En mayo de 2014 tuvimos oportunidad de visitar "Visiones de la Realidad", en el espacio de la Fundación Cajacanarias, en Tenerife, una exposición que presentaba una serie de obras de artistas españoles, centrada en el grupo conocido como los "Nuevos Realistas". Tal como expresa el texto de presentación: "Estos pintores anteponían en sus obras la temática de lo cotidiano, los momentos íntimos en espacios que reflejaban la austeridad y la dureza de la postguerra. Sus trabajos los han hecho herederos de la tradición española que iniciaron pintores como Zurbarán, Velázquez, Maíno o Sánchez Cotán. Estos pintores y escultores formados en la madrileña Escuela de San Fernando son Julio y Francisco López Hernández, María Moreno, Isabel Quintanilla, Esperanza Parada, Amalia Avia, a los que se suman Carmen Laffón, Cristóbal Toral y Eduardo Naranjo." De este último nos ocuparemos ahora. Eduardo Naranjo es un artista clave en la escena de la pintura figurativa española de las últimas décadas. Les presento una selección cronológica de obras, tan sólo una muestra de su amplia e interesantísima producción en la que invito a profundizar.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.
In May 2014 we visited "Visions of Reality" in the space of Cajacanarias Foundation in Tenerife, an exhibition presenting a series of works by Spanish artists, focusing on the group known as the "New Realists". As stated in the introductory text. "These painters put in front in his works the theme of everyday life, intimate moments in spaces that reflected the austerity and postwar harshness. Their works have made them heirs to the Spanish tradition that began painters as Zurbarán, Velázquez, Maíno or Sanchez Cotan. These painters and sculptors formed at the Madrid School of San Fernando are Julio and Francisco Lopez Hernandez, Maria Moreno, Isabel Quintanilla, Esperanza Parada, Amalia Avia, along with Carmen Laffon, Cristóbal Toral and Eduardo Naranjo." The latter is the theme of this post. Eduardo Naranjo is a key artist in the scene of the Spanish figurative painting in recent decades. I present a chronological selection of works, just a sample of his extensive and interesting production in which I invite you to deepen.
English text at the end of this post, marked with [*] in each pargraph.
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Eduardo Naranjo
Eduardo Naranjo es un reconocido pintor y grabador español nacido en 1944 en Monesterio, en la provincia de Badajoz, Extremadura.
En 1957 Eduardo Acosta (ver más abajo), después de ver los dibujos de Eduardo, animó a sus padres para que le permitieran estudiar arte en Sevilla. Tras un paso por la Escuela de Artes y Oficios, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, permaneciendo allí tan sólo un curso. Luego se trasladó a Madrid para continuar estudiando en la Escuela de San Fernando a partir de 1961. [1]
"Contemplación de la muñeca / Contemplation of the Doll", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 x 68 cm., 1971
"Desnudo en la terraza / Nude at the Terrace", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 x 68 cm., 1974
Principado de Asturias, Colección / Collection Pedro Masaveu
Su primera exposición individual tuvo lugar en las salas del Ateneo de Sevilla en 1962. Finalizada su carrera, en 1966, estudia grabado con Luis Alegre y Álvaro Paricio y pintura al fresco con Manuel López Villaseñor. Tras ejercer la docencia en la Escuela de Artes Aplicadas de Marqués de Cuba, a partir de 1971 pinta con gran intesidad, preocupado fundamentalmente por la luz, la materia y las texturas. En 1974 pinta dos cuadros altamente representativos de lo que será su evolución en lo sucesivo: “Traje de primera comunión con autorretrato” y “Desnudo en la terraza”. A partir de allí, décadas de un desarrollo sostenido en su obra, con innumerables exposiciones y reconocimientos tanto en España como en el extranjero. [2]
"Las manos de mi madre / The Hands of my Mother", lápiz sobre papel / pencil on paper, 35 x 29 cm., 1974
"El sueño con las musas / The Drean With The Muses", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 225 x 300 cm., 1979.
