Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 1 de Julio es el cumple de
Victor Víktorovich Bregeda (Виктор Викторович Брегеда), artista visual nacido en Rusia en 1963, reconocido por su estilo de pintura meta-realista.
El nombre original de Victor para esta pintura era "Los gatos del crepúsculo de Haruki Murakami". Murakami es un gran autor surrealista japonés. En "Kafka en la orilla", uno de los personajes, Satoru Nakata, tiene un empleo buscando gatos perdidos ya que tiene la rara habilidad de conversar con ellos /
Victor’s original name for this painting was The Twilight Cats of Haruki Murakami. Murakami is a great Japanese surrealist author. In Kafka on the Shore, one of the characters, Satoru Nakata, has a job searching for lost cats because he has the rare ability to converse with them.
Después de asistir a la escuela de arte en Rusia, Bregeda desarrolló su interpretación personal del arte creativo, que lo puso en agudo contraste con su formación artística académica, pero le ganó el reconocimiento en concursos nacionales e internacionales. A principios de 2000, Bregada fue invitado para promover su trabajo en los EE.UU. Después de una exitosa primera muestra de arte en Hawai, su arte ha ido ganando protagonismo constante en la escena artística internacional.
Bregeda ha sido especialmente reconocido por su contribución al arte cristiano contemporáneo, dando como resultado una exposición individual en el Museo de Arte Bíblico en Dallas, Texas. Su obra de mayor venta, La Eucaristía, se convirtió en la primera de una serie de pinturas que representan la simbología cristiana. Otras piezas incluyen imágenes de la última cena, Jesús y la idea del amor divino.
Bregeda ha sido a menudo comparado con Salvador Dalí y otros maestros del género surrealista. Su obra se posiciona en el estilo del meta-realismo con algunos elementos del surrealismo. En comparación con el meta-realismo, el surrealismo fue un movimiento cultural mucho más amplio, ampliamente popular a principios y mediados del siglo XX. El Meta-realismo se puede ver como un vástago ruso del surrealismo en lo que respecta al estilo visual imaginativo. La diferencia clave es que los meta-realistas principalmente apela al superconsciente - en el caso de Víctor la fuerte influencia de Dios - mientras que el surrealismo fue fuertemente influenciado por la expresión subconsciente.
El 2 de Julio es el cumple de
Guilloume Pérez-Zapata, artista minimalista colombiano nacido en Medellín en 1957, que se describe a sí mismo como maestro del "Bolismo". Se le conoce principalmente por sus esculturas y pinturas.
Es una serie de esculturas creadas en 2008-09. El estilo es un leve alejamiento abstracto en relación a mi obra previa. El cuerpo de cada personaje es una metáfora del viaje vital. Los bloques representan experiencias individuales personales (fallos, éxitos, errores, logros, alegrías y angustias). De la misma forma que esas experiencias moldean nuestra personalidad, sirven como mapas de caminos de nuestros destinos individuales y bloques constructivos de nuestra imagen personal. Si damos un paso atrás y observamos, a menudo tomamos consciencia de cómo definen nuestras características físicas. En palabras de Abraham Lincoln, "para cuando llegas a los 40 años, tienes el rostro que mereces." /
Is a series of sculptures created in 2008 and 2009. The style is a slightly abstract departure from my previous work. Each character's body is a metaphor for life's journey. The blocks represent the individual's personal experiences—failures, successes, mistakes, achievements, joys and heartbreaks. In the same way that these experiences shape our personality, they serve as road maps to our individual destinations and building blocks for our personal image. If we step back and observe, we often become aware of how they define our physical characteristics. In the words of Abraham Lincoln, "By the time you reach age forty, you have the face you deserve."
Las obras de Guilloume incluyen esculturas de bronce, pintura al óleo y dibujos. Tiende a concentrarse en las personas de la comunidad. Sus pinturas y esculturas son a menudo de formas simples. Sus sujetos no tienen rasgos faciales reconocibles, lo cual acentúa las semejanzas entre las personas. La sencillez muestra una gama de emociones humanas, especialmente aquellas compartidas en forma de amistad, íntimidad y relaciones familiares.
Desarrolló interés por el arte a una edad temprana. Estudió en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. Emigró a los EE.UU. en 1985 y se instaló en Sandia Park, Nuevo México.
El 3 de Julio es el cumple de
William Strutt, artista Inglés nacido en 1825.
Estudió pintura figurativa e histórica en París, Francia, e Inglaterra. Viajó a Australia, llegando 5 de julio de 1850.
