Shirley Rebuffo, en una nueva entrevista para la serie de artistas uruguayos, nos acerca a la obra de Mane Gurméndez, quien valiéndose de herramientas de diseño digitales y un cúter distorsiona y reconfigura fragmentos literarios, letras de canciones o textos de fuentes diversas para componer formas bi o tridimensionales, generalmente en papel, buscando una estética y un mensaje que van más allá que el puro significado de lo escrito, contado o cantado, entrelazando disciplinas a través del calado a mano de la palabra dibujada.
Shirley Rebuffo, in a new interview for the series of Uruguayan artists, brings us closer to the work of Mane Gurméndez, who, using digital design tools and a cutter, distorts and reconfigures literary fragments, song lyrics or texts from different sources to compose two or three-dimensional forms, usually on paper, seeking an aesthetic and a message that goes beyond the pure meaning of what is written, told or sung, intertwining disciplines through the handmade fretwork of the drawn word.
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Magdalena "Mane" Gurméndez Armand-Ugon
(Montevideo, Uruguay, 1966-)
Mane junto a su obra "The Future (El futuro)" / with her work "The Future"
Mane Gurméndez es una artista uruguaya nacida en Montevideo el 1 de noviembre de 1966.
Entre 1993 y 1998 estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes habiendo realizado el taller con Anhelo Hernández. Egresó en 1992 del Centro de Diseño Industrial de Montevideo. En 1986 residió en Ciudad de México y entre 1990 y 1991 vivió en Barcelona. Allí estudió Diseño Gráfico por Ordenador en IDEP - Institució D´estudis Politecnics. Ha realizado estudios de Dibujo y Pintura con Guillermo Fernández (2004) y Gerardo Acuña (2005-2009), de Fotografía en el Foto Club Uruguayo y en Dimensión Visual (2001-2002) y cerámica en diversos talleres. Actualmente trabaja en su estudio de diseño y comunicación.
Fue seleccionada para el Premio Montevideo, el Premio Nacional de Artes Visuales y la Bienal de Salto en varias oportunidades; ha expuesto en el Museo Nacional de Artes Visuales, el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), el Subte Municipal, el Museo Figari, Artfest Garzón, entre otros.
En sus trabajos experimenta plásticamente el potencial visual de las palabras, tanto desde lo formal como lo metafórico. Su obra busca establecer un diálogo entre textos extraídos de la literatura o de canciones.
"The future / El futuro", papel calado / fretwork paper, 130 x 230 cm., 2017
Obra seleccionada Premio Montevideo / Selected work Montevideo Award
Inspirada en la letra de la canción "El futuro" / Inspired by the lyrics of the song "The Future"
Leonard Cohen. Album "The Future", 1992. Youtube
Leonard Cohen en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXCVII)]
"I read the news today / Hoy leí las noticias"
Obra seleccionada Premio Nacional / Selected work National Award
Inspirada en la letra de la canción "Un día en la vida" / Inspired by the lyrics of the song "A Day In The Life"
The Beatles. Album "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", 1997. Youtube
The Beatles en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: Cuéntame de ti, ¿tienes una vinculación familiar con el arte?
Mane Gurméndez: En realidad nunca hubo un vínculo directo con ningún artista ni con las artes plásticas, pero crecí rodeada de muchos libros, discos, cámaras de fotos y de cine. Mi madre había estudiado arquitectura y en sus ratos libres pintaba planos con acuarelas, y mi padre era buen fotógrafo y escuchaba mucha música. Pero las artes eran vistas como hobbies, como ocupación principal se inspiraba a seguir a carreras universitarias, sobre todo científicas, y algo de ese espiritu científico y experimental creo que me define en la forma de trabajar a nivel artístico.
Exposicion en Kiosco Espacio de Arte / Exhibition at Kiosco Art Space (Montevideo, Uruguay)
SR: ¿En qué otras técnicas artísticas trabajabas antes de esta interacción con los textos?
MG: Siempre fui muy experimental, muy curiosa y una eterna aprendiz, por lo que he ido probando distintas disciplinas y actividades artísticas, para así encontrar un lenguaje en el cual poder expresar mejor mi sentir. Incursioné en la fotografía, el cine, la cerámica y el dibujo y la pintura, y en estas ultimas probé todos los materiales que encontré: lapiz, carbonilla, pasteles, tintas, acuarela, óleo y acrílico. En técnicas como el grabado, collage, texturas, fotocopias, transferencias, entre otras.
