sábado, 23 de marzo de 2019

Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXXI) [Marzo / March 17-23]

Todos los aniversarios de Marzo aquí / All anniversaries for March here.
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El 17 de Marzo es el cumple de

Elizabeth Alice Austen, fotógrafa estadounidense nacida en 1866 en Staten Island.
El padre de Austen abandonó a la familia antes de que ella naciera, y ella fue bautizada como Elizabeth Alice Munn. Nunca usó el "Munn", y marcaría sus negativos con las iniciales "EAA" de Elizabeth Alice Austen. Sin ingresos familiares y sin marido, la madre de Alice se mudó de nuevo a la casa de su propio padre, que era conocida como Clear Comfort.
Austen se interesó por la fotografía cuando su tío, Oswald Müller, trajo a casa una cámara alrededor de 1876. El tío de Alice, Peter Townsend Austen, era profesor de química en Rutgers y le enseñó el procesamiento fotográfico. Peter y Oswald convirtieron un armario en el segundo piso en el cuarto oscuro de Alice. La primera fotografía existente de ella data de 1884. Durante los siguientes 40 años, produjo alrededor de 8,000 fotografías.
El tema de Austen era la vida cotidiana de la gente de Nueva York. Ella documentó la sociedad de clase media alta en Staten Island y las personas de clase baja que vivían en el Lower East Side de Nueva York. Sus imágenes de inmigrantes mostraron "una vacilación y curiosidad experimentada tanto por el fotógrafo como por el sujeto".
En 1899, Austen conoció a Gertrude Amelia Tate (1871-1962), maestra de jardín de infantes e instructora de baile de Brooklyn, Nueva York. Ella se convirtió en la compañera de toda la vida de Austen.

"Grupo con aparatos / Group Apparatus", 1893
Colección de fotografías de Alice Austen. Sociedad Histórica de Staten Island /
Alice Austen Photograph Collection. Staten Island Historical Society. Artsy

Austen vivió de los intereses del dinero que le dejó su abuelo, pero el capital se perdió con el crack de Wall Street de 1929, y a los 63 años se quedó sin ingresos. Comenzó a vender su plata, obras de arte y muebles para obtener dinero para comprar comida y combustible. Luego tomó una hipoteca sobre la casa que se quedó el banco en 1945. Vendió sus posesiones restantes por $ 600 a un vendedor de segunda mano de Nueva Jersey y llamó a su amigo Loring McMillen de la Sociedad Histórica de Staten Island para que se quedara con las fotos. Luego se mudó a un apartamento, y más tarde a un asilo de ancianos. El 24 de junio de 1950 fue declarada indigente y fue admitida en la New York City Farm Colony, el hogar para pobres de Staten Island.
En 1950 Picture Press comenzó un proyecto sobre la historia de las mujeres estadounidenses y contactó con archivos para obtener imágenes inéditas. C. Copes Brinley, de la Sociedad Histórica de Staten Island, tenía 3.500 negativos de placas de vidrio de Austen sin catalogar, de los aproximadamente 8.000 que tomó.
En octubre de 1950, Constance Foulk Robert se reunió con Brinley y McMillen para ver los negativos. Oliver Jensen publicó varias de las fotos en su libro "Revolt of Women". También escribió un artículo de ocho páginas en la revista Life y publicó seis páginas de fotos de viajes en la revista Holiday. Las publicaciones recaudaron más de $ 4,000 para Austen y ella pudo mudarse de Farm Colony a un asilo de ancianos privado.
Murió en 1952.

"El club Darned / The Darned Club", 1891
Colección de fotografías de Alice Austen. Sociedad Histórica de Staten Island /
Alice Austen Photograph Collection. Staten Island Historical Society. Artsy

On March 17 is the birthday of

Elizabeth Alice Austen, American photographer born in 1866 in Staten Island. 
Austen's father abandoned the family before she was born, and she was baptized under the name Elizabeth Alice Munn. She never used the name Munn and would initial her negatives with "EAA" for Elizabeth Alice Austen. With no household income and no husband, Alice's mother moved back to her own parent's home, which was known as Clear Comfort.
Austen became interested in photography when her uncle, Oswald Müller, brought home a camera around 1876. Alice's uncle Peter Townsend Austen was a chemistry professor at Rutgers who taught her photographic processing. Peter and Oswald converted a closet on the second floor into Alice's darkroom. The earliest extant photograph by her is dated 1884. Over the next 40 years she produced around 8,000 photographs.
Austen's subject was daily life of the people of New York. She documented upper middle-class society on Staten Island and lower-class people living in New York's Lower East Side. Her images of immigrants showed "a hesitancy and curiosity experienced by both photographer and subject."
In 1899 Austen met Gertrude Amelia Tate (1871-1962), a kindergarten teacher and dancing instructor of Brooklyn, New York. She became Austen's lifelong companion.

"Traperos, calle 23, Nueva York / Rag Pickers, 23rd Street, New York", 1896
Colección de fotografías de Alice Austen. Sociedad Histórica de Staten Island /
Alice Austen Photograph Collection. Staten Island Historical Society. Artsy

Austen lived off the interest from the money left by her grandfather but the principal was lost in the Wall Street Crash of 1929, and by age 63, she had no income. She began to sell off her silver, art works, and furniture to get enough money to buy food and fuel. She then took out a mortgage on the house which was taken by the bank in 1945. She sold her remaining possessions for $600 to a second-hand dealer from New Jersey and called her friend Loring McMillen from the Staten Island Historical Society to take the photos. She then moved to an apartment, then a nursing home. On June 24, 1950 she was declared a pauper and was admitted to New York City Farm Colony, Staten Island's poorhouse.
In 1950 Picture Press started a project on the history of American women and contacted archives for unpublished images. C. Copes Brinley of the Staten Island Historical Society had 3,500 extant, uncatalogued Austen glass plate negatives of the roughly 8,000 she took.
In October 1950, Constance Foulk Robert met with Brinley and McMillen to look at the negatives. Oliver Jensen published several of the photos in his book Revolt of Women. He also wrote an eight-page story in Life magazine, and published six-pages of travel photos in Holiday magazine. The publications raised more than $4,000 for Austen and she was able to move out of the Farm Colony and into a private nursing home.
She died in 1952.

