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El 20 de Mayo es el cumple de
Vasily Dmitrievich Polenov (Васи́лий Дми́триевич Поле́нов), pintor paisajista ruso nacido en 1844 en San Petersburgo, asociado con el movimiento Peredvizhniki de artistas realistas. Sus contemporáneos lo llamarían el "Caballero de la belleza", ya que encarnaba las tradiciones de pintura europeas y rusas. Su visión de la vida se resumió de la siguiente manera: "El arte debe promover la felicidad y la alegría". Como pintor y humanista, realmente creía en la misión civilizadora del Arte, la Cultura y la Educación.
Creció en una familia rica, intelectual y artística. Durante sus años de adolescencia, en la década de 1860, Rusia fue energizada por grandes mentes que promovían las virtudes de la democracia, el progreso, la educación y se enfrentaban a la opresión.
Vasily Polenov se inscribió simultáneamente en la Academia Imperial de las Artes y en la Universidad de Derecho de San Petersburgo (1863-1871). Estudió con Pavel Chistyakov y fue compañero de clase y amigo cercano de Rafail Levitsky, un famoso artista y fotógrafo de Peredvizhniki.
Como uno de los mejores estudiantes de la Academia Imperial de Bellas Artes, recibió la Gran Medalla por su pintura "La resurrección de la hija de Jairo". El pago que recibió por esta pintura le permitió, junto con otros galardonados, convertirse en pensionista (propietario de una beca) en el extranjero y vivir en Europa a expensas del Estado ruso. A fines del verano de 1872 cruzó Alemania y Suiza antes de establecerse en Venecia y al año siguiente en Roma. El segundo capítulo importante de su estancia en Europa fue en Francia, en París y en Normandía.
"Парфенон. Храм Афины-Парфенос / Partenón, Templo de Atenea / Parthenon. Temple of Athena Parthénos"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29,8 х 43,3 cm., c. 1882
Государственная Третьяковская галерея / Galería Estatal Tretyakov (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
En el verano de 1874 Ilya Repin y Vasily Polenov siguieron el consejo de su preceptor Bogoliubov y marcharon a Normandía en busca de impresiones espontáneas. Allí trabajarían principalmente al aire libre, de acuerdo con la influencia de la Escuela de Barbizón. Completó su trabajo europeo volviendo a París, dedicándose a temas históricos. A finales de la década de 1870 se concentró en la pintura siguiendo la tradición realista de Aleksey Savrasov y Fyodor Vasilyev. Intentó impartir la poesía silenciosa de la naturaleza rusa, relacionada con la vida humana cotidiana y sus pinturas generalmente reflejan su sensibilidad y delicadeza, combinando armonía y apaciguamiento, pero también nostalgia.
Durante la década de 1880 su obra fue vista por Vladimir Stassov, un seguidor de la sociedad de exposiciones itinerantes (Los Errantes), a la que se unió en ese momento. A través de su pintura eminentemente realista, buscaban denunciar las condiciones de vida de la población rusa y promover una mayor alfabetización. También comenzó a asistir a retiros del círculo de Abramtsevo. Allí se combinaban todas las prácticas artísticas: pintura, arquitectura, música, pero también artes decorativas y populares, como la artesanía en madera y la cerámica. Abramtsevo incluso recibió el apodo de "Barbizon ruso".
En 1881 Polenov emprendió un viaje a Oriente Medio y Egipto para trabajar en el tema bíblico. Desde 1883 hasta 1895 formó a muchos artistas jóvenes en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. A finales de la década de 1880 soñaba con una casa-museo en el campo para difundir los beneficios de una rica vida cultural. Quería crear su propio lugar de creación y educación, pero también un lugar donde pudiera exponer las colecciones arqueológicas y artísticas reunidas por su familia a lo largo de décadas. En 1889 realizó un viaje a la zona de Taroussa, a 130 km al sur de Moscú. Sorprendido por la belleza del lugar decidió que hará realidad su sueño allí, a orillas del río Oka. En 1918, después de la Revolución, la casa-museo se convirtió en el primer museo nacional y pasó a llamarse Polenovo después de la muerte del artista, en 1927. Su bisnieta, Natalia Polenova, ha sido su directora desde 2011.
"Железная дорога близ станции Тарусская / Ferrocarril cerca de la estación de Tarusskaya /
Railway near the station Tarusskaya"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33,5 x 66 cm.
