Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Abril aquí / All anniversaries for April here.
Todos los aniversarios de Abril aquí / All anniversaries for April here.
_________________________________________________________
El 9 de Abril es el cumple de
Elsa Gramcko, escultora y pintora abstracta venezolana nacida en 1925.
"Máquina / Machine", 1958
"Sin título / Untitled", acero soldado pintado / painted welded steel, 30,7 x 8,9 x 5,1 cm., 1969. Sotheby's
Sus trabajos más tempranos, que datan de 1954, fueron pinturas geométricas, mientras que los más tardíos fueron tachistas. Al principio se centró principalmente en la pintura, para luego pasar a la escultura y el ensamblaje en las décadas de 1960 y 1970.
Su formación fue principalmente autodidacta, no obstante, tomó algunos cursos en la Universidad Central de Venezuela, Caracas.
"Sin título / Untitled", técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 55,2 x 31,1 cm., 1962. Sotheby's
En 1959 José Gómez Sicre comisarió su primera exposición individual en el Museo de Arte de las Américas en Washington, D.C. En 1959 representó a Venezuela en la Bienal de Arte de São Paulo y en la Bienal de Venecia de 1964. En 1968 fue galardonada con el Premio Nacional de Arte en el Salón Oficial de Arte venezolano y en 1966 se convirtió en la primera mujer en obtener el premio del Salón D'Empaire en Maracaibo, Zulia, Venezuela. Sus obras se conservan en varias colecciones privadas y públicas en Latinoamérica y en todo el mundo.
Murió en 1994.
Museo de Bellas Artes (MBA) (Caracas, Venezuela). Wiki Arte Venezolano
El 10 de Abril es el cumple de
Jim Burns, artista galés nacido en Cardiff. Se le considera uno de los Grandes Maestros del mundo del arte de la ciencia ficción.
Portada de "The Songbirds of Pain" de Gary Kilwort, publicado por Unwin Hyman /
The cover for The Songbirds of Pain by Gary Kilworth, published by Unwin Hyman
En 1966 se unió a la Real Fuerza Aérea, pero poco después lo dejó y se inscribió en la Escuela de Arte de Newport para un curso preparatorio de un año.
Después estudió una diplomatura de 3 años en Arte y Diseño en la Escuela de Arte Saint Martin en Londres. Cuando abandonó Saint Martin en 1972, ya se había unido a la recientemente creada agencia de ilustración Young Artists. Ha estado con esta agencia, más tarde renombrada Arena, desde entonces.
Su obra trata principalmente de la ciencia ficción con matices eróticos. Sus pinturas son generalmente intrincados trabajos fotorrealistas de mujeres hermosas ante máquinas avanzadas y naves espaciales. Mientras que sus bosquejos preparatorios tienen un enfoque más erótico, sus trabajos finales y las portadas de libros publicadas tienen un tono más académico que retrata mundos lejanos e imaginarios.
Además de las portadas de libros y juegos, Burns trabajó brevemente con Ridley Scott en "Blade Runner", y sus ilustraciones y pinturas ocupan gran parte del libro "Mecanismo" de Harry Harrison. También ha publicado libros de sus propias obras, como Lightship, Planet Story (escrito por Harry Harrison), Transluminal e Imago.
Burns ganó el premio Hugo al mejor artista profesional tres veces y también ha recibido 12 premios BSFA. Bien considerado en el mundo de los fans, fue artista invitado de honor en el Worldcon 1987.
El 11 de Abril es el cumple de
Claughton Pellew, artista inglés nacido en Redruth, Cornualles, en 1890.
Poco después de su nacimiento, la familia se mudó a Canadá. Luego regresó a Londres, donde Claughton asistió a la Escuela Merchant Taylor (1902-1906). Justo después de su instrucción Pellew visitó Italia. Aquí el arte del Quattrocento florentino lo impresionaría profundamente, no sólo como arte, sino también por su simbolismo religioso.
