Octavo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.
Eighth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Lisa Kokin
(Mineola, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1954-)
Lisa Kokin con Austin, su asistente en el estudio / with Austin, her studio assistant
Lisa Kokin nació en Mineola, Nueva York, en 1954, y tiene una Licenciatura en Bellas Artes (1989) y un Máster en Bellas Artes, 1991, del Colegio de Artes y Oficios de California, Oakland.
Actualmente vive y trabaja en El Sobrante, California con su esposa Lia, dos asistentes caninos de estudio y la gata Bindi.
Es hija de tapiceros, cose todo lo que cae en sus manos, incluidos los libros desechados que rescata del centro de reciclaje local.
Kokin aporta una sensibilidad de fibra y un enfoque conceptual a una amplia gama de materiales. Su trabajo es a menudo un comentario sobre el mundo que la rodea, a menudo incorporando la antigua respuesta judía a la adversidad, el humor.
Ha recibido múltiples premios y comisiones, incluida una beca Eureka, una beca regional WESTAF/NEA, el premio por invitación Dorothy Saxe a la creatividad en las artes contemporáneas, la comisión de artes del condado de Alameda (múltiples lugares) y el arte público del Centro Cívico de Richmond Proyecto de Adquisiciones de Interiores. Su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, incluido el Boise Art Museum, el Buchenwald Memorial, di Rosa Preserve, Mills College, Kaiser Permanente San Francisco, Yale University Art Museum y Tiffany Co. El trabajo de Lisa Kokin está representado por Gail Severn Gallery en Ketchum, Idaho.
"Libro de rendición de cuentas Nº 1 / Book of Accountability #1"
Cobre, alambre, moneda triturada / copper, wire, shredded currency, 8" x 10" x 5", 2021
La biblioteca sin palabras (2020-2021)
«En la serie The Wordless Library, creo objetos conceptuales similares a libros cosiendo metal con mi vieja y destartalada máquina de coser Kenmore, de alrededor de 1975. Es inmensamente satisfactorio, incluso catártico, perforar el metal con mi máquina. Comienzo cada pieza sin una noción preconcebida de en qué se convertirá. Patino, pincho y perforo.
Las puntadas sin puntadas siguen líneas que recuerdan a texto; a veces incluso se agrupan en "palabras". Otras veces parece como si un animal los hubiera perforado, creando lagunas desiguales. Algunos son libros con páginas, ilegibles y repetitivos, formando líneas y patrones aleatorios, rígidos y minimalistas, artefactos de los tiempos que estamos viviendo.» L.K.
"Libro de enredos / Book of Entanglement"
Cobre, hilo / copper, thread, 6" x 7" x 3", 2021
«Los libros no tienen relieve. Para crear los agujeros utilizo una máquina de coser sin hilo. La costura desempeña un papel fundamental en mi trabajo. Mis padres eran tapiceros y aprendí a utilizar una máquina de coser a una edad temprana. Mi abuela materna era una inmigrante judía de Rumanía que trabajaba en una fábrica de corbatas en Nueva York cuando con 14 años llegó a Estados Unidos, a principios del siglo pasado. Llevo la costura en la sangre y es algo que me reconforta. Siento que me conecta con mis antepasados y con un linaje de mujeres que han cosido toda su vida.
No hago bocetos preliminares de las obras, trabajo espontáneamente. Acabo de empezar y ver qué pasa. A veces esto termina en desastre pero parezco ser capaz de rescatar los desastres, lo que me lleva por caminos que no había planeado y resultan sorpresas. Me encanta el proceso de cometer errores y luego "arreglarlos", terminando con algo completamente diferente de lo que había imaginado cuando comencé (¡si de hecho había imaginado algo!). Estoy muy interesada en el texto asémico, es decir, las imágenes que parecen un lenguaje pero que en realidad no lo es.
Precisamente en estos libros utilizan texto asémico creado por una máquina de coser sin hilo. Luego coso alambre a través de algunos de los agujeros para crear un texto más asémico.
