lunes, 31 de marzo de 2014

Gottfried Helnwein [Pintura]

Todavía recuerdo cuando a principios de los '80 descubrí a Scorpions, ese potente grupo de rock alemán que en 1982 lanzaba su octavo disco: "Blackout". Además de ese sonido que con el tiempo se hizo tan popular, el trabajo presentaba una llamativa portada. Luego me enteré que se trataba de una fotografía de Gottfried Helnwein, autorretrato de un artista que con el paso de los años se ha establecido como uno de los más destacados en el panorama del arte figurativo, controvertido por sus imágenes de niños heridos y referencias a Hitler y el Nazismo.
No es fácil resumir en unas cuantas imágenes la carrera de Gottfried. He hecho una selección de sus pinturas, como siempre basada en mis gustos personales, con extractos de algunas entrevistas para contextualizar al artista y su obra. En un próximo post, una muestra de sus fotografías.
Textos en inglés al final del post, señalados con [*] en cada párrafo

I still remember when in the early eighties I discovered Scorpions, that powerful German rock band who in 1982 launched their eighth album, "Blackout". Besides the sound that eventually became so popular, the work had a striking cover art. Later I learned that it was a photograph by Gottfried Helnwein, a self portrait of an artist who over the years has established as one of the most prominent on the landscape of figurative art, controversial for his images of wounded children and references to Hitler and Nazism. 
It is not easy to summarize in a few images Gottfried's career. I made a selection of his paintings, as always based on my personal tastes, with extracts of some interviews to contextualize the artist and his work. Soon in another post, some of his photographs.
English texts at the end of this post, marked with [*] in each paragraph

Gottfried Helnwein



Gottfried Helnwein es un artista austro-irlandés, nacido en Austria en 1948. Su obra abarca la pintura, fotografía, instalaciones y performances.
Sus primeros trabajos consisten principalmente en acuarelas hiperrealistas que representan niños heridos y maltratados, así como performances (a menudo con niños) en espacios públicos. Los trabajos de Hellwein evidencian su preocupación por la ansiedad psicológica y sociológica, cuestiones históricas y temas políticos. Como resultado, su obra es a menudo considerada provocativa y controvertida.
En 2004 el Museo de Bellas Artes de San Francisco organizó la primera muestra individual de Helnwein en un museo estadounidense: "El niño, obras de Gottfried Helnwein", en el Palacio californiano de la Legión de Honor. La exposición fue vista por casi 130.000 visitantes y el San Francisco Chronicle publicó que se trataba de la más importante muestra  de un artista contemporáneo en aquél año. [1]

"Cabeza de una niña III / Head of a Child III",
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 218 x 299 cm., 2000

"El susurro de los inocentes 17 / The murmur of the Innocents 17"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 257 x 180 cm., 2010

La decisión de convertirse en artista le llegó a Helnwein en "una fracción de segundo", a los 18 años. Según dice: «Lo ví como la única forma de encontrar respuestas a preguntas que nadie en Austria podía contestar, como el por qué la república de posguerra se retrataba a sí misma como una víctima de los Nazis, en lugar de uno de sus principales autores.»
Se inscribió en el Instituto Experimental de Altos Estudios Gráficos en Viena, pero se aburrió pronto. Un día tomó una navaja, se cortó las palmas de las manos y utilizó la sangre para pintar un retrato de Adolf Hitler. Los académicos se escandalizaron, confiscaron la pintura y Helnwein fue expulsado. «Ese fue el momento en que sentí por vez primera que puedes cambiar algo con la estética - dice -. Puedes hacer que las cosas se muevan sutilmente, incluso puedes conseguir que los poderosos de desestabilicen y tambaleen; puedes, de hecho, conseguir cualquier cosa, siempre que sepas qué teclas tocar, incluso con suavidad, con medios estéticos.» [2]

"La Reunión / The Meeting"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 300 x 220 cm., 1996

Izq./ Left: "Autorretrato 29 / Self-Portrait 29"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 140 x 210 cm., 1991
Der./ Right: Portada de "Blackout", 8º disco de Scorpions, 1982 / 
Cover of "Blackout", 8th album by Scorpions, 1982.