Finca Museo de Vasili Polénov (Strakhovo, Óblast de Tula, Rusia / Russia). Wikimedia Commons
On May 20 is the birthday of
Vasily Dmitrievich Polenov (Васи́лий Дми́триевич Поле́нов), Russian landscape painter born in 1844 in St. Petersburg, associated with the Peredvizhniki movement of realist artists. His contemporaries would call him the “Knight of Beauty” as he embodied both european and russian traditions of painting. His vision of life was summarized as following: “Art should promote happiness and joy”. As a painter and a humanist, he would truly believe in the civilizing mission of Art, Culture and Education.
He grew up in a wealthy, intellectual and artistic family. During his teenager years, in 1860s, Russia was energized by great minds promoting virtues of democracy, progress, education and they would stand against oppression.
Vasily Polenov simultaneously enrolled to the Imperial Academy of Arts and to the Law University in Saint Petersbourg (1863-1871). Polenov studied under Pavel Chistyakov and was a classmate and close friend of Rafail Levitsky, a fellow Peredvizhniki artist and famous photographer.
As one of the best students of the Imperial Academy of Fine Arts, he received the Great Medal for his painting "The Resurrection of the daughter of Jairus". The price he received for this painting allowed him, along with other laureates, to become a pensioner (scholarship’s owner) abroad and live in Europe at the expenses of the Russian State. At the end of the summer of 1872, Vasily Polenov crossed Germany and Switzerland before settling in Venice and then Rome the following year. The second major chapter of his stay in Europe was in France, in Paris and Normandy.
"Сказитель былин Никита Богданов / Nikita Bogdanov, narrador de bylina (*) /
Bylina Teller Nikita Bogdanov (*)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,3 х 44,5 cm., 1876
Государственная Третьяковская галерея /
Galería Estatal Tretyakov (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
(*) Poemas épicos y heroicos tradicionales de los eslavos orientales de la Rus de Kiev, continuando la tradición en Rusia y Ucrania. /
Traditional epic and heroic poems of the Eastern Slavs of Kievan Rus, continuing the tradition in Russia and Ukraine.
In the summer of 1874, Ilya Repine and Vasily Polenov followed the advice of their preceptor Bogoliubov and went to Normandy in quest for spontaneous impressions. There, they would mainly work outdoors, according to the influence of the Barbizon School. He completed his European work by returning to Paris, devoting himself to historical subjects. In the late 1870s, Polenov concentrated on painting following the realist tradition of Aleksey Savrasov and Fyodor Vasilyev. He attempted to impart the silent poetry of Russian nature, related to daily human life and his paintings generally reflect his sensitivity and delicacy, combining harmony and appeasement but also nostalgia.
During the 1880s, his work was spotted by Vladimir Stassov, a supporter of the traveling exhibition society (the Wanderers), which he joined then. Through their eminently realistic painting, they seek to denounce the living conditions of the Russian population and to promote greater literacy. He also began to attend retreats of the Abramtsevo circle. There, all art practices were combined: painting, architecture, music but also decorative and popular arts such as wood crafting and ceramics. Abramtsevo even received the nickname of "Russian Barbizon".
In 1881, Polenov undertook a trip to the Middle East and Egypt to work on the biblical theme. From 1883 to 1895, Polenov coached many young artists at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. In the late 1880s, Polenov dreamed of a house-museum in the countryside in order to spread the benefits of a rich cultural life. He wanted to create his own place of creation and education but also a place where he could expose the archaeological and artistic collections gathered by his family along the decades. In 1889, he made a trip to the area of Taroussa, 130 km south of Moscow. Struck by the beauty of the place, he decided that he will make his dream true there, on the banks of the river Oka. In 1918, after the Revolution, the house-museum became the first national museum and was renamed Polenovo after the death of the artist, in 1927. Polenov's great-granddaughter Natalia Polenova has been a director of Polenovo since 2011.
"На Тивериадском (Генисаретском) озере / En el mar de Tiberias (Lago de Gennesaret) /
On the Sea of Tiberias (Lake of Gennesaret)", 79,7 х 159 cm., 1888
Государственная Третьяковская галерея /
Galería Estatal Tretyakov (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
El 21 de Mayo es el cumple de
Edwin Deakin, artista británico-estadounidense nacido en 1838 en Sheffield, Inglaterra, conocido por sus paisajes románticos y sus estudios de arquitectura, especialmente las misiones coloniales españolas de California. Sus naturalezas muertas son consideradas como algunas de las mejores del género. Deakin es uno de los artistas que popularizó escenas del barrio chino de San Francisco. Sus representaciones sensibles y altamente publicitadas de las misiones en deterioro llamaron la atención pública sobre la necesidad de restaurar estos monumentos de importancia histórica.
