Retomando las publicaciones regulares del blog, una nueva entrevista de Shirley Rebuffo, gracias a la cual nos internamos en la vida y obra de la artista uruguaya Nicole Vanderhoeght, con un extenso reportaje que aborda en profundidad su vida y obra, acompañado de profusa documentación fotográfica y una nutrida muestra de sus creaciones.
El artículo va en dos partes: la primera con texto en español e imágenes de la artista, su vida y su entorno, y la segunda en inglés con obras de diversos períodos creativos.
Resuming the regular publications of the blog, a new interview by Shirley Rebuffo, thanks to which we delve into the life and work of Uruguayan artist Nicole Vanderhoeght, with an extensive report that deals in depth with her life and work, accompanied by profuse photographic documentation and a large selection of her creations.
The article is in two parts: the first one with text in Spanish and images of the artist, her life, and her environment, and the second in English with works from different creative periods.
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Nicole Vanderhoeght Debrouwer
(San Carlos, Maldonado, Uruguay, 1964-)
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Nicole Vanderhoeght con sus obras / with her works. Foto / Photo: Shirley Rebuffo
Nicole Vanderhoeght ha revitalizado el concepto de la cerámica constructiva desde una óptica personal que tiene sólidos antecedentes en las contadas experiencias que se gestaron a través de los lineamientos esgrimidos por el maestro catalán Josep Collell en el Taller Torres-García a mediados del siglo XX. La intención de crear, siempre, la pieza única, refuerza el antiguo criterio de exaltar el verdadero numen del objeto.
El artista y docente Ignacio Olmedo opinó acerca de la trayectoria de Nicole recalcando que: "desde sus inicios, produjo una obra coherente, de rica inventiva y profusa experimentación. Preámbulo de un desarrollo sin pausas, embebido en auténticos valores estéticos".
Su arte -vaso, objeto, escultura y mural-, es "un micro-universo donde las felices e inspiradas proporciones transmiten el equilibrio y la belleza, recurriendo a una amplísima gama de recursos: desde lo delicado, femenino y sutil, a la rusticidad contundente". Por lo tanto: "tal cerámica, si bien se nutre de la huella torresgarciana, lleva sapiencia a términos personales como nunca se había hecho antes."
Sus creaciones se han extrapolado del ámbito de la arcilla para incurrir -también- en otras disciplinas diferentes. Una de ellas es la de los "tissus" o murales confeccionados a partir de fragmentos de tela cosida. Esta otra manera de ver se potencia, a veces, con la escultura en hierro, para conformar una sutil amalgama.
La obra de Nicole es apreciada por coleccionistas en todo el mundo y tiene dos grandes referentes monumentales en su "Árbol constructivo" (realizado entorno a una gran piedra de cuarzo blanco) y la "Espiral de Vida"; construcción metálica móvil ubicada en el balneario de La Barra de Maldonado (Uruguay).
Esta introducción corresponde al catálogo de la muestra "Luces y sombras" (2014)
"Mural urbano sobre gres / Urban Mural on Stoneware", 1998
Hija de padres belgas, nació el 26 de mayo de 1964 en San Carlos, Departamento de Maldonado, Uruguay. La familia se radicó en la localidad rural de "Los Ceibos". A sus siete años de edad viajó toda la familia de regreso a Bélgica donde descubrió sus primeras aptitudes para el arte y la decoración. En 1979 la familia regresó al Uruguay. En 1982 contrae enlace con el plástico Ricardo Pickenhayn Mazzoni, quien la inicia en la cerámica y luego en el Arte Constructivo, apadrinados por la amistad y el apoyo de Daymán Antúnez primero y Edgardo Ribeiro después, ambos, cofundadores del Taller de Torres-García (TTG).
En 1983, junto a su esposo, comienzan la construcción del -hoy- "Taller de Cerámica y Arte Estructurado" cuya labor educativa funciona en la campaña carolina. Allí imparte clases ininterrumpidamente hasta la actualidad formando a decenas de alumnos, algunos de los cuales, incluso plásticos de carrera, llegaron a desplazarse desde la capital y el exterior para asistir a los cursos.
El estudio / The Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo
En 1984, 1987 y 1991, nacen sus tres hijos, Gabriel, Federico y Verónica quienes heredan las dotes artísticas de sus padres. Además de su actividad fundadora en el taller, entre 1992 y 2002, se desempeñó como docente en la escuela rural donde, frente a varios grupos de niños, supo conquistar numerosos premios de plástica infantil a nivel nacional; siempre desde una óptica constructiva.