"Trude y yo / Trude & I", 1891
Colección de fotografías de Alice Austen. Sociedad Histórica de Staten Island /
Alice Austen Photograph Collection. Staten Island Historical Society. Artsy


El 18 de Marzo es el cumple de

Jürgen Schadeberg, fotógrafo y artista sudafricano nacido en 1931 en Berlín, Alemania. En 1950 se mudó a Sudáfrica para reunirse con su familia y se unió a la revista Drum como fotógrafo oficial y maquetador.
Schadeberg se convirtió en maestro y mentor de algunos de los fotógrafos sudafricanos más creativos de su época, como Bob Gosani, Ernest Cole y más tarde Peter Magubane. Como uno de los pocos fotógrafos blancos que fotografiaban la vida cotidiana de la comunidad negra, se familiarizó con la vida y la cultura de los negros. Como resultado capturó en película los inicios del movimiento por la libertad, los efectos del apartheid y la vitalidad de la vida urbana.

"Regreso de Nelson Mandela a su celda en Robben Island IV /
Nelson Mandela's return to his cell on Robben Island IV", 1994. Link

Nelson Mandela en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXCIV)], [Aniversarios Fotografía (CCVII)]

Schadeberg fotografió muchos eventos históricos y cruciales en la década de 1950, entre ellos la Campaña Defiance de 1952, el Treason Trial (Juicio por traición) de 1956, los desalojos de Sophiatown de 1955, la escena social y de jazz de Sophiatown, el funeral de Sharpeville de 1960 y fotografías de los internos de Robben Island. Entre las personas famosas que fotografió se cuentan Nelson Mandela, Walter Sisulu, Oliver Tambo, Trevor Huddleston y Govan Mbeki. También documentó las leyendas del jazz de los años 50 como Dolly Rathebe, Kippie Moeketsi, Thandi Klaasen y Miriam Makeba.

"Nelson Mandela y Moses Kotane durante el juicio por traición /
Nelson Mandela and Moses Kotane during the Treason Trial", 1958. Link

Drum quería que la cantante Dolly Rathebe fuera la chica de portada para una de sus ediciones. Schadeberg la llevó a un vertedero de minas de Johannesburgo y la fotografió en bikini. Los dos fueron arrestados por contravenir la Ley de Inmoralidad que prohibía las relaciones interraciales.
En 1959 Schadeberg dejó Drum para convertirse en un profesional independiente. Formó parte de una expedición dirigida por el profesor Phillip V. Tobias de la Universidad de Witwatersrand para estudiar a los San (bosquimanos). Estas imágenes fueron publicadas en "La danza de los bosquimanos de Kalahari" en 1982.
Se vio obligado a abandonar Sudáfrica en 1964 y se fue a Londres. Allí enseñó y curó exposiciones fotográficas, especialmente para la Galería de Arte Whitechapel.
Luego se mudó a España, donde se concentró en una carrera como artista. En 1972 regresó a África, donde aceptó un puesto como fotógrafo para Christian Aid en Botswana y Tanzania. En 1973 viajó desde Senegal y Mali a Kenia y Zaire para tomar fotografías.
En 1984 Schadeberg regresó a Sudáfrica. Sigue trabajando como fotoperiodista y también realiza documentales sobre la comunidad negra.

"Priscillia Mtimkulu", Sudáfrica / South Africa, 1952. Link

On March 18 is the birthday of

Jürgen Schadeberg, South African photographer and artist born in 1931 in Berlin, Germany. In 1950, he moved to South Africa to rejoin his family and joined Drum magazine as official photographer and layout artist.
Schadeberg became a teacher and mentor to some of the most creative South African photographers of his time, like Bob Gosani, Ernest Cole and later Peter Magubane. As one of the few white photographers who photographed daily life among the black community, he became knowledgeable about black life and culture. As a result, he captured on film the beginnings of the freedom movement, the effects of apartheid and the vibrancy of township life.
Schadeberg photographed many historic and pivotal events in the 1950s among them the Defiance Campaign of 1952, the 1956 Treason Trial, the Sophiatown removals of 1955, the Sophiatown jazz and social scene, the Sharpeville funeral of 1960 and pictures of Robben Island inmates. Some of the famous people he photographed include Nelson Mandela, Walter Sisulu, Oliver Tambo, Trevor Huddleston and Govan Mbeki. He also documented the '50s jazz legends such as Dolly Rathebe, Kippie Moeketsi, Thandi Klaasen and Miriam Makeba.

"Esperando los camiones durante los desalojos en Sophiatown /
Waiting for the trucks Sophiatown removals", 1959. Link

Drum wanted the singer Dolly Rathebe to be the cover girl for one of their issues. Schadeberg took her to a Johannesburg mine dump and photographed her in a bikini. The two were arrested for contravening the Immorality Act which forbade interracial relationships.
In 1959, Schadeberg left Drum to become a freelancer. He was part of an expedition led by Professor Phillip V. Tobias from the University of the Witwatersrand to study the San (Bushmen). These images were published in The Kalahari Bushmen Dance in 1982.
He was forced to leave South Africa in 1964 and went to London. There he taught and curated photographic exhibitions, notably for the Whitechapel Art Gallery.
He then moved to Spain where he concentrated on a career as an artist. In 1972, he returned to Africa where he accepted a position as photographer for Christian Aid in Botswana and Tanzania. In 1973 he travelled from Senegal and Mali to Kenya and Zaire to take photographs.
In 1984, Schadeberg returned to South Africa. He continues to work as a photo-journalist as well as making documentaries about the black community.