Colección / Collection Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
Eduardo frente a su obra "El sueño con las musas" / in front of his work "The Dream with the Muses"
Eduardo Naranjo es un hombre sencillo, familiar, cercano. Además del imprescindible silencio que acompaña la soledad del artista, a Eduardo le gusta la música clásica, el jazz, el flamenco. Le gusta viajar; ha viajado mucho, pero siempre le parece poco. Admira a todos los buenos artistas, todos aquellos que, por encima de las modas, saben expresar lo mejor de sí mismos. Eduardo hace arte por amor, con esa dosis de soberbia, defecto común a todos los artistas, que es a la vez un "arma de superación personal, sumamente válida aunque duela a veces a los demás y tienda a ser confundida." [3]
"Espacio para un recuerdo en tres fases / Space for a Memory in Three Phases"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 189 x 172 cm., 1977
"La máscara del futuro sonríe / The Mask of the Future Smiles", técnica mixta / mixed media, 152 x 117 cm., 1978
Cuando se le pregunta sobre si su pintura puede calificarse de hiperrealista, Eduardo responde: "Yo daría más la razón a aquellos críticos teóricos que hablan de realismo onírico, fantástico y demás en mi obra, porque junto a ese realismo profundo y detallista que responde a mi estado de vigilia, también camina en paralelo dentro de mi obra el mundo de los sueños." [4]
"La escalera / The Stairs", óleo sobre tabla / oil on wood, 92 x 72 cm., 1980
"Las botas y la máscara / The Boots and the Mask", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 51 cm., 1980
«Amo el dibujo, igual, imagino, que le ocurrió antes a Durero, Rubens, Goya, Fortuny,… Por no decir a Miguel Angel o Picasso. Pero reconozco que hoy es distinto, ha cambiado. No se necesita saber dibujar para hacer una instalación u obra digital. Y no obstante, mantengo que es el dibujo el alma que da forma a todo cuanto sale de las manos del artista: Dios nos dibujó, y se nota. Como se nota entre los artistas, sea cual sea su estilo o tendencia, quién dibuja y quien no.» [5]
"Desnudo de una mujer en un espejo / Nude of a Woman on a Mirror"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 61 cm., 1982
"La creación de Adán / Creation of Adam"
Barniz blando y punta seca, una plancha / soft varnish and drypoint, one plate, 35,2 x 27,6 cm., 1984
«Hay que aprender a dibujar para después desdibujar. Es una frase rotunda. Hay que saber mucho para después olvidarlo e ir a lo esencial. Esos moldes académicos después los rompes tú mismo. Yo pienso que el auténtico pintor, escultor o arquitecto, en el fondo no deja de ser, aunque haya estudiado mucho, un autodidacta. (...) Ese autodidacta que llevamos dentro es el auténtico, el que te hace verdaderamente investigar. De nada sirve que tú pintes muy bien si no dices nada.» [6]
"Adán, Eva y el mar / Adam, Eve and the Sea"
Aguatinta, barniz blanco y punta seca / aquatint, white varnish and drypoint, 35,4 x 27,8 cm., 1985
"Retrato de un joven de los años veinte / Portrait of a Young Man of the Twenties"
Grafito sobre tabla preparada / graphite on prepared wood, 123 x 91 cm., 1985
«La inspiración es esa cosa extraña que en el fondo es un estado de ánimo, a lo mejor una buena digestión que has hecho ese día, diríamos que tu mente está más lúcida, y esas cosas que no ves normalmente, de pronto se enciende esa lucecita y sí las ves. En cuanto a cómo descubro el tema y lo afronto, que también es una inspiración, en qué nos inspiramos, es en el vivir diario, la mínima cosa, el mínimo elemento te puede servir para darte una idea, para tener una visión sobre eso. El resto ya concierne a la imaginación, a la fantasía.» [7]
"Yo pintando en julio el cráneo de un perro / I Painting in July the Skull of a Dog"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 122 x 92 cm., 1985-91. Museo de Nagasaki (Japón / Japan)
"Asesinado por el cielo (del poema 'Vuelta de paseo')"
Uno de los trece grabados sobre el libro "Poeta en Nueva York", de Federico García Lorca
/ Murdered by the Sky (from the poem 'Back from a walk'),
One of the 13 engravings on the book "Poet in New York" by Federico García Lorca
Aguatinta y punta seca, dos planchas / aquatint and drypoint, two plates, 33,3 x 40,9 cm., 1987
Vuelta de paseo
de Federico Garcia Lorca
Asesinado por el cielo.
