viernes, 16 de marzo de 2018

Sucedió en el museo... (VIII, Anexo) / It Happened at the Museum... (VIII, Annex)

Este post complementa el anterior de la serie, "Sucedió en el museo (VIII)", repasando algunas de las obras presentes en las fotografías de la selección. Números de referencia en cada imagen. Información sobre artistas aún no publicados en el blog al final del post.

This post complements the previous one of the series, It Happened at the Museum (VIII), reviewing some of the artworks of the selection. Reference numbers in each image. Info about artists not yet featured in the blog at the end of this post.
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Karl Schmidt-Rottluff

(1) "Mädchen vor dem Spiegel / Chica frente al espejo / Girl before the mirror", 1915
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie (Alemania / Germany)
© VG Bild-Kunst, Bonn 2015. Foto / Photo: bpk / Jens Ziehe. Link

"Mädchen vor dem Spiegel / Chica frente al espejo / Girl Before the Mirror", 1914
Xilografía / woodcut, 62,2 x 51,2 cm cm., 1914. Ed.75.
Yale University Art Gallery (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

Karl Schmidt-Rottluff en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLVI)]
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Anders Zorn

(02) "Un pescador / A Fisherman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, St. Ives, Cornualles / Cornwall, 1888
Musée des Beaux Arts (Ville de Pau, Aquitania, Francia / Aquitaine, France). WikiArt

Anders Zorn en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Milton Clark Avery

Milton Clark Avery fue un pintor moderno estadounidense. Nacido en 1885 en Altmar, Nueva York, se mudó a Connecticut en 1898 y más tarde a la ciudad de Nueva York.
Hijo de un curtidor, Avery comenzó a trabajar en una fábrica local a la edad de 16 años y se mantuvo a sí mismo durante décadas con una sucesión de trabajos manuales. La muerte de su cuñado en 1915 dejó a Avery como el único hombre adulto en su hogar, responsable del sostenimiento de nueve parientes femeninas. Su interés en el arte lo llevó a asistir a clases en Connecticut League of Art Students en Hartford, y durante algunos años, pintó en la oscuridad mientras recibía una educación artística conservadora. En 1917 comenzó con trabajos nocturnos para pintar durante el día.
En 1924 conoció a Sally Michel, una joven estudiante de arte, y en 1926 se casaron. Sus ingresos como ilustrador le permitieron dedicarse más a la pintura. Tuvieron una hija, March Avery, en 1932. Durante varios años a fines de la década de 1920 y hasta fines de la década de 1930, Avery practicó la pintura y el dibujo en la Art Students League de Nueva York. Roy Neuberger vio su obra y pensó que merecía reconocimiento. Decidido a hacer que el mundo conociera y respetara el trabajo de Avery, Neuberger compró más de 100 de sus pinturas, comenzando con "Paisaje de Gaspé", y las prestó o donó a museos de todo el mundo. Con la obra de Milton Avery rotando a través de museos de alto perfil, llegó a ser un pintor muy respetado y exitoso.
En la década de 1930 se hizo amigo de Adolph Gottlieb y Mark Rothko, entre muchos otros artistas que vivían en la ciudad de Nueva York en los años 1930-40.
La Colección Phillips en Washington, DC, fue el primer museo en comprar una de las pinturas de Avery en 1929. También le hizo su primera exposición individual en un museo en 1944. Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias en 1963.
Avery era un hombre de pocas palabras. "¿Por qué hablar cuando puedes pintar?" a menudo bromeaba con su esposa. Su hija, March Avery, también es pintora.
La obra de Avery es fundamental para la pintura abstracta estadounidense. Aunque su obra es claramente representativa, se centra en las relaciones de color y no se preocupa por crear la ilusión de profundidad como la mayoría de la pintura occidental convencional desde el Renacimiento. Avery a menudo era considerado como un Matisse estadounidense, especialmente por sus coloridas e innovadoras pinturas de paisajes. Su uso poético, audaz y creativo del dibujo y el color lo diferencian de la pintura más convencional de su época. Al principio de su carrera  su obra fue considerada demasiado radical por ser demasiado abstracta; cuando el expresionismo abstracto se volvió dominante, su obra fue pasada por alto, por ser demasiado representativa.
El fauvismo francés y el expresionismo alemán influyeron en el estilo de los primeros trabajos de Avery, y sus pinturas de la década de 1930 son similares a las de Ernst Ludwig Kirchner. En la década de 1940, el estilo de Avery se había vuelto más similar a Henri Matisse, y sus obras posteriores utilizan el color con gran sutileza.
Murió en 1965.


