En este post en dos partes (la segunda aquí), les presentamos la obra del notable artista uruguayo Álvaro Amengual. Con una carrera artística que abarca varias décadas, su obra constituye, según apunta el arquitecto Marcelo Melluso, curador de la muestra presentada a fines de 2020 en la galería Diana Saravia, "una síntesis de un universo surreal y un riguroso tratamiento formal". Álvaro se expresa a través diferentes técnicas (grabado, óleo, acuarela, pastel, carbonilla), desplegando un elenco de personajes ambientados en atmósferas de "encierro, de olor a humedad, de foto vieja", en el que su condición de humorista "invade, toma por asalto sus obras, arrebatando de solemnidad la desdicha, so riesgo de ser tomadas estas por un pasatiempo humorístico solamente."
Una nueva entrevista de Shirley Rebuffo es el hilo conductor de la primera parte de este artículo. En la segunda, ampliamos la selección de obras con referencias visuales y textuales, y un apartado sobre Andrew Loomis, ese maestro de la infancia de Álvaro al que nunca conoció y a quien dedica la exposición antes mencionada.
Texto en inglés al final del post.
In this two-part post (the second one here), we present the work of the remarkable Uruguayan artist Álvaro Amengual. With an artistic career spanning several decades, his work constitutes, according to architect Marcelo Melluso, curator of the exhibition presented in late 2020 at the Diana Saravia Gallery, "a synthesis of a surreal universe and a rigorous formal treatment". Álvaro expresses himself through different techniques (engraving, oil, watercolor, pastel, charcoal), displaying a cast of characters set in atmospheres of "confinement, of the smell of humidity, of old photographs", in which his condition of humorist "invades, takes by assault his works, snatching away the solemnity of misfortune, at the risk of being taken as a humorous pastime only".
A new interview of Shirley Rebuffo is the thread of the first part of this article. In the second, we expand the selection of works with visual and textual references, and a section on Andrew Loomis, that teacher from Alvaro's childhood whom he never met and to whom he dedicates the aforementioned exhibition.
English text at the end of this post.
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Álvaro Amengual González
(Montevideo, Uruguay, 1957-)
Álvaro Amengual es un artista visual y docente uruguayo nacido en Montevideo el 27 de diciembre de 1957.
Luego de los estudios secundarios ingresa al Instituto de Bellas Artes San Francisco de Asís, cursando el taller de dibujo y pintura dirigido por Clever Lara y el taller de escultura dirigido por Freddie Faux. Más adelante comienza sus estudios de grabado en metal con el profesor David Finkbeiner de la Universidad de Purchase en Nueva York. En el Club de Grabado de Montevideo realiza estudios de litografía con el Arq. Álvaro Cármenes. A partir del año 1986 comienza su actividad en el campo de la ilustración, editando sus trabajos en varios semanarios locales. A la vez tuvo actividad docente en el taller de Clever Lara y más adelante fue profesor contratado por el Ministerio de Educación y Cultura.
A partir del año 1997 dicta clases en su taller particular y desde el año 1998 se desempeña como profesor en la Facultad de Comunicación y Diseño de la Universidad ORT Uruguay.
Sus obras se encuentran en varios museos nacionales e internacionales.
"El deshollinador / The Chimney Sweep", acuarela / watercolor, 48 x 50 cm., 2019
"La viuda / The Widow", carbonilla / charcoal, 150 x 150 cm., 2015
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cómo fue su primer acercamiento al arte?
Álvaro Amengual: Supongo que tardío. Ingresé a una escuela de arte a los veintiún años. Si bien dibujaba habitualmente, nunca fue una pasión. Durante mi adolescencia y por un desasosiego vocacional, imperceptiblemente me fui acercando al arte.
SR: ¿Cómo se configura en tu cabeza la idea que luego tu mano ejecuta en el proceso de creación?
ÁA: Como en todas las personas, de forma brumosa. Luego viene el proceso de cacería de esa imagen a través de bocetos. Para mí el bocetado es la etapa más caliente del proceso; hago infinidad de bocetos y casi diría que disfruto de ese proceso especulativo más que de la concreción de la imagen final.