Mis primeras interacciones con textos fueron haciendo collages de fotos y textos por medio de transferencias de fotocopias. Era una técnica interesante ya que siempre es una sorpresa el resultado: algunas partes quedan muy nítidas, otras difusas. Me gusta cuando no hay un control total del proceso y quedan cosas libradas al azar. Luego vino la etapa del stencil, donde armaba un texto en computadora y luego lo calaba en un stencil para plasmar textura matérica sobre una tela pintada. Y fue con el papel que usaba para recortar el stencil con lo que terminé trabajando e investigando.
"All my little words / Todas mis palabritas", papel calado / fretwork paper, 2018
Inspirada en la letra de la canción "Todas mis palabritas" / Inspired by the lyrics of the song "All my little words"
"Just Breathe / Sólo respira", papel calado / fretwork paper, 2018
Inspirada en la letra de la canción "Sólo respira" / Inspired by the lyrics of the song "Just Breathe"
Pearl Jam. Album "Backspacer", 2009. Youtube
Pearl Jam en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XXIV)]
SR: Eres también diseñadora, e igualmente trabajas con carbonilla y tinta. ¿Cómo se vinculan ambas profesiones?
MG: Creo que ambas actividades son muy diferentes, con fines y objetivos bien disímiles, pero que comparten un mismo lenguaje plástico. El diseño es, entre otras cosas, comunicación, y el mensaje debe estar clara y correctamente expresado. Sucede que a veces diseñando surgen detalles, composiciones, formas, a los que les veo potencial para seguir investigando en mi arte. Esto hace que muchas veces sea un ida y vuelta entre ambas actividades.
SR: ¿Para ti el artista debe desobedecer? Me refiero desobedecer a los que le preceden, desobedecer a la historia, a las tendencias, a las corrientes impuestas.
MG: Yo entiendo que el artista primero debe conocer la historia del arte, estudiar a los clásicos, aprender a dibujar desde cero, experimentar técnicas, etc. No creo mucho en el autodidacta. Son escasos los que logran desarrollar una trayectoria artística de calidad sin tener estudios o años de taller. Luego, teniendo ese conocimiento uno puede romper, o no, las reglas o dogmas para crear algo diferente. Pero tampoco creo que ser rupturista garantice un resultado interesante. Más bien me inclino a pensar que son muy pequeñas variaciones de lo ya establecido las que generan un arte nuevo.
Obra seleccionada Premio Montevideo / selected work Montevideo Award
Inspirado en la obra de / Inspired by the work by Giovanni Boccaccio, 1351-1353
La obra, en formato de poesía visual, se compone de 6 piezas de papel calado con textos extraídos del libro de Giovanni Boccaccio. Dicho libro, cuyas historias transcurren durante la peste de Florencia en 1348 se lo reconoce como la obra precursora del Renacimiento, marcando el fin de la era Medieval.
The work, in the form of visual poetry, is composed of 6 pieces of fretwork paper with texts taken from the book by Giovanni Boccaccio. This book, whose stories take place during the plague of Florence in 1348, is recognized as the precursor of the Renaissance, marking the end of the Medieval era.
Giovanni Bocaccio en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXXXV)]
"Des-composicion, ponele", papel calado / fretwork paper, 2011. Subte municipal
SR: La imagen y palabra están unidas en tu obra: el lenguaje es portador de imágenes y las imágenes son portadoras de la palabra. ¿Cómo surge esta relación literal entre la literatura y la plástica?
MG: Creo que hay en las palabras, en las letras, en los textos, un fuerte componente visual muy rico estéticamente, que a veces no lo apreciamos porque vamos directamente a leer el contenido de esos símbolos que conocemos y podemos decodificar. Pero cuando vemos una palabra, o un texto en un alfabeto que desconocemos, como el árabe, chino, etc. vemos esos grafismos como un hecho plástico.
En mis obras las palabras son la materia prima, y dependiendo lo que quiera transmitir o expresar hago la composición. A veces me interesa que se pueda leer completo o alguna parte, y otras veces la intención es que sea ininteligible.