No hago bocetos preliminares; trabajo espontáneamente. Simplemente empiezo y veo qué pasa. A veces esto acaba en desastre, pero parece que soy capaz de rescatar los desastres, lo que me lleva por caminos que no había planeado y da lugar a sorpresas. Me encanta el proceso de cometer errores y luego "arreglarlos", terminando con algo completamente diferente de lo que había imaginado cuando empecé (¡si es que de hecho había imaginado algo!).
Me interesa mucho el texto asémico, es decir, la imaginería que parece un lenguaje pero que en realidad no lo es. Estos libros utilizan texto asémico creado con una máquina de coser sin hilo. Luego coso alambre a través de algunos de los agujeros para crear más texto asémico. La pieza de cobre tiene imperdibles (alfileres de gancho) que doblo para que parezcan figuras. Me gusta utilizar las nociones de costura como imágenes y no para el fin para el que fueron concebidas.
He viajado a varios países latinoamericanos y tengo conocimientos de español y portugués (brasileño). Cuando era más joven, trabajé por la solidaridad contra la intervención estadounidense en Chile, El Salvador y Nicaragua. Veo mi trabajo como un comentario social, pero evito ser didáctica. Quiero que la obra esté abierta a la interpretación; cada persona aporta su propia experiencia.» L.K.
"Por el momento, ser / For the Time, Being"
Cobre patinado, muelles de reloj / patinated copper, watch springs, 10" x 11.75" x 1", 2021
Lisa Kokin was born in Mineola, New York, in 1954, and has a BFA, 1989, and a MFA, 1991, from California College of Arts and Crafts, Oakland.
Currently she lives and works in El Sobrante, California with her spouse Lia, two canine studio assistants and Bindi the cat.
The daughter of upholsterers, she stitches everything she can get her hands on, including discarded books which she rescues from the local recycling center.
Kokin brings a fiber sensibility and a conceptual approach to a diverse array of materials. Her work is often a commentary on the world around her, often incorporating the age-old Jewish response to adversity, humor.
Has been the recipient of multiple awards and commissions, including a Eureka Fellowship, a WESTAF/NEA Regional Fellowship, the Dorothy Saxe Invitational Award for Creativity in Contemporary Arts, the Alameda County Arts Commission (multiple venues), and the Richmond Civic Center Public Art Interior Acquisitions Project. Her work is in numerous public and private collections, including the Boise Art Museum, the Buchenwald Memorial, the di Rosa Preserve, Mills College, Kaiser Permanente San Francisco, Yale University Art Museum, and Tiffany Co. Kokin’s work is represented by Gail Severn Gallery in Ketchum, ID.
"Libro de tendencias oposicionales / Book of Oppositional Tendencies"
Cobre patinado, alambre, imperdibles / patinated copper, wire, safety pins, 6 x 28 cm., 2021
The Wordless Library (2020-2021)
«In The Wordless Library series, I make conceptual book-like objects by sewing on metal with my beat up old jalopy of a Kenmore sewing machine, circa 1975. It is immensely satisfying, even cathartic, to puncture the metal with my machine. I start each piece without a preconceived notion of what it will become. I patinate, I puncture, and I perforate.
The stitchless stitches follow lines reminiscent of text; sometimes they are even grouped into “words.” Other times they look as though an animal has bored into them, creating uneven lacunae. Some are books with pages, unreadable and repetitive, forming random lines and patterns, stark and minimalist, artifacts of the times we are living through.» L.K.
"Notas para mí misma / Notes to Myself"
Aluminum, wire / aluminio, alambre, 8.5" x 6.5" x 5.5", 2021
«The books are not embossed. To create the holes I use a sewing machine without thread. Sewing plays a major role in my work. My parents were upholsterers and I learned to use a sewing machine at an early age. My maternal grandmother was a Jewish immigrant from Romania who worked in a tie factory in New York when she came to the United States at the beginning of the last century at the age of 14. Sewing is in my blood and is something that I find very comforting. I feel that it connects me with my ancestors and with a lineage of women who have sewn all their lives.
I do not make preliminary sketches; I work spontaneously. I just start and see what happens. Sometimes this ends in disaster but I seem to be able to rescue the disasters, which takes me on paths I hadn't planned on and results in surprises. I love the process of making mistakes and then "fixing" them, ending up with something completely different from what I had imagined when I began (if in fact I had imagined anything!)