Entre las formas que van hacia la sierpe
y las formas que buscan el cristal,
dejaré crecer mis cabellos.
Con el arbol de muñones que no canta
y el niño con el blanco rostro de huevo.
Con los animalitos de cabeza rota
y el agua harapienta de los pies secos.
Con todo lo que tiene cansancio sordomudo
y mariposa ahogada en el tintero.
Tropezando con mi rostro distinto de cada día.
¡Asesinado por el cielo! [7b]
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«Yo creo que todo arte nace en primer lugar de una emoción ante la vida, y esa emoción tú necesitas expresarla, de una forma que a tí te guste, que te lo pases bien, que veas que te sientes más grande a la hora de hacer eso. Ese es el ánimo que nos mueve prácticamente a todos. No a todos, también habrá quién persiga con esto simplemente salir en los periódicos, la televisión, los medios de información... armar ruido. Yo creo que el éxito mayor de un artista se tiene que ver reflejado en su obra, no en lo conocido que sea. Velázquez fue considerado durante siglos un simple fotógrafo de la corte, y hoy es la referencia mayor de todos.» [8]
"El ensueño / The Daydream", aguatinta y punta seca / aquatint and drypoint, 59,3 x 46,8 cm., 1987
"El sueño / The Sleep", aguatinta y punta seca / aquatint and drypoint, 59,3 x 46,8 cm., 1987
«La mayoría de mis obras, al verlas de nuevo, me siguen emocionando precisamente porque continúan hablándome de quien fui y sigo siendo, si bien ya distinto. No obstante, de haber de conceder primacía a algunas de las realizadas hasta ahora, ellas son “El sueño con las musas”, de 1979, y “Vanesa”, óleo mucho mas reciente, de 2001-2002. La primera dado que en ella se produjo (...) la búsqueda de mí mismo mediante el símbolo. Y la segunda por ser ejemplo de todo lo contrario; no existe en ésta ni rastro de mi “Yo”, sólo una verdad absoluta.» [9]
"Poema doble del Lago Edén"
Uno de los trece grabados sobre el libro "Poeta en Nueva York", de Federico García Lorca /
"Double Poem of Lake Eden"
One of the 13 engravings on the book "Poet in New York" by Federico García Lorca
Aguatinta, punta seca y manera negra, tres planchas /
aquatint, drypoint and black manner, three plates, 51 x 42,5 cm., 1987
Poema doble del lago Eden
de Federico Garcia Lorca
Era mi voz antigua
ignorante de los densos jugos amargos
la que vino lamiendo mis pies
sobre los frágiles helechos mojados.
¡Ay voz antigua de mi amor!
¡Ay voz de mi verdad! Voz de mi abierto costado
cuando todas las rosas brotaban de mi saliva
y el césped no conocía la impasible dentadura del caballo.
¡Ay, voz antigua que todos tenemos,
pero que todos olvidamos,
sobre el hombro de la hora, en las últimas expresiones
en los espejos de los otros y en el juego del tiro al blanco.
Estás bebiendo mi sangre
bebiendo mi amor de niño pasado
mientras mis ojos se quiebran en el viento
con el aluminio y las voces de los soldados.
