Segundo post dedicado a la obra de este notable artista holandés. El primero aquí /
Second post devoted to the work of this remarkable Dutch artist. The first one here.
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Henk Helmantel
Henk Helmantel. Foto / Photo: Eljee Bergwerff
Henk Helmantel es un pintor holandés nacido en 1945 en Westeremden.
«¿Qué me motiva? De hecho, a menudo escucho la pregunta: ¿cómo se mantiene, año tras año, día tras día? Pero el esfuerzo por lograr lo que tengo en mente es una gran aventura que quiero hacer una y otra vez. A veces me sorprende que me sea posible pintar la misma olla o cuenco por tercera o cuarta vez. Pero cada vez tengo una necesidad enorme de aprovechar al máximo sus posibilidades e ir incluso un paso más allá. Si miras la historia del arte, puedes preguntarte por qué los pintores del siglo XVII siguieron fascinados por la misma copa o vaso berkemeier. O podría pensar en cómo alguien como el pintor Morandi pudo pasar toda su vida trabajando con unas cuantas botellas, unas pocas cajas, algunas jarras y otros objetos. Aún así, fue el gran desafío de su vida, llevándolo a alturas y aventuras maravillosas. Lo que importa no es tanto la variedad de los temas, sino la intensidad con que se experimenta algo, cómo se percibe visualmente. A lo largo de la historia ha habido muchos artistas que han trabajado de esta manera.»
"Meidoornbessen in Romeins glas / Bayas de espino en jarrón romano /
Hawthorn Berries in Roman Glass", 42,5 x 34 cm., 2002
"Stilleven met pruimen en witte kan / Bodegón con ciruelas y jarra blanca /
Still Life With Plums And White Pitcher", 80 x 85 cm., 1991
"La pintura realista, según leí recientemente, ha tenido una reaparición internacional. En comparación con hace veinte años, hay más cuadros de bodegones, retratos y paisajes en revistas internacionales de arte, y las galerías y algunos museos prestan más atención a este tipo de obras. En realidad la tradición figurativa nunca se ha ido, pero es un hecho que en la estimación del público artístico (el muchos por ciento de la población que visita regularmente las exposiciones) ahora es más respetada. La ventaja de esto es que tenemos más material para comparar: Henk ha dejado de ser el único de su clase. Hay más pintores con una reverencia por la tradición, un buen ojo para la realidad y una mano firme, y esporádicamente aparece alguien que incluso lo supera en virtuosidad, como Matthijs Röling, por ejemplo. Surge la pregunta: ¿por qué considero que Helmantel es mejor que la mayoría de los demás de su generación? Creo que sobresale en una faceta especial del arte, a saber, la composición. Al igual que en el pasado, cuando todavía estaba enseñando, necesitaré aclarar este concepto. La palabra composición significa juntar. De hecho, la mayoría de las representaciones de Henk son de varias cosas que se han juntado, pero eso no es exactamente de lo que estamos hablando aquí; ha realizado suficientes pinturas de un solo objeto, como por ejemplo un pájaro muerto, un cuenco o una manzana. Sin embargo incluso en tal caso hablamos de composición, es decir, la correlación del objeto con el espacio que lo rodea, o la relación de un color saturado con un fondo más gris. En la obra de Henk esto siempre es simple, bien organizado y armonioso. Para los realistas la composición está invariablemente amenazada por el desorden de la realidad misma. Antes de que te des cuenta te ves arrastrado al caos. Henk puede hacer frente a este peligro por medio de su estricta atención a los arreglos. Encuentro esto extremadamente importante. La composición no es solo una salsa añadida: me parece que es el corazón del arte. En obras exitosas vemos el mundo limpio de accidentes y arbitrariedades. Es como si todas las partes finalmente hubieran encontrado su lugar y forma final. Aquí están, no pueden hacer otra cosa. Admitiré fácilmente que este talento compositivo no es el sine qua non de la calidad artística. Hay pinturas de Kokoschka o Ensor que son un poco inestables o incluso un poco caóticas, pero que sin embargo valen la pena. Sin embargo despiertan una nostalgia por otra cosa, por el arte con una sugerencia de finalización. El hecho de que Henk pueda crear esta sugerencia lo hace excepcional."