"Paro de manos de Hans Prignitz en la iglesia de San Michaelis, Hamburgo /
Hans Prignitz's handstand on the St. Michaelis Church, Hamburg" 1948. Link


El 19 de Marzo es el cumple de

Maria Austria (Marie Karoline Oestreicher), fotógrafa holandesa nacida en 1915 en Carlsbad (hoy Karlovy Vary, República Checa).
Después de asistir a la escuela secundaria en Carlsbad estudió fotografía en Viena. Debido al aumento del antisemitismo en Viena, fue a Amsterdam después de sus exámenes finales en 1937. Allí, su hermana Lisbeth Oestreicher había establecido un estudio para diseños de prendas de punto. Trabajaron juntos bajo el nombre de "Model en Foto Austria" para varias revistas holandesas. Fue entonces cuando Marie adoptó el nombre profesional de Maria Austria.
En 1942 los nazis decretaron que todos los judíos en los Países Bajos tenían que presentarse en el campo de tránsito de Westerbork. Hans Bial, con quien Maria se había casado recientemente, fue a Westerbork, pero María se unió a la resistencia clandestina para trabajar como mensajera y ayudar a falsificar documentos de identidad. Fue allí donde conoció a Henk Jonker, quien se convertiría en su segundo marido. Ella le enseñó fotografía a Henk. Inmediatamente después de la liberación de 1945, establecieron la agencia de fotografía Particam Pictures (una contracción de Partisan Camera) en Willemsparkweg 120 en Ámsterdam. Allí se les unieron los fotógrafos Aart Klein y Wim Zilver Rupe. Los retratos de la agencia y las fotografías de la reconstrucción de posguerra ganaron un amplio reconocimiento. En 1948 Particam Pictures se convirtió en la principal agencia fotográfica para el recién establecido Festival de Holanda, un festival anual de música, teatro, ópera y ballet. Cuando Aart Klein y Wim Zilver Rupe abandonaron Particam Pictures para seguir su propio camino, María y Henk siguieron siendo los fotógrafos más importantes del festival.

"Die Tänzerin / La bailarina / The Dancer Ellen Edinoff", Ámsterdam, 1965 
© Maria Austria / Maria Austria Instituut. Das Verborgene Museum

Desde el principio María fue muy activa en la promoción de la fotografía dentro de Gebonden Kunsten in de federatie (GKf), una organización que representaba los intereses de los artistas. Ella suplicó al Ministerio de Cultura que reconociera la fotografía como una forma de arte por derecho propio para que también los subsidios estuvieran disponibles para los fotógrafos.
Era muy exigente con sus clientes, insistiendo en que se le acreditaran las fotografías publicadas en periódicos y revistas y, lo que es más importante, prohibía el recorte de sus imágenes.
Poco a poco María se centró en sus verdaderas pasiones: la música de vanguardia contemporánea, el teatro y la danza. Documentó actuaciones en el Teatro Mickery desde su inicio en 1965 y fotografió las protestas culturales de la década de 1960, como Aktie Notenkraker y Aktie Tomaat. Continuó documentando todos los aspectos del Festival de Holanda hasta el final de su carrera.
En 1962 su matrimonio con Henk Jonker encalló y ella continuó Particam Pictures sola con la ayuda de Jaap Pieper, Vincent Mentzel y Bob van Dantzig. Murió inesperadamente en su casa a principios de enero de 1975 de un brote de gripe que no se había tomado en serio.

"Ámsterdam", 1950 © Maria Austria / Maria Austria Instituut. Das Verborgene Museum

"Szene aus "Mojin Shokan" vom Tenjo Sajiki-Theater, Tokio
Escena de "Mojin Shokan", del teatro Tenjo Sajiki, Tokio /
Scene of "Mojin Shokan", by Tenjo Sajiki Theater, Tokyo"
Teatro Mickery / Mickery Theater, Ámsterdam 1973. Das Verborgene Museum
© Maria Austria / Maria Austria Instituut.

On March 19 is the birthday of

Maria Austria (Marie Karoline Oestreicher), Dutch photographer born in 1915 in Carlsbad (now Karlovy Vary, Czech Republic).
After attending secondary school in Carlsbad, she studied photography in Vienna. Because of increasing anti-Semitism in Vienna, she went to Amsterdam following her final exams in 1937. There, her sister Lisbeth Oestreicher had established a studio for knitwear designs. They worked together under the name ‘Model en Foto Austria’ for several Dutch magazines. It was then Marie adopted the professional name Maria Austria. 
In 1942 the Nazis decreed that all Jews in the Netherlands had to report to the Westerbork transit camp. Hans Bial, whom Maria had recently married, did go to Westerbork but Maria joined the underground resistance to work as a courier and to assist in forging identity papers. It was there that she met Henk Jonker, who would become her second husband. She taught Henk photography. Directly after the 1945 liberation, they established the photo agency Particam Pictures (a contraction of Partisan Camera) at Willemsparkweg 120 in Amsterdam. There they were joined by the photographers Aart Klein and Wim Zilver Rupe. The agency’s portraits and photographs of post-war reconstruction gained widespread recognition. In 1948 Particam Pictures became the main photographic agency for the newly established Holland Festival, an annual festival of music, theatre, opera and ballet. When Aart Klein and Wim Zilver Rupe left Particam Pictures to go their own way, Maria and Henk remained the most important photographers for the festival. 

"Rijksacademie voor Beeldende Kunsten", Ámsterdam 1962
© Maria Austria / Maria Austria Instituut. Das Verborgene Museum

From the start, Maria was highly active in promoting photography within the Gebonden Kunsten in de federatie (GKf), an organisation that represented the interests of artists. She pleaded with the Ministry of Culture to recognise photography as an art form in its own right so that subsidies would also be available to photographers. 
She was very demanding of her clients, insisting that she be credited for her photographs published in newspapers and magazines and, more importantly, forbidding cropping of her images. 
Gradually Maria focused on her true passions: contempory avant-garde music, theatre and dance. She documented performances at the Mickery Theater from its inception in 1965 and photographed the cultural protests of the 1960s such as the Aktie Notenkraker and Aktie Tomaat. She continued to document all aspects of the Holland Festival until the end of her career. 
In 1962 her marriage with Henk Jonker ran aground and she continued Particam Pictures alone with the assistance of Jaap Pieper, Vincent Mentzel and Bob van Dantzig. She died unexpectedly at home at the beginning of January 1975 from a bout of flu that she had not taken seriously. 

"Ama Virikiti von / por / by Robert Serumaga, Theatre Unlimited, Kampala/Uganda"
Teatro Mickery / Mickery Theater, Amsterdam 1974. Das Verborgene Museum
© Maria Austria / Maria Austria Instituut


El 20 de Marzo es el cumple de

Andrew Joseph Russell, fotógrafo estadounidense nacido en 1829 en Walpole, New Hampshire.
Fue criado en Nunda, Nueva York. Tuvo un temprano interés en la pintura y realizó retratos y paisajes para miembros de la familia y para figuras públicas locales.
Durante los dos primeros años de la Guerra Civil, Russell pintó un diorama usado para reclutar soldados para el Ejército de la Unión. El 22 de agosto de 1862 se ofreció como voluntario en Elmira, Nueva York, y al mes siguiente se unió como Capitán en la Compañía F, 141º Regimiento de Voluntarios de Nueva York. En febrero de 1863 se interesó por la fotografía y le pagó al fotógrafo civil Egbert Guy Fowx $ 300 para que le enseñara el proceso de la placa de colodión húmeda. Fowx era un fotógrafo independiente que trabajaba tanto para el famoso fotógrafo Mathew Brady como para el Departamento de Guerra.