En Melbourne encontró empleo como ilustrador en la revista australiana de corta vida Illustrated Australian Magazine, publicada por Thomas Ham, ya que había poca demanda de pinturas figurativas y e históricas. Algunos de sus diseños, sin embargo, llevaron a que se le hicieran encargos, incluyendo un diseño para un nuevo sello de correos y una tarjeta para la Anti-Transportation League. A pesar de la falta de interés por la pintura histórica en Melbourne, Strutt continuó haciendo bocetos de estos temas, incluyendo los incendios forestales del 'Jueves negro", que se extendió por la colonia el 6 de febrero de 1851. Fue a partir de estos bocetos que Strutt compuso una de sus más notables pinturas unos 10 años más tarde, "Jueves negro, 6 de febrero de 1851", 1864 (ya publicada en este blog aquí), representando a los animales y hombres que huían del fuego.
En febrero de 1852 Strutt se unió a la creciente marea de hombres que viajaban a los campos auríferos que circundaban Ballarat, en Victoria. A pesar de trabajar en los campos de oro de dieciocho meses no tuvo mucho éxito. Volvió a Melbourne a mediados de 1853 y se involucró activamente en la escena cultural de la ciudad, realizando una serie de encargos de retratos y uniéndose a la Sociedad Victoriana de Bellas Artes como miembro fundador.
El interés de Strutt en la representación de los acontecimientos notables de la colonia se despertó por los acontecimientos que rodearon la Expedición de Exploración Victoriana dirigida por Burke y Wills en 1860-1861.
Strutt abandonó la colonia de Victoria en 1862, debido a que era un hombre muy religioso, que temía la crianza de sus hijos en lo que percibía como una sociedad sin Dios. Al su regreso a Inglaterra completó dos grandes obras en base a bocetos de Australia: "Jueves Negro, 6 de febrero de 1851" y "Bandidos, Victoria, Australia, 1852".
Murió en 1915.
The Ian Potter Museum of Art, The University of Melbourne (Australia)
Obra de gran relevancia histórica, representa el atraco a viajeros por parte de una banda entre St. Kilda y Brighton. La pintura se basa en un evento real ocurrido el 16 de octubre de 1852 durante el cual, según informes de la época, "varios viajeros fueron detenidos y atracados por bandidos". Un hombre fue situado junto a los cautivos, quienes fueron atados en grupos de dos o tres, con órdenes estrictas de disparar sobre ellos si se movían. El líder exclamó: "pónganlos a todos juntos, así si te olvidas de uno, podrás matar al otro." Strutt visitó la escena del robo horas después y su representación de la misma, aunque alterada por razones compositivas, está representada con detalle narrativo. Strutt hizo más de 30 estudios para la obra, la mayoría de los cuales se encuentran en la colección de la Galería Nacional de Australia.
A work of great historical significance, it depicts the robbery of travellers by a gang of bushrangers between St Kilda and Brighton.The painting was based upon an actual event of 16 October 1852 during which, contemporary accounts report, 'a number of travellers were held up and robbed by bushrangers. A man was placed over the captives, who were tied together in groups of two and three, with strict orders to fire upon them if a hand was stirred, the ringleader exclaiming: "Put them all together, so that if you miss one, you will kill another". Strutt visited the scene of the robbery hours afterwards and his representation of it, although altered for compositional reasons, is alive with narrative detail. Strutt made over thirty studies for the work, the majority of which are housed within the collection of the National Library of Australia.
William Strutt en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XVII)]
El 4 de Julio es el cumple de
Nellie Mae Rowe, artista autodidacta afroamericana de Fayette, Georgia, nacida en 1900.
A pesar de que hoy es conocida por sus coloridos trabajos sobre papel, Rowe trabajó en todos los medios, creando dibujos, collages, fotografías alteradas, muñecas cosidas a mano, las instalaciones domésticas y ambientes escultóricos. Se decía de ella que tenía un "comprensión instintiva de la relación entre el color y la forma." Su trabajo se centra en la raza, el género, la vida doméstica, el folklore afroestadounidense y las tradiciones espirituales.
Rowe es ahora reconocida como una de los más importantes artistas populares de Estados Unidos. Su obra forma parte de numerosas colecciones, entre ellas las de muchos museos importantes.