Las obras de Nicole, vaso, mural y escultura, escapan de los cánones de la cerámica habitual para manifestarse con un estilo diáfano y puro.
Su accionar traza un nuevo horizonte de imágenes surrealistas que, a su vez, se apoyan en la solidez de la estructura.
Ha expuesto periódicamente en múltiples exhibiciones tanto en la capital como en el interior.
En 1996 lo hizo junto a importantes figuras como Edgardo Ribeiro, José Luis "Tola" Invernizzi, Pedro Gava, Manolo Lima, Ignacio Olmedo, Pedro Peralta, y otros, con motivo de integrar a los plásticos de Maldonado en el espacio de la "Feria Nacional del Libro". En 1998 es invitada a exponer en el Museo Mazzoni de Maldonado en el marco de los homenajes del cincuentenario de la muerte de Joaquín Torres-García. En 1999, participa en la exposición de artistas residentes del departamento con formación u orientación constructivista y en septiembre del mismo año, forma parte de la muestra inaugural del "Taller de la Galería Latina" de Punta del Este en donde intervienen varios discípulos del Maestro Edgardo Ribeiro. Simultáneamente expone con Pickenhayn en el Hotel Meliá y poco después forma parte de dos importantes eventos con integrantes de la "Escuela del Sur".
"Pareja constructiva con trama / Constructive Pair With Weft", 2008
Durante el verano del 2000, después de inaugurar el primero de los salones que habrán de conformar el complejo CEDARTES, muestra su trabajo junto a la obra de maestros del Arte Universal Constructivo en la Galería "Sur". Es protagonista en los espacios de Arte de Susana Aramayo y la Galería Ciudadela. Y desde el verano de 2003, sus obras forman parte de la muestra permanente del Hotel Serena de Punta del Este.
En mayo de 2006 viaja a Europa en donde, además de vincularse al movimiento artístico de la tierra de sus padres (Bélgica), recorre los más importantes museos y galerías de París, Madrid y Barcelona.
En cada uno de estos centros de arte, deja constancia de su trayectoria y establece vínculos con emblemáticas galerías; como la Sala Dalmau de Barcelona y la de Nery Mariño en París las que, en su momento, acogieron a figuras como Picasso o el propio Torres-García.
En ese período inauguró, compartiendo espacio con su esposo, una muestra retrospectiva en la Casa de la Cultura de Maldonado y otra individual en el Museo Mazzoni. A partir de 2007 coparticipa, con Pickenhayn, en el ambicioso proyecto "Mantra-Art" en el que se lleva adelante la propuesta constructiva a las grandes salas del Hotel Mantra de Punta del Este. En enero de 2008, la pareja acepta el desafío planteado por una importante empresa minera de Artigas para crear arte a partir de las especiales geodas de cuarzo, el denominado proyecto: "Amethystos". Este peculiar experimento estético comprende la realización de 23 singulares esculturas que fusionan la creatividad con la naturaleza.
En verano de 2014 expuso en la Galería de las Misiones de José Ignacio (Maldonado) junto a varios referentes de la "Escuela del Sur". Luego lo haría, con Pickenhayn, en la muestra "Luces y sombras" en Montevideo. Simultáneamente conformó la idea de llevar el arte estructurado a los generosos espacios de la emblemática Bodega Juanicó. También expuso en el espacio de Arte de la Laguna del Diario de Sylvia Poorth y Peter Bronner. A su vez mostró su trabajo en la Posada de los Pájaros de La Barra (en donde se emplazó su gran escultura "Espiral de vida") y en varias exposiciones individuales y colectivas en Maldonado.
"Mural estructurado con acero y cobre repujado /
Steel Structured Mural With Wood and Embossed Copper", 1999
En 2022 participó en el stand de la Fundación Gurvich de "Este Arte" en Punta del Este. También expone en el complejo "Las Taperas del Valle Edén" y continúa su participación en las galerías "Sur" y "de Las Misiones" así como en el espacio de Lilia Muñiz en la Península.
