jueves, 17 de enero de 2019

Golucho [Pintura, Dibujo / Painting, Drawing]

"Lo que de bueno hay en un cuadro nunca está pintado". Esta frase de Golucho adquiere especial sentido cuando se le escucha hablar de sus obras, las técnicas empleadas, la forma como ha plasmado sus ideas, y las circunstancias que rodean el trabajo y sus modelos. Su crudo realismo es la pura definición del arte por el arte, fuera de los círculos, las exposiciones y los concursos. Autoexigente y autocrítico, Golucho pinta cuando el cuerpo se lo pide, vuelve sobre sus obras cuando detecta que algo no está bien (es el peligro de tener la obra en casa, dice), agranda, recorta o rompe los cuadros cuando tiene que hacerlo, y se vale de cualquier proceso que sirva al objetivo final: llegar a ese punto en el que te das cuenta que has conseguido lo que estabas buscando.

"What's good about a painting is never painted." This phrase by Golucho acquires special meaning when you hear him talk about his works, the techniques used, the way he has shaped his ideas, and the circumstances surrounding the work and its models. His crude realism is the pure definition of art for art, outside of circles, exhibitions and contests. Self-demanding and self-critical, Golucho paints when he really needs it, he returns to his works when he detects that something is not right (it is the danger of having the work at home, he says), enlarges, cuts or breaks the paintings when he has to do it, and uses any process that serves the final goal; to reach that point where you realize that you have achieved what you were looking for.
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Golucho


Golucho, seudónimo de Miguel Ángel Mayo, nació en Madrid en 1949, donde aprendió pintura de forma autodidacta estudiando la colección pictórica del Museo del Prado y del Casón del Buen Retiro.

Desde mayo de 1968 hasta 1973 fijó su residencia en París, donde vivió la bohemia: "Más que por la calidad artística, por el modelo de vida, el modelo bohemio a mí me interesa mucho..." Tras estos cinco años de ausencia de la península, volvió con el fin de explorar las relaciones expresivas del realismo iniciando junto a pintores como Andrés García Ibáñez y Dino Valls la nueva figuración española o nuevo realismo. Junto a estos dos pintores, Antonio López y Noé Serrano entre otros, han creado el manifiesto contemporáneo La Gallina Ciega donde se analizan los criterios estéticos y valorativos del arte contemporáneo, así como se reclama una vuelta al arte de calidad intelectual sin que ello lleve al desprecio de los procesos artesanales en el arte.

"Retrato de insomnios / Portrait of Insomnia"
Lápiz y aguada / pencil and gouache, 104 x 140 cm., primavera / spring, 2006

"Lara", óleo sobre tabla rota / oil on broken wood, 30 x 106 cm., verano / summer, 2001

«El que no ve la belleza está condenado a destruirla. La belleza no es lo que creen aquellos para quien no es algo vital. El que no la ve no la echa en falta y la confunde. El que no la ve la destruirá sin llegar a saber lo que es.»

"Alicia Rosana", óleo sobre tabla / oil on wood, 42 x 33 cm., invierno / winter, 2007

«El problema que tiene el realismo es que todo el mundo cree comprenderlo. Se piensa ante un cuadro realista que su cometido es la mera representación de lo cotidiano. La ventaja que tiene la abstracción es que la gente se vuelve humilde y dice "no lo entiendo" y esa forma de no descubrir ese cuadro les sitúa más cerca del testimonio de dicha obra. Pero cuando se trata de "comprender" rápidamente la pintura, ahí está el realismo. La conclusión es que el espectador resbala sobre la superficie de lo representado y dicha obra puede quedar en la mera apariencia y en la habilidad técnica.»

"Alicia Rosana" (detalle / detail)

"Adelfa / Oleander", lápiz / pencil, 198 x 90 cm.