Trabajo componiendo textos para luego descomponerlos, deformarlos, quebrarlos para lograr expresar plásticamente lo que busco transmitir con dicho texto.
Papel calado / Fretwork paper
Obra seleccionada Bienal de Salto 2013 / Selected work Salto Biennial 2013
SR: ¿Cómo eliges las obras para hacer esa fusión entre arte pictórico y poesía?
MG: Mi proceso creativo es bastante aleatorio: el disparador puede ser desde una poesía, una canción y un relato, otras veces un pensamiento que me inquieta o cuestiona, a veces una textura, una forma, un material, un color. No tengo un método específico. Trato de ir por la vida exponiéndome a estímulos que me despierten interés y me interpelen, intentando verlo todo a través de un lente poético.
SR: En cuanto a la caligrafía, o sea las fuentes que le dan un carácter especial a cada obra, ¿cómo la eliges para cada obra?
MG: La tipografía elegida para cada obra también depende mucho de lo que quiero expresar, una letra muy cerrada o bold crea una trama bien diferente a una más light. También hay una dependencia en el tipo de papel que voy a utilizar, si es de muy poco gramaje, muy finito, generalmente evito usar algunas tipografías con serif, ya que las puntas tienden a arquearse. Además hay una parte más técnica de ajuste, para lograr que la trama tenga los puntos de contacto necesarios para evitar que algunas partes se vayan hacia adelante o se combe la pieza. Hay ciertas tensiones en el papel cortado que hay que tener en cuenta para que la obra se sostenga correctamente.
"Deep Quiroga / Quiroga Profundo", papel calado / fretwork paper
Obra seleccionada Premio Montevideo / Selected work Montevideo Award
SR: Las letras son ondulantes y las grafías varían en tamaño dando movimiento a la obra. ¿Cuán importante es la luz que se filtra entre las figuras?
MG: En mi caso creo que es tan relevante la obra como las sombras que arroja. Son fondo y figura, una misma concepción.
SR: ¿Y quieres que todos entiendan lo que expresas en tu arte, o con que admiren su belleza y estética te alcanza?
MG: La búsqueda de la belleza en todo lo que hacemos creo que es natural y esencial, siempre considerando el sentido más amplio del concepto belleza, tanto visual como filosófico. En mis obras trabajo dos niveles de creación: un trabajo más compositivo, de índole formal y experimental, y otro más orientado al entender contemporáneo de ver la realidad, reflexionando sobre temáticas sociales o existenciales, donde me interesa profundizar y plantear una mirada personal de la cuestión.
Que el observador tenga una experiencia estética al ver la obra, y que además pueda ver que algo más subyace en la misma y lo hace meditar o cuestionarse, me hace muy feliz.
SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle visualización plástica e interpretación a un texto?
MG: Variadas como el texto o la temática tratada, paseo por la incertidumbre, el caos, la fragilidad o el desconsuelo, hasta la armonía, la felicidad o la esperanza.
"Deep Quiroga / Quiroga Profundo", papel calado / fretwork paper
SR: ¿Cuánto te lleva, aproximadamente, cada obra?
MG: Te diría que es muy relativo. A veces me lleva mucho tiempo el trabajo en la composición, el que realizo en la computadora, y a veces es mucho más el tiempo de recorte del papel, el que hago absolutamente a mano con un cúter.
Son dos etapas diferentes en el proceso de creación y nunca puedo prever cuánto tiempo me puede llevar. Con respecto al recorte en sí, en general las obras de tramas grandes me insumen menos tiempo de calado, cuanto más chiquita la letra, más lento se me hace el trabajo porque necesito ser bien precisa en el corte.
SR: ¿Cuáles fueron las dificultades en tus inicios en el oficio?
MG: La técnica de calado no ofrece mayor dificultad: en definitiva, es como tejer o bordar, se aprende fácilmente. Creo que las mayores dificultades de los comienzos son las mismas que tengo hoy día: conseguir buenos materiales. La escasez de buenos papeles, grandes y variados es un problema.
"Is there anybody out there? / ¿Hay alguien ahí afuera?"