Su catolicismo influiría en su posición frente a la guerra de 1914-18. Pellew fue recibido en la iglesia a principios de 1914, justo antes del estallido de la guerra, y durante la última parte de esta (el reclutamiento fue introducido recién en 1916) lo confinaron como objetor de conciencia en los centros del Ministerio del Interior en Dyce cerca Aberdeen, después en el centro de Wakefield y finalmente en Dartmoor. Pellew sufrió excesivamente su confinamiento. Y la sensación de ostracismo y las penurias físicas se hicieron aún más difíciles de soportar cuando tras su liberación descubrió que otros artistas - los mejor conectados artistas de Bloomsbury Duncan Grant y Mark Gertler, por ejemplo - habían evitado la prisión. John Nash, que por este tiempo había conocido a Pellew a través de su hermano Paul, sugirió que estas experiencias de guerra habían dejado a su amigo con una "sensación de aislamiento permanente de la cual [él] nunca se recuperó".
Pellew se casó con Emma Marie ('Kechie') Tennent en 1919. Juntos se trasladaron a una aldea remota del norte rural en Norfolk donde vivieron una vida simple. Raramente dejaron Norfolk, pero en varias ocasiones (1923 / 1929-30) viajaron a Baviera, permaneciendo en Tutzing, en el Starnbergerzee, donde los lagos y los árboles debieron recordar a Pellew sus primeros años en Canadá, y los paisajes fueron un estímulo para la creación de dibujos y acuarelas. Pellew siguió pintando, y hacia el final de la década también experimentó con el grabado. Pero es tal vez como un grabador de madera que se le conoce principalmente. Se inició en esta técnica en 1923, y ese mismo año exhibió tres grabados en la exposición anual de la Sociedad de Grabadores de Madera. A mediados de la década estaba trabajando en grabados a mayor escala - "From My Window" (1925) por ejemplo - que presenta un delineado firme, y en el que también logra una rica variación de texturas.
Pellew no exhibió mucho - sólo se cuentan un puñado de exposiciones durante su vida. Era demasiado retraído y humilde, y por lo demás vivía en un lugar tan remoto que nunca en su vida tuvo gran interacción con sus contemporáneos, y por lo tanto no halló un lugar reconocible entre ellos. En el contenido, sin embargo, hay similitudes con el tipo de temas de paz y armonía rural, y en antítesis, de aversión a lo moderno, que fueron explorados por los neorrománticos de entre guerras (Eric Ravilious, John Piper, Graham Sutherland y Robin Tanner). Pellew quería (y en muchos sentidos halló a través de su forma de vida) un retorno a las certezas más claras de la Gran Bretaña de antes de la guerra, un mundo antes de que la máquina se hubiera vuelto omnipresente y la expansión invasiva de la ciudad hubiera cubierto gran parte del campo. Las imágenes recurrentes en su obra son de escenas rurales - de los almiares, los árboles, los animales y los elementos.
Murió en 1966.
Claughton Pellew en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXI)]
El 12 de Abril es el cumple de
Akbar Padamsee, artista y pintor indio nacido en 1928 en Mumbai (Bombay), considerado uno de los pioneros en la pintura india moderna junto con Raza, Souza y M.F. Hussain.
"Sin título / Untitled", técnica mixta sobre papel / mixed media on canvas, 29,2 x 24,1 cm., 1952. Saffron Art
"Desnudo sentado / Seated nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114,3 x 89 cm., 1956. Website
A lo largo de los años ha trabajado con varios medios, desde la pintura al óleo, emulsión plástica, acuarela, escultura, grabado, computación gráfica y fotografía, hasta cineasta, escultor, fotógrafo, grabador y litógrafo. Hoy en día sus pinturas están entre las más valoradas por los artistas indios modernos. Su pintura "Desnudo reclinado" fue vendida por USD 1.426.500 en Sotheby's en Nueva York el 25 de marzo de 2011.
Fue galardonado con el Lalit Kala Akademi Fellowship (Lalit Kala Ratna) por el Lalit Kala Akademi, la Academia Nacional de Artes de la India, en 1962, el Kalidas Samman del Gobierno de Madhya Pradesh en 1997 para Artes Plásticas y el Padma Bhushan, 3er. título civil honorífico más importante de la India, en 2010.
El 13 de Abril es el cumple de
Nicolae Tonitza, pintor, grabador, litógrafo, periodista y crítico de arte rumano nacido en Bârlad en 1886. Inspirándose en el postimpresionismo y el expresionismo, tuvo un papel importante en la introducción de las directrices modernistas al arte local.
Dejó su ciudad natal en 1902 para asistir a la Escuela Nacional Iaşi de Bellas Artes. Al año siguiente visitó Italia junto con los estudiantes de arqueología de la Universidad de Bucarest bajo la dirección de Grigore Tocilescu. En 1908 se fue a Munich, donde asistió a la Real Academia de Bellas Artes. Empezó a publicar caricaturas políticas en Furnica y contribuyó con artículos de crítica de arte a Arta Română. Pasó los siguientes tres años en París, donde visitó los estudios de artistas y estudió pinturas famosas.