"Los desastres de la guerra 13 / The Disasters of War 13"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 125 x 180 cm., 2007

«Nací justo después de la Segunda Guerra Mundial, en un mundo oscuro y deprimido, y cuando miraba a mi alrededor con mis ojos de niño, sólo veía adultos intimidados, malhumorados y quebrados. Sentí que había aterrizado en el sitio equivocado. Entonces no sabía que la generación de mis padres había perdido dos guerras consecutivas, y además eran cómplices del mayor genocidio de la historia. El aliento de la muerte estaba aún por todas partes... Además de eso, mis padres eran muy católicos, así que yo pasaba mucho tiempo en frías iglesias y tenía tiempo de sobra para observar las imágenes de santos ensangrentados y moribundos, y cadáveres sagrados.» [3]

Izq./ Left: "Sueño 24 / Sleep 24"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 112 x 152 cm., 2009
Der./ Right: "Sueño 2 / Sleep 2"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 111 x 152 cm., 2004

"Los Caprichos 2"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 107 x 160 cm., 2006

«Mi primer encuentro con arte a lo grande, que cambió mi vida por completo, fue un comic del Pato Donald de Carl Barks, el gran artista de Disney. Fue una experiencia religiosa. Yo tenía 5 años y me redimió del limbo de la Viena de posguerra. Por primera vez tuve esperanzas... la vida tenía un sentido y el viaje de mi vida un destino: Patolandia.»

«Cualquier arte relevante plantea las preguntas que la gente necesita que se le formulen en un momento dado.
A veces creo que la responsabilidad del artista es forzar a la gente a mirar cosas que podrían ignorar y olvidar.» [4]

"Ángeles durmiendo I y II / Angels Sleeping I and II"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 133 x 200 cm., 1999

Izq./ Left: "Sin título (Cabeza de un niño IV) / Untitled (Head of a Child IV)"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 109 x 160 cm., 1998
Der./ Right: "Hombre justo III / Righteous Man III"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 150 x 192 cm., 1991

«Siempre experimento con diferentes medios y me gusta mezclarlos y utilizarlos de maneras poco ortodoxas. Los necesito todos, porque se inspiran, informan y reflejan mutuamente. La fotografía y la performance siempre fueron la principal fuente de inspiración para mis pinturas, y mis pinturas son la base para mi trabajo en el teatro. Y para la escena, he creado personajes, máscaras y vestuarios que luego he utilizado en pinturas.» [5]

"Epifanía III (Presentación en el Templo) / Epiphany III (Presentation at the Temple)"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 310 x 210 cm., 1998

"El susurro de los inocentes 8 / The murmur of the Innocents 8"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 295 x 183 cm., 2009

Izq./ Left: "Plegaria estadounidense / American Prayer"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 187 x 213 cm., 2000
Der./ Right: "Sin título / Untitled"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 106 x 160 cm., 1998

«Mis primeras pinturas eran pequeñas acuarelas de niños heridos, desfigurados y vendados. Era increíblemente ingenuo por aquél entonces, y completamente ignorante sobre cualquier aspecto del arte tradicional; deliberadamente, porque rechazaba cualquier cosa que viniera de la generación de mis padres. Una vez que me enteré del Holocausto, comprendí sus implicaciones y vi la negación y amnesia colectiva de Austria en aquella época. Todo se congeló para mí y me negué a pasar de ese punto. Tal vez debido a mi obsesión infantil por la "justicia", algo se rompió para mí, y desde entonces me sentí separado de mis antepasados, de sus tradiciones y valores. Evitaba todas las instituciones culturales establecidas, como los museos, y nunca visité una galería. Era un orgulloso "huérfano", un chico de la calle, feliz de ser un ignorante. Sólo me preocupaban las llamadas "artes triviales", como los comics y la música rock. De alguna manera, fui un privilegiado cuando comencé a pintar porque era completamente libre. No tenía influencias de otros artistas y no tenía metas en vistas a una carrera. Cogí unas acuarelas baratas y comencé a pintar. Fue como hablar conmigo mismo; no sabía a dónde podía conducir aquello o si alguien alguna vez notaría mis pequeñas pinturas. No tenía idea de si alguna de ellas era buena, porque no tenía nada con que compararlas.» [6]

