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El 4 de Febrero es el cumple de
Constantin Piliuţă, pintor rumano nacido en 1929 en Botosani.
Inicialmente quiso ser actor, pero al no conseguir un lugar en la escuela de teatro, en lugar de ir al Instituto de Bellas Artes de Bucarest (1945-9), estudió con Alexander Ciucurencu. Entre sus amigos había muchos actores, y creó escenarios para producciones teatrales. También disfrutó de un breve período hippy en los años sesenta.
Su primera muestra fue en 1956 en Bucarest. Continuó participando regularmente en exposiciones estatales anuales, así como en muestras internacionales de arte rumano en Moscú (1964), Delhi (1965), Budapest, Zagreb, Belgrado, Novi Sad (1966), Moscú (1969) y Varsovia (1970). También tuvo exposiciones individuales regulares entre 1957 y 1967 en las Bienales de Venecia, en La Habana y en Malmö.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 × 70 cm. Lavacow
Piliuţă estudió los tipos y actitudes humanos y fue considerado como un excelente ilustrador de libros y diseñador de teatro. Trabajaba de manera meticulosa, casi caligráfica, dedicando mucho tiempo a cada dibujo. Fue galardonado con el Premio de la Unión de Artistas (UAP) en 1967, y el Premio Ion Andreescu de la Academia Rumana en 1974.
Pintó estilizados retratos de Ceausescu. Al parecer los llevó a cabo en contra de su voluntad: su esposa afirmó que le habían comprado lienzos y que fue presionado para que pintara. Estos retratos no eran simplemente propaganda realista socialista vacía, sino que el artista conservaba su propio estilo distintivo, casi ingenuo, humanizando así a Ceausescu (para gran deleite del dictador).
Óleo sobre madera contrachapada / oil on plywood, 81 × 79 cm., 2001. Artmark
También pintó obras de arte monumentales que se extendían por los edificios, y retratos al fresco de reyes y eruditos rumanos, glorificando el pasado heroico de la nación, que luego se convirtió en la base de la "apoteosis" de Ceausescu.
Murió en 2003.
Pluma sobre papel / pen on paper, 41,5 × 63 cm. Artmark
On February 4 is the birthday of
Constantin Piliuţă, Romanian painter born in 1929 in Botosani.
Initially he wanted to become an actor, but after failing to get a place at the theatre school, he instead went to the Institute of Fine Arts in Bucharest (1945-9), studying under Alexander Ciucurencu. Among his friends were many actors, and he created stage sets for theatre productions. He also enjoyed a brief hippy period in the sixties.
His first show was in 1956 in Bucharest. He continued to take part in annual state exhibitions regularly, as well as international exhibitions of Romanian art in Moscow (1964), Delhi (1965), Budapest, Zagreb, Belgrade, Novi Sad (1966), Moscow (1969) and Warsaw (1970). He also had regular solo exhibitions between 1957 and 1967 at the Venice Biennales, and in Havana and Malmo.
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 55 x 101 cm. Lavacow
Piliuta studied human types and attitudes and was regarded as an excellent book illustrator and theatre designer. He worked in a meticulous, almost calligraphic, manner, spending a long time on each drawing. He was awarded the Artists Union (UAP) Award in 1967, and the Ion Andreescu Prize of the Romanian Academy in 1974.
He painted stylized portraits of Ceausescu. Allegedly these were undertaken against his will: his wife claimed that canvas was bought for him and he was pressurized into painting. These portraits were not simply empty Socialist Realist propaganda, but Piliuta retained his own distinctive, almost naïve, style, thus humanizing Ceausescu (to the dictator’s great delight).
Óleo sobre madera contrachapada / oil on plywood, 71,5 x 67,5 cm. Bidtoart
He also painted monumental works of art stretching across buildings, and frescoed portraits of Romanian kings and scholars, glorifying the nation’s heroic past which then became the basis for Ceausescu’s ‘apotheosis’.