Muzeul Naţional de Artă al României / Museo Nacional de Arte (Bucarest, Rumanía / Bucharest, Romania)
Foto / Photo: Nicolae Fieraru
Después de su regreso pintó frescos en varias iglesias de Moldavia y trabajó como profesor de arte. Luego, junto con Cezar Petrescu, trabajó como redactor del periódico Iaşul.
En 1916, después de que Rumania entró en guerra, Tonitza fue reclutado en el ejército y cayó prisionero a los búlgaros durante la batalla de Turtucaia. Durante su internamiento enfermó de malaria y reumatismo, que lo atormentaría hasta su muerte. Fue liberado y regresó en 1918.
"Natură moartă / Bodegón / Still Life", óleo sobre cartón / oil on cardboard
Muzeul de Artă din Craiova (Craiova, Rumanía / Romania)
Durante la década de 1920 fue miembro del grupo Arta Română (junto a Gheorghe Petraşcu y otros). Su compromiso con lo social es bien perceptible en su obra gráfica, maliciosa ya veces dramática. Bosquejó para muchas revistas contemporáneas, generalmente políticas y izquierdistas. En 1921 Tonitza amplió su espectro, printando prototipos para una fábrica de cerámica, y organizando una exposición de cerámica. El mismo año se trasladó a Vălenii de Munte, y decidió dejar de contribuir con la prensa. Fue por esa época que desarrolló su estilo y temas característicos, los cuales, según Zambaccian, estaban determinados por sus experiencias como padre.
Muzeul de Artă din Craiova (Craiova, Rumanía / Romania)
Alcanzó el éxito en 1925, después de inaugurar una gran exposición de sus cuadros de Vălenii de Munte en Bucarest, mientras que levantó la controversia (incluyendo la crítica de Ressu) sobre su estilo como de póster. A pesar de su fama, continuó viviendo una existencia empobrecida y agitada, que probablemente contribuyó al deterioro de su salud.
En 1931 dividía su tiempo entre Bucarest y Constanţa, habiendo acordado pintar las paredes de la Iglesia de San Jorge en esta última ciudad. Tras la muerte de Dimitrescu en 1933, Tonitza ocupó su silla en la Academia de Bellas Artes en Iaşi. Participó en varias exposiciones nacionales y ferias mundiales, y pintó sus últimos trabajos alrededor de Balchik.
Murió en 1940.
Óleo sobre lienzo/panel / oil on canvas/board, 63 x 53,5 cm., c.1924-26
Muzeul Naţional de Artă al României / Museo Nacional de Arte (Bucarest, Rumanía / Bucharest, Romania)
El 14 de Abril es el cumple de
Antoni Karwowski, pintor polaco de la abstracción lírica y la neofiguración, y artista de performances nacido en 1948.
"Tres gracias en azul / Three Graces in Blue". Wikimedia Commons
Creció en una familia multigeneracional bajo la fuerte influencia de su padre y su abuelo ruso, Szymon Zub. Su padre le dio su primera lección de dibujo, y su abuelo también era creativo, escribiendo poesía y cantando viejas canciones rusas. Su obra posterior fue influenciada por la cultura y tradiciones polacas y rusas, así como una infancia rodeada por regiones inhóspitas que alentó su sensibilidad y fuerte sentimiento individualista.
Después de graduarse de la escuela secundaria comenzó a pintar más y experimentar con diferentes formas de arte. Cambió casas y universidades varias veces mientras buscaba un lugar donde pudiera desarrollar plenamente sus talentos. Trabajó como minero mientras realizaba su búsqueda, y más tarde se unió a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nicolaus Copernicus en Toruń, donde desarrolló sus talentos y se convirtió en artista profesional.
A principios de los años 80, Karwowski y Zbigniew Oleszynski pusieron en marcha un grupo polaco conocido como "Grupo A". Desde ese momento el artista ha estado muy comprometido con el arte del espectáculo, organizando y participando. Desde 2003 ha organizado el Performance & Intermedia Festival en Szczecin.