"Puente en el ferrocarril Orange & Alexandria / Bridge on Orange & Alexandria Railroad"
Fotografiada entre / photographed between 1861 & 1865, impresa entre / printed between 1880 & 1889
Library of Congress (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

Russell tomó sus primeras fotografías con una cámara que tomó prestada de Fowx y el Coronel Herman Haupt. Haupt usó las fotografías de Russell para ilustrar sus informes. Haupt hizo los arreglos para sacar a Russell de su regimiento el 1 de marzo de 1863, de modo que pudiera fotografiar para el Ferrocarril Militar de los Estados Unidos y el Cuerpo de Intendentes, hasta que fue relevado en septiembre de 1865. Russell fue el único oficial militar que fotografió para el Departamento de Guerra durante la Guerra Civil.
Russell fotografió la construcción del ferrocarril UP en Wyoming y los territorios de Utah durante 1868. Durante el invierno publicó The Great West Illustrated, un álbum de 50 fotografías. En 1869 regresó al Territorio de Utah para fotografiar la finalización del Primer Ferrocarril Transcontinental el 10 de mayo de 1869 en Promontory. Más tarde, ese mismo año, viajó a California para fotografiar lugares en el Ferrocarril del Pacífico Central y regresó a Nueva York a fines de 1869.
En Nueva York, Russell estableció un estudio de diseño y trabajó como periodista fotográfico para el periódico ilustrado de Frank Leslie hasta principios de la década de 1890.
Murió en 1902.

"Escavación para la 'Y' en la Estación Devereaux, ferrocarril Orange & Alexandria /
Excavating for 'Y' at Devereaux Station, Orange & Alexandria Railroad"
Copia a la albúmina de negativo en placa de vidrio / albumen silver print from glass negative, 1863
Metorpolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On March 20 is the birthday of

Andrew Joseph Russell, American photographer born in 1829 in Walpole, New Hampshire.
He was raised in Nunda, New York. He took an early interest in painting and executed portraits and landscapes for family members and for local public figures.
During the first two years of the Civil War, Russell painted a diorama used to recruit soldiers for the Union Army. On 22 August 1862, he volunteered at Elmira, New York, mustering in the following month as Captain in Company F, 141st New York Volunteer Regiment. In February 1863, Russell took an interest in photography and paid civilian photographer Egbert Guy Fowx $300 to teach him the collodion wet-plate process. Fowx was a free-lance photographer who worked both for noted photographer Mathew Brady and for the War Department.

"Fortificaciones en / Fortifications at Manassas"
Copia a la albúmina de negativo en placa de vidrio /
albumen silver print from glass negative, 5,6 x 8,2 cm., 1861-65
Metorpolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Russell took his first photographs with a camera that he borrowed from Fowx and Colonel Herman Haupt. Haupt used Russell's photographs to illustrate his reports. Haupt arranged to have Russell removed from his regiment on March 1, 1863, so that he could photograph for the United States Military Railroad and the Quartermaster Corps, until he mustered out in September 1865. Russell was the only military officer to photograph for the War Department during the Civil War. He is perhaps best known for "Confederate dead Behind the Stone Wall" and another photograph stated before taken during the Battle of Chancellorsville on May 3, 1863.
Russell photographed construction of the UP Railroad in Wyoming and Utah Territories during 1868. During the winter he published The Great West Illustrated, an album of 50 photographs. In 1869 he returned to Utah Territory to photograph the completion of the First Transcontinental Railroad on May 10, 1869 at Promontory. Later that year he traveled to California to photograph locations on the Central Pacific Railroad, and returned to New York City at the end of 1869.
In New York, Russell established a design studio and worked as a photojournalist for Frank Leslie's Illustrated Newspaper through the early 1890s.
He died in 1902.

"Ruinas en / Ruins in Richmond", copia a la albúmina / albumen print
Daños en Richmond, Virginia, durante la Guerra Civil estadounidense /
Damage to Richmond, Virginia from the American Civil War
Biblioteca del Congreso / Library of Congress (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons


El 21 de Marzo es el cumple de

Ernest Levi Tsoloane Cole, fotógrafo sudafricano nacido en 1940, en Eersterust, Pretoria.
Abandonó la escuela cuando se estableció la Ley de Educación Bantú en 1953, y en su lugar completó su diploma a través de un curso por correspondencia con Wolsey Hall, Oxford. Comenzó a tomar fotografías a una edad muy temprana, ocho años, y en la década de 1950 un sacerdote católico romano le regaló una cámara con la que Cole amplió su portafolio. Como él mismo lo expresó: "Abandoné la escuela en 1957 en lugar de seguir la educación 'bantu' para la servidumbre, que se había vuelto más estricta que antes".
En 1958 solicitó un trabajo con la revista Drum. Jürgen Schadeberg, el editor de imágenes, lo empleó como su asistente. Cole también comenzó un curso por correspondencia con el Instituto de Fotografía de Nueva York.
Mientras trabajaba para Drum comenzó a mezclarse con otros jóvenes sudafricanos negros talentosos (periodistas, fotógrafos, músicos de jazz y líderes políticos en el floreciente movimiento contra el apartheid) y se radicalizó en sus opiniones políticas. Pronto se decidió por un proyecto que implicaba registrar los males y los efectos sociales diarios del apartheid.