Cada obra es una responsabilidad hacia la pintura pura, no sometida ni al tema ni a las técnicas representativas. Pintar es una manera de enfrentarse a la superficialidad que se vive hoy en día, que le consume en un agotador proceso interior que brota de las entrañas como el semen en el sexo, y explota en una técnica de un punto de vista insólito, a base de arañazos, abrasiones, desgarros y un brutal sentido matérico que le confiere una fuerza táctil; y ese componente táctil da unos visos de realidad muy superiores a la obra, muchas veces de efecto turbador para desconcierto del público, pero siempre con el autocompromiso de hacerla única e irrepetible. Y este extenuante procedimiento no cesará nunca, ni con la finalización del cuadro.
Carla Gentileschi

"Alma en el estudio / in the Studio"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 110 x 109,5 cm., verano / summer, 1999

«Suelo romper muchos cuadros, incluso cuadros alimenticios. Aunque pinto muy pocos, a veces te ves obligado a hacerlos, y a veces me he tirado tres meses trabajando y no he entregado la obra. Y cuando haces cuadros alimenticios es interesante cobrarlos... Incluso a veces te arrepientes de estar pintando siete meses un cuadro, o un dibujo, y por una tontería, lo machacas. Pero bueno, eso entra dentro de cada uno. Se asumen riesgos...»

"El pasillo / The Corridor", óleo sobre tabla / oil on wood, 87 x 110 cm., otoño / fall, 2009
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"Manos / Hands", lápiz / pencil, 192 x 173,5 cm., invierno / winter, 2002

Sobre "Manos"
«Este cuadro de las manos lo tuve durante un año sin acabar. Lo medio-acabé, y un día me decidí a firmarlo, y lo estaba firmando, sin saberlo, el mismo día en que estaba muriendo el modelo. Era un viernes a las seis de la tarde. Me lo dijo su hijo; me dice "sabes que mi padre murió", le digo "¿cuándo?", me dice "el viernes a las seis de la tarde murió". Yo me quedé de piedra, porque se alargó la cosa, la firma de ese dibujo se estuvo alargando hasta ese instante.»

«Las luces que están aquí, están raspadas con una radial de albañil de las grandes, porque intentaba darle con la goma y no salía, y si lo intentabas lijar te manchaba más. Sin embargo le metías la radial, y como va con tanta velocidad lo iba limpiando. Se nota la dirección de la radial por algunos sitios. Y también hay aguadas y otras cosas.»

About "Hands"
«I had this picture of the hands for a year without finishing. I half finished it, and one day I decided to sign it, and I was signing it, without knowing that the same day the model was dying. It was a Friday at six in the afternoon. His son told me that. He said "you know my father died", I said "when?", he said "Friday at six o'clock he died". I was stunned, because the thing was delayed, the signature of that drawing was delayed until that moment.»

«The lighting here are scraped with a circular saw of mason, a big one, because I tried to do it with the rubber and it doesn't work, and if you tried to sand it, it would be more stained. However using the circular saw, and as it goes with so much speed it was cleaner. You can note the direction of the radial in some areas. And there are also gouache and other things.»
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"Ultimo retrato / Last Portrait", óleo sobre tabla / oil on wood, 166 x 110 cm., invierno / winter, 2013

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre tabla / oil on wood, 122 x 73 cm., winter / invierno, 2007 & 2010

«A mí hay muchos [pintores] que me gustan, vivos y muertos. Hay bastantes. Muertos pueden ser Velázquez y Vermeer. Vivos, bueno, ahora Freud no vive, pero estaba un alemán que me gusta. Antonio [López] dentro del realismo español, y hay gente en Sudamérica también.»

«Te das cuenta que hay cuadros de gente que pinta muy bien, pero consciente o inconscientemente tienen la intención de quedar bien ante el público. Por lo menos en la pintura eso hay que dejarlo un poquito. Hay que ser más "yo", hay que ser más "el artista" y no preocuparse tanto. En los concursos hay gente que sólo pinta para concursos. Si hay un determinado jurado pintan... como si te lo estuviera pidiendo un galerista, pues lo mismo.»

