Adam Miller [Pintura]

Adam Miller

Adam Miller, fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Adam Miller es un pintor figurativo nacido en Oregon en 1979, cuya obra explora la intersección entre la mitología, la ecología y el humanismo. Visualmente inspirado en la pintura narrativa barroca y helenística, adopta un enfoque politeísta del folclore contemporáneo, las cuestiones del progreso y la experiencia de la narrativa humana ante el cambio tecnológico y la lucha por encontrar sentido en un mundo situado entre la expansión y la decadencia. El trabajo de Miller es manierista en su uso de la forma humana como un vehículo de sentimiento y pensamiento, más allá de la representación literal de una persona en particular.

"Fin del camino / End of the Road", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90" x 74", 2012

Comenzó su aprendizaje con el artista Allen Jones a los trece años, a los dieciséis fue aceptado en la Academia de Arte en Florencia, y continuó sus estudios bajo la dirección de Michael John Angel también en Florencia. Durante los cuatro años siguientes Miller viajó por toda Europa estudiando la obra de los pintores barrocos y manieristas.

Adam ha sido descrito por la crítica como una "estrella del realismo en ascenso" y se ha dicho que "sería considerado un maestro en cualquier época".

"Guerras de los huesos / The Bone Wars", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96" x 78", 2016

«Alrededor de los 14 descubrí a Miguel Ángel, Tiziano, Rafael y más tarde a Diego Rivera y José María Sert. Ví que habían utilizado todas las mismas herramientas y dispositivos en los yo estaba interesado desde los cómics, pero en un lenguaje grande y simple. Ellos no hablaban sobre los individuos como los artistas plásticos contemporáneos tienden a hacer, sino sobre la idea clásica del individuo en el contexto de la sociedad. Estaban más interesados en esclarecer el carácter a través de la acción, en relación con otras personas y sus reacciones. Como alguien interesado en la escritura y la narrativa esto tiene sentido para mí, como forma de construir un lenguaje pictórico capaz de expresar más que un simple estado de ánimo, que es lo que la mayoría de la pintura figurativa moderna parece estar intentando hacer.»

"El comedor de lotos / The Lotus Eater", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 9" x 12", 2012

«Veo a muchos artistas y críticos construyendo teorías elaboradas y haciendo declaraciones amplias sobre lo que el arte debe ser según su estrecho e imaginario contexto histórico. Estas ideas se disfrazan de auténtico descubrimiento intelectual, pero son básicamente un sofisma vacío y una imposición de normas. Me recuerda a las permutas de incumplimiento crediticio que eran tan eficaces porque supuestamente se basaban en matemáticas tan profundas, casi alquímicas del sacerdocio científico, que eran incuestionables por los simples mortales, y sin embargo en el fondo eran esencialmente vacío, escondido tras un muro de mística y jerga.

Pienso que como sociedad necesitamos impulsar el modelo de "ocupar Wall Street", en el que la gente comienza a clamar que es mierda cuando lo vemos, o lo más probable es que nos deslicemos hacia una nueva forma de feudalismo donde los ciudadanos renuncian a sus derechos, no porque sean reprimidos o esclavizados, sino por la pérdida de confianza en su capacidad para dar forma a su propia sociedad.»

"Las rosas nunca florecieron tan rojas / The Roses Never Bloomed So Red"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96" x 60", 2013

«Mis pinturas tienden a ser momentos de gran drama y conflicto. Para realizar este conflicto visualmente, me pareció muy importante desarrollar una relación con mi modelo. Se convierten en mis actores y necesitamos desarrollar una buena relación y un sentido de comprensión. Necesitan entender lo que quiero, y necesito entender lo que son capaces de mostrar. Encontré que al pintar a mis amigos, soy capaz de sacar más de ellos y son capaces de dar más porque saben lo que me gusta y quiero en mi trabajo. Me doy cuenta de esto con los directores de cine, también, que regresan al mismo grupo de actores. La pintura es una realidad artificial. Lo que se comunica en el mundo real tiene tiempo para desarrollarse. En la pintura, debe contar su historia en una sola imagen.»