A lo largo de su carrera Karwowski ha creado su propio estilo del que un crítico de arte berlinés ha dicho: "De sus imágenes viene viene una luz colorida, que se crea en la perfección de su taller. La metáfora de esta luz da un significado mágico y surrealista a los elementos figurativos en sus pinturas. El poder de sus pinturas, aparte de los colores luminosos, proviene de la riqueza de significados simbólicos y de cierta acumulación de capas, por lo que las pinturas de Karwowski están lejos de cumplir una simple función decorativa ".
Acrílico y tinta sobre lienzo / acrylic and ink on canvas, 46,9" x 19,7" x 0,8". Saatchi
Hoy, 15 de Abril, es el cumple de
Arshile Gorki (Vostanik Manoug Adoian / Ոստանիկ Մանուկ Ատոյեան), pintor armenio-estadounidense nacido en Khorgom, Vilayet de Van, Imperio Otomano en 1904, que tuvo una influencia seminal en el expresionismo abstracto. Pasó la mayor parte de su vida como ciudadano estadounidense. Junto con Mark Rothko, Jackson Pollock y Willem de Kooning, Gorky ha sido aclamado como uno de los pintores estadounidenses más potentes del siglo XX. Como tal, a menudo se especulaba que sus obras habían sido influidas por el sufrimiento y la pérdida que experimentó en el genocidio armenio.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64,7 x 82,7 cm., 1945
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)
En 1915, Gorky huyó del lago Van durante el genocidio, y escapó con su madre y sus tres hermanas a territorio controlado por Rusia. A raíz del genocidio, la madre de Gorki murió de hambre en Yerevan en 1919. Llegando a Estados Unidos en 1920, Gorky, de 16 años, se reunió con su padre, pero nunca se acercaron.
En el proceso de reinventar su identidad, cambió su nombre a "Arshile Gorky", alegando ser un noble georgiano (tomando el nombre georgiano Arshile / Archil), e incluso dijo a la gente que era pariente del escritor ruso Máximo Gorky.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,7 x 99 cm., c. 1943
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
En 1922 se inscribió en la Nueva Escuela de Diseño en Boston, convirtiéndose eventualmente en instructor a tiempo parcial. A principios de la década de 1920 fue influenciado por el impresionismo, aunque más tarde en la década produjo obras más postimpresionistas.
En 1933, Arshile Gorky se convirtió en uno de los primeros artistas empleados por el Proyecto de Administración de Obras Proyecto de Arte Federal. Más tarde llegó a incluir artistas como Alice Neel, Lee Krasner, Jackson Pollock, Diego Rivera y Mark Rothko.
En 1935 firmó un contrato de tres años con la Guild Art Gallery. Co-propiedad de Anna Walinska y Margaret Lefranc, pero financiada y dirigida por Lefranc, la galería organizó la primera exposición individual del artista en Nueva York, "Dibujos abstractos" de Arshile Gorky.
Cuando Gorky mostró su nuevo trabajo a André Breton en los años '40, después de ver las nuevas pinturas, y particularmente "El hígado es el peine del gallo", Breton declaró que la obra era "una de las pinturas más importantes hechas en Estados Unidos", e indicó que Gorky era un surrealista, que era el más alto cumplido que le podía ofrecer Breton. La pintura fue presentada en la muestra final de los surrealistas en el Galérie Maeght en París en 1947.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107.3 x 123.8 cm., 1944.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
Las contribuciones de Gorky al arte estadounidense y mundial son difíciles de sobreestimar. Su obra como abstracción lírica fue un "nuevo lenguaje", que "encendió el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses". La espontaneidad pictórica de las obras maduras como "El hígado es el Peine del Gallo" (1944), "Un año el Milkweed" (1944), y "Los esponsales II" (1947), prefiguró inmediatamente el expresionismo abstracto, y los líderes en la escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorki.
Pero su obra es un logro fenomenal por derecho propio, sintetizando el surrealismo y el color y la pictorialidad sensuales de la Escuela de París con su propio vocabulario formal muy personal. Sus pinturas y dibujos cuelgan en cada museo estadounidense importante incluyendo la National Gallery of Art, el Museum of Modern Art, el Art Institute of Chicago, el Metropolitan y el Whitney Museum of American Art en Nueva York (que mantiene el Archivo Gorky), y en muchos del mundo, incluyendo la Tate Gallery en Londres.