Dejadme salir por la puerta cerrada
donde Eva come hormigas
y Adán fecunda peces…
Déjame salir hombrecillo de los cuernos
al bosque de los desperezas y los alegrísimos saltos.
Yo sé el uso más secreto
que tiene un viejo alfiler oxidado
y sé del horror de unos ojos despiertos
sobre la superficie concreta del plato.
Pero no quiero mundo ni sueño, voz divina
quiero mi libertad. Mi amor humano
en el rincón más oscuro de la tierra que nadie quiera
con mi nativo desprecio del arte y la correcta ley del canto.
Esos perros marinos se persiguen
y el viento acecha troncos descuidados.
¡Ay, voz antigua, quema con tu lengua
esta voz de hojalata y de talco!
Quiero llorar porque me da la gana
como lloran los niños del último banco
porque yo no soy un poeta, ni un hombre ni una hoja
pero sí un pulso herido que ronda las cosas del otro lado.
Quiero llorar diciendo mi nombre
Federico García Lorca, a la orilla de este lago
para decir mi verdad de hombre de sangre
matando en mí la burla y la sugestión del vocablo.
Aquí frente al agua en extremo desnuda
busco mi libertad, mi amor humano
no el vuelo que tendré, luz o cal viva,
mi presente en acecho sobre la bola del aire alucinado.
Poesía pura, Poesía impura.
Vana pirueteada, periódico desgarrado.
Torre de salitre donde se entrechocan las palabras
y aurora lisa que flota con la angustia de lo exacto.
No. No. Yo no pregunto. Yo deseo.
Voz mía libertada que me lames las manos.
En mi laberinto de biombos es mi desnudo el que recibe
la luna de castigo y el reloj encenizado.
Aquí me quedo solo, hombrecillo de la cresta
con la voz que es mi hijo. Esperando
no la vuelta al rubor y al primer gusto de la alcoba
pero sí mi moneda de sangre que entre todos me habéis quitado.
Así hablaba yo cuando Saturno detuvo los trenes
y la bruma y el sueño y la muerte me estaban buscando
allí donde mugen las vacas que tienen rojas patitas de paje.
Y allí donde flota mi cuerpo sobre los equilibrios contrarios. [9b]
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"Vanesa", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 210 x 250 cm., 2001-02.
Colección / Collection Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain). Foto / Photo: Javier Fuentes
Con "Vanesa", "Visiones de la Realidad" / With "Vanesa", "Visions of Reality", 2014
Fundación Cajacanarias Foundation. Foto / Photo: Esther Frías
"Vanesa" (detalle / detail) Foto / Photo: Javier Fuentes
Eduardo con / with "Vanesa"
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"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 83 x 108 cm., 2003
Foto / Photo: Javier Fuentes
"Laura", óleo sobre tabla / oil on wood, 38,3 x 30 cm., 2005
«Una pintura resuelta con magistral soltura puede ser profundamente realista y, en cambio, otra concienzudamente terminada, ser la antítesis de la realidad. (...) El realismo, o más que el realismo, la verdad de una realidad expresada, está en el ánimo y no tanto en el detalle. El detalle sólo sirve si está al servicio del primero y apoyado por el talento. Valga el ejemplo de el “Cardenal anónimo” (ver más abajo) en el Prado de Rafael. También existe el detalle en la fotografía y no le aporta vida, no nos hace vibrar. Como de otro lado, cualquier obra postrera de Goya, pese a su soltura, nos transmite la sensación de una fuerte realidad acaecida.» [10]
"Misteriosa Laura / Mysterious Laura", grafito sobre papel / graphite on paper, 41,6 x 31,4 cm., 2007
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Todas las imágenes, excepto donde se indica / All images, except where noted © Eduardo Naranjo
Fuentes / Sources:
* Website
* Visiones de la realidad / Visions of Reality, 11/3 - 17/5, 2014. Cajacanarias,
* Entrevista a / Interview with Eduardo Naranjo, por / by Angeles López, 8/2012, La Razón
* Entrevista a / Interview with Eduardo Naranjo, por / by Enrique Donoso, Taller On Line
* Entrevistas en los videos que pueden verse más abajo / Video interviews you can see below
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Eduardo Naranjo en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CXCII)], [Pintando perros (LXXV)]
Más sobre Eduardo en / More about Eduardo in: Wesbsite
Más sobre Eduardo en / More about Eduardo in: Wesbsite
Imágenes publicadas con autorización (Muchas gracias Eduardo y Miguel Ángel por las imágenes y vuestro apoyo)
Images published here with permission (Thanks a lot Eduardo and Miguel Angel, for the images and your support)
Algunas referencias / Some References
Eduardo Acosta Palop
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"Ritratto di cardinale / Retrato de cardenal / Portrait of a Cardinal"
Óleo sobre panel / oil on panel, 79 × 61 cm., 1510-11. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
Eduardo Acosta Palop
Eduardo Acosta Palop fue un pintor y ceramista español nacido en Villagarcía de la Torre (Badajoz) in 1905.