A los 12 años fue aprendiz en un negocio en que se pintaban paisajes y diseños florales en muebles al "estilo japonés", pero no recibió capacitación formal. A los 18 años, era un notable paisajista. Emigró a los Estados Unidos en 1856 con su familia a la ciudad de Chicago, donde su padre abrió una ferretería y la ocupación de Edwin fue incluida en el Censo como "fabricante de estuches".
Crocker Art Museum (Sacramento, California, EE.UU./ CA, USA). The Athenaeum
Justo antes de 1870 se mudó a San Francisco, California. Rápidamente estableció una exitosa carrera como pintor de las tierras salvajes de California. Aunque consignó sus pinturas a galerías comerciales privadas y fue director y expositor frecuente en la Asociación de Arte de San Francisco (SFAA), vendió la mayoría de sus lienzos a través de subastas públicas. Sus temas europeos fueron especialmente populares. Se convirtió en miembro expositor del Graphic Club y del Bohemian Club. En 1874 expuso una escena del Lago Tahoe en la Academia de Artes de Chicago.
Tres años más tarde realizó una gran gira por Europa, donde pintó principalmente en Inglaterra, Francia y Suiza, y expuso en el Salón de París. Regresó en mayo de 1879 a San Francisco, y sus nuevos lienzos fueron recibidos con mucho éxito. Exhibió docenas de pinturas con críticas positivas en la Feria Estatal de California entre 1879 y 1889. Viajó extensamente por el Medio Oeste.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107,32 x 71,76 cm., 1888
Crocker Art Museum (Sacramento, California, EE.UU./ CA, USA). The Athenaeum
En este momento sus bodegones de uvas colgantes se volvieron extremadamente populares y fueron muy imitados. Durante uno de sus varios viajes a la ciudad de Nueva York, publicó una serie de artículos que pedían la estandarización de los tamaños de lienzos, una práctica común en Europa que permitía la producción en masa de marcos más baratos.
Deakin construyó y ocupó con su esposa y dos hijas una gran residencia y un estudio-galería en la ciudad universitaria de Berkeley, justo al otro lado de la bahía de San Francisco. Pronto comenzó la tradición de celebrar una exposición anual en el estudio abierta al público.
Deakin todavía tenía una pequeña oficina de ventas en San Francisco y continuó contribuyendo con sus pinturas a las subastas y galerías privadas de esa ciudad. Ciertamente, el evento más memorable fue su exhibición individual en abril de 1900 en el Palace Hotel, donde presentó todas sus 21 pinturas de la misión, muchas de ellas conn elaborados marcos iconográficos diseñados por el propio artista. Su campaña para salvar las misiones fue el tema de un artículo altamente laudatorio en el Washington, DC Herald.
Murió en 1923.
Smithsonian American Art Museum (Washington, EE.UU./ USA)
On May 21 is the birthday of
Edwin Deakin, British-American artist born in 1838 in Sheffield, England, best known for his romantic landscapes as well as his architectural studies, especially the Spanish colonial missions of California. His still lifes are considered to be some of the finest of the genre. Deakin is one of the artists who popularized scenes of San Francisco’s Chinatown. His sensitive and highly publicized depictions of the deteriorating missions drew public attention to the necessity of restoring these historically important monuments.
He was apprenticed at the age of 12 to a business which painted landscapes and floral designs on furniture in the “Japanese style,” but he received no formal training. By 18, he was a notable landscape artist. He emigrated to the US in 1856 with his family to the city of Chicago, where his father opened a hardware store and Edwin's occupation was listed in the Census as a "case maker."
Just prior to 1870 Edwin moved to San Francisco, California. He quickly established a successful career as a painter of the untamed California wilderness. Although he consigned his paintings to private commercial galleries and was a director and frequent exhibitor at the San Francisco Art Association (SFAA), he sold most of his canvases through public auctions. His European subjects were especially popular. He became an exhibiting member of the Graphic Club and Bohemian Club. In 1874 he exhibited a Lake Tahoe scene at the Chicago Academy of Arts.