Espacio de Arte Contemporáneo (EAC)
Ex carcel de Miguelete / Former Miguelete Prison (Montevideo, Uruguay)
Inspirada en la letra de la canción "¿Hay alguien ahí afuera?" /
Inspired by the lyrics of the song "Is there anybody out there?"
Pink Floyd. Album "The Wall", 1979
Pink Floyd en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
SR: En cuanto a las herramientas, ¿cuáles usas?
MG: Mis dos herramientas básicas son los programas de diseño y de retoque fotográfico, y la x-acto knife, un bisturí con forma de lápiz y punta muy afilada.
SR: Y tus soportes preferidos, ¿cuáles son?
MG: Papeles de todo tipo y textura, soy una recolectora compulsiva, pero sin duda los más preciados son los artesanales de origen chino o japonés, muy finitos y resistentes.
SR: ¿Qué proyectos hay pendientes?
MG: Creo que algo que me hace ilusión y lo tengo pendiente es hacer una residencia artística en algún país con una cultura bien diferente a la mía. Me parece una experiencia excelente y enriquecedora.
"I shall be released / Seré liberado", papel calado / fretwork paper
Inspirada en la letra de la canción "Seré liberado"/ Inspired by the lyrics of the song "I shall be released"
The Band (Bob Dylan). Album "Music from Big Pink", 1968
Mane Gurméndez
Mane Gurméndez is an Uruguayan artist born in Montevideo on November 1, 1966.
Between 1993 and 1998 she studied at the National School of Fine Arts, having attended the workshop with Anhelo Hernández. She graduated in 1992 from the Industrial Design Center of Montevideo. In 1986 he lived in Mexico City and between 1990 and 1991 he lived in Barcelona. There he studied Computer Graphic Design at IDEP - Institució D'estudis Politecnics. He has studied Drawing and Painting with Guillermo Fernández (2004) and Gerardo Acuña (2005-2009), Photography at the Foto Club Uruguayo and Dimensión Visual (2001-2002) and ceramics in various workshops. She currently works in her design and communication studio.
She was selected for the Montevideo Award, the National Visual Arts Award and the Biennial of Salto on several occasions; she has exhibited at the National Museum of Visual Arts, the Contemporary Art Space (EAC), the Municipal Subway, the Figari Museum, Artfest Garzón, among others.
In his works he experiments plastically with the visual potential of words, both formally and metaphorically. His work seeks to establish a dialogue between texts taken from literature or songs.
"Palabras al vacío / Words Into the Void"
Obra seleccionada para el 56º Premio Nacional de Artes Visuales 2014 /
Work selected for the 56th National Visual Arts Award 2014.
Obra en papel japones / Work in Japanese paper
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: Tell me about yourself, do you have a family connection with art?
Mane Gurméndez: Actually there was never a direct link with any artist or with the plastic arts, but I grew up surrounded by many books, records, photo and film cameras. My mother had studied architecture and in her spare time she painted plans with watercolors, and my father was a good photographer and listened to a lot of music. But the arts were seen as hobbies, as a main occupation was inspired to follow university careers, especially scientific, and some of that scientific and experimental spirit I think defines me in the way I work at the artistic level.
SR: What other artistic techniques were you working on before this interaction with texts?
MG: I've always been very experimental, very curious and an eternal learner, so I've been trying different disciplines and artistic activities, in order to find a language in which to better express my feelings. I tried my hand at photography, cinema, ceramics, drawing and painting, and in the latter I tried all the materials I could find: pencil, charcoal, pastels, inks, watercolor, oil and acrylic. In techniques such as engraving, collage, textures, photocopies, transfers, among others.
My first interactions with texts were making collages of photos and texts by means of photocopy transfers. It was an interesting technique because the result is always a surprise: some parts are very clear, others are blurred. I like it when there is no total control of the process and things are left to chance. Then came the stencil stage, where I would create a text on a computer and then I would trace it on a stencil to create a material texture on a painted canvas. And it was with the paper I used to cut out the stencil that I ended up working and researching.
Instalación / Installation. Museo Figari (Montevideo, Uruguay)
Pedro Figari en "El Hurgador" / in this blog:
"El fin de las especies / The end of the species", papel calado / fretwork paper (detalle / detail)
SR: You are also a designer, and you also work with charcoal and ink. How are both professions linked?