Creció en la comunidad agrícola de Fayetteville, Georgia. Fue una de diez hijos. Se apunta que comenzó a dibujar a una edad temprana. Su familia se vio afectada por las presiones financieras y ella tuvo que dejar escuela después del cuarto grado para trabajar en el campo con su padre, el antiguo esclavo Sam Williams. Además de gestionar la granja arrendada por la familia, su padre trabajaba como herrero y tejedor de cestas. Su madre, Luelle Swanson, era una experta costurera y tejedora de colchas. La madre de Rowe le enseñó a hacer muñecas, colchas y pequeñas esculturas de madera.
Cuando tenía 16 años se fue de la granja porque encontraba el trabajo "doloroso, mal remunerado e indigno". Se casó con Ben Wheat justo después de dejar la granja familiar. La pareja permaneció en Fayetteville hasta 1930, cuando se mudaron a Vinings, una pequeña comunidad rural al noroeste de Atlanta. Allí comenzó a trabajar como empleada doméstica. En 1936 su marido murió a causa de una enfermedad.
En 1937 Rowe conoció a su segundo marido, Henry ‘Buddy’ Rowe, un viudo residente en Vinings mayor que ella. En 1939 la pareja construyó una casa que Rowe llamó su "casa de juegos". Cuando Henry murió nueve años más tarde, Rowe, ahora con cuarenta y ocho, dedicó toda su atención a la creación artística.
A lo largo de las tres décadas siguientes Rowe desarrolló una gran obra multifacética. En la última década de su vida, su arte se mostraba en galerías y museos locales y nacionales.
Murió en 1982.
Lápiz flexible, crayon y bolígrafo sobre papel / crayon, felt-tip pen, ballpoint pen, on paper, 19" x 24,5", 1981
Colección de / Collection of Souls Grown Deep Foundation
El 5 de Julio es el cumple de
Pável Petrovich Chistyakov (Павел Петрович Чистяков), pintor y maestro del arte ruso nacido en 1832 (23 de junio jul.).
Museo de la Academia de Bellas Artes (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)
Estudió en la Academia de las Artes de San Petersburgo (1849-1861) con Pyotr Basin. Fue un pensionado de la Academia de las Artes en París y en Roma (1862-1870). Enseñó en la Escuela de Dibujo de la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes (1860-1864), y en San Petersburgo (desde 1872) fue el profesor-jefe de taller (1908-1910) y de gestión de la sección de mosaicos (1890- 1912).
A Girl Sitting on a Window Sill", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 х 99,8 cm., 1864.
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)
El sistema técnico-pedagógico de Chistyakov, entre cuyos estudiantes estuvieron Viktor Vasnetsov, Mikhail Vrubel, Gustave Klimt, Ilya Repin, Valentin Serov y Vasily Surikov, se desarrolló en lucha constante contra el sistema inerte del academicismo y jugó un papel muy importante en el desarrollo del realismo en el arte ruso de la segunda mitad del siglo XIX.
La Gran Duquesa Sofía Vitovtovna (Sofía de Lituania), arrancando el cinturón de Vasili Kosoy, que una vez perteneció a Dmitry Donskoy, en la boda de Vasili Tyomny /
Grand Duchess Sophia Vitovtovna, Plucking the Belt of Vasili Kosoy Once Belonged to Dmitry Donskoy At the Wedding of Vasili Tyomny", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147,5 x 201,5 cm., 1861
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)
El objetivo principal de Chistyakov era la preparación del artista-ciudadano con una alta capacidad profesional. Su método pedagógico supone la fusión de la percepción directa de la naturaleza por el artista con el estudio científico. En la práctica creativa, aspiraba a la dramatización de una trama histórica y la saturación psicológica en los retratos históricos y de género.
El patriarca Hermógenes se niega a bendecir a los polacos /
Patriarch Hermogenes refusing to bless the Poles", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 175 x 216 cm., 1860
Museo de la Academia de Bellas Artes (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)
El 6 de Julio es el cumple de
Gaspare Manos, pintor y escultor italiano nacido en Bangkok, Tailandia en 1968, en una familia de diplomáticos de las Naciones Unidas. Su obra traza el límite entre la abstracción y la figuración.
Fue educado en Grecia, Suiza y Gran Bretaña. Luego estudió en la London School of Economics.
Visitó varias ciudades de Asia que dejaron una impresión duradera en él. Conserva fuertes vínculos con Asia en general a lo largo de su vida y la revista GQ Japón lo incluye en sus "Hombres del Año" [Edición Enero de 2013], junto con otros artistas italianos
Gaspare ha vivido en Nairobi (Kenia), Ginebra (Suiza), Atenas (Grecia) y Cambridge (Reino Unido). En 1987 se trasladó a Londres. En la Universidad de Londres (LSE) obtuvo una licenciatura (1990) y luego un doctorado (1996).