En su amplia trayectoria, Nicole desarrolla una nueva concepción estructural que combina el análisis con su peculiar estilo espontáneo y gestual. Su incesante afán creativo la llevó a pergeñar diferentes modos de ver el arte; los que incluyen a la cerámica, la pintura y sus "tissus" (composiciones, murales y escultóricas, en tela cosida) de muy especial factura. Estas realizaciones escapan de los tradicionales "collages" para adentrarse en la esencia más pura del femenino oficio del corte y la confección.
La obra de Vanderhoeght ha despertado el interés de coleccionistas locales e internacionales, encontrándose su trabajo en varios países, tales como: Uruguay, Brasil, Argentina, España, Francia, Inglaterra, Suiza, Bélgica, Luxemburgo y Estados Unidos. En la actualidad integra el acervo de la colección del "Legado del TTG" en la Fundación Gurvich.
Entrevista de Shirley Rebuffo
Orígenes
Shirley Rebuffo: Cuéntanos un poco cómo han sido tus idas y venidas en el trajín de la vida
Nicole Vanderhoeght: Nací el 26 de mayo de 1964 en la ciudad de San Carlos, departamento de Maldonado, Uruguay. Esta historia comenzó luego de la guerra, cuando mis padres decidieron dejar su Bélgica natal para radicarse aquí y vivir una vida más alejada del tumulto y las secuelas de aquel conflicto que tanto afectó a Europa. Ambos pasaron instancias duras durante la ocupación en su querida ciudad.
Mi familia decidió venir a Uruguay al descubrir esta zona cálida y tranquila, que también está próxima al mar. Se afincaron en el campo, en la zona rural de Los Ceibos. Allí mis padres habrían de crear una chacra autosustentable. Todo se elaboraba en casa: el pan, la manteca, el dulce y otras facturas exquisitas que provenían del producto de nuestro trabajo. Teníamos animales de granja y un pequeño tambo que representaba el ingreso principal. Una huerta siempre surtida, así como los frutales que eran fuente de una deliciosa jalea que terminó siendo famosa en la región. Desde mi punto de vista, todo ello fue una experiencia muy feliz.
"Nicole en la casa de Los Ceibos / Nicole at Los Ceibos house", 1966
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Instancias de vida
SR: ¿Piensas que tu vida, algo retirada de las grandes ciudades, ha influido en la forma de realizar tu arte?
NV: El hecho de vivir en el campo hace que aprecies todo de una forma más profunda. Los sentidos se agudizan cuando todos los días observas la naturaleza recreando sus ciclos. El frío y el calor, los vientos, el movimiento de las nubes; los animales, las plantas y los insectos. Allí el aire es más fuerte; pisas la tierra, tocas el agua y la madera de los árboles. Esa es la realidad, no faltaba nada.
Recuerdo jugar descalza en el barro y formar personitas que de alguna manera eran mi familia. Sentados allí, esperando la siguiente lluvia que los devolvería, como arcilla, al cauce del río.
"Nicole en la 'playa' de 'Los Ceibos', con Ángela, Mónica, su padre Clemente y la yegua "Ñata" /
Nicole at the 'Beach' of 'Los Ceibos', With Angela, Monica and her Father Clemente and the mare 'Ñata'", 1971
Al caer la noche los faroles suplían la falta de electricidad. Me veo jugando con pequeños trozos de tela y lana bajo aquella tenue luz en la aromática cocina de mi madre. Eran tiempos y atmósferas de ensueño.
Estuve aquí en Uruguay hasta mis siete años.
Todas esas vivencias quedaron marcadas en mi interior y sin duda afloran hoy, de algún modo, expresadas como formas, texturas y colores, en mis obras cerámicas y textiles.
La ida y la vuelta
SR: Cuéntanos sobre las idas y vueltas desde Uruguay a Bélgica.
NV: A principio de los años setenta, mis hermanos varones primero y luego el resto de la familia, emprendimos el regreso a Bélgica. En el emblemático transatlántico "Giulio Cesare" de la línea "C" viajamos hacia esa Barcelona mágica que fue cuna de Gaudí y Torres-García, y luego desde allí en tren hasta Bruselas.
En un abrir y cerrar de ojos la vida me cambió. El maravilloso viaje, el descubrimiento de la ciudad, con sus grandes y hermosos edificios, concurridas avenidas, subterráneos, vehículos modernos, nunca vistos por mí y el privilegio de estar presente en lo que muchos denominan como "primer mundo".
Ahora podríamos tener luz eléctrica, lavarropas y TV color. Los alimentos ya no "saldrían" más de la tierra; sólo había que ir al moderno supermercado donde encontrar las aves ya procesadas, los lácteos en botella y los vegetales en conserva. Entonces descubrí también ¡los maravillosos chocolates belgas!