MG: I think both activities are very different, with very dissimilar aims and objectives, but they share the same plastic language. Design is, among other things, communication, and the message must be clearly and correctly expressed. It happens that sometimes when designing, details, compositions, shapes emerge that I see potential for further research in my art. This often makes it a back and forth between both activities.
SR: For you, the artist must disobey? I mean disobey those who precede him, disobey history, trends, imposed currents.
MG: I understand that the artist must first know the history of art, study the classics, learn how to draw from scratch, experiment with techniques, etc. I don't believe much in the self-taught. There are few who manage to develop a quality artistic trajectory without having studies or years of workshop. Then, having that knowledge one can break, or not, the rules or dogmas to create something different. But I don't think that being a breaker guarantees an interesting result either. Rather, I am inclined to think that it is very small variations of what is already established that generate new art.
Mural. Hotel Hyatt (Montevideo, Uruguay)
Inspirada en la poesía de / Inspired by the poetry of Idea Vilariño (ver abajo / see below)
Mural. Hotel Hyatt (Montevideo, Uruguay) (detalle / detail)
SR: Image and word are united in your work: language is the bearer of images and images are bearers of the word. How does this literal relationship between literature and the plastic arts come about?
MG: I think there is in words, in letters, in texts, a strong visual component that is aesthetically very rich, that sometimes we don't appreciate it because we go directly to read the content of those symbols that we know and can decode. But when we see a word, or a text in an alphabet that we do not know, such as Arabic, Chinese, etc., we see those graphics as a plastic fact.
In my works the words are the raw material, and depending on what I want to transmit or express I make the composition. Sometimes I want it to be readable in whole or in part, and sometimes I want it to be unintelligible.
I work composing texts and then decomposing them, deforming them, breaking them in order to express plastically what I want to transmit with that text.
SR: How do you choose the works to make this fusion between pictorial art and poetry?
MG: My creative process is quite random: the trigger can be a poem, a song or a story, sometimes a thought that makes me uneasy or questions me, sometimes a texture, a shape, a material, a color. I don't have a specific method. I try to go through life exposing myself to stimuli that awaken my interest and challenge me, trying to see everything through a poetic lens.
SR: Regarding the calligraphy, that is, the fonts that give a special character to each work, how do you choose them for each work?
MG: The typeface chosen for each work also depends a lot on what I want to express, a very closed or bold typeface creates a very different pattern than a lighter one. There is also a dependence on the type of paper I am going to use, if it is very light, very thin, I generally avoid using some serif fonts, since the tips tend to arch. There is also a more technical part of adjustment, to ensure that the weft has the necessary contact points to prevent some parts from going forward or the piece from warping. There are certain tensions in the cut paper that must be taken into account so that the work is properly supported.
Mural. Edificio Alma Sur / Alma Sur Building
Obra por encargo inspirada en el poema Oda al aceite de Pablo Neruda /
Commissioned work inspired by the poem Ode to oil by Pablo Neruda.
Papel calado / fretwork paper, 2021 (ver abajo / see below)
SR: The letters are undulating and the letters vary in size, giving movement to the work. How important is the light that filters between the figures?
MG: In my case I think the work is as relevant as the shadows it casts. They are background and figure, one and the same conception.
SR: And do you want everyone to understand what you express in your art, or is it enough for them to admire its beauty and aesthetics?
MG: I believe that the search for beauty in everything we do is natural and essential, always considering the broadest sense of the concept of beauty, both visual and philosophical. In my works I work on two levels of creation: a more compositional work, of a formal and experimental nature, and another more oriented to a contemporary understanding of reality, reflecting on social or existential issues, where I am interested in deepening and presenting a personal view of the question.
That the observer has an aesthetic experience when viewing the work, and that he/she can also see that something else underlies it and makes him/her meditate or question, makes me very happy.
"Tribus / Tribes", papel calado / fretwork paper, 2018
Casa de la Cultura / House of Culture (Maldonado, Uruguay)
Mane Gurméndez trabajando en la instalación de "Tribus" / working on the installation of "Tribes"
SR: What emotions flow within you when you give plastic visualization and interpretation to a text?
MG: Varied as the text or the subject matter, I walk through uncertainty, chaos, fragility or grief, to harmony, happiness or hope.
SR: How long does each work take you approximately?