Murió en 1948.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 × 127,6 cm., 1926-c. 1936
Whitney Museum of American Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
Las pinturas de "El artista y su madre" se basan en una fotografía de la niñez, tomada en Van en la cual aparece de pie delante de su madre. Gorky hizo dos versiones; la otra está en la National Gallery of Art, en Washington. La pintura ha sido comparada con Ingres por simplicidad de línea y suavidad, con el arte funerario egipcio por la pose, con Cézanne por la composición plana y con Picasso por la forma y el color /
The Artist and His Mother paintings are based on a childhood photograph taken in Van in which he is depicted standing beside his mother. Gorky made two versions; the other is in the National Gallery of Art Washington, DC.. The painting has been likened to Ingres for simplicity of line and smoothness, to Egyptian Funerary art for pose, to Cézanne for flat planar composition, to Picasso for form and color.
Textos en inglés / English translation
On April 9 is the birthday of
Elsa Gramcko, Venezuelan abstract sculptor and painter born in 1925.
Her earlier works, which date from 1954, were geometric paintings, while her later works were more tachist in nature. While her earlier works consisted of mostly paintings, she expanded into sculpture and assemblage in the 1960s and 70s.
Her training was mainly self-taught, however, she took some courses at the Central University of Venezuela, Caracas.
In 1959, José Gómez Sicre curated her first solo show at the Art Museum of the Americas in Washington D.C. She represented Venezuela in the 1959 São Paulo Art Biennial and in the 1964 Venice Biennale. In 1968 she was awarded the National Art Prize at the Official Salon of Venezuelan Art and in 1966 she became the first woman to obtain the first prize at the D'Empaire Salon held in Maracaibo, Zulia State, Venezuela. Her work is held in various private and public collections throughout Latin America and worldwide.
She died in 1994.
On April 10 is the birthday of
Jim Burns, Welsh artist born in Cardiff. He has been called one of the Grand Masters of the science fiction art world.
In 1966 he joined the Royal Air Force, but soon thereafter he left and signed up at the Newport School of Art for a year's foundation course.
After that, he went on to complete a 3-year Diploma in Art and Design at Saint Martin's School of Art in London. When he left Saint Martin's in 1972 he had already joined the recently established illustration agency Young Artists. He has been with this agency, later renamed Arena, ever since.
His work mostly deals with science fiction with erotic overtones. His paintings are generally intricate photo-realistic works of beautiful women set against advanced machines and spaceships. While his preparatory sketches are more erotically focused, his final works and published book covers have a more academic tone portraying far off and imaginary worlds.
Apart from book and game covers, Burns briefly worked with Ridley Scott on Blade Runner, and his illustrations and paintings comprise much of the book Mechanismo by Harry Harrison. He has also had books of his own works published, including Lightship, Planet Story (written by Harry Harrison), Transluminal, and Imago.
Burns won the Hugo award for best professional artist three times and has also been awarded 12 BSFA awards. Well regarded in fandom, he was artist guest of honour at the 1987 Worldcon.
On April 11 is the birthday of
Claughton Pellew, English artist born in Redruth, Cornwall, in 1890.
Soon after his birth the family moved to Canada. Then returned to London, where Claughton attended Merchant Taylor’s School (1902-1906). Just after his training Pellew visited Italy. Here the art of the Florentine Quattrocento would impress him deeply – not only as art, but for its religious symbolism too.
His Catholicism would influence his position on the 1914-18 war. Pellew was received into the church in early 1914, just before the outbreak of the War, and during the latter part of the war (conscription was introduced only in 1916) he was confined as a conscientious objector in Home Office Works centers’ at Dyce near Aberdeen, then at the Wakefield Centre and finally at Dartmoor. Pellew suffered inordinately from his confinement. And the sense of ostracism and sheer physical hardship was made all the more difficult to bear when upon his release he found that other artists – the better-connected Bloomsbury artists Duncan Grant and Mark Gertler, for instance – had avoided imprisonment. John Nash, who by this time had got to know Pellew through his brother Paul, suggested that these war experiences had left his friend with a ‘sense of permanent isolation from which [he] never recovered’.