"Bautismo / Baptism", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 66", 2012

«Me gustan los artistas que han dominado su arte. En eso incluyo la narrativa, la técnica. Odd Nerdrum ha tenido una gran influencia en mí. Su temeridad al pintar con todo su corazón para forzar sus límites y permanecer fiel a su visión donde quiera que lo llevara, le ha llevado a la creación de una gran obra.

También admiro a Vincent Desiderio, a Julie Heffernan, a Steven Assael ya Nicola Verlato, así como a mis colegas pintores más jóvenes que están construyendo una visión y perfeccionando su arte y lenguaje pasando largas horas en el estudio. Creo que hay un gran movimiento de pintores figurativos que están en plena floración en este momento, que sorprenderá a mucha gente pronto y será difícil de ignorar.»

"Los honorarios del barquero / Boatmas Fee", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 48", 2011

"El vigilante nocturno / The Night Watch", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 60", 2014

«Estoy mirando cada serie que hago ahora como uno de una serie de círculos concéntricos, construidos hacia un centro. Es una estructura medieval tardía como la utilizada en los Cuentos de Canterbury de Chaucer, o el Decamerón de Bocaccio. A medida que continúo, iré cambiando cada serie hacia una paleta y estilo compositivo diferentes. Me gusta la idea de las formas astronómicas porque refleja la idea de que en el centro hay una fuente de vida y creatividad, y diferentes estados existenciales pueden acercarse a esa fuente. Como individuo, pienso que todos estamos siempre buscando esa fuente para nosotros mismos.»

"El vigilante nocturno / The Night Watch" (detalle / detail)

«En su obra, los desnudos idílicos no son meros caramelos para la vista, sino más bien símbolos de huida de una sociedad corrupta que sufre un catastrófico colapso. En sus últimas pinturas (...) Miller escribe un nuevo capítulo en su narrativa post-apocalíptica. Con los títulos de "Crepúsculo en Arcadia" y "Las Rosas nunca florecieron tan rojas", sus nuevas obras muestran las figuras desnudas atacadas por cazadores vestidos que parecen emerger del mundo del que las figuras desnudas intentaron escapar. Para "Crepúsculo en Arcadia", los artistas Alexandra Pacula, Billy Norrby y Martin Wittfooth posaron como los cazadores - un pequeño guiño al atento fan del arte contemporáneo.»

"El vigilante nocturno / The Night Watch" (detalle / detail)

Adam Miller is a figurative painter born in Oregon in 1979, whose work explore the intersection between mythology, ecology and humanism. Visually inspired by baroque and Hellenistic narrative painting they take a polytheistic approach to contemporary folklore, questions of progress and the experience of human narrative in the face of technological change and the struggle to find meaning in a world poised between expansion and decay. Miller's work is mannerist in it's use of the human form as a vehicle of feeling and thought beyond the literal representation of a particular person.

"Anticipación / Anticipation", óleo sobre panel / oil on board, 60" x 46", 2012

"The Third Party", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 36", 2011

He began an apprenticeship to artist Allen Jones at thirteen years old and at Sixteen, was accepted to the Florence Academy Of Art in Florence and continued his studies under Michael John Angel in Florence. For the next four years Miller traveled throughout Europe studying the workof the Baroque and Mannerist painters. 

Adam has been described in reviews as a "rising star of realism" and it was said that he "would be considered a master in any era".

"Emily", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24"

«At around 14 I discovered Michelangelo, Titian, Raphael and later Diego Rivera and Jose Maria Sert. I saw that they were using all of the same pictorial tools and devices I was interested in from comics but in a large simple language. They did not speak about individuals as contemporary fine artists tended to do but about the classical idea of the individual in the context of society. They were more interested in elucidating character through action in relation to other people who would react. As someone interested in writing and narrative this made sense to me as a way to build a pictorial language capable of expressing more than just a mood Which is what most modern figure painting seemed to be trying to do.»