Crocker Art Museum (Sacramento, California, EE.UU./ CA, USA). The Athenaeum
Three years later he left on a grand tour of Europe, where he painted primarily in England, France and Switzerland, and exhibited at the Paris Salon. He returned in May 1879 to San Francisco; his new canvases were received with much acclaim. He exhibited dozens of paintings to positive reviews at the California State Fair between 1879 and 1889. He traveled extensively through the Midwest
At this time his still lifes of pendulous grapes became extremely popular and were much imitated. During one of his several trips to New York City he published a series of articles which called for the standardization of canvas sizes, a common practice in Europe that allowed for the mass production of cheaper frames.
Deakin built and occupied with his wife and two daughters a large residence and studio-gallery in the university town of Berkeley, just across the bay from San Francisco. He soon began a tradition of holding an annual studio exhibit open to the public.
Deakin still maintained a small sales office in San Francisco and continued to contribute his paintings to that city’s auctions and private galleries. Certainly, the most memorable event was his one-man show in April 1900 at the Palace Hotel which featured all of his 21 mission paintings, many in elaborate iconographic frames designed by the artist himself.. His campaign to save the missions was the subject of a highly laudatory article in the Washington, D.C. Herald.
He died in 1923.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82,23 x 122,87 cm., 1915
Crocker Art Museum (Sacramento, California, EE.UU./ CA, USA). The Athenaeum
El 22 de Mayo es el cumple de
Kosta Hakman (Коста Хакман), uno de los más grandes pintores serbios de Bosnia y Herzegovina del siglo XX. Nació en 1899 en Bosanska Krupa, Austria-Hungría.
Su un padre Mihailo Hakman era descendiente de inmigrantes polacos y su madre Darinka Đurić serbia de una familia de Sarajevo. Fue bautizado en la fe ortodoxa.
Después del asesinato del archiduque Franz Ferdinand en Sarajevo en 1914, Kosta Hakman, de 15 años de edad, fue arrestado y condenado por los ocupantes austro-húngaros. Cumplió su condena de diez meses de prisión en Bihać. Tras su liberación continuó su escolarización violentamente interrumpida en Tuzla, de 1915 a 1917, cuando fue reclutado para el servicio militar, y luego, cuando terminó la guerra, en Sarajevo, donde completó la Primera Escuela Masculina de Gramática en 1919.
Llegó a Praga en agosto de 1919. Después de aprobar con éxito el examen de admisión, se convirtió en estudiante del Académico vytvarnich umeni (Academia de Bellas Artes) en Praga. Se matriculó en la clase preparatoria del profesor Vlaho Bukovac. Gracias a la beca regular que recibió en el otoño de 1921 pudo ir a Cracovia, y pasó el examen de admisión en la Academia de Bellas Artes. Se matriculó en la clase del profesor Stanisław Weiss.
Su primera exposición individual se organizó en 1925. Gracias a la venta de una gran cantidad de pinturas y la mejora de su situación financiera pudo realizar su sueño: ir a París por primera vez, donde se quedó durante cuatro años.
Además de participar regularmente en exposiciones colectivas, tanto en casa como en el extranjero, también presentó dos exposiciones individuales durante la década de 1930. En 1930 también comenzó a enseñar.
En 1937 ganó la medalla de oro en la Feria Mundial de París. En 1938 se casó con Bosa Pavlović. Entre sus muchas actividades, se convirtió en profesor en la Academia de Artes Visuales de Belgrado.
Colección privada / Private Collection. Project Ratsko
En 1938, se volvió a casar, esta vez con Bosa Pavlović. En septiembre de ese mismo año se vio profundamente afectado por la muerte de su hermano Stefan, a quien consideraba su "maestro" e "ídolo", este hecho podría ser la razón por la cual Hakman pintó poco y exhibió raramente durante los siguientes dos años, antes de que comenzara la Segunda Guerra Mundial.
Los años de guerra dividieron fuertemente el trabajo de Kosta Hakman en dos partes. Hubo un corte drástico por el tiempo que pasó encarcelado en un campo de concentración alemán en Dortmund, al que fue llevado en 1941 como prisionero de guerra. Aunque intentó pasar el tiempo allí ayudando a sus amigos usando sus conocimientos del idioma alemán para protegerlos, u organizando cursos de pintura para prisioneros, no pudo soportar la terrible experiencia del campamento. En 1944, hacia el final de la guerra, fue enviado a casa muy enfermo.