Pellew married Emma Marie (‘Kechie’) Tennent (1919). Together they moved to a remote village in rural north Norfolk where they lived a simple life. They rarely left Norfolk, but on several occasions (1923/1929-3) they travelled to Bavaria, staying at Tutzing on the Starnbergerzee where the lakes and trees must have reminded Pellew of his early years in Canada, and the landscapes were spur to the creation of drawings and watercolours. Pellew continued to paint, and towards the end of the decade he also experimented with etching. But it is perhaps as a wood engraver that Pellew is primarily known. He began wood engraving in 1923, and in that year exhibited three engravings at the annual Society of Wood Engravers’ exhibition. By the middle of the decade Pellew was working on larger scale engravings – From My Window (1925) for instance – which have a surety of line, and wherein he also achieves a rich variation of textures.
Pellew did not exhibit very much – only a handful of exhibitions in his life-time can be counted. He was too retiring on the whole, and self-effacing, and moreover he lived in such a remote area that mixing with his contemporaries, and thereby finding a recognizable place amongst them, was never achieved in his life-time. In content, however, there are similarities to the kind of themes of rural peace and harmony, and in antithesis, of a dislike of the modern, which were explored by the inter-war neo-romantics – by Eric Ravilious, John Piper, Graham Sutherland and Robin Tanner. Pellew wanted – and in many senses found in the ways in which he lived – a return to the clearer certainties of pre-war Britain, a world before the machine had become omnipresent and the city’s invasive sprawl had covered so much of the countryside. The recurring images in his work are of rural scenes – of hayricks, trees, animals and the elements.
He died in 1966.
On April 12 is the birthday of
Akbar Padamsee, Indian artist and painter born in 1928 in Mumbai, considered one of the pioneers in Modern Indian painting along with Raza, Souza and M.F. Hussain. Over the years he has also worked with various mediums from oil painting, plastic emulsion, water colour, sculpture, printmaking, to computer graphics, and photography, as worked a film maker, sculptor, photographer, engraver, and lithographer. Today his paintings are among the most valued by modern Indian artists. His painting Reclining Nude was sold for USD 1,426,500 at Sotheby's in New York on 25 March 2011.
He was awarded the Lalit Kala Akademi Fellowship (Lalit Kala Ratna) by the Lalit Kala Akademi, India's National Academy of Arts, in 1962, the Kalidas Samman from the Madhya Pradesh Government in 1997 for Plastic Arts and the Padma Bhushan, India's third highest civilian honour in 2010.
On April 13 is the birthday of
Nicolae Tonitza, Romanian painter, engraver, lithographer, journalist and art critic born in Bârlad in 1886. Drawing inspiration from Post-impressionism and Expressionism, he had a major role in introducing modernist guidelines to local art.
He left his home town in 1902 in order to attend the Iaşi National School of Fine Arts. The following year he visited Italy together with University of Bucharest students of archeology under the direction of Grigore Tocilescu. In 1908 he left for Munich, where he attended the Royal Academy of Fine Arts; he began publishing political cartoons in Furnica, and contributing art criticism articles to Arta Română. Tonitza spent the following three years in Paris, where he visited artists' studios, and studied famous paintings.
After his return, Tonitza painted frescos in several churches of Moldavia and worked as an art teacher, and then, together with Cezar Petrescu, as editor of Iaşul newspaper.
In 1916, after Romania entered the conflict, Tonitza was drafted into the Army and fell prisoner to the Bulgarians during the Battle of Turtucaia. Interned, he became ill with malaria and rheumatism, which would plague him until his death. He was set free and returned in 1918.
During the 1920s, he was a member of the Arta Română group (alongside Gheorghe Petraşcu and others). His commitment to social commentary is best perceivable in his graphic work, malitious and sometimes dramatical — he sketched for many contemporary, usually political and leftist, magazines. In 1921, Tonitza expanded his range, painting prototypes for a ceramics factory, and organizing a ceramics exhibition; the same year, he moved to Vălenii de Munte, and decided to cease contributing to the press. It was at the time that he developed on his characteristic style and themes, both of which, Zambaccian contended, were determined by his experiences as a father.
He met success in 1925, after opening a large exhibit of his Vălenii de Munte paintings in Bucharest, while raising controversy (including criticism from Ressu) over his "poster-like" style. Despite his fame, he continued to live an impoverished and hectic existence, which probably contributed to the decline of his health.
By 1931, he was dividing his time between Bucharest and Constanţa, having agreed to paint the walls of Saint George's Church in the latter city. Upon Dimitrescu's death in 1933, Tonitza held his chair at the Fine Arts Academy in Iaşi. A participant in several national exhibitions and World Fairs, he painted his last works around Balchik.
He died in 1940.