Se trasladó a Monesterio (Badajoz) cuando contaba cinco años. Allí residió hasta principios de los años veinte, en que se trasladó a Sevilla, ciudad en la que por entonces había una importante actividad artística previa a la Exposición Iberoamericana de 1929. Trabajó como ceramista en la Fábrica de José Mensaque y Vera junto al maestro José Recio del Rivero, mientras a la vez estudiaba en la Escuela de Artes y Oficios y Bellas Artes.
Sus años en Monesterio marcaron su carrera pictórica, de donde tomó la luz, los tipos y los paisajes. Completó su formación pictórica en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, obteniendo el título de profesor de dibujo.
En Sevilla sintió atracción por los maestros del realismo costumbrista (Gonzalo Bilbao y Gustavo Bacarisas), llegando a ser director de la Escuela de Artes y Oficios de la calle San Jacinto y profesor agregado de dibujo en el Instituto de Enseñanza Media San Isidoro. Pintor incansable y maestro de pintores (entre otros Eduardo Naranjo), presidió la sección de Bellas Artes del Ateneo sevillano y perteneció a la Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría, obteniendo numerosos premios y galardones artísticos.
Murió en 1991.
Tomado del texto recopilado por Martín Carlos Palomo García. Fuente
Eduardo Acosta Palop was a Spanish painter and ceramist born in Villagarcía de la Torre (Badajoz) in 1905
He moved to Monesterio (Badajoz) when he was five. There he lived until the early twenties, when he moved to Seville, where by then had an important artistic activity prior to the Ibero-American Exposition of 1929. He worked as a ceramist in the factory of José Mensaque y Vera with Master José Recio del Rivero, while at the same time he studied in the School of Arts and Crafts and Fine Arts.
His years in Monesterio marked his artistic career, where he captured the light, types and landscapes. He completed his artistic training at the Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid, earning the title of Professor of Drawing.
In Seville he was attracted by the masters of folkloric realism - Gonzalo Bilbao and Gustavo Bacarisas -, becoming director of the School of Arts and Crafts in San Jacinto Street and associated teacher at the Institute for Secondary Education San Isidoro. Tireless painter and Master of painter (among others Eduardo Naranjo), he chaired the Fine Arts section of the Seville Ateneo and belonged to the Academy of Fine Arts Santa Isabel of Hungary, garnering numerous awards and artistic awards.
He died in 1991.
From the text compiled by Martín Carlos Palomo García. Source
Rafael (Raffaello) Sanzio
Óleo sobre panel / oil on panel, 79 × 61 cm., 1510-11. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
El cuadro representa a un cardenal, seguramente miembro de la corte papal de Julio II. No ha sido identificado con seguridad, a pesar de la numerosas suposiciones de los estudiosos, que han visto en él a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alejandro Farnese, Bandinello Sauli, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner o Luigi d'Aragona. El mismo personaje aparece también en "La disputa del Sacramento", del mismo autor.