I am very interested in asemic text, ie., imagery that looks like a language but in reality is not. These books use asemic text created by a sewing machine without thread. I then stitch wire through some of the holes to create more asemic text. The copper piece has safety pins that I bend to look like figures. I like to use sewing notions as imagery and not for the purpose for which they were intended.
I am attaching a statement about the series which I call "The Wordless Library." I made these pieces during the worst part of the pandemic when I felt that there were no more words to describe anything. We were also living with a terrible government that spread lies and manipulations about the pandemic and about wearing masks and getting vaccinated. Words seemed meaningless.
I am also attaching a short bio and a photo of me with my canine studio assistant, Austin. Additionally, I have included a general statement that I wrote years ago about making books.
I was born in Mineola, New York, a suburb of Manhattan, in 1954. Since 1973 I have lived in or near San Francisco, California. I have traveled to a number of Latin American countries and have a working knowledge of Spanish and Portuguese (Brazilian). When I was younger I did solidarity work against U.S. intervention in Chile, El Salvador and Nicaragua. I see my work as social commentary but I avoid being didactic. I want the work to be open to interpretation; each person brings their own experience to the work.» L.K.
"Mapa mental / Mind Map"
Cobre, alambre, hilo / copper, wire, thread, 8" x 12" x 2.5", 2021
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lisa!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lisa!)
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Ina Kaur
(नई दिल्ली, भारत गणराज्य / Nueva Delhi / New Delhi, India, 1980-)
Ina Kaur
Ina Kaur es una motivada creadora indo-estadounidense. Trabaja con materiales y comunidades para crear obras de arte y conexiones como profesional activa. Es grabadora de formación y, con el paso del tiempo, ha ido incluyendo diversos trabajos interdisciplinares para explorar la creación de marcas y ampliar los límites de los materiales. Su práctica artística sigue basándose en la tradición del estudio riguroso.
La necesidad de localizar, descodificar y conectar con el yo interior y el mundo exterior es fundamental para su obra en un entorno global, político, ecológicamente desequilibrado y socialmente desigual e injusto. La obra de Kaur es una amalgama de muchas influencias, y expresa de forma abstracta la esencia de la existencia cotidiana, alternando realidades y preocupaciones contrapuestas.
Además de su trabajo de estudio, su interés se extiende a la pedagogía y el comisariado. Le apasiona desarrollar nuevas iniciativas, implementar proyectos para comprometerse con la comunidad y participar en prácticas receptivas.
A partir de septiembre de 2018, Ina Kaur fue honrada como ganadora del Premio de Voz Emergente 2018 en nombre del Colegio de Artes Liberales de la Universidad de Purdue. "Desde 2007, la Junta de Ex Alumnos del Colegio de Artes Liberales y la Asociación de Ex Alumnos de Purdue han estado honrando a jóvenes ex alumnos del Colegio de Artes Liberales que están logrando con éxito sus objetivos profesionales, sirviendo a sus comunidades y representando al Colegio como graduados que piensan ampliamente y lideran con audacia."
Trabaja en su estudio InkSpace.
"Laminado viridiscente / Viridescent Lain"
Papel hecho a mano, cáñamo, hilo rojo de algodón, calcografía /
handmade paper, hemp, cotton red thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016
«Viridiscente significa verdoso o que se vuelve verde. Aprecié esta fase de transición del verde (de claro a oscuro) y me pregunté sobre qué
dirección tomaría. El libro tiene forma de disco o rueda, que avanza o retrocede. La forma escultórica del libro de artista, con sus páginas grabadas y encuadernadas con cáñamo con marcas lineales, rudimentarias y continuas, rechaza lo "auténtico" al abarcar múltiples realidades.
La obra de "Laminado viridiscente" pertenece al proyecto "Medio híbrido", que intenta desdibujar los límites entre medios y materiales, y se compromete en un discurso interdisciplinar. Estas asociaciones visuales triviales y profundas tienen potencial para interpretaciones privadas y compartidas. Reflejan los diversos puntos de contacto que he experimentado al explorar mi identidad híbrida. Los procesos físicos del dibujo y el grabado imitan la exploración de mi historia intercultural. Las obras en técnica mixta reúnen las ideas de nuestra compleja pero básica necesidad de coexistir. Exploran y representan el continuo de la negociación intercultural y fomentan la colaboración y la comunidad.» I.K.