"Mickey de medianoche / Midnight Mickey"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 300 x 216 cm., 2001

Izq./ Left: "Sin Título (Payton 0) / Untitled (Payton 0)"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 334 x 481 cm., 2005
Der./ Right: "Sin Título (Payton 3) / Untitled (Payton 3)"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 106 x 160 cm., 1998

«En mis orígenes, ni siquiera quería convertirme en un artista. De chico pensaba que los pintores eran unos tipos viejos y aburridos, con sus barbas y boinas frente a unos caballetes, pintando lienzos abstractos todo el día. Ser un miembro de los Rolling Stontes me resultaba más parecido al modo de vida ideal para un artista.» [7]

"Los desastres de la guerra 24 / The Disasters of War 24"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 242 x 195 cm., 2007

"Beso I / Kiss I" y "Beso II / Kiss II"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 106 x 160 cm., 1998

«La primera niña con la que colaboré en mis performances fue Sandra, una niña de 6 años. Sus padres la consideraban una niña problema, y creo que su madre la pasaba muy mal lidiando con su retorcido sentido del humor. Una vez que ella había confinado a su hija en su dormitorio como castigo por algo, Sandra recortó todas las prendas de su madre en pequeños trozos, las amontonó en una pila en medio de la habitación y llamó a su madre con su inocente vocecita. Otra vez le prendió fuego al apartamento de sus padres. Ella era una dura y pequeña dama, pero me gustó instantáneamente. Tenía el orgullo de líder de bandas callejeras latinas. Cuando te miraba, sus penetrantes ojillos enviaban un mensaje muy claro: "No me jodas".»
Le pregunté a Sandra si le gustaría participar en algunas performances artísticas conmigo. "¿Qué gano yo con eso?", me replicó con la frialdad de un empresario negociador Yakuza. "¿Qué es lo que quieres?", le pregunté. "Una bicicleta", me dijo. Teníamos un trato. La vendé y ella podía estar de pie o yaciendo en las calles o aceras en diferentes lugares de Viena, entre un torrente de irritados peatones. A veces podía caminar lentamente, como una sonámbula y tropezar con la gente. Se tomaba esas acciones en serio, y era muy dedicada, pero siempre con la cabeza fría, sin emociones involucradas.
Hice una serie de fotografías con vendas, cuerdas e instrumentos quirúrgicos, y tenía mucho cuidado de no dañarla, pero ella actuaba con curiosidad profesional y me animaba a intentar distorsiones más extremas de su rostro. Sandra fue mi primera modelo y aparece en fotografías, cortos y mis primeras acuarelas como las de la serie "Hermosa víctima". Yo tenía un gran respeto por ella. Nunca hablábamos mucho, pero había siempre una comunicación y entendimiento casi telepáticos.» [8]

"El susurro de los inocentes 13 / The murmur of the Innocents 13"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 330 x 220 cm., 2010

"El susurro de los inocentes 13 / The murmur of the Innocents 13" (detalle / detail)

"Epifanía I (Adoración de los Magos) / Epiphany I (Adoration of the Magi)"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 333 x 210 cm., 1996

"Leda y el cisne / Leda and the Swan"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 203 x 142 cm., 2003

«"Agradable" es un término extremadamente subjetivo. En diferentes épocas y lugares, dependiendo de la educación, trasfondo cultural, clase social o tradición étnica, la gente tiene nociones muy diferentes acerca de lo que se considera agradable o desagradable.
El "Saturno devorando a su hijo" de Goya, el Cristo torturado de Gruenewald en el Retablo de Isenheim, o la serie de pinturas de Gerhard Richter "18 de octubre, 1977" de los muertos de la banda Baader-Meinhof, son obras de arte muy agradables, en mi opinión. [ver al final del post] Hoy en día todos consideran el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel como una de las más hermosas obras de arte de la historia, pero en su época muchos críticos fueron sorprendidos y se enojaron por la desnudez. El Papa Adriano VI describió el techo como "un guiso de cuerpos desnudos" y ordenó la destrucción del techo. (Dios obviamente no estuvo de acuerdo, ya que le dejó morir al instante)
Lo único que busco con mi arte es la calidad estética, poder o intensidad. De hecho me importan poco los estilos, géneros, temas o medios. Nunca he sido capaz de pensar en categorías comunes como hermoso o feo, agradable o desagradable, etc. Ni siquiera sé lo que la gente quiere decir cuando utiliza esos términos.» [9]