De un texto de Diederik Kraaijpoel incluido en el libro "Henk Helmantel" 2000, pp. 7-17.
"Cebollas y objetos de cobre / Onions And Copper Objects", 2010
"Bodegón con cuchillo y plato de hojalata / Still Life With a Knife And Tin Dish", 1993
«A veces digo: los objetos que han sufrido desgaste y uso solo pueden volverse más hermosos. Una olla de bronce que acaba de ser fundida aún no es muy interesante. Por supuesto, si la olla tiene calidad, la forma será buena, pero su superficie se vuelve más interesante cuando se ha utilizado. O si se pierde y se entierra, el efecto corrosivo de la tierra le da una especie de "piel" nueva que tiene más que ofrecer artísticamente. Los objetos chinos de 2000 años recuperados de las tumbas son aún más pintorescos. También considero que su historia es importante debido a su efecto en su apariencia. Busco la máxima belleza de un objeto. Por otro lado, he hecho pinturas de cajas de cartón que acaban de llegar de una tienda y no se han utilizado, pero que, sin embargo, son igual de interesantes para mí como formas con las que también puedo hacer algo. Si observas detenidamente estas pinturas, verás que no hay una sola caja que no tenga nada de malo. De lo contrario, me ocuparía de que pareciera un poco desgastada. Cambio un poco las cosas para adaptarlas a mis propósitos, para darles una calidad más realista. Preferiría pintar una manzana con agujeros de gusano que una manzana que haya sido aprobada para la exportación y no tenga nada que ofrecer: demasiado suave, demasiado redonda, de color uniforme. Eso no es para mí. Uno debe explotar al máximo las cualidades pictóricas de una cosa, pero no llamaría a esto un truco. Si no tienes el control de la técnica, no puedes expresar lo que pretendes.»
"Bodegón con copa / Still life with Berkemeyer", óleo sobre panel / oil on panel, 80 x 65 cm., 1996
Het koor van de kerk in / El coro de la iglesia en / The Choir Of The Church in Oldenzijl", 2011
Interiores de la iglesias
«La experiencia estética que experimento en el pequeño mundo de la naturaleza muerta también me afecta mucho en los edificios sobrios de las iglesias románicas, románico-góticas y góticas. Me impresiona especialmente la atmósfera en las iglesias donde la iconoclasia ha dejado su huella, esas iglesias despojadas de chucherías y adornos. Recuerdo bien, alrededor de 1960, cuando la iglesia en Loppersum acababa de ser restaurada. Cuando entré a la iglesia y vi las paredes y los acentos blancos puros, solo toques de rojo y restos de frescos, y aquí y allá un mueble de roble blanco y la luz que caía a través de las ventanas, me sentí abrumado. Tuve el mismo tipo de experiencia cuando visité por primera vez la iglesia en Bozum (Frisia) con su ábside semicircular. Casi me dio la sensación de que el Espíritu de Dios estaba flotando en los arcos; fue una fuerte conciencia religiosa. Tal vez podría comparar la pintura de interiores de iglesias con la representación de lo que es más elemental. Las iglesias neorrommánicas y neogóticas del siglo pasado exhiben enormes hazañas de habilidad técnica, pero echo de menos cierta atmósfera. Los edificios medievales tienen un equilibrio especial en sus proporciones, paredes con arcos redondos o arcos en punta, paredes enlucidas blancas, a menudo en forma de cruz, no demasiadas ventanas pero tampoco muy pocas. El ambiente creado nunca ha sido igualado desde entonces.