Hakman se volvió a casar en 1947, esta vez con Radmila Lozanić, y su primera hija nació en 1949, cuando Hakman tenía 50 años. Pasó los últimos tres años de su vida en Opatija, donde murió en 1961 por una afección cardíaca.
Colección privada / Private Collection. Project Ratsko
On May 22 is the birthday of
Kosta Hakman (Коста Хакман), one of the greatest Serbian painters of Bosnia and Herzegovina of the twentieth century. He was born in 1899 in Bosanska Krupa, Austria-Hungary.
His father Mihailo Hakman was descended from Polish immigrants and his mother Darinka Đurić a Serbian from a family from Sarajevo. He was baptized in the Orthodox faith.
After the assassination of Archduke Franz Ferdinand in Sarajevo in 1914, fifteen-year-old Kosta Hakman was arrested by Austro-Hungarian occupiers and convicted. He served his ten-month prison sentence in Bihać. After being released Hakman continued his violently interrupted schooling in Tuzla, from 1915 to 1917, when he was drafted into the army service, and then, when the war ended, in Sarajevo, where he completed the First Male Grammar School in 1919.
Hakman arrived in Prague in August 1919. After successfully passing the admittance examination, he became a student of the Academic vytvarnich umeni (Academy of Fine Arts) in Prague. He was enrolled in the preparatory class of professor Vlaho Bukovac. Thanks to the regular scholarship that he received in the autumn of 1921, Hakman went to Kraków and passed the admittance exam at the Academy of Fine Arts. He enrolled in the class of professor Stanisław Weiss.
His first individual exhibition was organized in 1925. Due to the selling of a great number of paintings and the improvement of his financial affairs, Hakman realized his dream — to go to Paris for the first time. There he stayed in Paris for four years.
Museum of East Bosnia (Tuzla, Bosnia y Herzegovina). Project Ratsko
Apart from regularly taking part in collective exhibitions, both at home and abroad, he also had two solo exhibitions during the 1930s. In the year 1930, he began teaching as well.
In 1937 he receiver the gold medal at the World Exhibition in Paris. In 1938 he married Bosa Pavlović. Among his many activities, he became a professor at the Academy of Visual Arts in Belgrade.
In 1938, he married Bosa Pavlović. In September of that same year, Hakman was deeply stricken by the death of his brother Stefan, whom he considered his "teacher" and "idol." His brother's death might be the reason why Hakman painted little and exhibited rarely during the following two years, before World War II started.
The war years sharply divided the work of Kosta Hakman into two parts. A drastic cut was made by a time spent imprisoned in a German concentration camp in Dortmund that he was taken to in 1941 as a prisoner of war. Although he tried to spend the time there helping his friends by using his knowledge of the German language to protect them, or organizing painting courses for prisoners, Hakman was unable to endure the terrible camp ordeal. He was sent home very ill towards the very end of the war in 1944.
Hakman remarried in 1947 to Radmila Lozanić and their first daughter was born in 1949, when Hakman was aged 50.
He spent the final three years of his life in Opatija, where he died in 1961, of a heart condition.
Colección privada / Private Collection. Project Ratsko
El 23 de Mayo es el cumple de
József Rippl-Rónai, pintor húngaro nacido en 1861 en Kaposvár.
Después de sus estudios en la escuela secundaria allí, fue a estudiar a Budapest donde obtuvo un título en farmacología. En 1884 viajó a Munich para estudiar pintura en la Academia. Dos años más tarde obtuvo una beca que le permitió mudarse a París y estudiar con Munkácsy, el pintor realista más importante de Hungría. En 1888 conoció a los miembros de Les Nabis y, bajo su influencia, pintó su primera obra importante, "La taberna en Pont-Aven", una obra muy sentida que destaca por su atmósfera oscura. Su primer gran éxito fue su pintura "Mi abuela" (1894). También pintó un retrato del pianista y compositor húngaro Zdenka Ticharich (1921).
Museum of Fine Arts (Houston, Texas, EE.UU./ TX, USA). GAP
Más tarde regresó a Hungría, donde la recepción crítica fue tibia al principio, pero finalmente tuvo una exposición muy exitosa titulada "Impresiones de Rippl-Rónai 1890-1900". Creía que para un artista no solo era importante su obra, sino también su modus vivendi general, incluso con la ropa que llevaba. Así se interesó en el diseño, lo que llevó a encargos como el del comedor y todo el mobiliario del palacio Andrássy, y una vidriera en el Museo Ernst (ambos en Budapest). Entre 1911 y 1913 sus exposiciones en Frankfurt, Munich y Viena fueron altamente exitosas. Su último trabajo importante, un retrato de su amigo Zorka, fue pintado en 1919.