(03) "Mar negro / Black Sea"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50" x 67 3/4", 1959
© Milton Avery Trust / Artists Rights Society (ARS), New York
The Phillips Collection (Washington, EE.UU./ USA)

Milton Clark Avery was an American modern painter. Born in 1885 in Altmar, New York, he moved to Connecticut in 1898 and later to New York City.
The son of a tanner, Avery began working at a local factory at the age of 16 and supported himself for decades with a succession of blue-collar jobs. The death of his brother-in-law in 1915 left Avery, as the sole remaining adult male in his household, responsible for the support of nine female relatives. His interest in art led him to attend classes at the Connecticut League of Art Students in Hartford, and over a period of years, he painted in obscurity while receiving a conservative art education. In 1917, he began working night jobs in order to paint in the daytime.
In 1924, he met Sally Michel, a young art student, and in 1926, they married. Her income as an illustrator enabled him to devote himself more fully to painting. The two had a daughter, March Avery, in 1932. For several years in the late 1920s through the late 1930s, Avery practiced painting and drawing at the Art Students League of New York. Roy Neuberger saw his work and thought he deserved recognition. Determined to get the world to know and respect Avery's work, Neuberger bought over 100 of his paintings, starting with Gaspé Landscape, and lent or donated them to museums all over the world. With the work of Milton Avery rotating through high-profile museums, he came to be a highly respected and successful painter.
In the 1930s, he was befriended by Adolph Gottlieb and Mark Rothko among many other artists living in New York City in the 1930s–40s.
The Phillips Collection in Washington, D.C., was the first museum to purchase one of Avery's paintings in 1929; that museum also gave him his first solo museum exhibition in 1944. He was elected a Fellow of the American Academy of Arts and Sciences in 1963.
Avery was a man of few words. "Why talk when you can paint?" he often quipped to his wife. Their daughter, March Avery, is also a painter.
Avery's work is seminal to American abstract painting—while his work is clearly representational, it focuses on color relations and is not concerned with creating the illusion of depth as most conventional Western painting since the Renaissance has. Avery was often thought of as an American Matisse, especially because of his colorful and innovative landscape paintings. His poetic, bold and creative use of drawing and color set him apart from more conventional painting of his era. Early in his career, his work was considered too radical for being too abstract; when Abstract Expressionism became dominant his work was overlooked, as being too representational.
French Fauvism and German Expressionism influenced the style of Avery's early work, and his paintings from the 1930s are similar to those of Ernst Ludwig Kirchner. By the 1940s, Avery’s painting style had become more similar to Henri Matisse, and his later works use color with great subtlety.
He died in 1965.

Milton Clark Avery en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CIII)]
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Egon Schiele

(04) "Versinkende Sonne / Puesta de sol / Setting Sun", 90 × 90,5 cm., 1913. GAP
Leopold Museum (Viena / Vienna, Austria)

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David Hockney

(05) "Los árboles más grandes cerca de Warter o Pintura al aire libro para la era post-fotográfica /
Bigger Trees Near Warter or Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique", 460 × 1220 cm., 2007
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). Wikipedia

"Los árboles más grandes cerca de Warter" es el trabajo más grande de David Hockney hasta la fecha. Mide más de cuatro y medio por doce metros. La pintura está compuesta por cincuenta paneles unidos para formar un todo. Su tema devuelve a Hockney a su Yorkshire natal, con una vista de un paisaje cerca de Warter, al oeste de Bridlington, justo antes de la llegada de la primavera cuando los árboles se llenan en hojas. En el espacio de primer plano poco profundo, un bosquecillo de árboles altos y algunos primeros narcisos se encuentran en un terreno ligeramente elevado. Un sicómoro imponente es el enfoque central de la composición. Otro bosquecillo más denso, pintado en tonos rosados, es visible en el fondo. Un camino hacia el extremo izquierdo y dos edificaciones a la derecha de la composición ofrecen signos de habitación humana. La amplia zona superior de la pintura está dominada por el intrincado pero rígido diseño creado por las ramas superpuestas de los árboles, que están claramente delineadas contra el cielo invernal. Tate