"Hombre sin nombre / Man With No Name"
Grafito y acrílico sobre papel / graphite and acrylic on paper, 115 x 79 cm., 2002

"Lirios en la casa del pavo / Lilies in the Turkey House"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 80 x 122 cm., otoño / fall, 2014
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"La soledad del limite / The Loneliness of the Limit"
Lápiz y aguada / pencil and gouache, 189 x 60 cm., verano / summer, 2006

Sobre "La soledad del límite"
«Esta idea la tenía yo desde hace mucho tiempo, de hace años, y no encontraba nunca el modelo. Un día me dijo un amigo: "Resulta que a Paco lo han metido en el manicomio. Estaba gritando por la calle..." Estuvo diez días en el manicomio, y un día me lo encuentro tomando una cerveza en una terraza. Entonces dije: "Este es el momento". Y le dije: "Paco, acábate la cerveza y al estudio." Al mes, o dos mesos, lo volví a encontrar y ya se había recuperado. Y ya no me valía como modelo. Si no hubiera tenido ese ataque, que lo metieron en el manicomio, y que yo lo encontré después, este cuadro tal vez lo seguiría teniendo todavía en la cabeza. Yo tengo varios cuadros en la cabeza que, hasta que no encuentro a los personajes, no los puedo pintar.»

"La soledad del limite / The Loneliness of the Limit" (detalle / detail)

About The Loneliness of the Limit:
«I had this idea for a long time, years ago, and I never found the model. One day a friend told me: "It turns out that Paco was put in the asylum, he was screaming in the street ..." He spent ten days in the asylum, and one day I find him drinking a beer on a terrace. Then I said: "This is the moment." And I said: "Paco, drink that beer and let's go to the studio." After a month, or two months, I found him again and had recovered. He was no longer useful as a model for me. If he had not had that attack, that took him to the asylum, and that I found him later, I maybe would have this picture still in my head. I have several pictures in my head that, until I find the sitters, I can't paint them.»
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"Anna", óleo sobre tabla / oil on wood, 30 x 30 cm., otoño / fall, 2009

El realismo es el estilo que con más facilidad llega a confundirnos.
La rápida apreciación de nuestros sentidos hacia algo expeditamente representado
nos lleva a una peligrosa valoración.
Sólo separando la fácil unión entre la cotidianidad y la tendencia innata a la comparación,
el buen hacer del oficio con profesionalidad, el virtuosismo artificioso, siempre de fácil aplauso,
o la orla física y fingida del artista que como un icono se imprime en el subconsciente del público
de forma más penetrante que la propia obra, haciendo por consiguiente de valor constante.
Solo si se aísla todo esto, y nos esforzamos más en escuchar lo que subyace (ese magma oculto),
sabremos diferenciar una obra de arte de un trabajo posiblemente sólo bien hecho.

"Retrato desde la penumbra / Portrait From The Gloom", técnica mixta / mixed media, 149 x 198,5 cm.
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En la primera parte de este video podemos ver a Golucho durante la instalación de sus obras en el MEAM (Museu Europeu D'Art Modern), Barcelona, España, para su exposición de 2015. En la segunda parte el artista dialoga con José Manuel Infiesta, director del museo, sobre sus cuadros.

In the first part of this video we can see Golucho during the installation of his works in the MEAM (Museu Europeu D'Art Modern), Barcelona, Spain, for his exhibition of 2015. In the second part, the artist talks with José Manuel Infiesta, director of the museum, about his paintings.

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Golucho, pseudonym of Miguel Ángel Mayo, was born in Madrid in 1949, where he was self-taught in painting, studying the pictorial collection of the Museo del Prado and the Casón del Buen Retiro.

From May 1968 to 1973 he settled in Paris, where he lived bohemian: "More than the artistic quality, the model of life, I am very interested in the bohemian style ..." After these five years of absence of the peninsula, he returned with the purpose of exploring the expressive relations of realism, initiating together with painters such as Andrés García Ibáñez and Dino Valls the new Spanish figuration or New Realism. Together with these two painters, Antonio López and Noé Serrano among others, they have created the contemporary manifesto La Gallina Ciega / The Blind Hen, where the aesthetic and evaluative criteria of contemporary art are analyzed, as well as a return to the art of intellectual quality without leading to contempt for artisan processes in art.