"Sueño 9 / Sleep 9"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 111 x 152 cm., 2009

"Los desastres de la guerra 6 / The Disasters of War 6"
Técnica mixta; óleo y acrílico sobre lienzo / mixed media, oil and acrylic on canvas, 272 x 201 cm., 2007
__________________________________________________________

Los textos están traducidos del artículo sobre el artista en Wikipedia, y de las siguientes entrevistas que pueden leerse completas en el sitio web de Gottfried / 
Texts from the article about the artist on Wikipedia and the following interviews you can fully read in Gottfried's website.

"Helnwein, El hombre que utilizó su sangre para pintar a Hitler", por Kate Connolly, The Guardian, 16 de mayo de 2000 / 
"Helnwein, The Man Who Used His Own Blood To Paint Hitler", by Kate Connolly, The Guardian, May 16, 2000.

"Entrevista a Gottfried Helnwein", por Jennifer Link, Auxiliary Magazine, December 1, 2012 / 
"Gottfried Helnwein Interview", by Jennifer Link, Revista Auxiliary, 1 de diciembre de 2012

"Peter Frank habla con Gottfried Helnwein en ocasión de la muestra en solitario del artista "Yo era un niño", en Friedman Benda, Nueva York, 1 de agosto, 2010/ 
"Peter Frank talks with Gottfried Helnwein on the occasion of Helnwein's solo show "I was a Child" at Friedman Benda, New York, August 1, 2010.
__________________________________________________________

Gottfried Helnwein en "El Hurgador" / in this blog[Te Recomiendo (II)], [Gottfried Helnwein (II) (Fotografía)]

Se puede obtener más información y disfrutar de la obra de Gottfried en / 
You can get more information and enjoy Gottfried's work in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Gottfried!)
Agradezco también a Renate y Cyril.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Gottfried!)
Thanks also to Renate and Cyril.


Por primera vez se presenta en México tres exposiciones individuales de Gottfried Helnwein (2012). El artista habla sobre su obra (inglés con subtítulos en español) / 
For the first time in Mexico, three individual exhibitions of Gottfried Helnwein's works (2012). The artist talks about his work (English with Spanish subs)

_____________________________________________

Un clip del documental "Helnwein - El silencio de la inocencia". Gottfried Helnwein fotografiando a un modelo en su estudio de Irlanda (alemán son subtítulos en inglés) / 
A clip from the documentary "Helnwein - The Silence of Innocence". Gottfried Helnwein photographing a model in his Irish studio (German with English subs).

_____________________________________________

En Museo Lentos, Linz (alemán con subtítulos en inglés) / 
At the Lentos Museum, Linz (German with English subs)



Algunas referencias / Some references

Francisco de Goya y Lucientes

"Sin título, conocida como Saturno devorando a su hijo / Untitled, known as Saturn Devouring His Son"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 × 83 cm., 1819-23. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Saturno devorando a su hijo" es el nombre con el que se conoce esta obra de Francisco de Goya. De acuerdo a la interpretación tradicional, representa el mito griego del titán Cronos, o Saturno en la mitología romana, en el acto de devorar a uno de sus hijos. Cronos se comía los hijos recién nacidos de Rea, su mujer, por temor a ser destronado por uno de ellos. El cuadro es una de las 14 "Pinturas negras", óleos sobre revoque que formaron parte de la decoración de los muros de su casa (la Quinta del Sordo), pintada entre 1829 y 1923. Junto con el resto de ellas, fue trasladada de revoque a lienzo después de la muerte de Goya por Salvador Martínez Cubells. Más información en Wiki.