De repente, una casa a estrenar y un moderno automóvil sustituyeron a nuestra humilde vivienda rural y al cotidiano carro tirado por nuestra yegua "Ñata".
Al principio, a pesar de las comodidades, fue difícil el cambio, pero rápidamente me adapté. Tuve la oportunidad de conocer otros países, con sus increíbles paisajes, ciudades, costumbres y enormes museos; como el del África en Tervuren, localidad flamenca en la cual nos radicamos. Desde sus vitrinas, me atrajo la estética y ese primitivo simbolismo del sur que pronto se iría identificando con mi propio terruño americano.
En el año 1979, luego de toda esta gran experiencia, volvemos mis padres y yo al Uruguay.
Otra vez el trasplante y sus complicaciones. Había construido allá una nueva vida de estudio, sorpresas y amigos, expresándome entre el idioma francés y el complejo neerlandés.
Volvimos a un país que apenas comenzaba a despertar de los pesares de la dictadura. La ciudad de San Carlos aún mantenía ese perfil pueblerino de paisanos y caballos atados al palenque.
Una vez más, nos instalamos en el campo; pero esta vez mis padres adquirieron un terreno que casualmente fue lindero con la propiedad en donde vivía el que luego sería mi esposo: Ricardo Pickenhayn. Entonces nació el romance. Nos casamos en 1982 y a partir de allí empieza nuestra historia compartida.
La vida constructiva en familia
SR: Al principio, ¿cuáles fueron las dificultades del oficio y qué recuerdos tienes de tus maestros?
NV: En los inicios todo comenzó en nuestra casa "Micromundo" en donde pronto sumamos el taller que construimos enteramente con Ricardo.
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"El taller en construcción, con Sebastián (sobrino) /
The Workshop Under Construction, With Sebastian (Nephew)", 1984
Tuvimos tres hijos, también con aptitudes plásticas. Ese mismo amor por el arte nos vinculó con los maestros y con sus respectivas familias; tanto la de Daymán Antúnez y su esposa Adelina, con sus hijos Lahiri y Yuktéswar, como la de Edgardo Ribeiro con Paquita y su entrañable hermano Alceu.
Day Mán siempre insistía en la metafísica y en nunca apartarnos de lo más puro. "A veces la obra nace de un instinto y otras de un proceso más meditativo" decía. Edgardo era más racional; nos ponía los "pies en la tierra" y sobre todo nos enseñaba a "ver".
Day Mán y después Ribeiro nos inculcaron un profundo respeto por el oficio. La lógica de sus enseñanzas fue una liberación. Frecuentemente nos repetían conceptos que venían de la prédica del propio Torres-García: "Hay que poner el corazón en el arte, pero la mente y las manos deben actuar como un simple albañil que construye su obra con oficio y sabiduría". También nos recalcaban que: "para realmente aprender, hay que experimentar y arriesgarse siempre".
Poda mística con Day Mán, Nicole, Ricardo, Gabriel, Federico & Milú /
Mystical pruning with Day Mán, Nicole, Ricardo, Gabriel, Federico and Milú", 1988 - Foto / Photo G. Serra
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SR: Has compartido una vida artística. ¿Cómo fueron esos comienzos?
NV: Con Ricardo compartimos todo. Desde la austeridad de empezar de cero hasta la esperanza por encontrar un destino. Comenzamos juntos como ceramistas, pero luego los materiales que empleó cada uno nos fueron cambiando. Sin embargo, a pesar de que los oficios varían, nos nutrimos de la misma fuente. Somos bien distintos, pero tenemos un lineamiento común. Lo interesante es que todavía hay mucho camino por descubrir.
En lo que refiere al Universalismo Constructivo la idea es trazar un puente entre la forma y su contenido. Muchos piensan que el constructivismo es otro "ismo" pero esta filosofía va mucho más lejos. Se trata de un proceso en constante desarrollo. A nosotros, por ser continuadores de esa escuela, nos cabe la responsabilidad de hacer vibrar esas enseñanzas.
Luego de tanto tiempo, tengo muchísimas obras y ojalá pueda seguir intensamente en esta actividad. Ideas y ganas me sobran.