"Aparición / Apparition", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2013

"Los coleccionistas de pinzones / The Finch Collectors", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71" x 47", 2016

«I see a lot of artists and critics building elaborate theories and making sweeping statements about what art should be in it’s narrow and imaginary historical context. These ideas masquerade as genuine intellectual discovery but are basically empty sophistry and agenda pushing. It reminds me of the credit default swaps that were so effective because they were supposedly based on such profound almost alchemical mathematics from the scientific priesthood that they were unquestionable by mere mortals and yet at the heart they were essentially empty hiding behind a wall of mystique and jargon.

I think as a society we need to push the occupy wall street model where people start calling out bullshit when we see it or we will most likely slip into a new form of feudalism where citizens give up their rights not by becoming repressed or enslaved but by losing confidence in their ability to shape their own society.»

"Cataline", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

«My paintings tend to be moments of great drama and conflict. In order to realize this conflict visually, I found it to be very important to develop a relationship with my model. They become my actors and we need to develop a good rapport and a sense of understanding. They need to understand what I want, and I need to understand what they are capable of showing. I found that by painting my friends, I am able to bring out more of them and they are able to give more because they know what I like and want in my work. I notice this with film directors, as well, who keep returning to the same group of actors. Painting is an artificial reality. What communicates in the real world has time to unfold. In painting, it must tell its story in one image.»

"Leda en el Golfo / Leda in the Gulf", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 46", 2012

«I am always trying to push the boundaries of stories and scale in my work. Classical figure painting is by it’s nature a time consuming and slow way of painting which makes the challenge of doing the more ambitious paintings even greater but I think it is important to make those paintings that tell bigger stories about life and culture. I was never interested in just making pretty pictures. I also think the market for realism is very tilted toward small easy to hang pieces. Since seeing the works of artists such as Michelangelo and Tiepolo this has never been very satisfying for me.»

"Desde las profundidades / From the Depths", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 42", 2013

"La orilla / Seaside", óleo sobre panel / oil on panel, 60" x 48", 2010

«I am looking at every series I make right now as one in a series of concentric circles building towards a center. It is a late medieval structure like the one used in Chaucer’s Canterbury tales or Boccaccio’s Decameron. As I continue I will keep shifting each new series in the direction of a different palette and compositional style. I like the idea of astronomical forms because it reflects the idea that at the center is a source of life and creativity and different states of existence can be closer to that source. As an individual I think we are all searching for that source for ourselves.»

"Oasis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74" x 53", 2012

"Daños colaterales / Fallout", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 48", 2012

"Entre las ruinas / Among the Ruins", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79" x 57", 2012

«In his work, idyllic nudes are not mere eye candy, but rather symbols of escape from a corrupt society undergoing a catastrophic collapse. In his latest paintings (...) Miller writes a new chapter in his post-apocalyptic narrative. Titled Twilight in Arcadia and The Roses Never Bloomed So Red, the new works show the nude figures attacked by clothed hunters who appear to emerge from the world the nude figures tried to escape. For Twilight in Arcadia, artists Alexandra Pacula, Billy Norby and Martin Wittfooth posed as the hunters — a little wink to the attentive contemporary art fan.»

"Autorretrato constipado / Self Portrait With a Cold", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24"

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Fuentes / Sources:
* Website
* Videos que pueden verse más abajo / videos you can see below
* Entrevista de / Interview by John Seed, The Huffington Post, 1/2014
* Artículo / article - Adam Miller: Un pintor de épicas contemporáneas /
A painter of contemporary epics, 9/2016. Juxtapoz
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Sobre los artistas mencionados / about mentioned artists:

Martin Wittfooth:
[Lauren Marx (Dibujo, Pintura)], [Martin Wittfooth (Pintura)], [Rinocerontes (XLIV)], [Rinocerontes (LX)], [Manos a la obra (XXVIII)], [Martin Wittfooth (II) (Pintura)]
Billy Norrby: Website
Alexandra Pacula: Website
Miguel Ángel:
[Arte & Humor (II)], [Aniversarios (V)], [Arte perdido (V)], [Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)], [Sucedió en el museo (I)], [Sucedió en el museo (I, Anexo)], [David Delruelle (Collage)], [Zoey Frank (Pintura, Dibujo)], [Sucesiones (I)]
Tiziano:
[Pintando perros (IV)], [Las referencias de Rumsey (Pintura, Grabado)], [Zoey Frank (Pintura, Dibujo)], [Pintando perros (L)]
Rafael:
[La Colección Bentaberry (II)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Aniversarios (X)], [Vania Elettra Tam (Pintura)], [Uruguayos (XXIV)], [Arte y humor (VI) - Anexo], [Arte y humor (VIII) - Referencias], [Recolección (XXXII)], [Eduardo Naranjo (Pintura, Dibujo, Grabados)]
Diego Rivera: [Manos a la obra (II)], [Fritz, Frida y el Arte (Fotografía, Pintura)], [Arte perdido (III)]
José María Sert: Wikipedia
Ghrilandaio: [La Colección Bentaberry (II)]
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Adam Miller en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XVIII)]

Más sobre Adam en / More about Adam in: Website, facebook, Youtube

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Adam!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Adam!)

En este video, Adam habla de sus primeras experiencias, su inspiración y sus ideas sobre el arte (texto traducido al español abajo)
In this video, Adam talks about his first experiences, his inspiration and his ideas about art.



Les dejo la traducción de las palabras de Adam en este video, ya que me parecen sumamente reveladoras en cuanto a sus inicios, a lo que le ha llevado a pintar como lo hace, y lo que piensa sobre el valor del arte en la sociedad actual.

«Me crié en Portland, Oregon. Yo tenía 14 años de edad por aquél entonces, me salté el colegio durante unos seis meses. Era bastante fácil de hacer: mi madre se marchaba temprano al trabajo, y en cuanto lo hacía, yo soltaba mi bolsa y mis libros, y en su lugar agarraba papel y lápices y me dirigía a las colinas y pasaba mis días dibujando. A veces, cuando el día terminaba, me tomaba un descanso y me iba al museo para mirar pinturas, y un día en particular, por la razón que fuere, en lugar de ir al museo decidí ir a la puerta de al lado. Había un edificio, un antiguo templo masónico que había estado en su mayoría sin usar por bastante tiempo. Tenían oficinas administrativas allí y guardaban algunos restos del museo, así que subí los escalones del templo y entré, y yo estaba completamente desprevenido para lo que iba a ver. Vi lo más asombroso. Había restos de cosas abandonadas hace cien años. Solían enseñar a los estudiantes a dibujar, y dibujaban moldes de yeso, estatuas griegas y estos artefactos sobrantes, mientras los veía tenían más vida que cualquier otra cosa que hubiera visto antes. Estaban congelados, no se movían, pero no podía convencerme de que no estaban vivos. Parecían respirar y seguirme mientras yo caminaba por la habitación. Aquél día fue el momento definitorio de lo que quiero crear con mi trabajo. Una verdadera obra de arte para mí, una pieza, tiene que leer, tiene que sentirse más y más viva, y ese momento tiene que ser congelado en el tiempo, con toda esa vitalidad y energía establecidas permanentemente e inmóviles.»

«Una vez que había descubierto las estatuas griegas, no había marcha atrás para mí. También por aquél entonces me topé con un libro de Kenneth Clark que se llamaba "El desnudo", en el que se discute el uso del cuerpo en el arte y me sorprendió increíblemente la forma en que Miguel Ángel fue capaz de expresar lo trágico y no sólo lo hermoso a través de su trabajo, y que casi me llevó a decidir que tenía que ir a Florencia, lo que hice cuando tenía 16 años para asistir a la escuela de arte. Y cuando estuve allí vi algo que no esperaba, y creo que sucedió en Santa María Novella, cuando vi los frescos de Ghirlandaio que Miguel Ángel ayudó a pintar cuando era aprendiz y la gran escala era abrumadora. Él ha creado no sólo una sino una serie de mundos de tamaño mayor al real en los que uno podría sumergirse mentalmente, y cuando estaba allí, cada detalle era tan vivo como lo era en las estatuas: los rizos del cabello, los gestos de las manos, un perro ladrando, los árboles a lo lejos, esos delicados cipreses florentinos, la arquitectura. Él creó algo que me parecía más real que el mundo real, porque lo proyectaba desde dentro de él. Y sobre él había otra vez un aspecto sinfónico congelado: las líneas y los ritmos, eran ... las pinturas fueron diseñadas como la fachada de un edificio, eran tan sólidas y arquitectónicas, y al mismo tiempo casi musicales como una sinfonía. Habría encima de esta sólida estructura arquitectónica, cantando delicadamente, ritmos y pasajes, y todo estaba de nuevo tan equilibrado que parece existir fuera del tiempo. Y sabía que esto era lo que quería crear, esa escala y esa complejidad de la narrativa combinada con las cualidades abstractas de lo que iba a ser mi trabajo.»