Como pintor me resulta fascinante responder a esta atmósfera, hacer uso de ella. La primera vez que entré en la Iglesia de San Pedro en Utrecht, pensé que estaba caminando en un cuadro de Pieter Saenredam. Creo que Saenredam sintió lo que yo sentía; él respondió a su manera y yo a la mía. Como pintor, en realidad deseo añadir poco al tema en sí. La experiencia visual del espacio es lo que quiero llevar a la superficie plana. ¿Esto vale la pena? Creo que sí. Un espacio limitado es quizás más impresionante que el espacio infinito. Podría decirse que es emocionante trabajar con la intimidad del espacio interior porque tiene un tipo de luz muy diferente a la de un paisaje. La luz siempre llega a través de una ventana, haciéndola bastante localizada. Una concentración de luz sobre un objeto lo acentúa. La olla de bronce en la que estoy trabajando ahora no sería tan hermosa al aire libre. La iluminación desde la ventana crea una sección con luz intensa y una sección que fluye hacia la sombra, mostrando las formas de la manera más ventajosa.»
"Bronces chinos y ajos / Chinese Bronzes And Garlic", óleo sobre panel / oil on panel, 52 x 69 cm., 1997
"Nueces y huevos / Walnuts And Eggs", óleo sobre panel / oil on panel, 45 x 50 cm., 1999
«Quería ser retratista. Contemplaba con total admiración los maravillosos retratos que han surgido en el curso de la historia del arte. Pero creo que es importante que un artista elija trabajar en la dirección de sus mayores fortalezas, por lo tanto también debe admitir que hay algunas debilidades que no puede superar. Hay personas que pueden hacerlo todo, tales genios existen, pero yo no soy uno de ellos. Debo concentrarme en varios géneros y aprovecharlos al máximo. Veo a un artista como Rembrandt como un artista verdaderamente universal, creo que Picasso también tenía esa capacidad, y de nuestro tiempo incluiría a Matthijs Röling. Röling puede pintar un paisaje, un retrato o un bodegón; él puede hacer fantasias. De hecho puede manejar cualquier cosa. Eso no se cumple para mí. Pienso en un hombre como Adriaan Poorte, un pintor de Zelanda (en el sur de los Países Bajos) que vivió a finales del siglo XVII. Toda su vida no hizo nada más que pintar unos cuantos paneles pequeños con un manojo de espárragos, unas cuantas bayas, algunas grosellas rojas o blancas, unas pocas mariposas, unas pocas conchas. Su arte tenía un alcance muy limitado. Pero cuando voy al Rijksmuseum, no solo voy a ver los destacados como "La lechera" de Vermeer o "Los síndicos de los pañeros" de Rembrandt; también voy a ver ese pequeño racimo de espárragos de Adriaan Poorte. Por lo que reconozco que un pequeño talento también puede llegar a buen término. Veo mi obra como una extensión de una tradición figurativa centenaria. Gradualmente, algo más y más Helmanteliano ha surgido, y espero poder trabajar en este desarrollo durante muchos años.»
"Bodegón con botella y bote de farmacia / A Still Life With a Bottle And a Pharmacy Jar"
Óleo sobre panel / oil on panel, 76 x 63,5 cm., 1969. Christie's
Henk Helmantel trabajando / at work. Foto / Photo: Eljee Bergwerff
Henk Helmantel is a Dutch painter born in 1945 in Westeremden.
What motivates me? Indeed I often hear the question: how do you keep it up, year after year, day after day? But the effort to attain what I have in mind is such a grand adventure that I want to do it again and again. I am sometimes amazed that it is possible for me to paint the same pot or bowl for the third or fourth time. But each time I have an enormous urge to make the most of its possibilities and to go even a step further. If you look at art history you can ask yourself why 17th-century painters continued to be fascinated by the same goblet or berkemeier. Or you could think about how someone like the painter Morandi could spend his whole life working with a few bottles, a few boxes, some pitchers and other objects. Still, it was the great challenge of his life, bringing him to wonderful heights and adventures. What matters is not so much the variety of the subjects but the intensity with which something is experienced, how it is perceived visually. Throughout history there have been many artists who have worked in this way.»