«The Viridescent means greenish or becoming green. I appreciated this transitional phase of green (light to dark) and wondered which
direction it was heading. The book is in the form of a disc or a wheel, either moving forward or backward. A sculptural artist's book form, its etched pages bounded with hemp with linear, rudimentary, continual markings, rejects the 'authentic' as it embraces multiple realities.
Viridescent lain's work is from the project "Hybrid Medium." It attempts to blur the boundaries between mediums and materials and engages in interdisciplinary discourse. These trivial and profound visual associations have the potential for private and shared interpretations. They mirror the various points of contact I have experienced in exploring my hybrid identity. The physical processes of drawing, engraving, and printmaking mimic my exploration of my cross-cultural history. The mixed media works bring together the ideas of our complex yet basic need to coexist. It explores and represents the continuum of cross-cultural negotiation and fosters collaboration and community.» I.K.
"Escencia interna / Internal Essence"
Papel hecho a mano, aguafuerte a color (impresa por ambos lados) /
handmade paper, color etching (printed on both sides)
Diám. 5", varias páginas / numerous pages, 2011
Ina Kaur is an Indo-American driven maker. She engages with materials and communities to make artwork and connections as an active practitioner. She is a trained printmaker and, over time, has grown to include various interdisciplinary works to explore mark-making and expanding material boundaries. Her studio practice continues to be grounded in the tradition of rigorous studio engagement.
Living in these heightened global, political, ecologically imbalanced, and socially unequal and unjust environments, the need to locate, decode, and connect with one's inner self and the exterior world is central to her oeuvre. Kaur's work is an amalgamation of many influences. Kaur's work abstractly expresses the essence of daily existence, alternating between competing realities and concerns.
In addition to her studio practice, her interest extends to pedagogy and curation. She is passionate about developing new initiatives, implementing projects to engage with the community, and participating in responsive practices.
As of September 2018, Ina Kaur was honored as a 2018 Emerging Voice Award recipient on behalf of the College of Liberal Arts at Purdue University. "Since 2007 the College of Liberal Arts Alumni Board and the Purdue Alumni Association have been honoring young alumni from the College of Liberal Arts who are successfully achieving their career goals, serving their communities, and representing the College as graduates who think broadly and lead boldly."
She works out of her studio InkSpace.
"Sanguina / Sanguine"
Papel hecho a mano, hilo de algodón blanco, calcografía /
handmade paper, white cotton thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016
"Cochinilla / Cochineal"
Papel hecho a mano, hilo de algodón blanco, calcografía /
handmade paper, white cotton thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Ina!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Ina!)
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Pilar González
(Montevideo, Uruguay, 1955-)
Pilar González es una artista uruguaya nacida en 1955, de cuya vida y obra nos ocupamos en profundidad en una serie de cuatro artículos publicados en diciembre de 2020 (ver enlaces más abajo).
En esta oportunidad incorporamos su aporte en forma de libros de artista, con un par de trabajos realizados en ocasión de la exposición "Homenaje a Onetti, un año después", que se presentó en el Subte Municipal de Montevideo en 1994.
Juan Carlos Onetti es un reconocido escritor uruguayo nacido en 1909 en Montevideo.
Escribió 11 novelas, 47 relatos, por lo menos 116 ensayos y 3 poemas. Padrino oculto e inquietante de la literatura latinoamericana del siglo XX, recibió el Premio Cervantes 1980.
Ha escrito obras que se cuentan entre la mejor literatura en lengua española del siglo XX. Santamaría fue el universo inconfundible en que transcurre buena parte de su narrativa que se caracteriza por un estilo virtuoso, denso, moroso y esteticista.
Tras la publicación de las novelas El pozo (1939) y Tierra de nadie (1942), que presentan una visión sombría de las grandes urbes contemporáneas, aparecieron La vida breve (1950), El astillero (1961) y Juntacadáveres (1964), sus mejores novelas, que retratan un mundo decadente repleto de personajes aislados y fracasados.