El trabajo de Manos traza la frontera entre el arte abstracto y el arte figurativo y se basa en sus experiencias habiendo vivido en Asia, África y Europa. Es bien conocido por su interpretación artística del mundo urbano y su objetivo de definir una nueva teoría del arte basada en la fenomenología.
El 7 de Julio es el cumple de
Benjamín Palencia, pintor español, fundador de la Escuela de Vallecas junto al escultor Alberto Sánchez. En el amplio conjunto de su obra sobresale quizá la poética del paisaje castellano definida por la generación del 98.
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
Vivió en Barrax hasta que en 1909, con 15 años, fue a Madrid, donde asistió a clases de Elías Tormo. En 1920 participó en el Primer Salón de Otoño. En ese periodo frecuenta la Residencia de Estudiantes donde conoce a Francisco Bores y a Salvador Dalí con los que acude a la Academia Libre fundada por Julio Moisés.
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
En 1926 viajó por primera vez a París, donde comparte estudio con Pancho Cossio e hizo amistad con otros artistas del círculo de Bores, como José Mari Uzelai y Manuel Ángeles Ortiz. Frecuentó la capital francesa hasta 1928, llegando a conocer a Picasso y Miró. A su regreso a Madrid, expone la obra de ese periodo en el Palacio de Bibliotecas y Museos. Un par de años después colaboró en La Barraca de Federico García Lorca (llegando a ser su director artístico y a hospedarse en la casa familiar del poeta granadino).
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
Su exposición de 1933 en la galería parisina de Pierre Loeb despierta la admiración de Braque y Picasso y le da la ocasión de conocer a los mayores exponentes del surrealismo francés: André Breton, Louis Aragon y Benjamin Péret. Su amistad vallecana con Luis Castellanos, el escultor Alberto y Maruja Mallo le acercan al Grupo de Arte Constructivo reunido por el uruguayo Joaquín Torres García, con quienes participó en el Salón de Otoño de Madrid de 1933.
Tras la Guerra Civil practicó un realismo austero, recuperando gran parte de la poética del paisaje castellano, llegando hasta el llamado fauvismo ibérico que le convirtió en uno de los pupilos de Eugenio d'Ors y su Academia Breve.
Murió en 1980.
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
Benjamín Palencia en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXXVII-1)]
Benjamín Palencia en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXXVII-1)]
El 8 de Julio es el cumple de
Pavel Dmítrievich Korin (Павел Дмитриевич Корин), pintor y restaurador de arte ruso nacido en 1892. Es famoso por su trabajo preparatorio para la pintura "Adiós a Rusia", que nunca llegó a a ejecutarse.
En 1903-1907, estudió en la Escuela de Pintura de iconos en Palekh, obteniendo un certificado formal como pintor de iconos profesional. En 1908 se trasladó a Moscú y hasta 1911 trabajó en la tienda de iconos del Monasterio Don.
Galería Tretyakov (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)
En 1911 trabajó como aprendiz de Mikhail Nesterov en los frescos de la Iglesia de la intercesión en el Convento de Marta y María (Marfo-Mariinsky) en Moscú. Nesterov insistió en que Korin obtuviera una educación formal en pintura de caballete y arregló su ingreso en la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1912. Pavel se graduó de la escuela en 1916, después de haber sido un estudiante de Konstantin Korovin y Leonid Pasternak.
En febrero de 1917 comenzó a trabajar en su estudio del ático en la calle Arbat en Moscú y lo hizo allí hasta 1934.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106 x 100 cm., 1947
Государственный музей искусств им. А.Кастеева Республики Казахстан /
Museo Estatal a. Kasteyev (Almaty, Kazajistán / Kazakhstan)
Museo Estatal a. Kasteyev (Almaty, Kazajistán / Kazakhstan)
En 1931 el estudio de Korin fue visitado por Máximo Gorki, que apoyó desde entonces a Korin. En 1932 siguió a Gorki a Sorrento, pintó su retrato y visitó Italia y Alemania.