"Rojo / Red IV", óleo sobre tabla / oil on wood, 127,5 x 97,5 cm., otoño / fall, 2008

"Ultimo Eco / Last Echo", lápiz y aguada / pencil and gouache, 160 x 190 cm.

«He who does not see beauty is condemned to destroy it. Beauty is not what those for whom it is not something vital believe. He who does not see it does not miss it and confuses it. He who does not see it will destroy it without knowing what it is.»

"Inacabado / Unfinished", óleo sobre tabla / oil on wood, 2003

«The problem with realism is that everyone believes they understand it. One thinks before a realistic picture that its mission is the mere representation of the daily thing. The advantage that abstraction has is that people become humble and say "I do not understand" and that way of not discovering that picture puts them closer to the testimony of that work. But when it comes to quickly "understanding" the painting, there is realism. The conclusion is that the viewer slips on the surface of the represented and this work can be left in mere appearance and in technical ability.»

Izq./ Left: "El cabrero / The Goatherd Jesulín", lápiz / pencil, 167 x 102 cm., verano / summer, 1999
Der./ Right: "Pepet de sa mare", lápiz / pencil, 85 x 48 cm., invierno / winter, 2000

"El cabrero / The Goatherd Jesulín" (detalle / detail)

Each work is a responsibility towards pure painting, not subjected to either the subject or the representative techniques. Painting is a way of confronting the superficiality that is experienced today, which consumes one in an exhausting inner process that shoots from the guts like semen in sex, and explodes in a technique from an unusual point of view, based on scratches, abrasions, tears and a brutal material sense that gives it a tactile strength; and this tactile component provides some glints of much greater reality to the work, sometimes disturbingly to disconcert the public, but always with the self-commitment of making it unique and unrepeatable. And this extenuating procedure never ceases, not even with the completion of the painting.
Carla Gentileschi

"En la habitación verde / In the Green Room"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 85 x 1,90 cm., primavera / spring, 2012

«I often break many paintings, even paintings for make a living. Although I paint very few, sometimes you are forced to do them, and sometimes I have spent three months working and I have not delivered the work. And when you make for make a living it is interesting to charge them ... Even sometimes you regret to be painting a picture for seven months, or a drawing, and for a nonsense, you crush it. But hey, that goes inside each one. You take risks ... »

"Mujer / Woman III", lápiz / pencil, 77 x 198 cm., primavera / spring, 2008

"El mundo y Alicia / The World and Alicia"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 72 x 80 cm., invierno / winter, 2004

«There are many [painters] that I like, alive and dead. There are plenty. Among dead ones could be Velazquez and Vermeer. Alive, well, now Freud does not live, but it was a German that I like. Antonio [López] in Spanish realism, and there are people in South America too.»

«You realize that there are pictures of people who paint very well, but consciously or unconsciously they intend to look good before the public. At least in the painting that is necessary to leave it a little bit. You have to be more "I", you have to be more "the artist" and not worry so much. In the contests there are people who only paint for contests. If there is a certain jury they paint ... as if a gallerist were asking for it, the same thing.»

"Xumé", lápiz / pencil, 102 x 103 cm., veano / summer, 1998

Realism is the style that eventually confuses us most easily.
The quick appreciation of our senses towards something hurriedly represented
leads us to a dangerous evaluation.
The only thing separating the easy union between daily routine is the innate tendency for comparison,
good practice of the skill with professionalism, ingenious virtuosity, always easy to applaud,
or the physical and faked border of the artist which like an icon is imprinted on the subconscious of the public
more penetratingly than the work itself, therefore producing constant value.
Only if all this is isolated, and we make more effort to listen to what is underlying, (this hidden magma),
we will know how to differentiate one work of art from a piece of work possibly only well done.
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Golucho trabajando en una de sus obras. Video de Juan Sánchez
Golucho at work with one of his paintings. Video by Juan Sánchez. 