Cultivó también el relato: El infierno tan temido (1962), Cuentos completos (1974), Dejemos hablar al viento (1979) Premio de la crítica española 1980, Para esta noche (1978), Los adioses (1980) y La novia robada (1980). Sus personajes fracasan en su aventura vital y se entregan a un monólogo descreído y amargo. Sólo existen dos posibilidades de liberación: el erotismo y los mecanismo de la ilusión, pero también aquí se impone el fracaso, porque el erotismo se deteriora y los mecanismos ilusorios, que desdoblan la vida del personaje, desembocan en el sarcasmo.
Murió en Madrid, España, en 1994.
"Y basta para mí / And Enough For Me"
Técnica mixta sobre libro
(hojas de libro, papel seda, hilos, palitos, utilizando el libro como soporte) /
mixed media on book
(book leaves, tissue paper, threads, sticks, using the book as a medium)
Pilar González is an Uruguayan artist born in 1955, whose life and work we dealt with in depth in a series of four articles published in December 2020 (see links below).
In this opportunity we incorporate her contribution in the form of artist's books, with a couple of works made on the occasion of the exhibition "Homage to Onetti, one year later", which was presented at the Municipal Subway of Montevideo in 1994.
Juan Carlos Onetti is a renowned Uruguayan writer born in 1909 in Montevideo.
He wrote 11 novels, 47 short stories, at least 116 essays and 3 poems. A hidden and disturbing godfather of 20th century Latin American literature, he received the Cervantes Prize in 1980.
He has written works that are among the best Spanish-language literature of the twentieth century. Santamaría was the unmistakable universe in which much of his narrative takes place, characterized by a virtuous, dense, morose and aestheticizing style.
After the publication of the novels The Pit (1939) and No Man's Land (1942), which present a somber vision of the great contemporary cities, appeared A Brief Life (1950), The Shipyard (1961) and Body Snatcher (1964), his best novels, which portray a decadent world full of isolated and unsuccessful characters.
He also wrote short stories: The Long-feared Hell (1962), Complete stories (1974), Let the Wind Speak (1979), Spanish Critics Award 1980, For This Night (1978), Los adioses (1980) and The Stolen Bride (1980). His characters fail in their vital adventure and give themselves up to a disbelieving and bitter monologue. There are only two possibilities of liberation: eroticism and the mechanisms of illusion, but here too failure is imposed, because eroticism deteriorates and the illusory mechanisms, which unfold the character's life, lead to sarcasm.
He died in Madrid, Spain, in 1994.
"Confesiones de un lector / Confessions of a Reader"
Técnica mixta sobre libro
(hojas de libro, papel seda, hilos, palitos, utilizando el libro como soporte) /
mixed media on book
(book leaves, tissue paper, threads, sticks, using the book as a medium)
Juan Carlos Onetti es un reconocido escritor uruguayo nacido en 1909 en Montevideo.
Escribió 11 novelas, 47 relatos, por lo menos 116 ensayos y 3 poemas. Padrino oculto e inquietante de la literatura latinoamericana del siglo XX, recibió el Premio Cervantes 1980.
Murió en Madrid, España, en 1994.
Juan Carlos Onetti is a renowned Uruguayan writer born in 1909 in Montevideo.
He wrote 11 novels, 47 short stories, at least 116 essays and 3 poems. A hidden and disturbing godfather of 20th century Latin American literature, he received the Cervantes Prize in 1980.
He died in Madrid, Spain, in 1994.
Juan Carlos Onetti en "El Hurgador" / in this blog:
[Uruguayos (XII)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Uruguayos (XXXV-3)] , [Uruguayos ( LIII-2)]
En este boceto de la obra hay mucho cálculo, una considerable construcción de espacio a rellenar, que luego a la artista le permite analizar la distribución de los elementos que compondrán la obra. La estructura y el equilibrio no son arbitrarios. Este diseño demuestra la visión de la artista, la contextura, la resolución y el equilibrio de los que serán los elementos que puede modificar para llegar al volumen final. Aquí también vemos la formalidad de la artista, con la rigurosidad con que trata sus trabajos. SR
In this sketch of the work there is a lot of calculation, a considerable construction of space to be filled, which then allows the artist to analyze the distribution of the elements that will compose the work. The structure and balance are not arbitrary. This design demonstrates the artist's vision, the context, the resolution and the balance of what will be the elements that she can modify to reach the final volume. Here we also see the formality of the artist, with the rigor with which she treats her work. SR
Pilar González en "El Hurgador" / in this blog:
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Pilar!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pilar!)