En 1931 comenzó a trabajar como Jefe de la Tienda de Restauración del Museo del Arte Extranjero (antiguo Museo de Bellas Artes, luego Museo Pushkin). Ocupó este cargo hasta 1959. Después de esto, ocupó el cargo de Director de Obras de Restauración de Arte del Estado Central (ГЦРХМ) hasta su muerte. Como uno de los restauradores rusos más alto rango, contribuyó enormemente al rescate y restauración de pinturas famosas.
Murió en 1967.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, (i/l) 275 x 250 cm. (c) 275 x 142 cm. (d/r) 275 x 250 cm., 1943
"Hombre patriótico y profundamente religioso, Korin logró (como Deineka) crear pinturas que expresaban sus propias ideas a la vez que aparentaban frente a las autoridades. Especialmente popular fue el panel central del tríptico, la figura del príncipe medieval, que refleja perfectamente la atmósfera de un tiempo en el que Stalin comenzaba a promover el patriotismo ruso, porque Nevsky había derrotado a los Caballeros Teutónicos (ancestros germanos de los invasores nazis) en 1242. Korin representa una imagen declarativa llena de inspiración y fuerza interior. Nevsky es representado como un heroico defensor de Rusia. Su figura masivamente armada parece escudar físicamente la tierra nativa que aparece detrás de él. Su rostro determinado no tiene dudas, y sus manos enguantadas aferran la empuñadura de una poderosa espada.
Panel central del tríptico del mismo nombre / Central panel of the namesake triptych
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 275 x 142 cm., 1942.
Государственная Третьяковская галерея / Galería Tretyakov (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)
Государственная Третьяковская галерея / Galería Tretyakov (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)
El punto de partida de Korin es la conocida frase del príncipe: "Aquellos que vengan a nosotros con una espada, serán destruidos por una espada", que se convirtió en un slogan popular oficial soviético, principalmente porque el la que cierra la gran película de Eisenstein. La figura del príncipe se alza contra el fondo del río Volkhov y la silueta de la Catedral de Santa Sofía en Novgorod. Tras él aparece el gonfalón con la imagen del Salvador, cuya mirada ardiente intensifica el tono emotivo de la pintura. La aparición de tales símbolos religiosos en el arte era perfectamente aceptable en la época, aún cuando la reunificación oficial de la Iglesia y el Estado no tuvo lugar hasta 1943."
La segunda Guerra Mundial y el pueblo soviético: Papeles seleccionados del 4º Congreso Mundial de estudios Soviéticos y de Europa Oriental, Harrogate, 1990
Autores: John Garrard y Alison Healicon
Panel izquierdo del tríptico. The left part of the triptych 'Alexander Nevsky'"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 275 x 250 cm., 1942. Galería Tretyakov (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)
"A patriotic and deeply religious man, Korin succeeded (like Deineka) in creating paintings that expressed his own state of mind while paying lip-service to authorities. Especially popular was the central panel of the triptych, the figure of the medieval prince, which reflected perfectly the atmosphere of a time when Stalin was begining to promote Russian patriotism, because Nevsky had defeated the Teutonic Knights (German ancestors of the Nazi invaders) in 1242. Korin rendered a declarative image full of inner power and inspiration. Nevsky is represented as a heroic defender of Russia. His massively armed figure appears to be physically shielding the native land behind him. His determied face is devoid of any doubts, and his hands, clad in gauntlets, grip the hilt of a might sword. Korin's starting point was the well-known phrase of the prince - 'He who comes to us with a sword shall be destroyed by a sword' - which had become a popular official Soviet slogan, chiefly because it concludes Eisenstein's great film. The prince figure stands against the background of the Volkhov River and the silhouette of the Cathedral of St Sophia in Novgorod. Behind him is the gonfalon with the image of the Saviour, whose burning gaze intensifies the emotional tone of the picture. The appearance of such religious symbols in art was perfectly acceptable at the time, even tough the official re-unification of Church and State did not take place until 1943."
World War 2 and the Soviet People: Selected Papers from the Fourth World Congress for Soviet and East European Studies, Harrogate, 1990
Authors: Garrard, John & Healicon, Alison
Panel derecho del tríptico / The right part of the triptych 'Alexander Nevsky'"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 275 x 250 cm., 1942.
Hoy, 9 de Julio, es el cumple de
Evgeny Mikhailovich Pozdniakov (Евгений Михайлович Поздняков), pintor ruso soviético nacido en 1923, que vivió y trabajó en Leningrado, considerado como uno de los representantes de la escuela de pintura de Leningrado, conocida por sus pinturas de paisajes.
En julio de 1941, Evgeny Pozdniakov fue reclutado por el Ejército Rojo. Fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial que participó en la defensa de Leningrado y fue herido.