Pintado en Roma, Rafael dominaba en el arte del realismo en sus pinturas, con una habilidad para "pintar a la gente más real de lo que realmente era", como decían sus colegas.
Como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, el sujeto está sentado, formando una pirámide triangular con el cuerpo y los brazos. Los contrastes entre el rojo del sombrero, y el blanco de la manga y el rostro son notables. Pinceladas meticulosas ofrecen a la audiencia un carácter tridimensional, poniendo de relieve el interés en la escultura que tenía Rafael en aquellos años.
The picture represents a cardinal, probably a member of the papal court of Julius II. It has not been identified with certainty, despite the numerous assumptions of scholars, who have seen him as Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alexander Farnese, Bandinello Sauli, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner or Luigi d'Aragona. The same character also appears in Disputation of the Holy Sacrament, the same author.
Painted in Rome, Rafael mastered the art of realism in his paintings, the ability to “paint people as more real than they really are,” as his peers put it.
Like Leonardo da Vinci’s Mona Lisa, the subject is seated, with formation of a triangle pyramid by the subjects' body and arms. The contrasts are striking between the red of his hat, whiteness of his sleeve and his face. Meticulous brushstrokes give the audience a three-dimensional character, revealing Rapahel’s interest in sculpture during those years.
Desde el concurso escolar ''Hoy'' el grupo El Pioco ha entrevistado a Eduardo en su casa, 2014
From the school contest "Today", the El Pioco group has made this interview with Eduardo at his home, 2014
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Entrevista a Eduardo con motivo de su exposición individual "El poeta plástico y otros universos" en Galería Léucade, 11/2013 - 2/2014.
Interview with Eduardo on ocassion of the solo exhibition "The Plastic Poet and Another Universes", in Leucade Gallery, 11/2013 - 2/2014
Texto en inglés / English Translation
[1]
Eduardo Naranjo is a renowned Spanish painter and engraver born in 1944 in Monesterio, in the province of Badajoz, Extremadura.
In 1957, Eduardo Acosta (see above) after seen the drawings of Eduardo, encourages his parents to allow him to study art in Seville. After a passage by the School of Arts and Crafts, entered the School of Fine Arts of St. Elizabeth of Hungary, staying there only one course. Then he moved to Madrid to continue studying at the School of San Fernando since 1961.
[2]
His first solo exhibition took place in the halls of Ateneo de Sevilla in 1962. Finished his career, in 1966, studied engraving with Luis Alegre and Alvaro Paricio and fresco painting with Manuel Lopez Villasenor. After teaching at the School of Applied Arts Marqués de Cuba, from 1971 he painted with great intensity, primarily concerned with light, matter and textures. In 1974 he paints two paintings highly representative of what will evolve in the future: "First Communion Suit With Self Portrait" and "Nude on the Terrace." From there, decades of sustained development in his work, with numerous exhibitions and awards both in Spain and abroad.
[3]
Eduardo Naranjo is a natural, familiar, close man. In addition to the essential silence that accompanies loneliness of the artist, Eduardo likes classical music, jazz, flamenco. He likes to travel; he has traveled extensively, but always seems too little. He admires all good artists, all those who, above fashion, know how to express the best of themselves. Eduardo makes art out of love, with that dose of pride, defect common to all artists, which is both a "weapon of self-improvement, extremely valid even if it hurts sometimes to others and tend to be confused."
[4]
When asked about whether his painting can be described as hyperrealist, Edward replies: "I would give more reason those critical theorists who speak of oniric realism, fantasy and so on in my work, because with that profound realism and detail referring to my waking state, within my work also walks in parallel the world of dreams. "
[5]
«I love drawing, same as -I imagine- happened before to Dürer, Rubens, Goya, Fortuny, ... not to mention Michelangelo or Picasso. But I recognize that today is different, has changed. No need to know how to draw for an installation or a digital artwork. And yet, I maintain that drawing is the soul that shapes everything out of the hands of the artist: God drew us, is particularly true. As it is evident among artists, whatever their style or trend who draws and who doesn't.»