"La hija de la médium / The Medium's Daughter", carbonilla / charcoal, 150 x 150 cm., 2018
"El año del gallo / The Year of the Rooster", pastel, 150 x 150 cm., 2015
SR: ¿Te inspiras en algo o en alguien para crear?
ÁA: La lista de personas en las cuales me inspiro sería infinita, pero tengo dos grandes asombros de juventud: Rembrandt y Klee. Le asigno un enorme valor a los primeros asombros ya que pienso que no están contaminados por prejuicios, sean estos laudatorios o descalificadores.
SR: Cuando te enfrentas a una nueva obra, ¿Tienes un proyecto inicial? ¿Dejas también espacio para lo espontáneo y la improvisación? ¿Cómo es esa dinámica?
ÁA: La improvisación, el azar están presentes durante todo el proceso del trabajo hasta el final. No doy por concluido nada, aun habiendo realizado decenas de bocetos, todo es factible de ser cambiado.
Si el trabajo se tratara de transcribir mecánicamente él o los bocetos, sería muy aburrido, y el resultado sería sin duda una imagen muerta.
"El sueño / The Sleep", carbonilla / charcoal, 150 x 250 cm., 2015
"La curandera / The Healer", acuarela / watercolor, 48 x 50 cm., 2017
SR: ¿Crees que has conseguido encontrar el estilo con el que realmente te sientes cómodo?
ÁA: Sí, y no hace mucho tiempo. Dicho descubrimiento se debe a mis inicios como ilustrador y a la aceptación de mi condición de dibujante.
Me he reencontrado con las artes llamadas populares: la ilustración, la caricatura, la historieta, el dibujo animado, etc. Todas disciplinas que tienen una absoluta naturalidad comunicativa y no necesitan de un discurso laberíntico para justificar su existencia. En fin, aire fresco.
"Los muertos / The Dead", carbonilla / charcoal, 150 x 250 cm., 2017
"Los fenómenos. No me toques / The Freaks. Don't Touch Me", pastel, 150 x 150 cm., 2015
SR: Utilizas diversas técnicas y medios. ¿Con cuales te sientes más cómodo?
ÁA: Como disciplina, el dibujo sin dudas. En cuanto a las técnicas a utilizar, el repertorio es muy restringido, fundamentalmente carbonilla, pastel y acuarela.
SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?
ÁA: La pereza, una vez superado dicho pecado capital, todo va fluido.
"El Notable / The Bigwig", pastel, 48 x 50 cm., 2019
"El rapto de Europa / The Rape of Europa", carbonilla / charcoal, 150 x 250 cm., 2020
SR: En cuanto a la narrativa de tus obras, ¿buscas obtener un efecto dramático específico, un sentimiento particular?
ÁA: Los trabajos que vengo haciendo desde hace unos años tienen un componente narrativo muy importante, por lo tanto, me gusta contar historias. Pretendo que las narraciones no sean lineales, aunque relate un tema específico.
En cuanto al espíritu de los dibujos, creo que se ubican entre el drama y el humor, me gusta pensar que estoy haciendo un trabajo tragicómico.
"Adagio para la calle Veracierto / Adagio For Veracierto Street", carbonilla / charcoal, 150 x 150 cm., 2015
"Los fenómenos. El hombre oruga y su esposa /
The freaks, The Caterpillar Man and His Wife", pastel, 150 x 150 cm.
SR: Has conocido personajes singulares que seguramente luego inspiraron algunas de tus obras. ¿Puedes referirte a alguno de ellos?
ÁA: Los recuerdos vienen de mi infancia y adolescencia.
El barrio en que nací era prodigo en personajes extravagantes al igual que en mi familia, probablemente algunos de ellos se hayan colado en mis dibujos.
SR: ¿Piensas que el arte es hijo de cierta incomodidad con el mundo?
ÁA: Mi amigo Carlos Caffera decía que un artista es aquella persona que funda un mundo. Tal vez sí haya cierta incomodidad con la realidad en la cual vivimos y esto nos lleve a fundar un mundo paralelo.