Bigger Trees Near Warter is David Hockney’s largest work to date. It measures more than four and a half by twelve metres. The painting is made up of fifty panels joined together to form a whole. Its subject returns Hockney to his native Yorkshire with a view of a landscape near Warter, west of Bridlington, just before the arrival of spring when the trees are coming into leaf. In the shallow foreground space a copse of tall trees and some early daffodils stand on slightly raised ground. An imposing sycamore is the composition’s central focus. Another, denser copse, painted in pinkish tones, is visible in the background. A road to the extreme left and two buildings to the right of the composition offer signs of human habitation. The painting’s extensive upper zone is dominated by the intricate but stark pattern created by the trees’ overlapping branches, which are clearly delineated against the winter sky. Tate

David Hockney en "El Hurgador" / in this blog:
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Andy Warhol

(06) "Flores de 10 pies / Ten-Foot Flowers", 1967
Museum fur Gegenwart (Berlin, Alemania / Germany). Link

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Pierre-Gerard Carrier-Belleuse

Pierre-Gérard Carrier-Belleuse fue un pintor francés nacido en 1851 en París.
Sus primeros estudios fueron con su padre, el escultor Albert-Ernest Carrier-Belleuse. Más tarde estudió con Alexandre Cabanel y Pierre Victor Galland en la École des Beaux-Arts.
Expuso en el Salón en 1875 y ganó una medalla de plata en la Exposición Universal (1889). También produjo dibujos y litografías para Le Figaro Illustré.
Bien conocido por sus escenas de ballet y pasteles, también hizo paisajes, retratos y obras de género. La mayoría de sus pinturas están en colecciones privadas. El pintor Louis-Robert Carrier-Belleuse fue su hermano.
Entre 1914 y 1916, él y Auguste François-Marie Gorguet (fr) propusieron, planearon y supervisaron la creación del Panteón de la Guerra, que era la pintura más grande del mundo (45 pies de alto y 402 pies de circunferencia) conteniendo casi 5,000 retratos de figuras francesas y aliadas notables durante la guerra, en su mayoría esbozadas del natural. Veinte artistas desempeñaron un papel importante en su producción, aunque muchos más hicieron contribuciones. Fue mostrado en un edificio de exhibición especialmente construido (que fue demolido en 1960) al lado del Hôtel des Invalides. Más tarde llegó a los Estados Unidos, y partes reconfiguradas ahora se pueden ver en el Museo Nacional de la Primera Guerra Mundial, en el Monumento a la Libertad en Kansas City. Fue su segunda obra de ese tipo, después del Panorama de Notre-Dame de Lourdes, mucho más pequeño, de 1881.
Murió en 1932.

(07) "Sur le sable de la dune / Sobre la arena de la duna / On the Sand of the Dune"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, pastel, 96 x 165 cm., 1896
Musée Petit Palais (París, Francia / France)

Pierre-Gérard Carrier-Belleuse was a French painter born in 1851 in Paris.
His first studies were with his father, the sculptor Albert-Ernest Carrier-Belleuse. Later he studied with Alexandre Cabanel and Pierre Victor Galland at the École des Beaux-Arts.
He exhibited at the Salon in 1875 and won a silver medal at the Exposition Universelle (1889). He also produced drawings and lithographs for Le Figaro Illustré.
Best known for his ballet scenes and pastels, he also did landscapes, portraits and genre works. Most of his paintings are in private collections. The painter Louis-Robert Carrier-Belleuse was his brother.
Between 1914 and 1916, he and Auguste François-Marie Gorguet (fr) proposed, planned and supervised the creation of the Panthéon de la Guerre, which was the world's largest painting (45 ft. high and 402 ft. in circumference) containing almost 5,000 portraits of notable French and Allied wartime figures, mostly sketched from life. Twenty artists played a major role in its production, although many more made contributions. It was exhibited in a specially constructed display building (which was demolished in 1960) next to the Hôtel des Invalides. Later, it made its way to the United States, and reconfigured portions of it may now be seen in the National World War I Museum at the Liberty Memorial in Kansas City. It was his second such work, following the much smaller Panorama de Notre-Dame de Lourdes from 1881.
He died in 1932.
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(08) "Les Nymphéas / Los nenúfares / The Water Lilies"
Musée de l'Orangerie (París, Francia / France)
La obra en el blog / The work in this blog[Sucedió en el Museo (IV), Anexo]