[6]
«We must learn to draw and then 'undraw'. It is a resounding phrase. You have to know a lot and then forget it and go to the essentials. You broke those academic molds by yourself. I think the real painter, sculptor or architect, is basically a self-taught, no matter if he have studied a lot. (...) That self-taught we carry within is the real one, which makes you truly investigate. To paint very well saying nothing is useless.»
[7]
«Inspiration is that strange thing that at least is a mood, maybe a good digestion you've done that day, we would say that your mind is more lucid, and those things that do not normally see, suddenly lights that little light and you see them. As for how to discover the subject and I approach it, which is also an inspiration, what inspires us, is in daily living, the slightest thing, the minimum element can serve to give you an idea, to have a view on that. The rest concerns imagination, fantasy.»
[7b]
Back from a walk
by Federico Garcia Lorca
Murdered by the sky,
Between the forms that move toward the serpent,
And the forms that search for crystal,
I will let my hair grow.
With the amputated tree that does not sing
And the boy’s white face, like an egg.
[7b]
Back from a walk
by Federico Garcia Lorca
Murdered by the sky,
Between the forms that move toward the serpent,
And the forms that search for crystal,
I will let my hair grow.
With the amputated tree that does not sing
And the boy’s white face, like an egg.
With the little animals’ broken heads
And the ragged water of dry feet.
With everything that has deaf and dumb weariness
And the butterfly drowned in an inkwell.
Stumbling over my daily-changing face
Murdered by the sky!
[8]
«I believe that all art is born first of an emotion to life, and that emotion you need to express it in a way that you like it, you enjoy it, that makes you feel bigger when doing it. That is the spirit that moves us virtually everyone. Not everyone, there will be also who pursued with this simply out in the newspapers, television, the media ... for making noise. I think the biggest success for an artist is all reflected in his work, not whether it is known or not. Velázquez was considered for centuries a simple court photographer, and today is the biggest reference of all.»
[9]
«Most of my work, when I see them again, still follow thrilling me precisely because they still talking about who was I and who I am, although already different. However, having to grant primacy to some of those made so far, they are "Sleep with the muses" 1979, and "Vanessa", much more recent oil painting, 2001-2002. The first one since in it happened (...) finding myself by the symbol. And the second one as an example of the opposite; It does not exist in in no trace of my "Self", only absolute truth.»
[9b]
Double-Poem of Lake Eden (Original version)
by Federico Garcia Lorca
It was my ancient voice
unaware of the dense bitter juices
that came licking at my feet
under the drenched and fragile ferns
Ay, ancient voice of my love!
ay, voice of my truth! Voice of my open side
when only roses flowered from my tongue
and the turf did not know the impassive teeth of the horse!
Ay, ancient voice that all have
but which all forget
over the hour’s shoulder, in the ultimate expressions,
in the mirrors of others and in the game of darts.
You are drinking my blood,
drinking my past childhood’s love,
while my eyes shatter in the wind
with aluminum and soldiers’ voices.
Let me pass through the closed door
where Eve eats ants
and Adam impregnates fishes…
Let me pass, little horned man,
to the woods of stretchings and joyful leaps.
I know the most secret use
that an old rusty pin possesses
and I know the horror of wide-open eyes
on the tangible surface of the plate.
But I desire neither world, nor dream, divine voice,
I desire my freedom, my human love,
in the most hidden corner of the earth no one wants.
My human love!
Those sea-dogs chase each other
and the wind lies in wait for unsuspecting trunks.
Oh, ancient voice, burn with your tongue
this voice of tin-plate and talcum powder!
I want to cry because I feel like it
like children cry on the last bench,
because I am not a man, nor a poet, nor a sheet of paper,
but a wounded pulse sounding out those things on the other side.