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Sara Slipchinsky
(Buenos Aires, Argentina, 1947-)
Sara Slipchinsky. Expo Punta Arte Internacional, Punta del Este (Uruguay), 2016
Sara Slipchinsky es una artista visual, psicóloga y psicoanalista argentina, nacida en 1947 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.
Trabaja por series y con variedad de técnicas: grabado, objetos, libros de artista, y también investiga las posibilidades del papel incorporado a la realización de su obra textil.
Ha expuesto en muestras individuales y colectivas desde 2003 a la fecha en galerías, museos y ferias artísticas.
Premios: 2do Premio Obra Textil en Bolsa de Comercio (2016); 3er Premio Grabado con intervención textil en C.A.A.T (2016); 1er Premio Feria Internacional de Arte en Punta del Este (Uruguay 2016); Mención honorífica - Premio Carmen Arozena (Madrid 2013); Mención Salón Minitextil (2012) en C.A.A.T; 1er Premio Símbolos Patrios (2010); 3er Premio Salón Minitextil (2010); 2do Premio en Pintura, Secretaría de Turismo de Vicente López y Dimensión (2010); Mención en objeto: Bienal siglo XXI (2004); 1er Premio en Objeto en Arte y Dimensión (2003)
"En el principio fue el verbo / In The Beginning Was The Verb"
Litografía y fotograbados / lithography and photoengraving
Medidas de la caja / box size: 36 x 27 cm.
Medida de la página desplegada (impresa de ambos lados) /
size of the unfolded page (printed on both sides): 224 cm., 2004. Ed.10
Sara Slipchinsky is an Argentine visual artist, psychologist and psychoanalyst, born in 1947 in Buenos Aires, where she lives and works.
She works in series and with a variety of techniques: engraving, objects, artist's books, and also investigates the possibilities of paper incorporated into the realization of her textile work.
She has exhibited in solo and group shows since 2003 to date in galleries, museums and art fairs.
Awards: 2nd Prize Textile Work in Bolsa de Comercio (2016); 3rd Prize Engraving with textile intervention in C.A.A.T (2016); 1st Prize International Art Fair in Punta del Este (Uruguay 2016); Honorable Mention - Carmen Arozena Award (Madrid 2013); Mention Minitextil Salon (2012) in C. A.A.T; 1st Prize in National Symbols (2010); 3rd Prize Salón Minitextil (2010); 2nd Prize in Painting, Secretary of Tourism of Vicente López and Dimension (2010); Mention in Object: Biennial XXI Century (2004); 1st Prize in Object in Art and Dimension (2003).
Sara Slipchinsky trabajando en taller del Centro de Edicion dirigido por Natalia Giacheta /
at work in the Edition Center Workshop directed by Natalia Giacheta
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Sara!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Sara!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)], [Libros de artista (III)], [Libros de artista (IV)]
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
Felicitaciones Shirley ! excelente trabajo muy buenas las artistas originales cada una en su estilo Una mención especial para el trabajo de Pilar Gonzales me gustó mucho
ResponderEliminarMuchas gracias. Lástima no tengo tu nombre. Se seguirá trabajando.
EliminarPilar una gran persona y amiga. Le han otorgado el Premio Figari (un reconocimiento importante en Uruguay), y bien merecido lo tiene por su trayectoria y su excelente obra.
EliminarDescubrir en cada artista una mirada más íntima, como es en estas presentaciones, permite jugar a creer conocer la inspiración creadora del artista. Sin embargo, nos dejan cada uno de ellos la puerta abierta a la iniciativa de crear nuestra propia interpretación de su arte y volar la imaginación. Felicitaciones !!! gracias por compartir todo lo que nos brindan. Lilián Rodríguez.
ResponderEliminarLisa es increíble y original lo que hace, adoro su trabajo. Pilar también, tiene trabajos impresionantes. Lo de Ina me gusta mucho su impronta y Sara hace trabajos interesantes.
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