Claude Monet en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Ernst Ludwig Kirchner

(09) "Atelierecke / Rincón del estudio / Studio Corner"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 126 x 121 cm., 1920.
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany)

(18) "Sitzender Akt mit erhobenen Armen / Desnudo sentado con los brazos levantados /
Sitting Nude With Raised Arms"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 94 cm., 1910-26. AKG
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie (Alemania / Germany). AKG

(20) "Nollendorfplatz / Plaza Nollendorf / Nollendorf Square"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 × 60 cm., 1912
Stadtmuseum (Berlín, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

(21) "Sängerin am Piano / Cantante al piano / Singer at the Piano"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 150 cm., 1929. Tefaf

Ernst Ludwig Kirchner en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XV)], [Alan Derwin (Pintura)]
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Ferdinand Hodler

"Der Mäher / El segador / The Reaper", c.1910
© Sammlung Christoph Blocher. Link

(10) "Der Mäher / El segador / The Reaper", 83 × 105 cm., 1910. Wikimedia Commons

Ferdinand Hodler en "El Hurgador" / in this blog[La Colección Bentaberry (II)], [Aniversarios (VI)]
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Cité de la création / Ciudad de la creación / Creation City 

(11) "El fresco de los lyoneses, en la esquina de la 2 rue de la Martinière y 49 quai Saint Vincent, a orillas del río Saona, Lyon /
La Fresque des Lyonnais, located at the corner of 2 rue de la Martinière and 49 quai Saint Vincent by the Saône River". Link


Es una pintura mural de 800 m2, que representa a 24 personajes históricos y 6 contemporáneos de Lyon. Fue realizada en 1994-95 por la Cité de la création, un cooperativa de muralistas creada en 1983 en Oullins, por los pintores muralistas del ex-atelier Populart. Wikipedia (francés)


It is a wall painting of 800 m2, representing 24 historical and 6 contemporary figures of Lyon. It was made in 1994-95 by the Cité de la création, a cooperative of muralists created in 1983 in Oullins, by the mural painters of the former Populart atelierWikipedia (English)
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Jean Dubuffet

(12) "Vache rouge / Vaca roja / Red Cow"
Sammlung Scharf Gesternberg (Berlin, Alemania / Germany). Baronne Samedi

Jean Dubuffet en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXVII)]
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Mark Rothko (Марк Ротко)

(13) "Sin título (Negro, rojo sobre negro y rojo) / Untitled (Black, red over black and red)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 205 x 193 cm., 1964
Centre Pompidou (París, Francia / France)

(14) "Sin título (Amarillo, naranja y dorado) / Untitled (Yellow, Orange and Gold)", 1969
The Phillips Collection (Washington, EE.UU./ USA). Link

Mark Rothko en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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 Antonio Vivarini

Antonio Vivarini (Antonio de Murano) (activo entre 1440 y 1480) fue un pintor italiano del período gótico tardío y principios del Renacimiento, que trabajó principalmente en la República de Venecia. Es probablemente el más antiguo de una familia de pintores, que descendía de una familia de trabajadores del vidrio activos en Murano. La dinastía de pintores incluía a su hermano menor Bartolomeo y al hijo de Antonio, Alvise Vivarini.
Inicialmente se instruyó con Andrea da Murano, y sus obras muestran la influencia de Gentile da Fabriano. La fecha más antigua conocida de una imagen suya, un altar en la Accademia, es 1440. El último, en los Museos del Vaticano, 1464, pero parece haber estado vivo en 1470.
Colaboró ​​con su cuñado, Giovanni d'Alemagna (también conocido como "Joannes de Alemania"), que a veces ha sido considerado como un hermano (Giovanni de Murano). No hay ningún rastro de este pintor de una fecha posterior a 1447. Después de 1447 Antonio pintó solo o en combinación con su hermano menor Bartolommeo. Las obras de Antonio están bien dibujadas para su época, con un cierto grado notable de suavidad. Probablemente fue influenciado por Mantegna, y trabajó con él en la capilla Ovetari en 1450-51. A veces es difícil asignar autoría para las obras del estudio Vivarini.
Tres de sus pinturas principales son la Madona Virgen Entronizada con los Cuatro Doctores de la Iglesia, la Coronación de la Virgen y los Santos Pedro y Jerónimo. Los dos primeros (en los que Giovanni cooperó) están en la academia veneciana, el tercero en la National Gallery, Londres.