"Malicia / Malice", carbonilla / charcoal, 150 x 150 cm., 2018
"Mujer de la España negra / Woman of the Black Spain", acuarela / watercolor, 48 x 50 cm., 2019
SR:¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?
ÁA: Elijo materiales que me resultan gratos y no hay explicación posible para esto.
Los materiales que utilizo están muy vinculados al mundo del dibujo y, como dije antes, son pocos, pero me permiten una expresión absolutamente natural.
SR: Como maestro, ¿cuál es el aporte del artista que trabaja con los estudiantes y modela su práctica?
ÁA: Hay una cierta disociación entre trabajar en arte y enseñar arte. Intento transmitir a los alumnos lo que he recibido de otros artistas y compartir mi experiencia personal.
No creo en los talleres de creatividad, eso es algo absolutamente personal; lo que sí intento es enseñar el oficio de dibujar y pintar, luego cada uno decidirá qué hacer con el dominio de ese oficio.
"La Diva. Retrato de Diana Saravia en el Moulin Rouge /
The Diva. Portrait of Diana Saravia at the Moulin Rouge", carbonilla / charcoal, 150 x 150 cm., 2019
"Retrato de / Portrait of Francis Bacon", carbonilla sobre papel / charcoal on paper, 150 x 150 cm.
Colección particular / Private Collection
SR: ¿Cómo valoras tu relación con el mercado del arte?
ÁA: Mínima o decididamente nula. En Uruguay no existe un mercado de arte. Afortunadamente desde muy joven decidí que no intentaría vivir del arte.
SR: ¿Podrías definirte, en general, sin la mirada de los demás?
ÁA: Básicamente un individuo carente de interés y con cierta habilidad para dibujar.
"La eslava / The Slavic Woman", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 50 x 50 cm.
"La niña del erizo / The Girl With the Hedgehog", pastel -150 x 150 cm., 2017
SR: Y, por último, una gran duda que me intriga desde que vi expuesta una obra tuya: ¿cómo se te ocurrió que una niña pueda ser feliz acariciando un erizo?
ÁA: La pregunta es muy curiosa y graciosa a la vez, nunca pensé en eso. Para empezar, nunca pensé que la niña estuviera feliz, pensé en un momento tierno de intimidad con su mascota, obviamente es un hecho absurdo que se vincula de alguna manera con el humor, componente que creo fundamental en mi trabajo.
Por otro lado, está la admiración y ternura que siento hacia los animales, prácticamente en todos mis dibujos aparece un animal.
"Autorretrato con la dama del armadillo /
Self Portrait With The Lady of the Armadillo", carbonilla / charcoal, 150 x 150 cm., 2014
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Sobre los artistas mencionados / About Mentioned Artists:
Clever Lara: [Uruguayos (XVIII)], [Ventanas (III)]
Álvaro Cármenes: Website
Paul Klee: [Aniversarios (XLVIII)], [Recolección (CXI)], [Ventanas (I)]
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Álvaro Amengual en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XLIX)], [Uruguayos (LIII-2)], [Libros de artista (I)]
Muchas gracias por la entrevista, Álvaro!
Thanks a lot for the interview, Álvaro!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Text in English
"Autorretrato en Disneylandia / Self Portrait in Disneyland", pastel, 48 x 50 cm., 2018
Álvaro Amengual is an Uruguayan visual artist and teacher born in Montevideo on December 27, 1957.
After high school he enters the Fine Arts Institute San Francisco de Asís, attending the drawing and painting workshop directed by Clever Lara and the sculpture workshop directed by Freddie Faux. Later he began his studies in metal engraving with Professor David Finkbeiner of Purchase University in New York. At the Engraving Club of Montevideo he studied lithography with Architect Álvaro Cármenes. In 1986 he began his activity in the field of illustration, publishing his work in several local weekly newspapers. At the same time he was a teacher in Clever Lara's workshop and later he was hired by the Ministry of Education and Culture.
Since 1997 he has been teaching in his private studio, and since 1998 he has been a professor at the Faculty of Communication and Design of the ORT University of Uruguay.
His works can be found in several national and international museums.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: How was your first approach to art?