"Edgardo, Paquita, Nicole, Gabriel, Federico & Verónica en / at Micromundo", 1998
SR: ¿Te emociona ver la obra terminada? ¿Por qué la pieza tiene una geometría razonada desde lo constructivo y se entremezcla a veces lo indígena? Pienso que conseguir esos acabados de engobe y opacidad, en el resultado final, debe ser apasionante.
NV: Muchas emociones. El hecho de construir, siempre es un desafío. Primero la forma, la cual puede dar vida a un objeto, una escultura o el desarrollo de un mural. En el caso de la decoración, ésta nunca es un simple adorno. El constructivismo te enseña que cada línea o color son parte del todo.
Por esto la geometría que se ve en mis obras está directamente relacionada con la estructura que sostiene al conjunto de sus elementos.
Tanto en mis trabajos cerámicos como en la obra textil comienzo con una idea para desarrollar y en el transcurso puede haber cambios dentro de esa construcción.
Tengo obras de cerámica que se asocian a lo que hago con las telas y a su vez concibo murales textiles que terminan inspirando mi actividad en el barro.
Estas dos expresiones son el centro de mi obra, por ello se relacionan y van tomando ideas de una para la otra.
Cuando estás con tu pieza en la intimidad del taller la experiencia es como la de dos personas que se hablan. Se establece un diálogo en comunión. Me gusta esa dualidad de poner en la obra lo que yo siento o lo que ella me pide: a su manera cada forma exige algo.
Ese contrapunto de "tú y yo" es el momento que más me gusta.
"Nicole en el taller / at the Studio", 1998
Intento que toda realización sea en su totalidad una armonía con una lectura agradable y a su vez que no sean sólo líneas tiradas al azar. Hay un estudio y mucho trabajo detrás de cada idea intuitiva.
Por otro lado, realizar una escultura es algo más complejo, aunque todo es parte de lo mismo.
"Tres de vasijas y mural en el taller / Three Pots and Mural in the Studio", 2011
Naturaleza y proporciones inspiradoras
SR: ¿La naturaleza te inspira?
NV: La Naturaleza es parte fundamental de lo que expreso en muchas de mis obras. De por sí, el barro es un ser vivo que se transforma y busca su propia significación. A su vez en el dibujo que voy trazando aparecen vestigios de entes que me rodean.
Pero más allá de esta experiencia superrealista, necesito de la estructura, como soporte para conformar una trama bien hecha.
El compás áureo es un instrumento universal que utilizo con frecuencia y me permite entender y explorar la estructura y la medida que existe en todas las cosas. Establece una composición armónica y sirve para que razonemos que todo este cosmos está signado por una "Divina Proporción".
"Vasija con constructivo en contraste / Vase With Constructive in Contrast", 2012
En definitiva, cada obra parte de lo mismo porque toda creatividad está basada en el sustento de una construcción geométrica. Las tres formas básicas: círculo, cuadrado y triángulo son las protagonistas y de modo diferente van formando lenguajes simbólicos. Si a cada una le quitamos o agregamos una parte, se transforma en otra y por ello tal geometría (pura o entrelazada) va ideando diseños novedosos.
Luego de tantos años creando obras, compruebo que felizmente no hay ninguna igual a la otra. Por suerte la inventiva no se acaba. Hay infinidad de posibilidades. Un manantial inagotable. Cuando trabajo en una escultura como, por ejemplo, una de mis "damas" (así las llamo) son personajes singulares en sus curvas, movimientos y disociaciones.
Cada figura siempre parte de algo más puro. Por ejemplo, si a un cubo lo corto por su sección áurea y desplazo sus partes, aparecen facetas nuevas. Eso se denomina: "disociado". El Disociado es un sutil perfeccionamiento del Universalismo Constructivo. Su creador fue Day Mán Antúnez, nuestro primer mentor, quien desarrolló, a principios de los años 60, un singular ejercicio que había esbozado Torres-García, mejorando de este modo, la distribución de líneas en el plano. Nosotros, a partir de 1985 comenzamos a aplicar esta arquitectura en el volumen, supervisados por el propio maestro, y esto lo trasladamos a la escultura, el mural en relieve y los objetos. También transmitimos estos avances a nuestros alumnos.
Obras varias / Several Works, Muestra en la sala de Cedartes / Exhibition at Cedartes, 2018
Materiales
En lo que refiere a la Cerámica, su principal elemento es la arcilla, misma que puede contener diferentes constituciones que se traducen en texturas y colores. Estas propiedades se vuelven interesantes al momento de elaborar murales, esculturas o vasijas. Toda arcilla es potencialmente utilizable, pero debe de ser intervenida para lograr un equilibrio entre "plásticos y antiplásticos".