On April 14 is the birthday of
Antoni Karwowski, Polish lyrical abstraction and neofiguration painter and performance artist born in 1948.
Karwowski grew up in a multigenerational family under the strong influence of his father and Russian grandfather, Szymon Zub. His father gave him his first drawing lesson, and his grandfather was also creative, writing poetry and singing old Russian songs. His later work was influenced by Polish and Russian culture and traditions, as well as a childhood surrounded by the wilderness that encouraged his sensitivity and strong feelings of individualism.
After graduating high school Karwowski started painting more and experimenting with different forms of art. He changed homes and universities several times while looking for a place where he could fully develop his talents. He worked as a miner while conducting his search, and later joined the Fine Arts Faculty at the Nicolaus Copernicus University in Toruń, where he developed his talents and became a professional artist.
In early 80s Karwowski and Zbigniew Oleszynski started a Polish performance group known as "Group A". From that time on, Karwowski has been heavily engaged in performance art, both as an organizer and a participant. Since 2003 he has organized the International Performance & Intermedia Festival in Szczecin.
Throughout his career Karwowski has created his own style of which a Berlin art critic said, "From his images comes colorful light, which is created by perfection in his workshop. Metaphor of this light gives magical, surreal meaning to figurative elements in his paintings. The power of his paintings, aside from illuminating colors, comes from the richness of symbolic meanings and certain multilayer by which Karwowski ’s paintings are far from simple decorative function."
Today, April 15, is the birthday of
Arshile Gorky (Vostanik Manoug Adoian / Ոստանիկ Մանուկ Ատոյեան), Armenian-American painter born in Khorgom, Vilayet of Van, Ottoman Empire in 1904, who had a seminal influence on Abstract Expressionism. He spent most his life as a national of the United States. Along with Mark Rothko, Jackson Pollock and Willem de Kooning, Gorky has been hailed as one of the most powerful American painters of the 20th century. As such, his works were often speculated to have been informed by the suffering and loss he experienced in the Armenian Genocide.
In 1915, Gorky fled Lake Van during the Armenian Genocide and escaped with his mother and his three sisters into Russian-controlled territory. In the aftermath of the genocide, Gorky's mother died of starvation in Yerevan in 1919. Arriving in America in 1920, the 16-year-old Gorky was reunited with his father, but they never grew close.
In the process of reinventing his identity, he changed his name to "Arshile Gorky", claiming to be a Georgian noble (taking the Georgian name Arshile/Archil), and even telling people he was a relative of the Russian writer Maxim Gorky.
In 1922, Gorky enrolled in the New School of Design in Boston, eventually becoming a part-time instructor. During the early 1920s he was influenced by Impressionism, although later in the decade he produced works that were more postimpressionist.
In 1933, Arshile Gorky became one of the first artists employed by the Works Progress Administration Federal Art Project. This later came to include such artists as Alice Neel, Lee Krasner, Jackson Pollock, Diego Rivera and Mark Rothko.
In 1935, Gorky signed a three-year contract with the Guild Art Gallery. Co-owned by Anna Walinska and Margaret Lefranc, but funded and directed by Lefranc, the gallery organized the artist's first solo exhibition in New York, Abstract Drawings by Arshile Gorky.
When Gorky showed his new work to André Breton in the 1940s, after seeing the new paintings and in particular The Liver is the Cock's Comb, Breton declared the painting to be "one of the most important paintings made in America" and he stated that Gorky was a Surrealist, which was Breton's highest compliment. The painting was shown in the Surrealists' final show at the Galérie Maeght in Paris in 1947.
Gorky's contributions to American and world art are difficult to overestimate. His work as lyrical abstraction was a "new language. He "lit the way for two generations of American artists". The painterly spontaneity of mature works like The Liver is the Cock's Comb (1944), One Year the Milkweed (1944), and The Betrothal II (1947) immediately prefigured Abstract expressionism, and leaders in the New York School have acknowledged Gorky's considerable influence.
But his oeuvre is a phenomenal achievement in its own right, synthesizing Surrealism and the sensuous color and painterliness of the School of Paris with his own highly personal formal vocabulary. His paintings and drawings hang in every major American museum including the National Gallery of Art, the Museum of Modern Art, the Art Institute of Chicago, the Metropolitan and the Whitney Museum of American Art in New York (which maintains the Gorky Archive), and in many worldwide, including the Tate in London.
He died in 1948.
No hay comentarios:
Publicar un comentario