He died in 2003.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79,6 x 100 cm. WikiArt
El 5 de Febrero es el cumple de
Pedro Flores García, pintor español nacido en 1897 en Murcia, en el seno de una familia humilde
Estudió en los Maristas y en los Jesuitas, pero con diez años comenzó a trabajar como aprendiz en un taller de pintura decorativa participando en la decoración del Teatro Circo Villar y los cafés Moderno y El Sol. En 1908 comenzó a asistir a clases en la Academia de Bellas Artes de la Real Sociedad Económica de Amigos del País y después los continuó en el Círculo de Bellas Artes. Junto a Luis Garay comenzó a trabajar en un taller litográfico y aprendió técnicas fotográficas participando en el retoque fotográfico. Las fotografías que tomaba por la huerta de Murcia las utilizó como inspiración. Pronto obtiene diversos premios con sus pinturas y en 1927 obtiene un gran reconocimiento de crítica en la exposición colectiva que realiza junto a Ramón Gaya y Luis Garay en la Galería Dalmau de Barcelona.
Estudió en los Maristas y en los Jesuitas, pero con diez años comenzó a trabajar como aprendiz en un taller de pintura decorativa participando en la decoración del Teatro Circo Villar y los cafés Moderno y El Sol. En 1908 comenzó a asistir a clases en la Academia de Bellas Artes de la Real Sociedad Económica de Amigos del País y después los continuó en el Círculo de Bellas Artes. Junto a Luis Garay comenzó a trabajar en un taller litográfico y aprendió técnicas fotográficas participando en el retoque fotográfico. Las fotografías que tomaba por la huerta de Murcia las utilizó como inspiración. Pronto obtiene diversos premios con sus pinturas y en 1927 obtiene un gran reconocimiento de crítica en la exposición colectiva que realiza junto a Ramón Gaya y Luis Garay en la Galería Dalmau de Barcelona.
En 1928 recibió una beca para continuar sus estudios en París y residió en la capital francesa durante cinco años, regresando a Madrid en 1933, aunque pronto se desplazó a Barcelona para impartir clases de dibujo en el instituto Balmes. Al terminar la guerra civil regresó a París y pasó a formar parte de la denominada Escuela española de París en la que se incluía a Pablo Picasso, Ginés Parra, Francisco Bores, Antoni Clavé, etc. Desde su estudio de Montparnasse realizó la mayor parte de su trabajo. Además de sus pinturas hacía ilustraciones, motivos para tapicerías y escenografías.
Regresó a Murcia en 1962 para decorar la cúpula del Santuario de la Fuensanta, y al terminar el trabajo volvió a París, donde murió en 1967.
On February 5 is the birthday of
Pedro Flores García, Spanish painter born in 1897 in Murcia.
Born into a humble family, he studied in the Marists and the Jesuits, but with ten years he began to work as an apprentice in a decorative painting workshop participating in the decoration of the Theater Circus Villar and the Moderno and El Sol cafés. In 1908 he began attending classes at the Academy of Fine Arts of the Real Sociedad Económica de Amigos del País, and then continued in the Circle of Fine Arts. Together with Luis Garay he started working in a lithographic workshop and learned photographic techniques participating in photo retouching. He used the photographs he took in the garden of Murcia as inspiration. He soon obtained various prizes with his paintings and in 1927 he obtained a great critical acclaim in the collective exhibition he held along with Ramón Gaya and Luis Garay in the Dalmau Gallery of Barcelona.
In 1928 he received a scholarship to continue his studies in Paris and resided in the French capital for five years, returning to Madrid in 1933, although he soon moved to Barcelona to teach drawing classes at the Balmes Institute. At the end of the Civil War he returned to Paris and became part of the so-called Spanish School of Paris, which included Pablo Picasso, Ginés Parra, Francisco Bores, Antoni Clavé, etc. From his study of Montparnasse he did most of his work. In addition to his paintings he made illustrations, motifs for upholstery and sets.
He returned to Murcia in 1962 to decorate the dome of the Sanctuary of the Fuensanta, and at the end of the work he returned to Paris, where he died in 1967.
El 6 de Febrero es el cumple de
Jef Van Campen, pintor belga nacido en 1934 en Amberes, donde vive y trabaja. Es pintor profesional desde 1990.
Es conocido por sus obras marinas (impresiones de puertos, ríos y el mar, pero en su mayoría barcos). Su obra también incluye retratos y bodegones.
Utiliza los colores de una manera casi abstracta / expresionista, creando una experiencia espontánea. Su obra ha sido exhibida repetidamente en museos, corporaciones y colecciones privadas en Bélgica, Europa y otros lugares.