I want to cry, calling my name,
Federico García Lorca, on the shore of this lake,
speaking my truth as a full-blooded man
killing in myself the mockery and insinuation of the word.
Here, beside the naked water
I’m searching for my freedom, my human love;
not for the flight I may have, light or searing lime,
but my present moment lying in wait on the sphere of the crazed breeze.
Pure poetry. Impure poetry.
Vain pirouette, torn newspaper.
Tower of saltpeter where words clash
and smooth dawn that floats with the anguish of exactitude.
No, no, I do not request, I demand
my liberated voice, that you should lick my hands.
In my labyrinth of screens, it is my nakedness that receives
the moon’s punishment and the burning clock.
I’ll stay here alone, little man with the crest,
with the voice that is my child. Awaiting
not the return of the blush and the first excitement of the bedroom,
but my coin of blood that all of you have stolen from me.
So I spoke when Saturn stopped the trains
and fog and dream and death sought me
There, where cows low with red duckling’s feet
and where my body drifts among opposing equilibriums.
[9b]
Double-Poem of Lake Eden (Original version)
by Federico Garcia Lorca
It was my ancient voice
unaware of the dense bitter juices
that came licking at my feet
under the drenched and fragile ferns
Ay, ancient voice of my love!
ay, voice of my truth! Voice of my open side
when only roses flowered from my tongue
and the turf did not know the impassive teeth of the horse!
Ay, ancient voice that all have
but which all forget
over the hour’s shoulder, in the ultimate expressions,
in the mirrors of others and in the game of darts.
You are drinking my blood,
drinking my past childhood’s love,
while my eyes shatter in the wind
with aluminum and soldiers’ voices.
Let me pass through the closed door
where Eve eats ants
and Adam impregnates fishes…
Let me pass, little horned man,
to the woods of stretchings and joyful leaps.
I know the most secret use
that an old rusty pin possesses
and I know the horror of wide-open eyes
on the tangible surface of the plate.
But I desire neither world, nor dream, divine voice,
I desire my freedom, my human love,
in the most hidden corner of the earth no one wants.
My human love!
Those sea-dogs chase each other
and the wind lies in wait for unsuspecting trunks.
Oh, ancient voice, burn with your tongue
this voice of tin-plate and talcum powder!
I want to cry because I feel like it
like children cry on the last bench,
because I am not a man, nor a poet, nor a sheet of paper,
but a wounded pulse sounding out those things on the other side.
I want to cry, calling my name,
Federico García Lorca, on the shore of this lake,
speaking my truth as a full-blooded man
killing in myself the mockery and insinuation of the word.
Here, beside the naked water
I’m searching for my freedom, my human love;
not for the flight I may have, light or searing lime,
but my present moment lying in wait on the sphere of the crazed breeze.
Pure poetry. Impure poetry.
Vain pirouette, torn newspaper.
Tower of saltpeter where words clash
and smooth dawn that floats with the anguish of exactitude.
No, no, I do not request, I demand
my liberated voice, that you should lick my hands.
In my labyrinth of screens, it is my nakedness that receives
the moon’s punishment and the burning clock.
I’ll stay here alone, little man with the crest,
with the voice that is my child. Awaiting
not the return of the blush and the first excitement of the bedroom,
but my coin of blood that all of you have stolen from me.
So I spoke when Saturn stopped the trains
and fog and dream and death sought me
There, where cows low with red duckling’s feet
and where my body drifts among opposing equilibriums.
[10]
«A painting resolved with masterful ease can be profoundly realistic and, instead, another thoroughly completed, the antithesis of reality. (...) The realism, or more than realism, the truth of an expressed reality, is in the mind and not so much in the detail. The detail serves only if it serves the first, and supported by talent. For example the "Anonymous Cardinal" (see above) by Rafael in the Prado Museum. There is also details in photography and does not bring life, not make us vibrate. As other hand, any last work of Goya, despite its ease, conveys a strong sense of reality occurred.»
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