Un niño serio en cuclillas se esfuerza en seguir la lección bajo el calor de un aula repleta /
Earnest boy squats on haunches and strains to follow lesson in heat of packed classroom, 1960-1966
© The Ernest Cole Family Trust Courtesy of the Hasselblad Foundation, Gothenburg, Sweden. Lensculture

Luego trabajó en el periódico Bantu World (más tarde llamado The World, ahora The Sowetan), donde continuó su carrera como fotógrafo.
Buscando salir de Sudáfrica, se volvió a clasificar como "de color", no "negro", y así pudo engañar a las autoridades. Como resultado pudo irse a la ciudad de Nueva York en 1966. Se llevó en secreto sus copias del proyecto del apartheid. Mostró su trabajo a Magnum Photos y esto dio lugar a un acuerdo de publicación con los derechos propiedad de Random House. El libro resultante, House of Bondage (1967), fue prohibido en Sudáfrica.
En el libro, Cole escribe: "Trescientos años de supremacía blanca en Sudáfrica nos ha puesto en cautiverio, nos ha despojado de nuestra dignidad, nos ha robado nuestra autoestima y nos ha rodeado de odio".
Más tarde recibió una beca de la Fundación Ford para otro libro, un estudio de la familia negra en el sur rural y la familia negra en el gueto urbano. Esto nunca se publicó, aunque sí tomó varias fotografías.
Más tarde se mudó a Suecia, donde comenzó a hacer cine. Las fotos de apartheid que había tomado fueron utilizadas ampliamente por el ANC en sus diversas publicaciones.
Murió en 1990.

Los periódicos son su alfombra, las cajas de frutas, sillas y mesa /
Newspapers are her carpet, fruit crates her chairs and table, 1960-1966. Trasdós
The Hasselblad Foundation, Gothenburg, Sweden © The Ernest Cole Family Trust

On March 21 is the birthday of

Ernest Levi Tsoloane Cole, South African photographer born in 1940, in Eersterust, Pretoria.
He left school when the Bantu Education Act was put into place in 1953, and instead completed his diploma via a correspondence course with Wolsey Hall, Oxford. He started taking photographs at a very young age, eight years, and in the 1950s was given a camera by a Roman Catholic priest, with which Cole broadened his portfolio. As he himself put it: "I quit school in 1957 rather than go along with the 'bantu' education for servitude which had become more strict than before."
In 1958, he applied for a job with Drum magazine. Jürgen Schadeberg, the picture editor, employed him as his assistant. Cole also started a correspondence course with the New York Institute of Photography.
While working for Drum, Cole began to mingle with other talented young black South Africans—journalists, photographers, jazz musicians, and political leaders in the burgeoning anti-apartheid movement—and became radicalised in his political views. He soon decided on a project that entailed recording the evils and daily social effects of apartheid.
He then worked at the Bantu World newspaper (later renamed The World – now The Sowetan), where he continued his career as a photographer.

Negros esposados que fueron arrestados por estar en un área blanca ilegalmente. (Según Julian Bahula, la ley prohibía que se tomasen fotos como esta de personas esposadas por la policía) /
Handcuffed blacks were arrested for being in a white area illegally. (According to Julian Bahula the law forbade pictures like this being taken of people being handcuffed by the police.)
South Africa © Ernest Cole Family Trust. Lensculture

Seeking to leave South Africa, he became re-classified as a "Coloured," not "Black" because he was able to fool the authorities. As a result, he was able to leave for New York City in 1966. He secretly took his apartheid project prints with him. He showed his work to Magnum Photos and this resulted in a publishing deal with publishing rights owned by Random House. The resulting book, House of Bondage (1967), was banned in South Africa.
In the book, Cole writes: "Three-hundred years of white supremacy in South Africa has placed us in bondage, stripped us of our dignity, robbed us of our self-esteem and surrounded us with hate."
Later he received a grant from the Ford Foundation for another book, A study of the Negro family in the rural South and the Negro family in the urban ghetto. This was never published although he did take a number of photographs.
Cole later moved to Sweden, where he took up filmmaking. The apartheid photos he had taken were used extensively by the ANC in their various publications.
He died in 1990.

Según Struan Robertson, esto representa una transición. Los mineros con contrato expirado están a la derecha, cargando sus papeles de alta y vistiendo ropa "europea", mientras que los nuevos reclutas, muchos de ellos con mantas tribales, están a la izquierda. Sudáfrica /
According to Struan Robertson this represents Changeover. Contract-expired miners are on the right, carrying their discharge papers and wearing “European” clothes while new recruits, many in tribal blankets, are on the left. South Africa. © Ernest Cole | Magnum Photos


El 22 de Marzo es el cumple de

Alberto García-Alix, fotógrafo y editor español nacido en 1956 en León.
Con once años se traslada junto con su familia a vivir a Madrid, donde reside actualmente. Sus primeros negativos datan del año 1976. A principios de los ochenta realiza sus primeras exposiciones individuales en galerías madrileñas como la Galería Buades o la Galería Moriarty, y en otras internacionales como la Portfolio Gallery de Londres.
Durante la primera edición de PhotoEspaña, en 1998, realiza una gran exposición retrospectiva, con enorme éxito de público y crítica. Recibe el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español en 1999, época en la que comienza a trabajar con las galerías Juana de Aizpuru en España y Kamel Mennour en Francia.
Entre 2003 y 2006 reside en París donde realiza una trilogía en video alternando imagen fotográfica y filmada que representa la incursión del artista en el formato vídeo, disciplina que continúa desarrollando también en la actualidad.

"Buscando a Xila. Autorretrato / Looking for Xila. Self Portrait", 2006

En 2009 presenta una exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía así como en el Ullens Center de Pekín y en la Maison de la Photographie de Moscú. Recientemente, ha realizado muestras en la Maison Européene de la Photographie de París, en la Photographers’ Gallery de Londres, en el Museo de Arte Contemporáneo de León y en Tabacalera Promoción del Arte de Madrid.
Su obra se encuentra en grandes colecciones internacionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España); Fonds Nationales d’Art Contemporain (Francia) o Deutsche Börse (Alemania), entre otras.
Como editor, fue el fundador de la revista cultural “El Canto de la Tripulación” (1989 a 1997), y más recientemente cofundador de la editorial Cabeza de Chorlito, junto con Frédérique Bangerter, sello bajo el que ha publicado algunas de sus creaciones más recientes: El paraíso de los creyentes (2011); Diaporamas (2012); MOTO (2015) y Motorcycle Family Circus (2016).