La plasticidad se da por su propia condición de ser, en su forma química, un "silicato de alúmina hidratado". Esta materia universal se combina con otros elementos -en diverso grado y medida- que son los que le otorgan fortaleza a esa flexibilidad.
Hay mucho trabajo detrás del taller del ceramista. Es necesario procesar cientos de kilos de arcilla, dejarla reposar por meses, dosificar el secado en planchas de yeso y finalmente amasarla.
"Colando arcilla roja / Straining red clay", 1987
"Nicole preparando arcilla / Preparing Clay", 2022
"Secando arcilla en el yeso / Drying Clay in Plaster", 2021
También está el tratamiento de los óxidos y esmaltes, pero especialmente de los engobes.
El engobe es una técnica de cobertura ancestral que logra una perfecta amalgama (interior-exterior). Es la propia arcilla diluida, la que se entona con los óxidos metálicos otorgando así un acabado natural. Nuestros indígenas americanos fueron maestros en su uso, logrando una verdadera impronta que se extiende de norte a sur.
En mi caso, las piezas las hago totalmente a mano desde su base y las técnicas son varias. Pero resalto la conclusión del engobe. Éste, según una tradición milenaria, se aplica sobre la pieza aún húmeda y luego se bruñe para dotarlo de su característico brillo satinado. Más allá de nuestra América precolombina, el engobe fue la técnica universal que unió los principales pueblos de la Antigüedad, tanto en África, como Asia y la cuna del Mediterráneo.
"Aplicando engobes en un mural / Applying Slipware on a Mural", 2022
No me canso de ver la gran obra continental de nuestros antepasados indígenas: creadores de cosas maravillosas. Esos pueblos espirituales tenían su arte intrínseco. Todavía hoy podemos leer el contenido de sus creaciones, las cuales siguen vigentes y podemos aprender de su factura y religiosidad.
Todo trabajo cerámico involucra paciencia y dedicación. Cuando estoy en eso, entro en otro plano que motiva todo mi ser y pueden pasar horas a pesar del cansancio.
SR: ¿De dónde se extrae tu arcilla preferida? ¿Cómo te sientes cuando una obra sale del horno? ¿Te has llevado sorpresas?
NV: A lo largo de los años, más de tres décadas, he creado piezas con distintos tipos de arcillas, muchas de las cuales extrajimos aquí en Maldonado nosotros mismos, o las hacemos traer desde yacimientos próximos al río Yi de Durazno.
Otro factor importante en el proceso de la Cerámica es la cocción; el momento en que esa sustancia que antes fue roca, polvo y lodo -calor mediante- logra convertirse en un nueva entidad cristalina, sonora y perdurable.
En el taller hemos hecho múltiples experiencias. Desde las iniciales, en hornos de aserrín, hasta quemas de leña. También prácticas exóticas como el Rakú (técnica que proviene del lejano oriente). Pero nos resulta más cómodo el manejo de artefactos eléctricos, los cuales permiten un control más sustentable en el quehacer cotidiano. Son seguros, queman parejo y nos dan tiempo aprovechable durante las cocciones.
"Mural cerámico con talla y engobe / Ceramic Mural With Carving and Slipware", 2022
También tenemos un horno a leña del tipo romano. De allí surgieron obras hermosas e inigualables pero su complejidad requiere de una atención de varias horas.
El ritual de la "quema" es todo un misterio alquímico. Las obras previamente deben de ser secadas y necesitan "respirar" antes de que se ubiquen en el horno. Luego, la puerta se cierra en su último proceso. Hay mucha expectativa. Comienza la mística.
En ocasiones hay sorpresas y el riesgo siempre existe. Colores y texturas pueden variar en función de la temperatura, pero todo transcurre dentro de un margen esperado.
Por fin la hora del encuentro llega. Reaparece aquella pieza que veneras y a la cual le has dedicado tanto tiempo. Ahora, ya cocida, proyectará las ideas y todo tu espíritu como una carta hacia el futuro.
"Horno a leña y vasija realizada en el mismo / Wood Oven And Pot Made in the Same Oven"
Docencia
SR: Trabajando como docente ¿Cuál piensas es tu aporte como artista que modela su práctica?