(15) "La adoración de los magos / The Adoration of the Magi", 1445-47
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

Antonio Vivarini (Antonio of Murano) (active ca. 1440 - 1480) was an Italian painter of the early Renaissance-late Gothic period, who worked mostly in the Republic of Venice. He is probably the earliest of a family of painters, which was descended from a family of glassworkers active in Murano. The painting dynasty included his younger brother Bartolomeo and Antonio's son Alvise Vivarini.
He initially trained with Andrea da Murano, and his works show the influence of Gentile da Fabriano. The earliest known date of a picture of his, an altar-piece in the Accademia is 1440; the latest, in the Vatican Museums, 1464, but he appears to have been alive in 1470.
He collaborated with his brother in law, Giovanni d'Alemagna (also known as "Joannes de Alemania"), who sometimes has been regarded as a brother (Giovanni of Murano). No trace of this painter exists of a date later than 1447. After 1447 Antonio painted either alone or in combination with his younger brother Bartolommeo. The works of Antonio are well drawn for their epoch, with a certain noticeable degree of softness. He was probably influenced by Mantegna, and worked with him in the Ovetari Chapel in 1450–51. It is sometimes difficult to assign authorship for works from the Vivarini studio.
Three of his principal paintings are the Enthroned Madonna Virgin with the Four Doctors of the Church, the Coronation of the Virgin and Saints Peter and Jerome. The first two (in which Giovanni co-operated) are in the Venetian academy, the third in the National Gallery, London.
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Paul Gauguin

(16) "Tête de Tahitienne / Cabeza de tahitiana / Head of Tahitian", 1892. Artchive

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Caspar David Friedrich

(17) "Landschaft im Charakter des böhmischen Mittelgebirge /
Paisaje con el carácter de las tierras altas bohemias /
Landscape in the Character of the Bohemian Highlands (Riesengebirge)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 102 cm., c.1830-34
SMB, Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany). Malerei Meisterwerke

Caspar David Friedrich en "El Hurgador" / in this blog:
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Tiziano Vecellio (o Vecelli) / Titian

(19) Tiziano y su taller / Titian and his Workshop
"Dánae", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 x 152 cm., después de / after 1554.
Kunsthistorisches Museum (Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

Tiziano en "El Hurgador" / Titian in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Charles Mellin

Charles Mellin fue un pintor francés de la época barroca nacido en 1597 en Nancy, Lorraine. Pasó su carrera artística en Italia, donde fue apodado Carlo Lorenese ("Carlo el lorenés")
Mellin trabajó en murales y decoró la Capilla de la Virgen en la iglesia de San Luigi dei Francesi en Roma, en 1631. Había competido con Nicolas Poussin y Giovanni Lanfranco por el trabajo de decoración de esta capilla. Durante la primera parte de su carrera, Mellin colaboró ​​con, y fue influenciado por Simon Vouet, pero esta influencia disminuyó después de que Vouet dejara Italia por París. También se dice que Mellin fue influenciado por Domenichino.
Después de la partida de Vouet, Mellin trabajó para la familia Muti Papazzurri como pintor oficial. Él decoró el Palazzo Muti entre 1628 y 1631, pintando las bóvedas de la Galería, y los restos del trabajo de Mellin allí todavía sobreviven. También enseñó pintura a los dos hijos de la familia Muti Papazzurri.
En Roma pintó un fresco, "San Francisco de Paúl ante Sixto V", para la iglesia de Trinità dei Monti.
También decoró el coro en la Abadía de Monte Cassino desde 1636 hasta 1637 con un ciclo de 15 pinturas, que fue destruido durante la Batalla de Monte Cassino en la Segunda Guerra Mundial.
Desde 1643 hasta 1647 trabajó en Nápoles. Creó una Purificación de la Virgen para el altar mayor de la iglesia de la Santissima Annunziata Maggiore en la ciudad, que se terminó en 1645. Esta pintura se perdió en un incendio de 1757, pero hay una copia al aguafuerte que sobrevive. En Nápoles pintó una Inmaculada Concepción (1646) y una Anunciación (1647) para la iglesia de Santa Donna Regina Nuova. La revuelta de Masaniello hizo que Mellin abandonara Nápoles por Roma.
Enseñó pintores, como Nicolas Labbé, pero no tenía un taller propiamente dicho.
Murió en 1649.