"La Princecita / The Little Prinsess", 1988

"Agustín García Calvo", 2007

On March 22 is the birthday of

Alberto García-Alix, Spanish photographer and publisher born in 1956 in León.
When he was  eleven years he moved with his family to live in Madrid, where he currently resides. His first negatives date back to  1976. At the beginning of the eighties he made his first individual exhibitions in Madrid at galleries such as the Galería Buades and the Galería Moriary, as well as other international venues such as the Portfolio Gallery in London.
During the first edition of PhotoEspaña, in 1998, he showcased a great retrospective exhibition, with great public and critical success. He received the National Photography Prize of the Spanish Ministry of Culture in 1999, at which time he began working with the Juana de Aizpuru Gallery in Spain and the Kamel Mennour Gallery in France.
Between 2003 and 2006 he lived in Paris where he created a video trilogy alternating photographic and filmed images that represents the incursion of the artist in the video format, a medium which he continues to develop to this day.

"Patria Querida / Dear Fatherland", 2010

In 2009 he presented a retrospective exhibition at the National Museum of Reina Sofia Art Center as well as the Ullens Center in Beijing and the Maison de la Photographie in Moscow. He has recently exhibited at the Maison Européene de la Photographie in Paris, at the Photographers’ Gallery in London, at the Museum of Contemporary Art in Leon and in the Tabacalera Art Promotion in Madrid.
His work can be found in large international collections such as the National Museum of Art Reina Sofía (Spain); Fonds Nationales d’Art Contemporain (France) and Deutsche Börse (Germany), among others.
As a publisher, he is the founder of the cultural magazine “El Canto de la Creación” (1989-1997), and more recently the co-founder of the publishing house Cabeza de Chorlito, together with Frédérique Bangerter, the same house that has published some of his most recent creations: Paradise of the believers (2011); Diaporamas (2012); MOTO (2015) and Motorcycle Family Circus (2016).

"Valparaíso", 2015


Hoy, 23 de Marzo, es el cumple de

Masha Ivashintsova, fotógrafa rusa nacida en 1942 en Sverdlovsk, URSS.
Estaba muy comprometida con el movimiento subterráneo de poesía y fotografía de Leningrado de los años 1960-80. Estaba relacionada con el fotógrafo Boris Smelov, el poeta Viktor Krivulin y el lingüista Melvar Melkumyan.
Masha fotografió prolíficamente durante la mayor parte de su vida, pero guardó sus películas fotográficas en el ático y rara vez las reveló. Solo cuando su hija encontró unos 30,000 negativos en su ático en 2017, las obras de Masha se hicieron públicas. En este sentido, el trabajo y la historia de Masha Ivashintsova se han comparado con la de Vivian Maier.

"Leningrado, URSS / Leningrad, USSR", 1975

"Para mi madre tomar fotografías fue un proceso muy natural, como respirar, nada de importancia. Creo que en cierta medida le ayudó a escapar de la realidad y sus emociones. Recuerdo lo desgarrada que estaba emocionalmente todo el tiempo, en marcado contraste con la calma de su fotografía. En este sentido, el hallazgo importante también fueron los diarios de mi madre. A través de ellos, he tenido una verdadera revelación de la vida interna de mi madre: lo vulnerable que era y lo mucho por lo que tuvo que pasar."

"Autorretrato / Self Portrait", 1976

Today, March 23, is the birthday of 

Masha Ivashintsova, Russian photographer born in 1942 in Sverdlovsk, USSR.
She was heavily engaged in the Leningrad poetic and photography underground movement of the 1960-80s. She was in relationships with photographer Boris Smelov, poet Viktor Krivulin and linguist Melvar Melkumyan.
Masha has photographed prolifically throughout most of her life, but she hoarded her photo-films in the attic and rarely developed them. Only when her daughter found some 30,000 negatives in their attic in 2017 did Masha's works become public. In this regard, Masha Ivashintsova's work and story have been compared to those of Vivian Maier.

"Leningrado, URSS / Leningrad, USSR", 1976

"For my mother, taking photographs was a very natural process, like breathing, nothing of significance. I think it was helping her to escape reality and her emotions to a certain extent. I remember how emotionally torn she was the whole time—this lies in stark contrast to the calmness of her photography. In this regard, the important find was also my mother’s diaries. Through those, I have had a real revelation of my mother’s internal life—how vulnerable she was and how much she had to go through."

"Moscú, URSS / Moscow, USSR", 1987

miércoles, 20 de marzo de 2019

Alice Lin (Xu Linlin) [Pintura, Dibujo / Painting, Drawing]

Para la artista china Alice Lin, "...la imaginación humana es el fenómeno más fascinante. También me interesan las situaciones de las que formo parte, y las oportunidades que existen para que los demás sean conscientes de sus propias circunstancias. Esto forma la base de la comunicación y diálogos que me gusta iniciar con la gente a través de mi arte." 
Para lograrlo, Alice crea complejas imágenes en las que seres humanos, animales, vegetales, todos los elementos del mundo natural, se fusionan configurando coloridas composiciones. Utiliza materiales tradicionales: lápices, pigmentos minerales, tinta china, y como soportes papel de arroz o seda.

For the Chinese artist Alice Lin, «...the human imagination is the most fascinating phenomenon. I’m also interested in the situations that I’m part of, and what opportunities exist for others to be aware of their own circumstances. This forms the basis for the communication and dialogues I like to start with people through my art.»
To achieve this, Alice creates complex images in which human beings, animals, plants, all the elements of the natural world, are fused forming colorful compositions. She uses traditional materials: pencils, mineral pigments, Chinese ink, and rice paper or silk as a support.
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Alice Lin
(Xu Linlin)


Alice Li, también conocida como Xu Linlin, es una artista nacida en 1980 en una pequeña ciudad costera del norte de China. Vive y trabaja en Beijing.
Inspirada en las técnicas de tradición china y el surrealismo, el estilo de Alicia es rico y lleno de detalles; armoniza elementos aparentemente discordantes y los combina entre sí mediante un hábil uso del dibujo y la pintura. El resultado es único, caprichoso, ingenioso y con un vívido acabado envejecido. En este nuevo y fascinante país de las maravillas de posibles realidades se combinan la figura humana, las plantas y los animales en una visión singular, tranquila y oscura.

"秘境 / Misterio / Mystery"
Seda, pigmentos minerales naturales / silk, natural mineral pigments, 47" x 31", 2015

"兔子帽 / Sombrero conejo / Rabbit Hat", lápiz / pencil, 26,5 x 38 cm.