«A medida que llegué a amar el arte en Florencia, hay algo que todavía existía para mi pensamiento, era tanto como descubrir en este trabajo que me encantó tanto, que era hermoso, que nunca podría existir para mí sin conflicto. Yo había crecido en los años ochenta y noventa en la costa oeste de los Estados Unidos, esencialmente en un mundo sin arte, y al ver esto sabía que nunca podía entrar en él como en un baño caliente, siempre había un conflicto y que el conflicto para mí fue que el acto de abrazar la belleza convirtió en un acto de rebelión contra tanto de lo que sabía y con lo que había crecido. Aquello moldeó mi mundo de una manera ligeramente diferente, casi se convirtió en una rebelión contra el siglo XX.

Todos los ideales a lo largo del siglo XX, las grandes ideas: el capitalismo, el comunismo, la forma en que cada aspecto de la vida, desde el arte hasta la música y la comida, se convirtió en algo dominado por intereses económicos. Más en esto que en cualquier otra cosa, para encajar en ese mundo tenías que conformarte. Tenías que servir a los intereses de una manera muy retorcida porque la economía nunca expresó realmente para mí lo que era ser un ser humano, y no creo que realmente lo hiciera para otras personas.»

«Y así, en ese conflicto, empezaron a solidificarse mis ideas para mí; lo que me alejaba del arte del siglo XX era la idea de que con la muerte de Dios en la sociedad por así decirlo, el monoteísmo no se había ido, que la idea judeo-cristiana fue simplemente sustituida por otras ideas monoteístas: el capitalismo, el comunismo, en los que una respuesta resolvería todos los problemas de cada aspecto de la vida, estaban sujeto a intereses económicos, y no podían existir fuera de ese paradigma, y ​​así en lugar de ello me di cuenta de que lo que era tan profundo y hermoso para mí era ese momento creado por el arte en sí mismo, y por la arquitectura, era una manera de resituarte a tí mismo, a mí mismo en la realidad sensual, en la inmediata realidad visceral palpable a tu alrededor, y quitándote esencialmente de ese infierno de Dante dominado por una idea única en la que todo lo demás tiene que conformarse con esa idea o ser arrasado y borrado de la ecuación. Y creo que el arte tiene un papel muy importante en esto, que realmente puede sonar exagerado, pero creo que en realidad puede sanar el mundo. Creo que eso es lo humano, lo que seríamos durante millones de años, y es algo que en la medida en que nos separamos de ese momento visceral de la vida, empezamos a confiar en las drogas y el psicoterapeuta para adaptarnos a una realidad que ya no nos refleja. No podemos evolucionar tan rápidamente como nuestra tecnología, y por eso creo que el arte es más importante ahora de lo que nunca lo fue en el pasado.»

«El conflicto de mi arte, y de gran parte de mi vida, ha sido la reconciliación de estos dos polos opuestos y me parece que el único lugar donde realmente parecen reunirse es sobre lienzo. Y no siempre viven juntos de una manera feliz o fácil, pero de alguna manera empiezan a tener sentido entre sí y por eso continúo pintando.»

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Artist Spotlight (Club Nacional de las Artes, Nueva York / The National Arts Club, NYC, 2013)
Adam entrevistado por / interviewed by Martin Wittfooth

"Una brisa suave / A Gentle Breeze", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 48", 2012