En el año 1948, después de la Guerra Germano-Soviética y la desmovilización, Evgeny Pozdniakov entró en el Instituto Vera Mukhina de Arte y Diseño. Estudió pintura y dibujo con Ivan Stepashkin, Gleb Savinov, Piotr Buchkin y Alexander Kazantsev.
En 1955 se graduó de la Escuela Superior de Arte e Industria que lleva el nombre de Vera Mukhina. Desde entonces participó en exposiciones de arte. Pintó paisajes, retratos, pinturas de género, bocetos del natural, trabajó en la restauración de pinturas y monumentos de la arquitectura, diseño y construcción de museos y exposiciones.
Entre los años 1950-1970 el principal género cultivado por Evgeny Pozdniakov fue el paisaje. Sus temas principales fueron el pintoresco barrio de la ciudad de Maloyaroslavets y la ciudad de Krasny Kholm en el noreste de la provincia de Tver. Su obra se deslizó hacia el paisaje panorámico con amplias distancias. Estilísticamente sus obras están basadas en las experiencias de la pintura paisajista rusa del siglo XIX y principios del XX.
Evgeny Pozdniakov fue miembro de la Unión de Artistas de Leningrado desde 1985.
Murió en 1991.
"На мостике / En el puente / At the Bridge"
Textos en inglés / English translation
On July 1 is the birthday of
Victor Viktorovich Bregeda (Виктор Викторович Брегеда), Russian visual artist born in 1963, recognized for his meta-realistic style of painting.
After attending art school in Russia, Bregeda developed his personal interpretation of creative art, that put himself in sharp contrast with his academic art training, but gained recognition in local and international contests. In early 2000, Bregada was invited to promote his work in the U.S. After a successful first art show in Hawaii, his art has been gaining steady prominence in the international art scene.
Bregeda has been particularly recognized for his contribution to contemporary Christian art, resulting in an exhibition at the Museum of Biblical Art in Dallas, TX. His best-selling artwork, The Eucharist, became first in the series of paintings representing Christian symbolism. Other pieces include images of the Last Supper, Jesus and the idea of divine love.
Bregeda has been often compared to Salvador Dalí and other masters of the Surrealistic Genre. He positions his work in the meta-realism style with some elements of surrealism. In comparison to meta-realism, surrealism was a much broader cultural movement widely popular in the early and mid 20th century. Meta-realism can be viewed as a later Russian offshoot of surrealism with respect to the imaginative visual style. The key difference is that meta-realism primarily appeals to the superconscious - in Victor’s case strong God’s influence - while surrealism was heavily influenced by subconscious expression.
On July 2 is the birthday of
Guilloume Perez-Zapata, Colombian minimalist artist born in Medellín in 1957, self-described master of "Bolismo". He is known primarily for his sculpting and painting.
Works by Guilloume include bronze sculptures, oil painting, and sketches. He tends to focus on people in the community. His paintings and sculpting are often simple in form. His subjects have no recognizable facial features. This accentuates the similarities between people. The simplicity shows a range of human emotions, especially those shared in forms of friendship, intimate, and family relationships.
He has developed an interest in art at a young age. He studied at the Institute of Bellas Artes Medellin. He emigrated to the U.S. in 1985 and settled in Sandia Park, New Mexico.
On July 3 is the birthday of
William Strutt, English artist born in 1825.
He studied figurative and history painting in Paris, France, and England. Strutt decided to visit Australia, arriving 5 July 1850.
In Melbourne, Strutt found employment as an illustrator on the short-lived Illustrated Australian Magazine, published by Thomas Ham, as there was little demand for the figurative and history paintings for which he was trained. Some of his designs did, however, lead to commissions, including a design for a new postage stamp, and an Anti-Transportation League card. Despite the lack of interest for major history paintings in Melbourne, Strutt continued to sketch suitable subjects, including the ‘Black Thursday’ bushfires, which swept over the colony on 6 February 1851. It was from these sketches that Strutt composed one of his most notable paintings some 10 years later, Black Thursday, 6 February. 1851, 1864 (already published in this blog here), which depicted animals and men fleeing from the fire.
In February 1852, Strutt joined the growing tide of men travelling to the gold-fields surrounding Ballarat, Victoria. Despite working in the gold fields for eighteen months he found little success. He returned to Melbourne in mid-1853 and became actively involved in the city’s cultural scene, undertaking a number of portrait commissions and joining the Victorian Society of Fine Arts as a founding member.