Estudió la escuela primaria en el Instituto St. Lodewijks en Amberes y la escuela secundaria en el Instituto St. Norbertus en la misma ciudad. Luego estudió en las Academias de Berchem y Schoten.
On February 6 is the birthday of
Jef Van Campen, Belgian painter born in 1934 in Antwerp, where he lives and works. He has been a professional painter since 1990.
He is best known for his marine works (harbor impressions, rivers and the sea, but mostly ships). His work also includes portraits and stilllifes.
He uses colors in an almost abstract / expressionist manner and creates a spontaneous experience. His work has been repeatedly exhibited in museums, corporate and private collections in Belgium, Europe and beyond.
He studied primary school at the St. Lodewijks Institute in Antwerp and secondary school at the St. Norbertus Institute in the same city. Then he studied at the Academies of Berchem and Schoten.
El 7 de Febrero es el cumple de
Ramón Oviedo, pintor, ceramista, dibujante, escultor y músico dominicano nacido en 1924 en Barahona.
Se inició como fotograbador y cartógrafo del Instituto cartográfico militar, especialidades que estudió en Panamá. Su labor pictórica comenzó en su infancia, pintando en cualquier superficie que le resultara atractiva como paredes o aceras en su vecindario. Fue pintor de letreros y vallas. Dirigió el departamento de arte de la publicitaria Reprex, y también trabajó en las publicitarias Excelcior y Fénix. En 1978 deja la publicidad para dedicarse a la pintura a tiempo completo.
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 45" x 94", 1965. Oviedo
Oviedo no solo rompió el esquema de la pintura mural implantado en las décadas del 40 y 50 por Vela Zanetti, sino que modificó el iniciado por el maestro Jaime Colson en las décadas siguientes, para luego convertirse en el muralista más prolífico de la República Dominicana. Sus murales pueden verse en diferentes instituciones gubernamentales, públicas y privadas nacionales e internacionales, como la OEA en Washington y la Unesco en París, Francia.
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 40" x 40", 1999. Oviedo
Siempre apoyo las causas más nobles en bien de su país, identificándose con las clases más desposeídas. En 1965, cuando estalla la Revolución de Abril, apoyó con su pincel y sus creaciones, junto a atros artistas, poetas e intelectuales, la reposición del gobierno derrocado de forma anticonstitucional del profesor Juan Bosch. Realizó una serie de afiches y murales que están grabados e impresos en las memorias gráficas de la gesta. Oviedo fue un pilar de la simbología e imágenes que servían de apoyo y a la vez de denuncia frente al abuso que se cometía contra el pueblo dominicano por las fuerzas invasoras. Su deseo principal era la vuelta a la constitución del 1963. Su obra "24 de Abril" ganó el primer lugar del concurso realizado en medio de la Revolución. Dicha obra es considerada como una de las piezas más emblemáticas de la historia del arte dominicano, representando para los dominicanos lo que representa para los españoles el "Guernica" de Pablo Picasso.
Oviedo murió en 2015.
On February 7 is the birthday of
Ramón Oviedo, Dominican painter, ceramist, draftsman, sculptor and musician born in 1924 in Barahona.
He started as a photoengraver and cartographer of the Military Cartographic Institute, specialties he studied in Panama. His pictorial work began in his childhood, painting on any surface that would be attractive as walls or sidewalks in his neighborhood. He was a painter of signs and fences. He directed the art department of Reprex advertising, and also worked in advertising agencies Excelcior and Fénix. In 1978 he left advertising to devote himself to full-time painting.
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 30" x 40", 1985. Oviedo
Oviedo not only broke the scheme of the mural painting implanted in the 40s and 50s by Vela Zanetti, but also modified the one initiated by Master Jaime Colson in the following decades, to later become the most prolific muralist in the Dominican Republic. His murals can be seen in different government institutions, public and private national and international, such as the OAS in Washington and Unesco in Paris, France.
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 76" x 124", 1972. Oviedo
Museo Bellapart (Santo Domingo, República Dominicana / Domnican Republic). Link
He always support the noblest causes for the good of his country, identifying with the most dispossessed classes. In 1965, when the April Revolution broke out, he supported with his brush and his creations, along with other artists, poets and intellectuals, the replacement of the government overthrown in an unconstitutional manner by Professor Juan Bosch. He made a series of posters and murals that are engraved and printed in the graphic memories of the deed. Oviedo was a pillar of the symbology and images that served as support and at the same time denounced the abuse that was committed against the Dominican people by the invading forces. His main desire was the return to the constitution of 1963. His work "April 24" won the first place in the contest held in the middle of the Revolution. This work is considered one of the most emblematic pieces in the history of Dominican art, representing for the Dominicans what the Picasso's "Guernica" represents for the Spaniards.