(22) Atribuido a / Attributed to Charles Mellin
"El General toscano / The Tuscan General Alessandro del Borro (?)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 203 x 121 cm., c.1630. GAP
Gemäldegalerie der Staatlichen Museen (Berlín, Alemania / Germany)

Charles Mellin was a French painter of the Baroque era born in 1597 in Nancy, Lorraine. He spent his artistic career in Italy, where he was nicknamed Carlo Lorenese ("Charles the Lorrainer")
Mellin worked on murals and decorated the Chapel of the Virgin at the church of San Luigi dei Francesi in Rome in 1631. Mellin had competed with Nicolas Poussin and Giovanni Lanfranco for the job of decorating this chapel. During the early part of his career, Mellin collaborated with, and was influenced by, Simon Vouet, but Vouet’s influence diminished after Vouet left Italy for Paris. Mellin is also said to have been influenced by Domenichino.
After Vouet’s departure, Mellin worked for the Muti Papazzurri family as official painter. He decorated the Palazzo Muti between 1628 and 1631, painting the vaults of the Galleria, and remnants of Mellin’s work there still survive. Mellin also taught painting to the two sons of the Muti Papazzurri family.
In Rome, Mellin painted a fresco, St. Francis de Paul before Sixtus V, for the church of Trinità dei Monti.
Mellin also decorated the choir at the Abbey of Monte Cassino from 1636 until 1637 with a cycle of 15 paintings, which was destroyed during the Battle of Monte Cassino in World War II.
From 1643 to 1647 Mellin worked in Naples. He created a Purification of the Virgin for the high altar of the church of the Santissima Annunziata Maggiore in the city, which was completed in 1645. This painting was lost in a 1757 fire, but there is an etched copy that survives. In Naples, he painted an Immaculate Conception (1646) and an Annunciation (1647) for the church of Santa Donna Regina Nuova. The revolt of Masaniello caused Mellin to leave Naples for Rome.
Mellin trained painters, such as Nicolas Labbé, but did not have a workshop per se.
He died in 1649.
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Otto Möller

Otto Möller fue un pintor, artista gráfico y dibujante alemán nacido en 1883 en Schmiedefeld, Turingia. En su obra pasó por varios estilos, como el impresionismo, expresionismo, cubofuturismo y nueva objetividad. Su reputación la logró como representante del Novembergruppe (Grupo de Noviembre) de Berlín y Expresionista de segunda generación.
Después de completar su educación se trasladó a Berlín en 1903, junto con su hermano mayor Rudolf Möller. Entre 1905 y 1907 él y su hermano se graduaron en la Royal Art School bajo la tutela de Philipp Franck como profesor de dibujo. Después de la instrucción siguió, entre 1907 y 1908, una breve estancia en el estudio de Lovis Corinth. La influencia de las enseñanzas de Corinto se reflejó principalmente en los retratos de Otto Möllers y en los pocos desnudos. Al mismo tiempo, comenzaron los primeros intentos de Möller para imprimir gráficos.
Inmediatamente después del estudio de Corinth comenzó a trabajar como profesor de dibujo en el Paulsen-Realgymnasium municipal de Berlín-Steglitz. En 1910 fue uno de los más jóvenes en exhibir por primera vez en la Secesión de Berlín. Al igual que sus modelos y maestros Philipp Franck, Max Liebermann y Lovis Corinth de la Secesión de Berlín, Otto Möller prefirió los paisajes, avenidas, impresiones de mercados y de la calle, así como escenas cotidianas.
En 1915 fue reclutado y estacionado en el frente occidental entre Alsacia-Lorena y Suiza. Después del final de la guerra dejó la iglesia protestante y se unió al grupo revolucionario de artistas de Berlín, el Novembergruppe. Junto con su hermano Rudolf estuvo representado desde 1919 y casi sin interrupción en todas las demás exhibiciones del Grupo de Noviembre. Artísticamente recurrió a las tendencias del expresionismo tardío. A partir del expresionismo, el dadaísmo, el constructivismo y el futurismo Otto Möller desarrolló un sincretismo estilístico característico de los artistas del Grupo de Noviembre. Además de Bernhard Hasler, Moriz Melzer, Heinz Fuchs, Rudolf Ausleger, César Klein, Bernhard Klein y Georg Tappert, Otto Möller también perteneció al ala pedagógica del Grupo de Noviembre.
Entre 1920 y 1940, como profesor de metodología y pedagogía, participó activamente en la reforma de la educación artística en el Instituto Central de Enseñanza y Educación.
Con el inicio del Nacional Socialismo, Otto Möller suspendió sus actividades de exhibición. En el proceso de destrucción del llamado "arte degenerado" por los nacionalsocialistas, al menos una obra de Otto Möller, un paisaje marino de la Kunsthalle en Kiel, fue destruida.
De 1945 a 1946 trabajó como profesor en el Lilienthal-Gymnasium en el distrito de Berlín-Lichterfelde. En 1946 sumió una cátedra de pintura y dibujo en el Departamento de Educación Artística de la Academia de Bellas Artes de Berlín. Durante estos años publicó algunos escritos pedagógicos que reflejan sus esfuerzos para mejorar el dibujo de los niños desde los años 20 y sus esfuerzos de reforma para la educación artística.
Murió en 1964.