Strutt’s interest in depicting the notable events of the colony was piqued by the events surrounding the Victorian Exploring Expedition led by Burke and Wills in 1860–61.
Strutt left the colony of Victoria in 1862. A highly religious man, he dreaded bringing up his children in what he perceived to be a godless society. Returning to England where he completed two major works based on Australian sketches, Black Thursday, 6 February 1851 and Bushrangers, Victoria, Australia, 1852.
He died in 1915.
On July 4 is the birthday of
Nellie Mae Rowe, African-American self-taught artist from Fayette, Georgia, born in 1900.
Although she is best known today for her colorful works on paper, Rowe worked across mediums, creating drawings, collages, altered photographs, hand-sewn dolls, home installations and sculptural environments. She was said to have an "instinctive understanding of the relation between color and form." Her work focuses on race, gender, domesticity, African-American folklore, and spiritual traditions.
Rowe is now recognized as one of the most important American folk artists. Her work is held in numerous collections, including many important museums.
She grew up in the farming community of Fayetteville, Georgia. She was one of ten children. It was noted that she began drawing at an early age. Her family was burdened by financial pressures and she left school after the fourth grade to work in the fields with her father, a former slave, Sam Williams. In addition to managing the rented family farm, her father worked as a blacksmith and basket weaver. Her mother, Luelle Swanson, was an expert seamstress and a quilter. Rowe's mother taught her to create dolls, quilts and small wooden sculptures.
When she was 16 ran away from the farm because she found the work to be "painful, poorly compensated and undignified." Rowe married Ben Wheat right after leaving the family farm. The couple remained in Fayetteville until 1930, when they moved in Vinings, a small rural community northwest of Atlanta. There she began to work as a domestic. In 1936 her husband died from a disease.
Rowe met her second husband, Henry ‘Buddy’ Rowe, an older widower and fellow Vinings resident in 1937. In 1939, the couple built a home together that Rowe called her "playhouse." When Henry died nine years later, Rowe, now at the age of forty-eight devoted her full attention to her art making.
Over the span of the next three decades, Rowe developed a large body of multifaceted work. In the final decade of her life, her art was shown at local and national galleries and museum.
She died in 1982.
On July 5 is the birthday of
Pavel Petrovich Chistyakov (Па́вел Петро́вич Чистяко́в), Russian painter and teacher of art born in 1832 (23 Jun O.S.).
He studied at the Saint Petersburg Academy of Arts (1849–1861) under Pyotr Basin. He was a pensioner of the Academy of Arts in Paris and in Rome (1862–1870). He taught in the Drawing School of the Imperial Society for the Encouragement of the Arts (1860–1864), and in Saint Petersburg (from 1872) he was the professor-head of workshop (1908–1910) and managing mosaic branch (1890–1912). The art-pedagogical system of Chistyakov, whose students included Viktor Vasnetsov, Mikhail Vrubel, Vasily Polenov, Ilya Repin, Valentin Serov, and Vasily Surikov, developed in constant struggle against the inert system of academism and played a huge role in the development of realism in Russian art of the second half of the 19th century.
The main goal of Chistyakov was the preparation of the artist-citizen possessing high professional skill. His pedagogical method assumed the merger of the direct perception of nature by the artist with its scientific study. In creative practice he aspired to dramatization of a historical plot and psychological saturation in historical and genre portraits.
On July 6 is the birthday of
Gaspare Manos, Italian painter and sculptor born in Bangkok, Thailand in 1968 from a family of United Nations diplomats. His work traces the boundary between abstraction and figurative art.
Gaspare Manos was educated in Greece, Switzerland and Britain. He then studied at the London School of Economics.
He visited various cities in Asia that leave a lasting impression on him. He retains strong links with Asia in general throughout his life and GQ Magazine Japan includes him in their "Men of the Year" [GQ Edition Edition - January 2013 - Japan], with other Italian artists
Gaspare has lived in Nairobi (Kenya), Geneva (Switzerland), Athens (Greece) and Cambridge (UK). In 1987 he moved to London. At the University of London (LSE) he earned a Bachelor's degree (1990) then a Ph.D (1996).
The work of Manos traces the boundary between abstract art and figurative art and draws on his experiences living in Asia, Africa and Europe. He's well known for his artistic interpretation of the urban world and his aim to define a new theory of art based on phenomenology.