Oviedo died in 2015.
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 50" x 60", 1980. Oviedo
Ramón Oviedo en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXVII)], [Recolección (CXXX)], [Recolección (CLII-1)]
El 8 de Febrero es el cumple de
George Peter Lanyon, pintor británico nacido en 1918 en St Ives, Cornwall, cuyos paisajes se inclinan fuertemente hacia la abstracción.
Lanyon fue uno de los artistas más importantes en surgir en la Gran Bretaña de la posguerra. A pesar de su temprana muerte a la edad de cuarenta y seis años, logró una obra que aparece entre las más originales e importantes reevaluaciones del modernismo en pintura que se pueden encontrar en cualquier lugar. Combinando valores abstractos con ideas radicales sobre el paisaje y la figura, Lanyon navegó un curso desde el Constructivismo a través del Expresionismo Abstracto hasta un estilo cercano al Pop. También hizo construcciones, alfarería y collage.
Lanyon adoptó el planeo como un pasatiempo y usó la experiencia resultante ampliamente en sus pinturas.
Murió en 1964.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 183 cm., 1963
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
En septiembre de 2010 la obra Peter Lanyon fue honrada con una exposición retrospectiva a gran escala: Peter Lanyon, del 9 de octubre de 2010 al 23 de enero de 2011 en la Tate St Ives. Comisariada por Chris Stephens, jefe de exhibiciones y curador de arte británico moderno en la Tate Britain, fue la primera retrospectiva completa del museo en casi cuarenta años.
En 2018, Modern Art Press publicó el catálogo de las pinturas al óleo y las obras tridimensionales de Peter, después de décadas de trabajo de Toby Treves.
Aguada sobre papel / gouache on paper, 105,5 x 286 cm., 1962. abstract critical
On February 8 is the birthday of
George Peter Lanyon, British painter born in 1918 in St Ives, Cornwall, whose landscapes leaning heavily towards abstraction.
Lanyon was one of the most important artists to emerge in post-war Britain. Despite his early death at the age of forty-six he achieved a body of work that is amongst the most original and important reappraisals of modernism in painting to be found anywhere. Combining abstract values with radical ideas about landscape and the figure, Lanyon navigated a course from Constructivism through Abstract Expressionism to a style close to Pop. He also made constructions, pottery and collage.
Lanyon took up gliding as a pastime and used the resulting experience extensively in his paintings.
He died in 1964.
In September 2010 Peter Lanyon’s work was honoured with a large-scale retrospective exhibition: Peter Lanyon 9 October 2010 – 23 January 2011 at Tate St Ives. Curated by Chris Stephens, Head of Displays and Curator of Modern British Art at Tate Britain, it was the first thorough museum retrospective for almost forty years.
In 2018 the catalogue raisonné of Peter’s oil paintings and three-dimensional works was published by Modern Art Press, after a decades work by Toby Treves.
Liquitex sobre papel / on paper, 106,7 x 254 cm., 1962. abstract critical
El 9 de Febrero es el cumple de
Miriam Slater, artista estadounidense nacida en 1952 en Los Ángeles, California, que pinta cuadros y objetos.
Estudió pintura en la Universidad Estatal de California en Fullerton. Después de graduarse en 1975 comenzó a exponer en Los Ángeles en muestras que fueron fundamentales, como "Imagination", comisariada por Llyn Foulkes en LAICA. Desarrolló una clientela entre grandes celebridades como Jack Nicholson, Brooke Astor, Quincy Jones y Jeff Bridges. De 1980 a 1990 estudió dibujo figurativo con Harry Carmean en el Art Center College of Design en Pasadena, y expuso en la Galería Tobey Moss en Los Ángeles con Lorser Feitelson y Helen Lundeberg.
Su obra está presente en varios museos, como el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y el Experience Music Project Museum en Seattle. Es hija de la artista de vanguardia Eva Slater y está casada con el artista figurativo Harry Carmean. Actualmente reside en Santa Barbara, California.