(23) "Straßenlärm / Ruido callejero / Street Noise"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62,5 x 75,5 cm., 1920
© Nachlaß Otto Möller Repro: Kai-Annett Becker
Berlinische Galerie, Museum für moderne Kunst (Berlín, Alemania / Germany)

Otto Möller was a German painter, graphic artist and drawing teacher born in 1883 in Schmiedefeld, Thuringia. In his work Möller went through various styles, such as Impressionism, Expressionism, Cubofuturism and New Objectivity. His reputation he achieved as a representative of the Berlin November Group and Expressionist of the second generation.
After completing his education he moved in 1903 together with his older brother Rudolf Möller to Berlin. Between 1905 and 1907 he and his brother graduated from the Royal Art School under Philipp Franck training as a drawing teacher. After the training followed between 1907 and 1908 a short stay in the studio of Lovis Corinth. The influence of Corinth's teachings was mainly reflected in the portraits Otto Möllers and in the few nudes. At the same time, Möller's first attempts at printing graphics began.
Immediately after the studio stay at Corinth Otto Möller took up his work as a drawing teacher at the municipal Paulsen-Realgymnasium in Berlin-Steglitz. In 1910 Otto Möller was one of the youngest to exhibit for the first time at the Berlin Secession. Like his role models and teachers Philipp Franck, Max Liebermann and Lovis Corinth from the Berlin Secession, Otto Möller prefers landscapes, avenues, market and street impressions as well as everyday scenes.
In 1915 Otto Möller was drafted and stationed on the western front between Alsace-Lorraine and Switzerland. After the end of the war, he left the Protestant church and joined the revolutionary Berlin artists' group Novembergruppe. Together with his brother Rudolf he was represented since 1919 on the first and almost without interruption at all other exhibitions of the November Group. Artistically, Otto Möller turned to late-expressionist tendencies in art. From Expressionism, Dadaism, Constructivism and Futurism Otto Möller developed a stylistic syncretism characteristic of the artists of the November group. In addition to Bernhard Hasler, Moriz Melzer, Heinz Fuchs, Rudolf Ausleger, César Klein, Bernhard Klein and Georg Tappert, Otto Möller also belonged to the pedagogical wing of the November Group.
Between 1920 and 1940, Otto Möller, as a lecturer in methodology and pedagogy, actively participated in the reform of art education at the Central Institute for Teaching and Education.
With the onset of National Socialism, Otto Möller discontinued his exhibition activities. In the course of the destruction of so-called degenerate art by the National Socialists, at least one work by Otto Möller, a seascape from the Kunsthalle in Kiel, has been destroyed.
From 1945 to 1946 he worked as a teacher at the Lilienthal-Gymnasium in the district of Berlin-Lichterfelde. In 1946 Otto Möller took over a professorship for painting and drawing in the Department of Art Education of the Berlin Academy of Fine Arts. During these years, Otto Möller published some pedagogical writings that reflect his efforts to enhance the children's drawing since the 20s and his reform efforts for art education.
He died in 1964.

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