Álvaro Amengual: I guess it was late. I entered an art school at the age of twenty-one. Although I used to draw regularly, it was never a passion. During my adolescence and because of a vocational uneasiness, I imperceptibly approached art.
SR: How do you configure in your head the idea that your hand then executes in the process of creation?
ÁA: As in all people, in a hazy way. Then comes the process of hunting for that image through sketches. For me the sketching is the hottest stage of the process; I make countless sketches and I would almost say that I enjoy that speculative process more than the concretion of the final image.
SR: Do you draw inspiration from anyone or anything to create?
ÁA: The list of people who inspire me would be infinite, but I have two great amazements from my youth: Rembrandt and Klee. I assign enormous value to the first astonishments because I think they are not contaminated by prejudices, be they laudatory or disqualifying.
SR: When you face a new work, do you have an initial project? Do you also leave room for spontaneity and improvisation? What is that dynamic like?
ÁA.: Improvisation and chance are present during the whole process of the work until the end. I don't take anything for granted, even if I've made dozens of sketches, everything can be changed.
If the work were a matter of mechanically transcribing the sketch or sketches, it would be very boring, and the result would undoubtedly be a dead image.
SR: Do you think you've managed to find the style you really feel comfortable with?
ÁA: Yes, and not so long ago. This discovery is due to my beginnings as an illustrator and the acceptance of my condition as a draftsman.
I have rediscovered the so-called popular arts: illustration, caricature, cartoon, comic, etc... All of them are disciplines that have an absolute communicative naturalness and do not need a labyrinthine discourse to justify their existence. In short, fresh air.
SR: You use different techniques and media. Which ones do you feel more comfortable with?
ÁA: As a discipline, drawing without a doubt. As for the techniques I use, my repertoire is very restricted, mainly charcoal, pastel and watercolor.
SR: What is your greatest weakness when facing a new creation?
ÁA: Laziness, but once I overcome this capital sin, everything goes smoothly.
SR: Regarding the narrative of your works, do you seek to obtain a specific dramatic effect, a particular feeling?
ÁA: The works I've been doing for some years now have a very important narrative component, so I like to tell stories. I intend the narratives to be non-linear, even if they tell a specific theme.
As for the spirit of the drawings, I think they are located between drama and humor, I like to think that I am doing a tragicomic work.
SR: You've met singular characters that surely later inspired some of your works. Can you refer to any of them?
ÁA: The memories come from my childhood and adolescence.
The neighborhood where I was born was full of quirky characters as well as in my family, probably some of them have crept into my drawings.
SR: Do you think that art is the child of a certain discomfort with the world?
ÁA: My friend Carlos Caffera used to say that an artist is that person who founds a world. Maybe there is a certain discomfort with the reality in which we live and this leads us to found a parallel world.
SR: Why do you choose the materials you use to work with?
ÁA: I choose materials that are pleasing to me and there is no possible explanation for this.
The materials I use are closely linked to the world of drawing and, as I said before, they are few, but they allow me an absolutely natural expression.
SR: As a teacher, what is the contribution of the artist who works with students and models their practice?
ÁA: There is a certain dissociation between working in art and teaching art. I try to transmit to the students what I have received from other artists and share my personal experience.
I don't believe in creativity workshops, that's something absolutely personal; what I do try to do is to teach the craft of drawing and painting, then each one will decide what to do with the mastery of that craft.
SR: How do you value your relationship with the art market?
ÁA: Minimal or decidedly nil. There is no art market in Uruguay. Fortunately, I decided at a very young age that I would not try to make a living from art.
SR: Could you define yourself, in general, without the gaze of others?
ÁA: Basically an uninterested individual with a certain ability to draw.
SR: And finally, a big question that has intrigued me ever since I saw one of your works exhibited: how did you come up with the idea that a little girl could be happy caressing a hedgehog?
ÁA: The question is very curious and funny at the same time, I never thought of that. To begin with, I never thought that the girl would be happy, I thought of a tender moment of intimacy with her pet, obviously it is an absurd fact that is somehow linked to humor, a component that I believe is fundamental in my work.
On the other hand, there is the admiration and tenderness I feel towards animals, practically in all my drawings an animal appears.
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