"Mi obra busca presentar al espectador una manera diferente de ver el mundo, donde lo común se transforma en algo extraordinario. La ciencia y la religión han establecido que hay mucho más en el mundo de lo que se ve a simple vista, que hay una "realidad detrás de la realidad". Es esa otra realidad en la que se enfoca en mi trabajo. Además es un placer trabajar con elementos opuestos, que se unen para formar parte de un todo. En cierto modo este proceso integrador que tiene lugar en el arte es también una metáfora para resolver los aspectos positivos y negativos de la vida. Los símbolos a menudo se usan porque trascienden las diferencias lingüísticas y son entendidos colectivamente por todas las culturas. La metáfora se prefiere al realismo, ya que transmite poéticamente los elementos intangibles de nuestras vidas y sugiere conceptos tan grandes que esas palabras tan solo alcanzan a vislumbrar su realidad".
On February 9 is the birthday of
Miriam Slater, American artist born in 1952 in Los Angeles, California, who paints both objects and paintings.
She studied painting at California State University Fullerton. After graduating in 1975 she began exhibiting in Los Angeles in pivotal shows such as “Imagination” curated by Llyn Foulkes at LAICA. She developed large celebrity cliental including Jack Nicholson, Brooke Astor, Quincy Jones and Jeff Bridges. From 1980-1990 she studied figure drawing with Harry Carmean at Art Center College of Design in Pasadena and exhibited at the Tobey Moss Gallery in Los Angeles with Lorser Feitelson and Helen Lundeberg.
Her work is in several museums including the Los Angeles County Art Museum and the Experience Music Project Museum in Seattle. Miriam Slater is the daughter of hard edge artist Eva Slater and is married to figurative artist Harry Carmean. She currently resides in Santa Barbara, California.
"My work seeks to present the viewer with a different way of seeing the world, where ordinary transforms into something extraordinary. Science and religion have established that there is much more to the world than meets the eye, that there is a “reality behind the reality”. It is the other reality that is focused on in my work. In addition there is a pleasure in working with opposing elements, which unite to become part of an overall whole. In a way, this integrative process that takes place in the art is also a metaphor for resolving the positive and negative aspects of life. Symbols are often used because they transcend language differences and are collectively understood by all cultures. Metaphor is preferred to realism, as it poetically conveys the intangible elements of our lives and suggests concepts so grand that that words can only hint at their reality."
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El 9 de Febrero es el cumple de
Anton Heyboer, pintor y grabador holandés nacido en 1924 en Pulau Weh, Sumatra, Indias Orientales Holandesas.
Su padre trabajaba allí en el puerto de carbón para Shell Oil. La familia viajaba a dondequiera que Shell necesitaba a su padre, y vivieron en Curazao durante los años 1933-1938. Anton Heyboer fue instruido para convertirse en un ingeniero mecánico como su padre. En 1939 la familia tomó unas vacaciones en los Países Bajos, pero debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial no pudieron regresar a Curazao y se establecieron en Voorburg, donde Anton comenzó a trabajar para la compañía "Van der Heem" en La Haya.
En 1943 fue reclutado para un servicio de trabajo en Alemania y pasó siete meses en el campo de trabajo de Prenzlauer Berg en Berlín, donde se enfermó gravemente, un episodio que tendría una gran influencia en su arte posterior.
Después de siete meses regresó a Haarlem, donde vivió con sus padres hasta el final de la guerra. Cuando su casa fue destruida por el "Festung Haarlem" en 1944, se mudaron al Lorenzkade, y Anton ayudó a su padre a construir "noodkachels" (estufas de emergencia). Durante el Invierno del Hambre Anton complementó los ingresos familiares vendiendo algunas obras; hizo letreros para negocios locales en la ciudad e imprimió carteles y caricaturas.
Después de la guerra, en el otoño de 1945, se mudó a Borger, Países Bajos, donde conoció al pintor Jan Kagie, quien influyó en su arte cuando lo llevó de viaje a Francia en 1947. En 1948 se mudó con su amigo Nol van Gilst. Van Gilst le regaló una pequeñoa prensa de zapatos de cuero, con la que Anton comenzó a hacer grabados. En 1949 realizó su primera exposición junto con el pintor Jan Kagie en "Het Luifeltje", y desde ese momento fue visto como un verdadero artista por la ciudad de Haarlem.