Alice comenzó a aprender a dibujar a los 5 años. Su primer maestro fue un artista de pintura, caligrafía y poesía tradicional. Fue una fuerte influencia en su estética.
Trabajó cuatro años para una empresa de gráficos por ordenador y tuvo diferentes trabajos en el mundo de la ilustración, animación, multimedia y proyecciones 3D.
«A través de esas experiencias, he estado muy bien entrenada y ahora soy versátil en diferentes situaciones. Sin embargo en ese momento el arte tecnológico todavía estaba en su infancia, y a veces esto podía resultar frustrante. Luego, cuando decidí centrarme en mi propio arte, la forma más fácil de comenzar fue pintando, porque desde niña he estado aprendiendo habilidades de pintura tradicional china. Conozco bien las técnicas, pero pretendía utilizar estos métodos antiguos a mi manera. En realidad al principio fue un momento muy experimental para mí, mientras intentaba asegurarme de que estos viejos métodos pudieran adaptarse a mi estilo. Siempre tuve la creencia de que podía ampliar esas habilidades y explorar nuevas vías. Así que aquí estoy.»

"一切都是泡沫 / Todo es espuma / Everything is Foam"
Seda, color mineral / silk, mineral color, diám: 78 cm., 2016

"一颗巨大的蘑菇 / Una seta enorme / A Huge Mushroom"
Seda, pigmento mineral natural / silk, natural mineral pigment, 109 x 78 cm., 2015

«[Mi obra] trata de la exploración de lo interno y lo externo, sobre las relaciones entre ambos; el yo y el entorno, los seres humanos y el mundo. La mayor parte del tiempo nos ocupamos de nosotros mismos. Puedes ver la mayoría de mis pinturas como retratos. Para mí estos retratos intentan explorar el concepto de "contenedor". Es un medio entre el interior y el exterior. Nuestro cuerpo es un recipiente, conectado al mundo exterior, y nuestra respiración, sangre, pensamientos, sentimientos, emociones, sueños, etc. son el contenido; a través de este contenido podemos experimentar la vida, y podemos aprender sobre el arte, el mundo o nosotros mismos.»

"Contenedor / Container #2", pigmentos tradicionales chinos y tinta sobre seda /
traditional Chinese pigments and ink on silk, 83 x 68 cm., 2017

Del cuento "Alicia en el país de las maravillas" / from the tale "Alice's Adventures in Wonderland"
Izq./ Left: "El sombrerero loco / The Mad Hatter", lápiz sobre papel / pencil on paper, 77 x 52 cm., 2014
Der./ Right: "Los sombreros del sombrerero loco / The Mad Hatter's Hats"
Papel de arroz, acuarela, pigmentos minerales naturales /  
rice paper, watercolor, natural mineral pigments, 100 x 63 cm.

«En realidad es muy divertido crear una nueva pieza. Si me abro, encuentro las fuentes materiales y los ambientes a mi alrededor. Sobre todo hago un boceto antes de pintar, a veces influenciado por la vida misma. Por ejemplo, al caminar por la calle y estar rodeada de anuncios o escaparates, obtengo algunas ideas interesantes. O al mirar películas, leer libros o estar en la naturaleza. Sigo mi corriente de conciencia, la bosquejo y veo si es lo que realmente quiero decir.»

"En el océano / In the Ocean #2"
Pigmentos tradicionales chinos y tinta sobre papel de arroz / 
traditional Chinese pigments and ink on rice paper, 90 x 70 cm., 2017

«Cuando me comunico con las personas acerca de sus pensamientos o antecedentes, leeré su lenguaje corporal a través de su rostro o gestos. A través de mi arte, espero que los espectadores hagan conexiones con sus propias vidas. Luego, si sigo creando más trabajos y haciendo más investigaciones, desarrollaré una mejor comprensión e interacción con el mundo. Me ayuda a abrirme a mi entorno actual y también a retroceder para abrazar mis antecedentes culturales al mismo tiempo. Me he dado cuenta de que el tiempo se puede doblar. Tenía estos mismos sentimientos cuando estaba iniciando nuevos proyectos de arte tecnológico. Comencé a pensar en todas las formas de lidiar con el presente y el pasado a través de nuestra historia cultural.»

"昨夜派对 / La fiesta de anoche / Last night's Party"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 110 x 80 cm., 2007

«En ‘La fiesta de anoche’ quiero mostrar una conexión del pasado y el presente. En mi experiencia, he pasado mucho tiempo aprendiendo el arte tradicional chino. Cuando era adolescente, la primera vez que visité el Museo Nacional de Arte en Beijing, me sorprendió descubrir la base sólida que nos brinda nuestro pasado. Es como la gran fiesta fabulosa de anoche de la que aún podemos sentirnos orgullosos. "La fiesta de anoche" se inspiró en el cuadro "La piedra de Shylon" (祥龙石图) del emperador de la dinastía Song Zhaoji (ver abajo). En el mundo moderno, somos realmente refinados y desarrollados de esa manera, es nuestra base y es absolutamente sólida. El conejo es una metáfora del presente; estos días, con la creciente globalización y el multiculturalismo del mundo. Nos hace superiores al pasado, mientras que siempre existe la preocupación de si el futuro será mejor o peor.»

趙佶 宋徽宗 / Zhao Ji (China, 1082 - 1135)
Emperador Huizong de la dinastía Song / Emperor Huizong of the Song dynasty 
"祥龙石图 / Mapa de la piedra de / Xianglong Stone Map"
Rollo, tinta y color sobre seda / Handscroll, ink and color on silk, 53,9 × 127,8 cm.
Representa una roca Taihu erosionada por el agua, sobre la cual crecen las plantas y están inscritos los caracteres de "dragón propicio" (祥龍), en escritura regular /
This depicts a water-eroded Taihu rock, upon which plants are growing and the characters "auspicious dragon" (祥龍) is inscribed in regular script.
故宫博物院 / Museo del Palacio (Beijing, China). Wikimedia Commons

«In ‘The Party of Last Night’ I want to show a connection of the past and the present. In my experience I have spent a lot of time learning Chinese traditional art. When I was a teen, the first time I visited the National Art Museum in Beijing, I was amazed to find what a strong foundation our past gives us. It’s just like the big fabulous party of last night that we can still be proud of. ‘The party of last night’ was inspired by the painting ‘Xianglong Stone’ (祥龙石图) by Song dynasty Emperor Zhaoji (see above). In the modern world, we are really refined and developed in that way, it’s our bedrock and is absolutely solid. The Rabbit is a metaphor for the Present; these days with the world’s increasing globalization and multicultrualism, it makes us superior to the past, whilst there’s always the concern about whether the future will be better or worse.»