"Bodegón con huevos y vidrios romanos / A Still Life With Eggs and Roman Glass"
Óleo sobre panel / oil on panel, 78,5 x 111 cm., 1997. Christie's
"Bodegón con manzanas y jarrones / A Still Life With Apples And Vases"
Óleo sobre panel / oil on panel, 62 x 52 cm., 1982. Christie's
"Realistic painting, as I read recently, has made a comeback internationally. Compared with twenty years ago, there are more pictures of still lifes, portraits, and landscapes to be found in international art magazines, and more attention is being paid to this kind of work by galleries and some museums. In reality, the figurative tradition has never really gone away, but it is a fact that in the estimate of the art public (the several percent of the population who regularly visit exhibitions) it is now more highly regarded. The advantage of this is that we have more material for comparison: Henk has long ceased to be the only one of his sort. There are more painters with a reverence for tradition, a sharp eye for reality and a firm hand, and sporadically someone appears who even surpasses him in virtuousity - Matthijs Röling, for example. The question arises: why do I consider Helmantel to be better than most others of his generation? I think he excels in a special facet of art, namely composition. Just as in the past when I was still teaching, I will need to clarify this concept. The word composition means putting together. Indeed, most of Henk's representations are of various things which have been put together, but that is not exactly what we are talking about here; he has made enough paintings of only one object, as for example a dead bird, a bowl, or an apple. Yet even in such a case we speak of composition, meaning the correlation of the object to the space around it, or the relationship of a saturated colour to a greyer background. In Henk's work this is always simple, well-organized and harmonious. For realists the composition is invariably threatened by the messiness of reality itself. Before you know it you have dragged in chaos. Henk is able to stand up to this danger by way of his strict attention to arrangement. I find this extremely important. Composition is not just an added sauce: it seems to me that it is the heart of art. In successful works we see the world cleansed of accident and arbitrariness. It is as if all the parts have finally found their final place and form. Here they stand, they cannot do otherwise. I will readily admit that this compositional talent is not the sine qua non of artistic quality. There are paintings by Kokoschka or Ensor which are a bit shaky or even mildly chaotic but nonetheless worthwhile. However, they arouse a nostalgia for something else, for art with a suggestion of completion. The fact that Henk can create this suggestion makes him exceptional."
From the article by Diederik Kraaijpoel, taken from the book "Henk Helmantel" 2000, p.7-17.
"Cuencos / Potteries", óleo sobre panel / oil on panel, 54 x 84 cm., 2014
"Bodegón con granadas en una fuente / Still Life With Pomegranates in a Bowl"
Óleo sobre panel / oil on panel, 100 x 122 cm., 2013. Artveras
«I sometimes say: objects which have undergone wear and use can only become more beautiful. A bronze pot which has just been cast is not yet very interesting. Of course if the pot itself has quality the form will be good, but its surface becomes more interesting when it has been used. Or if it gets lost and buried, the corrosive effect of the earth gives it a kind of new "skin" which has more to offer artistically. 2000-year-old Chinese objects removed from graves are all the more picturesque. I also consider their history important because of its effect on their appearance. I look for the maximum beauty of an object. I have, on the other hand, made paintings of cardboard boxes which have just come from a shop and not been used but which nonetheless are so interesting for me as forms that I can also do something with them. If you look closely at these paintings you will see that there is not a single box which has nothing wrong with it. Otherwise I would see to it myself that it looked a bit worn. I change things a bit to suit my own purposes, to give them a more lifelike quality. I would rather paint an apple with worm holes than an apple which has been approved for export and has nothing to offer - too smooth, too round, too equal in colour. That's not for me. One must exploit the painterly qualities of a thing to the maximum, but I would not call this a trick. If you are not in control of the technique you cannot express what you intend.»