En 1951 se impresionó tanto por un gato moribundo que se sintió abrumado por los sentimientos de soledad y sintió que necesitaba tratamiento psiquiátrico. En enero se internó en el Hospital Psiquiátrico de Santpoort. Fue diagnosticado con un "complejo de mesías".
En la primavera de 1953 conoció a Erna Kramer, de 16 años. En 1954 compró un bote con Erna llamado "La Mar Sancta Cruz Pescadore". El comportamiento de Anton causó un escándalo en aquél momento. Dio lecciones y recibió artistas en dos casas unidas en Klein Heiligland que, según los relatos de la época, estaban sucias e infestadas de ratas. A pesar de su estilo de vida, o tal vez por eso, tenía muchos estudiantes registrados.
En la década de 1960 el arte de Heyboer comenzó a recibir reconocimiento internacional. Era un cliente fiel de la Galerie Espace y participó en varias exposiciones recomendadas por ellos.
En 1984 rompió con Espace, con todo el círculo de museos y con el mercado del arte en general. Sentía que su obra era demasiado cara y se sentía constreñido por las reglas sobre la cantidad de impresiones que se le permitía hacer a partir de un grabado. Quería sacudir el mundo del arte y las vidas de los artistas contemporáneos y permitir que el público experimentara el arte como parte de la vida cotidiana. Se recluyó en Den Ilp, donde vivió y trabajó hasta su muerte en 2005.
On February 9 is the birthday of
Anton Heyboer, Dutch painter and printmaker born in 1924 in Pulau Weh, Sumatra, Dutch East Indies.
His father worked in the coal harbour there for Shell Oil. The family travelled wherever Shell needed his father, and they lived in Curaçao during the years 1933-1938. Anton Heyboer was trained to become a mechanical engineer like his father. In 1939 the family took a vacation in the Netherlands, but due to the outbreak of WWII they could not return to Curaçao and settled in Voorburg, where Anton went to work for the company "Van der Heem" in The Hague.
In 1943 he was conscripted for work service in Germany and spent seven months in the labor camp of Prenzlauer Berg in Berlin, where he became seriously ill, an episode that would have strong influence on his later art.
After seven months he returned to Haarlem where he lived with his parents until the end of the war. When their house was destroyed for the "Festung Haarlem" in 1944, they moved to the Lorenzkade, and Anton assisted his father building "noodkachels" (emergency stoves). During the Hunger Winter Anton supplemented the family income by selling some works; he made signboards for local businesses in town and printed posters and cartoons.
After the war in the fall of 1945 he moved to Borger, Netherlands where he met the painter Jan Kagie, who influenced his art when he took him along on a trip to France in 1947. In 1948 he moved in with his friend Nol van Gilst, who gave him a small shoe leather press, with which Anton began to make etchings. In 1949 Anton held his first exhibition together with the painter Jan Kagie in "Het Luifeltje", and he was seen from that moment as a true artist by the city of Haarlem.
In 1951 Heyboer was so struck by a dying cat that he was overcome with feelings of loneliness and felt he needed psychiatric treatment. In January he admitted himself to the Psychiatric Hospital in Santpoort. He was diagnosed with a "Christus complex".
In the spring of 1953 Anton met the 16-year-old Erna Kramer. In 1954 he bought a boat with Erna called the "La Mar Sancta Cruz Pescadore". Anton's behavior caused a scandal at the time. He gave lessons and received artists in two conjoined houses on the Klein Heiligland that according to period accounts, were filthy and infested with rats. Despite his lifestyle, or perhaps because of it, he had many registered students.
In the 1960s, Heyboer's art began to receive international recognition. He was a loyal client of the Galerie Espace and participated in various exhibitions recommended by them.
In 1984 Anton Heyboer broke with Espace and the entire establishment of museums and the art market in general. He felt that his work was overpriced and felt constricted by rules about how many prints he was allowed to make from an etching. He wanted to shake up the art world and the lives of contemporary artists and desired to enable the public to experience art as a part of daily life. He secluded himself in Den Ilp, where he lived and worked until his death in 2005.
Hoy, 10 de Febrero, es el cumple de
Wilhelm Thöny, pintor, artista gráfico, grabador e ilustrador austriaco, nacido en 1888 en Graz.