NV: La Cerámica ha representado lo más importante de nuestras vidas. Porque, más allá de la propia labor e investigación como artistas, la hemos desarrollado como actividad docente.
Todo comenzó luego de la boda, cuando nos vinimos a este Micromundo donde constituimos el epicentro de nuestro accionar. A principios de los años 80 comenzamos juntos este trabajo de enseñanza que se extendió desde el taller hasta las escuelas rurales donde trabajé honoríficamente por un largo período. Ricardo, por su lado, lo hizo de forma curricular en el propio Liceo de San Carlos y en otras instituciones donde realiza también charlas y conferencias.
"Nicole en la Escuela 24 / at the 24 School", 1997
"Mural constructivo premio Inca, Escuela 24 / Constructive Mural Inca Prize, 24 School", 1998
Por nuestra formación constructivista que, como mencioné, heredamos de nuestros maestros Day Mán Antúnez y Edgardo Ribeiro y por el vínculo con la Fundación "Condorhuasi" del entrañable Ceramólogo Jorge Fernández Chiti, en Buenos Aires, nos abocamos en el desafío de conformar un especial "Taller de cerámica y Arte Constructivo". Singular polo de investigación, único en su especie y con más de cuarenta años de trayectoria ininterrumpida.
La premisa fundamental del taller siempre fue la de "abrir puertas" para que cada uno encuentre su propio camino. A su vez, resulta imprescindible enseñar cuáles son las pautas para alcanzar un objetivo ya que, al aplicar estos conceptos, es cuando realmente involucramos todo nuestro ser.
Mis primeras experiencias educativas las realicé con niños; en ese momento mágico de su formación. Luego en el taller siempre vamos compartiendo las enseñanzas con los alumnos. Se trabaja con ambiciosos desafíos que involucran el estudio de la estructura y su aplicación en el espacio. El objetivo siempre es el de ser originales y lograr que cada quien aporte ideas propias. Una obra nueva nace en lo profundo del espíritu, a veces cuesta desarrollarla, pero con trabajo y dedicación se consigue.
"En Condorhuasi con Jorge Fernández Chiti - Ceramista fundador /
At Condorhuasi with ceramist Jorge Fernandez Chiti - Founder", 1999
"Clase en el taller / Class at the Workshop", 2010
Los textiles
SR: ¿Cómo comenzó tu trabajo con los textiles?
NV: En otro orden, pero conjuntamente con mi pasión por el arte del barro, desarrollé otra manifestación estética: la que se refiere a mi trabajo con telas.
La inquietud viene de niña cuando creaba vestuarios y escenografías para mis muñecas. En casa había una máquina de coser "Singer" a pedal. Mi madre nos hacía la ropa y mi hermana mayor me enseñó a coser, con la excusa de que yo hiciera vestidos para ornar aquel íntimo mundo infantil. Una tía me trajo muestras de género de una fábrica de Bruselas con las cuales logré confeccionar una particular colección de vestuario en miniatura; la que canjeaba a mis amigas por otros beneficios. En el futuro también continuaría en el "métier" pero como otra forma de mimar a mis hijos.
Durante mi adolescencia siempre soñé con la Decoración. No con el simple concepto de "adorno" sino con la intención de ver a los objetos funcionando en perfecta armonía. Esa aspiración decantó y evolucionó con el tiempo. En el caso de las telas, por ejemplo, hoy las utilizo con otra estética más profunda y constructiva. Les dejo sus "flequillos", el "desgaste del tiempo" y su textura, así como veo tramas, tono y color con otra madurez.
El redescubrimiento de esta otra actividad me inspiró para ver el arte en nuevas dimensiones -por un lado, similares- pero, por otro, muy diferentes a la Cerámica.
Cada cambio de material agiliza la mente y despierta el alma. Las telas son el perfecto complemento de la arcilla. Por estar en las antípodas, poseen esa levedad y tersura que las hace especiales. Tanto en forma de collage como cosidas a mano o a máquina, intervengo sus tramas y colores en forma de una particular arquitectura.
Mis creaciones tienen esa impronta que nace a partir de una idea muchas veces invisible.
Dibujos gestuales que se "hilvanan" en forma de signos expresando un lenguaje revelador y personal.
"Gran mural de tela / Large Fabric Mural", 2016
Nicole confeccionando el mural rojo / Nicole Making the Red Mural", 2022
SR: ¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?