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Además de dibujar y pintar, Golucho escribe poesía. Preguntado sobre el tema, el artista responde:
«Todo es agua del mismo manantial, la música, la poesía, su ritmo, su porqué, todo ello influye en todo lo que haces. Como un autorretrato inconsciente.»
El libro "Pozo de carne, poemas y otros intentos" (Editorial Biblioteca Nueva, 2014), reune toda su obra poética.
Pueden comprar el libro aquí.


In addition to drawing and painting, Golucho writes poetry. Asked about the subject, the artist responds:
"Everything is water from the same spring, music, poetry, its rhythm, its why, all this influences everything you do. As an unconscious self-portrait.»
The book "Pozo de carne, poemas y otros ensayos / Well of flesh, poems and other attempts" (Editorial Biblioteca Nueva, 2014), brings together all his poetic work.
You can buy the book here.
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Fuentes / Sources:
Website
* Wikipedia
* Entrevista a / Interview with Golucho, Histoire/s/ du cinéma Audiovisuals, 3/2015. Youtube
* Catálogo de la exposición / Catalogue of the exhibition "Golucho"
Museu Europeu d'Art Modern, Barcelona, España / Spain, 3-4/2015
* Entrevista en / Interview in The Fine Art Collective, 1/2018

Artistas mencionados, en el blog / Mentioned artists, in this blog:

Diego Velázquez[Todos los enlaces / All links]
Johannes Vermeer[Todos los enlaces / All links]
Lucian Freud[Todos los enlaces / All links]
Dino Valls:
[Danisevicius, Valls, Zhu Yiyong], [Dino Valls (II) (Pintura)], [Asonancias (VI)], [Pintando perros (XLVII)]
Antonio López[Takahiro Hara (Pintura)] - Wikipedia
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Más sobre / More about Golucho: Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Golucho!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Golucho!)

martes, 15 de enero de 2019

Steven Kenny [Pintura / Painting]

Steven Kenny cree que el mundo natural es el mejor lugar para buscar respuestas a nuestros interrogantes como seres humanos. Por eso sus obras están pobladas de animales, vegetación, entornos silvestres y fenómenos meteorológicos que enmarcan a sus personajes, a menudo femeninos, mientras posan o se desenvuelven en circunstancias surrealistas.

Steven Kenny believes that the natural world is the best place to look for answers to our questions as human beings. That's why his works are full of animals, vegetation, wild environments and meteorological phenomena that frame his characters, often female, while posing or develop themselves in surreal circumstances.
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Steven Kenny

Foto / Photo: Catalyst

Steven Kenny nació en 1962 en Peekskill, Nueva York. Se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Diseño de Rhode Island en 1984. Durante una larga y exitosa carrera ha exhibido su arte en galerías y museos de todo el mundo, ganado numerosos premios y aparecido en innumerables publicaciones.

Steven abre los portales hacia un mundo surrealista lleno de sucesos y relaciones bellamente misteriosas. Cargado con un simbolismo sofisticado y versátil, que se basa en gran medida en la profunda conexión de Kenny con la naturaleza y el reino animal, sus pinturas son cautivadoras exploraciones de la condición humana. A través de ellas el artista se embarca en un viaje, descubriendo las facetas de su propia personalidad y explorando ideas de su (y por extensión nuestro) parentesco y separación con el resto de la humanidad y el mundo natural. Sin embargo el verdadero poder de las imágenes de Kenny reside en su capacidad para hablar con todos y cada uno de nosotros a un nivel profundamente personal. Nada está siendo dictado, prescrito o forzado. Sus pinturas tratan sobre el lenguaje universal de la mente inconsciente, y como tales responden en gran medida a nuestras propias historias de vida y todo lo que implica crear nuestro sentido único del yo.

"La esposa del apicultor / The Beekeeper's Wife", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38" x 28", 2011

"La feliz / The Glade", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32" x 36", 2003

«Como todos los niños he estado dibujando desde que tengo memoria. Sin embargo una vez que comencé la escuela mi obra comenzó a llamar la atención y se me felicitaba por mi talento. Mi primer reconocimiento real fue cuando tenía siete años y gané un premio de mi ciudad en un concurso de pósteres de seguridad que patrocinaron. Ese premio temprano fue un gran incentivo para crear más arte.»