"祥龙石图 / Mapa de la piedra de / Xianglong Stone Map"
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"恶作剧结束 / Maldad gestionada / Mischief Managed"
Acuarela y pigmentos minerales naturales sobre papel Xun /
watercolor and natural mineral pigments on Xun paper, 88 x 66 cm., 2015

Alice firmando copias de "El deseo de tener deseos" / signing prints of "The Desire For Desires"

Alice Li, aka Xu Linlin, is a freelance painter, draftswoman and 3D artist born in 1980 in  a small coastal city in the north of China. She lives and works in Beijing.
Inspired by Chinese tradition techniques and Surrealism, Alice style is rich and full of details, harmonizes apparently discordant elements and intertwines them together by a skilful use of drawings and paintings. The resulting is unique, fanciful whimsical, undertones of wit and a good old vivid finish. This new and fascinating wonderland of possible realities combines with the human figure, plants, animals into a singular, calm, dark vision.

"对欲望的渴望 / El deseo de tener deseos / The Desire For Desires"
Papel de arroz, tinta china, pigmentos minerales naturales /  
rice paper, Chinese ink, natural mineral pigments, 92 x 92 cm.

"吃我 / Cómeme / Eat Me", lápiz / pencil, 26,5 x 38 cm.

Alice started learning to draw at 5 years old. His first teacher was a traditional painting, calligraphy and poetry artist. He was a strong influence in her aesthetics.
She worked four years for a CG company and had different jobs within illustration, animation, multimedia and 3D projections.
«Through those experiences I’ve been very well trained and am now versatile in different situations. However, at that time, tech art was still in its infancy and sometimes this could result in frustrations. Then, when I decided to focus on my own art, the easiest way for me to get started was by painting, because ever since I was a child I’ve been learning traditional Chinese painting skills. I know the techniques well, but intended to use these old methods in my own way. Actually, in the beginning it was a very experimental time for me, while I was trying to make sure that these old methods could be adapted to my style. I always had a belief that I could expand on those skills and explore new avenues. So here I am.»

"迷失娃娃 / La muñeca perdida / The Lost Doll"
Tinta china tradicional y pigmentos sobre papel de arroz / 
traditional Chinese ink and pigmants on rice paper, 91 x 66 cm.

"明月夜 / Una noche de luna / A Moony Night"
Pinturas tradicionales chinas sobre seda / traditional Chinese paints on silk, 120 x 90 cm., 2018

«[My work] it’s about exploring the internal and external, about the relationships between the two; self and surroundings; human beings and the world. Most of time we deal with ourselves. You may view most of my paintings as portraits; these portraits for me are about exploring the concept of the ‘container’. It’s a medium between the inside and outside. Our body is a container, connected to the outside world and our breath, blood, thoughts, feelings, emotions, dreams, etc. are the content; through this content we are able to experience life, and we are able to learn about art, the world or ourselves.»

"我来自另一个星球 / Soy de otro planeta / I Am From Another Planet"
Técnica mixta (lápiz, carboncillo, pluma, pastel y acrílico sobre papel Canson) / 
mixed media (Canson paper, pencil, charcoal, pen, pastel, acrylic), 170 x 110 cm., 2015-16

Alice trabajando en / at work with "Faramita"

"彼岸 / Faramita", lápiz sobre papel Canson / pencil on Canson paper, 106 x 210 cm., 2014

«It’s a lot of fun to create a new piece, actually. If open myself up, I find the source materials and atmospheres around me. Mostly, I make a sketch before painting, sometimes it’s influenced by life. For example, when walking on the street and being surrounded by ads or shop windows I get some interesting ideas. Or when watching movies, or reading books, or being in nature; I follow my stream of consciousness, sketch it down and see if it’s what I really want to say.»

"無限茶會 / Reunión de té infinita / Infinity tea-party"
Pinturas tradicionales chinas sobre papel de arroz / 
traditional Chinese paints on rice paper, 110 x 70 cm., 2018

"秘境 / Misterio / Mystery #2"
Pigmentos tradicionales chinos sobre papel de arroz /
traditional Chinese pigments and ink on rice paper, 56 x 56 cm., 2017

«When I communicate with people about their thoughts or backgrounds, I’ll read their body language through their face or gestures. Through my art, hopefully the viewers will make connections with their own lives. Then, if I keep creating more works and doing more research, I’ll develop a better understanding and interaction with the world. It helps me open up to my present surroundings and also go backward to embrace my cultural background at the same time; I have realized that time can be bent. I had these same feelings when I was starting new tech art projects; I started thinking of all the ways to deal with the present and the past through our cultural history.»

"你和我 / Tú y yo / You and Me", lápiz sobre papel / pencil on paper

«'Tú y yo' no éramos dos personas, se trata de nuestro interior y nuestro exterior. La cabeza del conejo era una especie de sentimiento de ansiedad y soledad, mientras que al mismo tiempo fluyen flores de amapola que transmiten caos e intensidad emocional. Se siente como las cosas que se ocultan por diferentes capas en un alma y luego hay una manera de revelarlas a las personas a través de un diálogo.»

"你和我 / Tú y yo / You and Me"
Acuarela y pigmentos minerales naturales sobre papel de arroz /
watercolor, natural mineral pigment on rice paper, 88 x 66 cm., 2014

«'You and Me' were not two people, it's about our inside and outside. Rabbit head was a matephor of feelings of anxity and loneliness, while at same time poppy flowers flowing out conveying chaos and emotional intensity. It feels like the things which be hidden by different layers in a soul and then there's a way reveal them to people through a dialogue.

"兔子的花篮 / La cesta del flores del conejo / Rabbit's Flower Basket"
Tinta china tradicional y pigmentos sobre papel de arroz /
traditional Chinese ink and pigmants on rice paper, 68 x 86 cm.

Fuentes / Sources:
* Sitios web de Alice / Alice's websites
* Entrevista en / Interview in Wowxwow, 6/2017

Más sobre / More about Alice Lin: Behance, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Alice!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alice!)

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