Murió en 1927.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107,7 x 148 cm., 1889
Magyar Nemzeti Galéria / Galería Nacional (Budapest, Hungría / Hungary). Wikimedia Commons
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 70,5 x 96 cm., 1911
Magyar Nemzeti Galéria / Galería Nacional Húngara (Budapest, Hungría / Hungary). Wikimedia Commons
Pál Szinyei Merse en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXXXV)]
On May 23 is the birthday of
József Rippl-Rónai, Hungarian painter born in 1861 in Kaposvár.
After his studies at the High School there, he went to study in Budapest, where he obtained a degree in pharmacology. In 1884 he travelled to Munich to study painting at the Academy. Two years later he obtained a grant which enabled him to move to Paris and study with Munkácsy, the most important Hungarian realist painter. In 1888 he met the members of Les Nabis and under their influence he painted his first important work, The Inn at Pont-Aven, a deeply felt work notable for its dark atmosphere. His first big success was his painting My Grandmother (1894). He also painted a portrait of Hungarian pianist and composer Zdenka Ticharich (1921).
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99 × 80,5 cm., 1896
Magyar Nemzeti Galéria / Galería Nacional (Budapest, Hungría / Hungary)
Later he returned to Hungary, where critical reception was at first lukewarm, but he eventually had a very successful exhibition entitled "Rippl-Rónai Impressions 1890-1900". He believed that for an artist not only is his body of work significant, but also his general modus vivendi, even including the clothes he wore. He thus became interested in design, which led to commissions such as the dining room and the entire furnishings of the Andrássy palace, and a stained-glass window in the Ernst Museum, (both in Budapest). Between 1911 and 1913 his exhibitions in Frankfurt, Munich and Vienna were highly successful. His last major work, a portrait of his friend Zorka.
He died in 1927.
My Father and Piacsek drinking Red Wine"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 68 x 100 cm., 1907
Magyar Nemzeti Galéria / Galería Nacional (Budapest, Hungría / Hungary)
El 24 de Mayo es el cumple de
Mark Bryan, pintor estadounidense nacido en 1950 en el sur de California.
La obra de Bryan se mueve en dos direcciones distintas. Obras satíricas de comentarios sociales, políticos y religiosos, y obras que toman un camino interno hacia la imaginación y el subconsciente. El humor y la parodia desempeñan un papel importante en muchas de sus pinturas. Los elementos e influencias de estilo en su trabajo incluyen pintura clásica, ilustración, romanticismo, surrealismo y surrealismo pop.
Criado en los suburbios de clase media del condado de Los Ángeles durante los años 50 y 60, Bryan se vio inmerso en la cultura popular de esa época y lugar. Las películas de ciencia ficción y terror de bajo presupuesto, los cómics de superhéroes, Mad Magazine, el arte surrealista y más tarde la obra psicodélica de los artistas de Zap Comix como Robert Crumb y Robert Williams formaron parte de la mezcla estética y psicológica que lo rodeaba. Estas influencias combinadas con eventos políticos importantes (que incluyeron el Terror Rojo, el Movimiento por los Derechos Civiles y la Guerra de Vietnam) moldearon y promovieron una conciencia política temprana y continúan afectando el estilo y el contenido de su trabajo.
Al salir de Los Ángeles en 1968, Bryan estudió arquitectura en Cal Poly San Luis Obispo. Regresó a Los Ángeles en 1970 para comenzar a estudiar en el Instituto de Arte Otis. Mientras completaba su maestría compartió una casa y un estudio con Carlos Almaraz y Frank Romero. Almaraz y Romero junto con Roberto De La Rocha y Gilbert Lujan fundaron el influyente colectivo de artistas chicanos Los Four.
Donald Trump en "El Hurgador" / in this blog:
[Recolección (XLV)], [Abdalla Al Omari (Pintura)], [Recolección (CLIII-1)]
On May 24 is the birthday of
Mark Bryan, American painter born in 1950 in Southern California.
Bryan's work travels in two distinct directions. Satirical works of social, political and religious comment and works which take an inward track to the imagination and subconscious. Humor and parody play a large role in many of his paintings. Style elements and influences in his work include classical painting, illustration, Romanticism, Surrealism and Pop Surrealism.
