me and move me to greater levels of awareness. Whether it be individual artists like Brancusi, Manship, Marini, Moore, Van Gogh [see above], or the art of antiquity like Scythian, Celtic, Oriental, Egyptian, African; I am always amazed at the number of ways our species has come up with to see, interpret and convey their views of life and the nature of it.»
[9]
«The Blackbuck is an East Indian antelope with striking spiraling horns and a stark black/white coloration similar to a panda's. I became fascinated with the compositional possibilities with the animal. Here the repeating small spirals within spirals of the horn are echoed by the slight spiral of the head and neck. The other challenge with this animal which interested me was the "color" pattern. I usually ignore such patterns on an animal and focus on the form; paying a slight homage to its coloration with the patina. But the patterning of the blackbuck is so much a part of its identity it could not be ignored. To do so would be like ignoring the tiger's stripes, the panda bear's distinctive markings, or a leopard's spots. I made the face patches and chest patch slightly incised as well as using a whitened patina in those areas. I did leave both the white and black quite translucent to concentrate on the form and maintain visual integrity.»
Javi, me ha vuelto a pasar!!!!!!. Estuve media hora escribiendo sobre tus últimas entradas y el texto desapareció. Vuelvo a escribir más o menos lo que te había dejado. Primero te decía que me han encantado las torsiones de los bronces de Ninmo a quien no conocía y me gusta el hecho de que sean esculturas abiertas que no tengan un solo punto de vista y que puedas observarlas desde todos y cada uno de los ángulos maravillosos que crea este artesano genial. Te decía también que me ha gustado que hayas colocado las referencias: el arte escita ( lo tenía en el tintero) no es muy conocido y también la obra de Paul Monship que tampoco conocía y que me ha gustado mucho, sobre todo su Diana, y que al saber que se le consideraba un precursor del art Déco comprendí porqué me llamó tanto la atención: no sé si sabes que me enamora. También te comentaba que me había desagradado muchísimo la obra de Blake Little y no sabría decir por qué. Simplemente no puedo mirar esas fotografías ni treinta segundos. Por último, también te hablaba de Candido Portinari. De nuevo no lo conocía y además de las referencias más que evidentes a Picasso en su obra, encuentro algunas conexiones en determinados cuadros con Chagall aunque sin su cromatismo y con los muralistas mexicanos. Y eso era todo. Termino con el testamento.
ResponderEliminarGracias por seguir enseñándome y a ver si esta vez lo publico y no lo vuelvo a tirar :(
Bicos soleados desde aquí arriba :)