«Creo firmemente que podemos llegar a entendernos a nosotros mismos y la naturaleza de la vida estudiando el mundo natural. Todas las respuestas a nuestras preguntas sobre el nacimiento, la muerte, el crecimiento, la descomposición y el cambio en general se pueden encontrar allí si observamos y escuchamos. Mis pinturas combinan con gran frecuencia la figura humana con animales y plantas como metáforas de mi propia lucha por comprender quién soy y, en un sentido más amplio, cómo los humanos encuentran su lugar en el mundo.»

"La impostora / The Imposter", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 22", 2011

"Las riendas / The Reins", óleo sobre lino / oil on canvas, 24" x 34", 2011

«Estoy siendo constantemente influenciado por una amplia variedad de artistas, tanto históricos como contemporáneos. Disfruto de todas las formas de arte y cada una tiene su propio impacto en mi trabajo. Pero debo decir que los pintores holandeses y flamencos del siglo XV al XVII tienen un lugar especial en mi corazón. Su forma de ver el mundo, su humor y su atención a los detalles me atraen.»

«[Estoy influenciado por] ¡Muchas cosas! La naturaleza y el medio ambiente, mi infancia, religión y espiritualidad, la percepción, la ilusión, la naturaleza de la realidad, el rock progresivo de los '70, la psicología, la mente inconsciente, la historia del arte y el surrealismo. Todos esos temas son factores en los temas de mis pinturas.»

"La unificación / The Unification (Anima)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48 x 36", 2010

"Burbujas / Bubbles", óleo sobre lino / oil on canvas, 28" x 36", 2012

«Como pintor mi trabajo es en muchos aspectos una extensión de esa inspiración y fascinación tempranas. Sigo creando mundos estáticos (aunque en dos dimensiones) llenos de aves exóticas que pretenden atraer al espectador. Una invitación a los espectadores a perderse en el ensueño.
Es imposible decir qué experiencias de la infancia formarán parte del vocabulario de un artista para la autoexpresión.»

"No soy uno de esos artistas que piensan en términos de lo que va a pasar con mi trabajo después de que muera, en el sentido de que realmente no me importa, porque no voy a estar cerca de ello, así que mi motivación supongo tiene que ver más con el aquí y el ahora, y hacer que la gente piense, dándoles un cierto nivel de entretenimiento, y simplemente interactuando de esa manera.»

"Rikke", óleo sobre lino / oil on canvas, 24" x 18", 2006

"El vestido de arena / The Sand Gown,  óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38" x 30", 2016

«He pasado mucho tiempo pensando, mirando e inspirándome en la Naturaleza. Lo cierto es que la Naturaleza SIEMPRE está en el acto de crear. Por ejemplo, de niño fue una revelación saber que los árboles en invierno no están dormidos; sus raíces todavía están activas bajo tierra, aunque a un ritmo lento. Desafortunadamente en el rápido mundo de hoy a menudo tendemos a evaluar "lento" como improductivo. Cuando no somos capaces de percibir el cambio, asumimos que nada está sucediendo. Sin embargo las montañas se erosionan constantemente mientras parecen inmutables. Los desiertos parecen sin vida, pero están llenos de actividad. Asimismo, la creatividad artística continúa en todo momento, independientemente del número de horas pasadas en el estudio.»

«La muerte también juega un papel importante. He llegado a creer que la muerte es un evento tan creativo como el nacimiento. Sin ella la vida no avanzaría ni evolucionaría. Es solo uno de los muchos puntos en esa rueda invisible que gira continuamente. Muchas de mis ideas artísticas llevan a callejones sin salida y nunca se materializan. Aún así tienen un valor real y me ayudan a crecer como artista.
El único "pecado" en el arte es creer que no estás siendo creativo en un momento dado. Ahora, tomen un pequeño consejo para la construcción de la creatividad, de Einstein, Aristóteles y Salvador Dalí, y vayan a echarse una siesta.»