Raised in the middle class suburbs of Los Angeles County during the 1950s and 60s, Bryan was immersed in the popular culture of that time and place. Low budget Sci-Fi and horror movies, Super hero comic books, Mad Magazine, surrealist art and later the psychedelic work of Zap Comix artists such as Robert Crumb and Robert Williams were all part of the esthetic and psychological mix surrounding him. These influences combined with significant political events (which included The Red Scare, Civil Rights Movement and the Vietnam War) shaped and promoted an early political awareness and continues to affect the style and content of his work.
Leaving Los Angeles in 1968 Bryan studied architecture at Cal Poly San Luis Obispo. He returned to Los Angeles in 1970 to begin study at Otis Art Institute. While completing his master's degree, Bryan shared a house and studio with Carlos Almaraz and Frank Romero. Almaraz and Romero along with Roberto De La Rocha and Gilbert Lujan founded the influential Chicano artist collective Los Four.
El 25 de Mayo es el cumple de
Gustave Jean Jacquet, pintor e ilustrador francés nacido en 1846 en París.
Fue alumno de William Bouguereau y debutó en el Salón de 1865. Es conocido como pintor de retratos femeninos y de género en el estilo del siglo XVIII.
Bajo el nombre de "Jacquet" ilustró algunos libros humorísticos, especialmente para Éditions Félix Juven.
En 1867 llamó la atención por su pintura de "Llamado a las armas". En el Art Journal de 1907 se menciona que fue alrededor de esta misma fecha de 1867 cuando el crítico de arte M. Edmond dijo: "He aquí un artista, hoy desconocido, que se celebrará mañana". Poco después de esto, su pintura de "Sortie de Lansquenets" fue adquirida por el estado y colocada en el castillo de Blois, donde aún permanece. Ganó una medalla de tercera clase en 1868, a la temprana edad de 22 años, con su pintura "Sortie d'armee au XVI siecle", que era una pintura militar ambientada en el siglo XVIII. No obstante, su participación militar no fue relegada a la pintura de soldados. Era un ávido jinete y sirvió en la guerra franco-alemana (julio de 1870 a mayo de 1871) con los Francotiradores del Sena.
oil on canvas laid down on board, 91,4 x 76,9 cm., c.1890. Wikimedia Commons
Una vez finalizada la guerra volvió a su arte y ganó una medalla de primera clase en el Salón de París de 1875.
Era un coleccionista de armas antiguas y armaduras; se decía que tenía una de las mejores colecciones de toda Francia. Después de su muerte en 1909 gran parte de sus posesiones fueron subastadas en la Galerie Georges Petit.
Las pinturas de Jacquet se encuentran en muchas instituciones públicas y privadas de Estados Unidos y Europa.
Óleo sobre panel / oil on panel, 30,2 x 24,4 cm. Sotheby's
On May 25 is the birthday of
Gustave Jean Jacquet, French painter and illustrator born in 1846 in Paris.
He was a student of William Bouguereau and debuted in the Salon of 1865. He is known as a painter of female portraits and genre in the style of the eighteenth century.
Under the name of "Jacquet" he illustrated some humorous books, especially for Éditions Félix Juven.
In 1867 he drew attention for his painting of Call to Arm. In the Art Journal of 1907 it mentions that it was around this same 1867 date that art critic M. Edmond said "Behold an artist, unknown today, who will be celebrated tomorrow". It was shortly after this that his painting of Sortie de Lansquenets was purchased by the state and was put in the Chateau of Blois where it still remains. He won a third class medal in 1868 at the young age of 22 with his painting Sortie d'armee au XVI siecle which was a military painting set in the 1700s. His military involvement was not relegated to painting soldiers however. He was an avid horse back rider and served in the Franco-German War (July 1870-May 1871) as a franc-tireur of Seine.
Óleo sobre panel / oil on panel, 24 x 32 cm. Wikimedia Commons
After the war was over, he returned to his art and won a first place medal in the Paris Salon of 1875.
He was a collector of old arms and armor of which he was reported to have had one of the best collections in all of France. After his death in 1909 much of the estate was put up for auction at the Galerie Georges Petit.
Paintings by Jacquet are housed in many public and private institutions throughout America and Europe.
Gustave Jean Jacquet en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXII-2)]
Hoy, 26 de Mayo, es el cumple de
Eduard Theodor Ritter von Grützner, pintor alemán y profesor de arte nacido en 1846 cerca de Neisse, Alta Silesia, Prusia (hoy Polonia).