"Stilleven met Drentse archeologica / Bodegón con objetos arqueológicos de Drente /
Still Life of Archaeological Objects from Drenthe", 2004
Drents Museum (Drenthe, Holanda / Netherlands)
"De oude kerk van Delden / La iglesia vieja de / The Old Church of Delden", 2017
Church interiors
«The aesthetic experience which I undergo in the small world of the still life also affects me very strongly in sober Roman-esque, Romano-Gothic and Gothic church buildings. I am especially struck by the atmosphere in churches where the iconoclasm has left its mark, those churches stripped of trinkets and trimmings. I remember well, around 1960, when the church in Loppersum had just been restored. When I entered the church and saw the pure white walls and the accents, just touches of red and remains of frescos, and here and there a piece of furniture in white oak and light falling from the windows, I was overwhelmed. I had the same kind of experience when I first visited the church in Bozum (Friesland) with its semicircular apse. It almost gave me a feeling that the Spirit of God was hovering above in the arches; it was a strong religious awareness. Maybe you could compare the painting of church interiors with the portrayal of that which is most elementary. The neo-Romanesque and neo-Gothic churches of the last century exhibit enormous feats of technical skill, but I miss a certain atmos-phere. Medieval buildings have a special balance in their proportions, walls with round arches or pointed arches, white plastered walls, often a cross form, not too many windows but also not too few. The atmosphere then created has never been equalled since.
As a painter I find it fascinating to respond to this atmosphere, to make use of it. The first time I entered the St. Peter's Church in Utrecht I thought I was walking into a painting by Pieter Saenredam. I think Saenredam felt what I felt; he responded to it in his way and I in mine. As a painter I actually wish to add little to the subject itself. The visual experience of the space is what I want to bring over to the flat surface. Is this worth it? I think so. A limited space is perhaps more impressive than infinite space. You could say that the intimacy of indoor space is exciting to work with because you have a much different kind of light than in a landscape. The light always comes through a window, making it quite localised. A concentration of light on an object accentuates it. The bronze pot which I am now working on would not be nearly as beautiful outdoors. The illumination from the window creates a section with intense light and a section that flows into the shadow, displaying the forms to their best advantage.»
"Bodegón con uvas y copa Roemer / A Still Life With Grapes And a Roemer"
Óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 45 cm., 1984. Christie's
"Romeins glas met bronzen schaaltje / Botellas romanas con cuenco de bronce /
Roman Glass With Bronze Bowl", 55 x 65 cm., 1994
«I used to want to become a portrait painter; I gazed in com-plete admiration at the wonderful portraits which have come into being in the course of art history. But I think it is important that an artist chooses to work in the direction of his greatest strengths; thereby he also admits that there are some weaknesses which he cannot overcome. There are people who can do every-thing, such geniuses do exist, but I am not one of them. I must concentrate on a number of genres and make the most of them. I see an artist like Rembrandt as a truly universal artist; I think Picasso had that capacity too, and from our time I would include Matthijs Röling. Röling can paint a landscape, a portrait or a still life; he can make fantasies. He can in fact handle anything. That is not true of me. I think of a man like Adriaan Poorte, a painter from Zeeland (in the south of the Netherlands) who lived in the late 17th century. All his life he did nothing else but paint a few small panels with a bunch of asparagus, a few goose-berries, some red or white currants, a few butterflies, a few shells. His art had a very limited scope. But when I go to the Rijks-museum I go not only to see the highlights like Vermeer's "Milkmaid" or Rembrandt's "Syndics"; I also go to see that little bunch of asparagus by Adriaan Poorte. Whereby I acknowledge that a small talent can also come to fruition. I see my work as an extension of a centuries-old figurative tradition. Gradually something more and more Helmantel-like has come into being and I hope that I will be able to work on this development for many years.»
"Europees archeologisch glas / Vidrios arqueológicos europeos / European Archaeological Glass", 2013
"Zelfportret in atelier / Autorretrato en el estudeio / Self Portrait in the Studio", 2013
Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista de Hans van Seventer (en inglés) del libro "Henk Helmantel", publicado en 2000 por /
Interview by Hans van Seventer in the book "Henk Helmantel", published 2000 by ArtRevisited
* Perfil del artista / Artist's Profile, Galerie Mokum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)
* Perfil del artista / Artist's Profile, Artevera's Galerie (Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland)
Henk Helmantel en "El Hurgador" / in this blog: [Henk Helmantel (I, Pintura)]
Eljee Bergwerff en "El Hurgador" / in this blog: [Henk Helmantel (I, Pintura)]
Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias Henk y Nynke!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Henk & Nynke!)
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