On July 7 is the birthday of
Benjamin Palencia, Spanish painter founder of the School of Vallecas with the sculptor Alberto Sanchez. In his large body of work stands perhaps the Castilian poetic landscape defined by the generation of '98.
He lived in Barrax until 1909, then went to Madrid where he studied under Elias Tormo. In 1920 he participated in the First Autumn Hall. During this period he attended the Students Housing where he met Francisco Bores and Salvador Dali with whom attends the Free Academy founded by Julius Moses.
In 1926 he first traveled to Paris, where he shares studio with Pancho Cossio and befriended other artists of the Bores circle, like Jose Mari Uzelai and Manuel Angeles Ortiz. He visited the French capital until 1928 where he met Picasso and Miro. On his return to Madrid, he exhibits the work of that period at the Palace of Libraries and Museums. A couple of years later collaborated on Federico Garcia Lorca's La Barraca (becoming its artistic director and staying in the family home of Granada poet). him the opportunity to meet the greatest exponents of French Surrealism: André Breton, Louis Aragon and Benjamin Peret. His friendship with Luis Castellanos, the sculptor Alberto and Maruja Mallo approach him to the Constructive Art Group convened by the Uruguayan Joaquin Torres Garcia, with whom he participated in the Salon d'Automne in Madrid in 1933.
After the Civil War he practiced an austere realism, recovering much of the poetry of the Castilian landscape, reaching the so called Iberian Fauvism that made him one of the pupils of Eugenio d'Ors and his Academia Breve.
He died in 1980.
On July 8 is the birthday of
Pavel Dmitriyevich Korin (Павел Дмитриевич Корин), Russian painter and art restorer born in 1892. He is famous for his preparational work for the unimplemented painting Farewell to Rus.
In 1903-1907, he studied at the School for Icon Painting at Palekh getting a formal certificate as a professional icon-painter. In 1908, he moved to Moscow and until 1911 worked there at the icon shop of the Don Monastery.
In 1911, he worked as an apprentice to Mikhail Nesterov on frescoes of The Intercession Church at the Convent of Martha and Mary (Marfo-Mariinsky) in Moscow. Nesterov insisted that Korin gain a formal education in easel painting and arranged his admission to the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture in 1912. Pavel graduated from that school in 1916, having been a student of Konstantin Korovin and Leonid Pasternak.
In February 1917, he started to work in his attic studio on Arbat Street in Moscow and worked there until 1934.
In 1931, Korin's studio was visited by Maxim Gorky, who supported Korin since. In 1932, Korin followed Gorky to Sorrento, painted Gorky's portrait, and visited Italy and Germany.
In 1931, Korin started to work as the Head of the Restoration Shop of Museum of the Foreign Art (former Museum of Fine Arts later Pushkin Museum). He held this position for until 1959. After this he held the position of the Director of the State Central Art Restoration Works (ГЦРХМ) until his death. As one of the most senior Russian restorers of the time he contributed enormously to the saving and restoration of famous paintings.
He died in 1967.
Today, July 9, is the birthday of
Evgeny Mikhailovich Pozdniakov (Евге́ний Миха́йлович Поздняко́в), Soviet, Russian painter born in 1923, lived and worked in Leningrad, regarded as one of representatives of the Leningrad school of painting, most known for his landscape paintings.
In July, 1941, Evgeny Pozdniakov was drafted into the Red Army. He was a veteran of World War II, participated in the defense of the Leningrad and was wounded.
In year 1948, after the German-Soviet War and demobilization Evgeny Pozdniakov entered in Vera Mukhina Institute of Art and Design. He studied painting and drawing of Ivan Stepashkin, Gleb Savinov, Piotr Buchkin, Alexander Kazantsev.
In 1955 Evgeny Pozdniakov graduated from Higher Art and Industry School named after Vera Mukhina. Since then Evgeny Pozdniakov has participated in Art Exhibitions. He painted landscapes, portraits, genre paintings, sketches from the life, worked on the restoration of paintings and monuments of architecture, design and construction of museum and exhibition displays.
In the years of 1950-1970 the leading genre of Evgeny Pozdniakov works was a landscape, the main theme - the picturesque neighborhood of town of Maloyaroslavets and Krasny Kholm town in the north-east of Tver Province. Evgeny Pozdniakov drawn to the panoramic landscape with wide distances. Stylistically his works based on the experiences of Russian landscape painting of the 19th - early 20th century.
Evgeny Pozdniakov was a member of the Leningrad Union of Artists since 1985.
He died in 1991.
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