MG: I would say it's very relative, Sometimes it takes me a long time to work on the composition, which I do on the computer, and sometimes it takes me much longer to cut the paper, which I do absolutely by hand with a cutter.
They are two different stages in the creation process and I can never foresee how long it may take me. With regard to the cutting itself, in general, the works with large frames take me less time to cut, the smaller the letter, the slower the work takes me because I need to be very precise in the cutting.
"Templum", papel calado / fretwork paper, 2018
Instalación en / Installation at ArtFest (Pueblo Garzón, Maldonado, Uruguay)
SR: At the beginning, what were the difficulties of the craft?
MG: The fretwork technique offers no major difficulty: in short, it's like knitting or embroidery, it's easy to learn. I think the biggest difficulties at the beginning are the same ones I have today: getting good materials. The scarcity of good, large and varied papers is a problem.
SR: In terms of tools, which ones do you use?
MG: My two basic tools are design and photo retouching programs, and the x-acto knife, a pencil-shaped scalpel with a very sharp tip.
"Miss Misery", papel calado / fretwork paper, 2008
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)
Inspirada en la letra de la canción "Señorita Miseria" / Inspired by the lyrics of the song "Miss Misery"
SR: And what are your favorite supports?
MG: Papers of all kinds and textures, I am a compulsive collector, but without a doubt the most precious are the handmade ones of Chinese or Japanese origin, very thin and resistant.
SR: What projects are pending?
MG: I think something I'm looking forward to and I have pending is to do an artistic residency in a country with a culture very different from mine. I think it's an excellent and enriching experience.
"Heart of Gold / Corazón de oro", papel calado / fretwork paper, 70 x 70 cm., 2018
Inspirada en la letra de la canción "Corazón de oro" / Inspired by the lyrics of the song "Heart of Gold"
Neil Young en "El Hurgador" / in this blog: [Marc Burckhardt (Pintura, Ilustración)]
¡Muchas gracias por la entrevista, Mane!
Thanks a lot for the Interview, Mane!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Algunas referencias / Some references
"Tan arduamente el mar", Idea Vilariño
Tan arduamente el mar,
tan arduamente,
el lento mar inmenso,
tan largamente en sí, cansadamente,
el hondo mar eterno.
Lento mar, hondo mar,
profundo mar inmenso... Tan lenta y honda y largamente y tanto
insistente y cansado ser cayendo
como un llanto, sin fin,
pesadamente,
tenazmente muriendo... Va creciendo sereno desde el fondo,
sabiamente creciendo,
lentamente, hondamente, largamente,
pausadamente,
mar,
arduo, cansado mar,
Padre de mi silencio.”
"So arduously the sea", Idea Vilariño
So arduously the sea,
so arduously,
the slow immense sea,
so long in itself, wearily,
the deep eternal sea.
Slow sea, deep sea,
deep immense sea... So slow and deep and long and so long and so much
insistent and weary being falling
like a weeping, without end,
heavily,
tenaciously dying... It is growing serenely from the bottom,
wisely growing,
slowly, deeply, long,
slowly,
sea,
arduous, weary sea,
Father of my silence."
(free translation by myself)
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"Oda al aceite" (fragmento), Pablo Neruda
(...)
y allí
en
los secos
olivares
donde
tan sólo
cielo azul con cigarras,
y tierra dura
existen,
allí
el prodigio,
la cápsula
perfecta
de la oliva
llenando
con sus constelaciones el follaje:
más tarde
las vasijas,
el milagro,
el aceite.
(...)
"Ode to oil" (excerpt), Pablo Neruda
(...)
and there
in
the dry
olive groves
where
alone
the blue sky with cicadas
and the hard earth
exist
there
the prodigy
the perfect
capsules
of the olives
filling
with their constellations, the foliage:
then later,
the bowls,
the miracle,
the olive oil.
(...)
Translation: Motherbird
Pablo Neruda en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CCVI)], [Aniversarios Fotografía (CCXXX)]
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Sobre los artistas mencionados / About mentiones artists
Bellos, elegantes! Siempre el Infinito, erudito e inagotable discurso del Tapiz.
ResponderEliminarMaria Grazia Fill
Te quedo lindisimo.
ResponderEliminarlas esculturas son ermosas
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