"Lo esencial IV / The Crux IV", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 22" x 60", 2014

"El collar / The Collar", óleo sobre panel / oil on canvas, 20" x 14", 2008

«Para mí la creatividad es como un tiovivo. No hay principio ni fin, y puedo subir o bajar en cualquier momento. A veces pienso en cada una de mis pinturas como un solo cuadro en un largo rollo de película. Cada una difiere de la que la precede o la sigue, pero todas están interconectadas.
Al igual que Ouroboros, la serpiente mítica que siempre se traga su propia cola, simultáneamente me estoy devorando y creciendo al mismo tiempo. Al aferrarme a la cola conceptual de mi última pintura, me impulso hacia la siguiente. Ese hilo circular actúa como un salvavidas artístico. El truco es asegurarse de que cada nuevo trabajo, mientras esté relacionado con el último, no sea simplemente una reiteración de él. No hay vuelta atrás. ¡Solo adelante! En mi caso siempre he podido trabajar en una sola pintura a la vez, de lo contrario pierdo el enfoque, y mi impulso se detiene. El estancamiento puede ser mortal.»

"La hija del soldado / The Soldier's Daughter", óleo sobre panel / oil on panel, 29,5" x 19", 2018

"La rompiente / The Breaker", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 24", 2017

«Una rompiente puede definirse como "una ola de mar pesada que se rompe en espuma blanca en la costa o un banco de arena" o "una persona o cosa que rompe algo". En este caso, ambas definiciones se ilustran en la misma pintura.
Al igual que con muchas de mis pinturas, la composición se basa en varias imágenes encontradas en Internet, alteradas y combinadas. El truco, por supuesto, cuando se trabaja con fotografías encontradas, es crear una imagen perfecta que parezca haberse formado espontáneamente.»

"La rompiente", foto de referencia y detalle / "The Breaker", reference photograph and detail

«A breaker can be defined as either "a heavy sea wave that breaks into white foam on the shore or a shoal" or " a person or thing that breaks something." In this case, both definitions are illustrated in the same painting.
As with many of my paintings, the composition is based on various images found on the internet; altered and combined. The trick, of course, when working with found photographs is to create a seamless image that appears to have been formed spontaneously.»

"El hueso de la suerte (La espoleta) / The Wishbone", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 28", 2011

Steven Kenny was born in 1962 in Peekskill, New York. He graduated with a BFA from the Rhode Island School of Design in 1984. Over a long and successful career, Steven has exhibited his art in galleries and museums throughout the world, has won numerous awards and has been featured in countless publications.

Steven opens portals into a surrealistic world brimming with beautifully mysterious occurrences and relationships. Loaded with a sophisticated and versatile symbolism, which draws heavily upon Kenny’s profound connection to nature and the animal kingdom, his paintings are captivating explorations into the human condition. Through them, the artist is on a journey, uncovering facets of his own personality and exploring ideas of both his, and by default, our, kinship with, and separation from, the rest of humanity and the natural world. However, the true power of Kenny’s images lies in their ability to speak to each and every one of us on a deeply personal level. Nothing is being dictated, prescribed or forced. His paintings deal in the universal language of the unconscious mind, and as such, are hugely responsive to our own life stories and all that goes into creating our unique sense of self.

"Las cintas / The Ribbons", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 28", 2015

Izq./ Left: "La ley de la gravedad / The Law of Gravity", óleo sobre panel / oil on canvas, 24" x 18", 2010
Der./ Right: "El gesto / The Gesture", óleo sobre lino / oil on canvas, 30" x 20", 2007

«Like all children I’ve been drawing for as long as I can remember. However, once I began school, I started to attract attention to my work and was complimented on my talent. My first real recognition was when I was seven and won a prize from my town for a safety poster contest they sponsored. That early award was a huge incentive to create more art.»

«I believe strongly that we can come to understand ourselves and the nature of living by studying the natural world. All the answers to our questions about birth, death, growth, decay, and change in general can be found there if we look and listen. My paintings most often blend the human figure with animals and plants as metaphors for my own struggles to understand who I am and, in a broader sense, how humans find their place in the world.»