Su padre, un miembro prominente de la iglesia, reconoció el talento y la inclinación de Eduard para pintar desde el principio. El pastor le hizo ingresar al gimnasio (una escuela preparatoria de la universidad) de Neisse, y en 1864 llevó a Grützner a la escuela privada de Hermann Dyck en Munich para la educación artística, aunque su permanencia en la Kunstgewerbeschule bajo la dirección de Dyck fue de corta duración. En el primer semestre se pasó a la clase de Arte Clásico de Johann Georg Hiltensperger y Alexander Ströhuber, donde los estudiantes aprendían sobre los ideales estéticos de la antigüedad.
En 1865 se unió a la clase de pintura de Hermann Anschütz en la Academia de Múnich. Mientras tanto también buscó consejo e inspiración de Carl Theodor von Piloty, a cuyas clases asistió en 1867. Cinco años más tarde se trasladó a su propio estudio en la casa jardín de Schwanthalerstraße 18 en Munich. Rápidamente comenzó a producir muchas pinturas, y se convirtió en un artista muy exitoso. En 1880 fue galardonado con la Orden de Mérito de San Miguel (Cruz de Caballero) en primera clase. Fue nombrado caballero en 1916.
Grützner fue un ávido coleccionista de arte. Al principio prefería piezas del gótico tardío alemán y del renacimiento temprano. En la última década de su vida pasó de la Baja Edad Media y coleccionó arte del Lejano Oriente. En sus composiciones principales casi siempre incluía piezas antiguas, en su mayoría de su colección de antigüedades.
Grützner fue, junto con Carl Spitzweg y Franz von Defregger, uno de los principales pintores de género de Munich en la segunda mitad del siglo XIX. Sus pinturas son bien conocidas por su combinación de una representación académica detallada con temas humorísticos y anecdóticos.
Fue uno de los pintores favoritos de Hitler. Albert Speer citó a Hitler diciendo que Grützner estaba "muy subestimado... Créeme, este Grützner algún día valdrá tanto como un Rembrandt. El propio Rembrandt no podría haberlo pintado mejor."
Murió en 1925.
Milwaukee Art Museum (Wisconsin, EE.UU./ USA)
Today, May 26, is the birthday of
Eduard Theodor Ritter von Grützner, German painter and professor of art born in 1846 near Neisse, Upper Silesia, Prussia (now Poland).
His father, a prominent member of the church, recognized Eduard's talent and inclination for painting early on. The pastor gained him entrance to the Gymnasium (a university preparatory school) of Neisse. In 1864, the pastor brought Grützner to the private school of Hermann Dyck in Munich for art education, though his tenure at the Kunstgewerbeschule under Dyck was of short duration. In the first semester he transferred to the Classical Art class of Johann Georg Hiltensperger and Alexander Ströhuber, where the students learned about the aesthetic ideals of antiquity.
In 1865, Grützner joined the painting class of Hermann Anschütz at the Munich Academy. Meanwhile, he also sought advice and inspiration from Carl Theodor von Piloty; he was taken into Piloty's class in 1867. Five years later Grützner moved into his own studio in the garden house of Schwanthalerstraße 18 in Munich. He quickly began to produce many paintings, and he became a very successful artist. In 1880, he was awarded the Order of Merit of St. Michael (Knight's Cross) first class. He was knighted in 1916.
Óleo sobre panel / oil on panel, 25,4 x 20 cm., 1917. Dorotheum
Grützner was an avid collector of art. Early on, he favored pieces from the German late Gothic and early Renaissance. In the last decade of his life, he turned from the late Middle Ages and collected art from the Far East. In his major compositions he almost always included old pieces, mostly from his antique collection.
Grützner was, along with Carl Spitzweg and Franz von Defregger, one of Munich's leading genre painters in the second half of the 19th century. Grützner's paintings are best known for their combination of detailed academic rendering with humorous and anecdotal subject matter.
Grützner was one of Hitler's favorite painters. Albert Speer quoted Hitler as saying that Grützner was "greatly underrated... Believe me, this Grützner will someday be worth as much as a Rembrandt. Rembrandt himself couldn't have painted that better."
He died in 1925.
Monje benedictino con vino por la mañana / Benedictine Monk With Wine at the Morning"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 33 x 25 cm. Wikimedia Commons
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