NV: En general, ante toda disciplina que practico, insisto en que "no hay que apurarse". El tiempo es otra medida abstracta que vale como la forma o el vacío.
Se deben respetar las etapas y dejar que la obra hable su propio idioma. En el arte toda "cosa" parte de una síntesis. Desde una imagen, como un signo volumétrico, un objeto o una escultura, se resume en un mismo problema básico.
A todo esto, se suma la simbología que vamos desplegando a lo largo de una vida. Geometría abstracta que se transforma en "personajes" imaginarios.
Mucho de ello proviene del gesto; esa impronta que llevamos dentro y que cada quien manifiesta de diferente manera.
"Mural en tissu / Tissue Mural", 2018.
El arte está en lo vivido y en lo que sueñas. Estas breves sucesiones que se van presentando día a día conformaron mi tránsito como artista. La vida me fue encauzando, desde las experiencias de niña con el barro en el campo, luego los primeros textiles hasta mis dibujos en el colegio Mater Dei de Bruselas. Ya de vuelta en Uruguay, hice mi primera pieza cerámica, con Ricardo, sentados al borde del pozo de casa (año 1982) un pequeño vaso sencillo, pero muy significativo.
Me casé muy joven y fuimos descubriendo juntos este camino que hoy es presente. Unos años más adelante (1985) bajo las directivas de Day Mán comencé un periplo de aprendizaje con el dibujo constructivo-disociado, mismo que luego trasladé a una pequeña pieza con engobe que hoy también valoro como a un objeto especial.
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"Boceto para vasija (clases de Day Mán) / Sketch for Pot (Day Mán Classes)", 1986
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"Cerámica 'pionera' (primera obra constructiva) / 'Pioneering' ceramics (first constructive work)", 1988
Proyectos pasados presentes y futuros
SR: ¿Qué proyectos tienes pendientes?
NV: Desde que comenzamos esta cruzada en pos del arte hemos hecho innumerables exposiciones. Tanto las que fuimos impulsando en CEDARTES (nuestro Centro para el desarrollo del Arte Estructurado) hasta muestras individuales en Uruguay, Brasil y Francia. Además de las incontables colectivas del Taller, junto a nuestros alumnos, participamos en varios importantes encuentros en compañía de los grandes Maestros del TTG.
En mi caso particular expuse individualmente varias veces en diferentes sitios además de incluir mi obra en las galerías como "Sur" y de "Las Misiones".
Nos involucramos en la estética de varios desarrollos de hotelería como "Las Dunas" (2003) "Serena" (2004) Mantra (2007) Posada de los Pájaros (2010) y "Las Taperas" (2021). También en "Casa Pluna" (2010) y el "Establecimiento Juanicó" (2014). Desde 2022 formamos parte del acervo de obras de la Fundación Gurvich en donde participamos en eventos como el de "Este Arte Uruguay" (2022).
En cuanto al futuro, hace años concebí algunas esculturas de gran tamaño como la "Espiral de Vida" (que está en la "Posada de los pájaros" de "La Barra") o el "Árbol Simbólico" obra de acero que rodea un enorme cuarzo blanco. Pero aún tengo varios proyectos para obras monumentales (que yo denomino como esculturas "para andar") que siguen a la espera en el cajón de los bocetos. También nuevas ideas de fusión entre cerámica y otros materiales que espero hacer en algún momento.
"Espiral del vida / Spiral of Life" 2013
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"Árbol de vida (acero y cuarzo blanco) / Tree of Life (Steel and White Quartz)", 2008
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Sobre los artistas mencionados:
Ricardo Pickenhayn Mazzoni: Guía en Movimiento
Edgardo Ribeiro: [Recolección (CXLVI-1)]
Joaquín Torres-García:
[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]
José Luis "Tola" Invernizzi: [Ventanas (I)]
Pedro Gava: Contexto
Héctor Ignacio Gonçalvez Olmedo: Wikipedia
Pedro "Pichín" Pablo Peralta:
[Uruguayos (XXIII)], [Uruguayos (XXIV)], [Rinocerontes (LVII)], [Uruguayos (XXVI)], [Asonancias (XXVII)]
José Gurvich (Zusmanas Gurvicius): [Uruguayos IV], [Ventanas (III)]
Jorge Fernández Chiti: Website
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Muchas gracias, Nicole, por la entrevista y las imágenes.
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
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