"La playa / The Beach", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24", 2015

"Hombre con anteojeras / Man with Blinders", óleo sobre panel / oil on panel, 12,75" x 14", 2012

«I’m constantly being influenced by a wide variety of artists, both historical and contemporary. I enjoy all forms of art and each has its own impact on my work. But I have to say that the Dutch and Flemish painters from the 15th to the 17th Centuries have a special place in my heart. Their way of looking at the world, their humor, and their attention to detail all appeal to me.»

«[I'm influenced by] So many things! Nature and the environment, my childhood, religion and spirituality, perception, illusion, the nature of reality, 1970s progressive rock, psychology, the unconscious mind, art history, and surrealism. All those subjects factor into the subject matter of my paintings.»

"El grito / The Shout", óleo sobre lino / oil on canvas, 26" x 18", 2009

«As a painter, my work is in many ways an extension of that early inspiration and fascination. I'm continuing to create static worlds (albeit in two dimensions) filled with exotic birds that are intended to draw the viewer in. An invitation to viewers to lose themselves in reverie.
It's impossible to say which childhood experiences will become part of an artist's vocabulary for self-expression.»

«I'm not one of those artists who thinks in terms of what's gonna happen with my work after I'm dead, in a way I don't really care 'cause I'm not gonna be around, so my motivation I guess has to do more with here and now and getting people to think, giving them some level of enjoyment and just having interaction in that way.»

"El posadero III / The Perch III", óleo sobre panel / oil on panel, 20" x 16", 2006

"Los plantones / The Saplings", óleo sobre lino / oil on canvas, 32" x 24", 2007

«I've spent a lot of time thinking about, looking at, and drawing inspiration from Nature. In truth, Nature is ALWAYS in the act of creating. For instance, as a child it was a revelation to learn that trees in winter are not asleep; their roots are still busy below ground, albeit at a slowed pace. Unfortunately, in today's fast-moving world, we often tend to evaluate "slow" as unproductive. When we are unable to perceive change we assume that nothing is happening. Yet, mountains are constantly being eroded while seeming immutable. Deserts appear lifeless but are teeming with activity. Likewise, artistic creativity continues at all times regardless of the number of hours spent in the studio.»

«Death also plays an important role. I've come to believe that death is as creative an event as birth. Without it life wouldn't move forward or evolve. It's just one of many points on that unseen wheel that continually spins. So many of my artistic ideas lead to dead ends and are never brought to fruition. Still, they have real value and help me grow as an artist.  The only "sin" in art is to believe that you are not being creative at any given time. Now, take a little creativity-building advice from Einstein, Aristotle, and Salvador Dali and go take a nap.»

"Lo esencial III (Palomas) / The Crux III (Doves)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 x 60", 2012

«For me, creativity is like a merry-go-round. There is no beginning or end and I'm free to hop on or off at any point. At times I think of each of my paintings as a single frame in a long roll of film. Each differs from the one preceding or following it but all are interconnected.
Like Ouroboros, the mythical serpent forever swallowing its own tail, I am simultaneously devouring myself and growing at the same time. By holding onto the conceptual tail of my last painting, I'm pulled into the next one. That circular thread acts as an artistic lifeline. The trick is to make sure that each new work, while related to the last, is not simply a reiteration of it. No going back. Only forward! In my case, I've always been able to work on only one painting at a time. Otherwise, I lose focus and my momentum slows to a halt. Stagnation can be deadly.»

"El velo / The Veil", óleo sobre lino / oil on canvas, 24" x 32", 2012
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Entrevista de / Interview by Victoria Casal
Video de / by Quincy Walters para / for Creative Pinellas

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Fuentes / Sources:
* Website
* Video que puede verse más abajo / Video you can see below
* Perfil del artista / Artist's profile, IX Gallery
* Entrevista de webSman en / Interview by webSman in Miroir, 9/2016
* Blog del artista en / Artist's blog in Impact Return Grants

Steven Kenny en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XL)]

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Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Steven!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Steven!)

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