Estudió piano y voz, además de dibujo y pintura con Anton Marussig. Más tarde estudió pintura en Munich bajo la dirección de Gabriel von Hackl y Angelo Jank.
Cuando terminó sus estudios trabajó como diseñador gráfico e ilustrador para varias editoriales. Comenzó a exhibir en exposiciones en 1910 y fue cofundador de la Nueva Secesión en Munich. Alfred Kubin, Franz Marc y Albert Weißgerber estaban entre sus conocidos.
El inicio de la Primera Guerra Mundial interfirió con su carrera. Se desempeñó como artista de guerra en el frente italiano y luego regresó a Graz.
En 1929 pasó varias semanas en París. Dos años más tarde se trasladó permanentemente a la capital francesa, que lo fascinó. Recibió una medalla de oro en la Exposición de París en 1937 por su retrato del Cardenal Arzobispo Verdier de París.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 42,5 x 59 cm., c.1935
Neue Galerie (Graz, Austria). Universalmuseum Joanneum. © Galerie Welz Ges.m.b.H. Salzburg
En marzo de 1938, debido a la tensa situación en Europa, Thöny y su esposa se mudaron a Nueva York. Vivían en un pequeño apartamento en el Hotel Barbizon Plaza con vista al Central Park. La ciudad, con sus numerosos rascacielos, ejerció una fascinación especial por el artista y éste capturó la ciudad que nunca duerme en muchas de sus obras de arte. A partir de 1940 Thöny estuvo representado en numerosas exposiciones importantes de los EE.UU., como la Feria Mundial de Nueva York, el Museo de Brooklyn y el Instituto de Arte de Chicago. La Academia de Bellas Artes de Pennsylvania compró una de sus pinturas. En 1942 firmó un acuerdo para ser representado por las Galerías Knoedler en Nueva York.
En 1948 sufrió un duro golpe: la pérdida de casi mil trabajos en un incendio en Brown's Warehouse, donde almacenaba sus creaciones. Se tomó muy mal la destrucción de la mayor parte de la obra de toda su vida y murió sólo un año después.
Murió en 1949.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 128 cm., 1929-30
Neue Galerie (Graz, Austria). Universalmuseum Joanneum. © Galerie Welz Ges.m.b.H. Salzburg
Today, February 10, is the birthday of
Wilhelm Thöny, Austrian painter, graphic artist, engraver and illustrator, born in 1888 in Graz.
He studied piano and voice as well as drawing and painting under Anton Marussig. Thöny later studied painting in Munich under Gabriel von Hackl and Angelo Jank.
When Thöny finished his studies he first worked as a graphic designer and illustrator for several publishers. He began showing in exhibitions in 1910 and co-foundered the New Secession in Munich. Alfred Kubin, Franz Marc, and Albert Weißgerber were among his acquaintances.
The outbreak of WW I interfered with Thöny’s career. He served as a war artist on the Italian front and then returned to Graz.
In 1929 the painter spends several weeks in Paris. Two years later he made a permanent move to the French capital that fascinated him. Thöny received a gold medal at the Paris Exposition in 1937 for his portrait of the Cardinal Archbishop Verdier of Paris.
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 48,3 x 48,3 cm., c.1935
Neue Galerie (Graz, Austria). Universalmuseum Joanneum. © Galerie Welz Ges.m.b.H. Salzburg
In March 1938, due to the tense situation in Europe, Thöny and his wife moved to New York. They live in a small apartment in the Barbizon Plaza Hotel overlooking Central Park. The city with its many skyscrapers exerts a special fascination for the artist and he captured the city that never sleeps in many of his artworks. Beginning in 1940 Thöny was represented in numerous major U.S. exhibitions including the New York World's Fair, the Brooklyn Museum, and the Art Institute of Chicago. The Pennsylvania Academy of Fine Arts bought one of his paintings. In 1942 he signed an agreement to be represented by Knoedler Galleries in New York.
In 1948 Thöny suffered a heavy blow: the loss of nearly a thousand works in a fire at Brown's Warehouse where he stored his creations. He took the destruction of most of his life's work very hard and died only a year later.
He died in 1949.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 99,5 cm., 1927.
Neue Galerie (Graz, Austria). Universalmuseum Joanneum. © Galerie Welz Ges.m.b.H. Salzburg
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