Fotografía de la pintura mural "Saturno", de la serie de las Pinturas Negras de Goya. El negativo de vidrio original fue tomado por J. Laurent, en el año 1874, en el interior de la casa de la Quinta de Goya /
Photo of mural painting "Saturn" from the series of Black Paintings of Goya. The original glass negative was taken by J. Laurent, in 1874, inside of the house of the Quinta de Goya.

"Saturn Devouring His Son" is the name given to a painting by Spanish artist Francisco Goya. According to the traditional interpretation, it depicts the Greek myth of the Titan Cronus (in the title Romanised to Saturn), who, fearing that he would be overthrown by one of his children, ate each one upon their birth. The work is one of the 14 Black Paintings that Goya painted directly onto the walls of his house (la Quinta del Sordo) sometime between 1819 and 1823. It was transferred to canvas by Salvador Martínez Cubells after Goya's death. More information in Wiki.

Francisco de Goya en "El Hurgador" / in this blog:
_________________________________________________________

Matthias Grünewald

"Retablo de Isenheim / Isenheim altarpiece"
Temple y óleo sobre tabla / tempera and oil on wood, 336 × 589 cm., 1512-1516. 
Museo de Unterlinden (Colmar, Francia / France)

Matthias Grünewald fue un pintor de obras religiosas renacentista alemán, que ignoró el clasicismo renacentista para continuar el expresivo e intenso estilo del arte centroeuropeo del medioevo tardío en pleno s.XVI.
Sólo diez pinturas - algunas de ellas consistentes en varios paneles - y treinta y cinco dibujos sobrevivieron, todos ellos religiosos, aunque muchos otros se perdieron en el mar Báltico en un viaje a Suecia como botín de guerra. Su reputación se vio oscurecida durante el final del s.XIX, y muchas de sus obras fueron atribuídas a Durero, quien hoy en día es visto como su antítesis estilística. Más información en Wiki.

El Retablo de Isenheim es una pieza esculpida y pintada respectivamente por los alemanes Niclaus of Haguenau y Matthias Grünewald entre 1512 y 1516. Es el mejor y mayor trabajo de Grünewald, y fue pintado para el Monasterio de San Antonio en Isenheim, cerca de Colmar, que funcionaba como hospital. Los mojes antoninos del monasterio eran reconocidos por sus tratamientos de las enfermedades de la piel, como el ergotismo (fiebre de San Antonio). La imagen del Cristo crucificado está salpicada de úlceras, mostrando a los pacientes que Jesús comprendía y compartía sus aflicciones. Más información en Wiki.

"La crucifixión / The Crucifixion"
Tabla central del Retablo de Isenheim / central panel of the Isenheim Altarpiece
Temple y óleo sobre tabla / tempera and oil on wood, 269 × 307 cm. 
Museo de Unterlinden (Colmar, Francia / France)

Matthias Grünewald was a German Renaissance painter of religious works, who ignored Renaissance classicism to continue the expressive and intense style of late medieval Central European art into the 16th century.
Only ten paintings—several consisting of many panels—and thirty-five drawings survive, all religious, although many others were lost at sea in the Baltic on their way to Sweden as war booty. His reputation was obscured until the late nineteenth century, and many of his paintings were attributed to Albrecht Dürer, who is now seen as his stylistic antithesis. More info in Wiki.

The Isenheim Altarpiece is an altarpiece sculpted and painted by, respectively, the Germans Niclaus of Haguenau and Matthias Grünewald in 1512–1516. By far Grünewald's greatest and largest work, it was painted for the Monastery of St. Anthony in Isenheim near Colmar, which specialized in hospital work. The Antonine monks of the monastery were noted for their treatment of skin diseases, such as ergotism. The image of the crucified Christ is pitted with plague-type sores, showing patients that Jesus understood and shared their afflictions. More info in Wiki.
____________________________________________________

Gerhard Richter

"18 de octubre, 1977 / October 18, 1977", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1988

Las quince pinturas que componen "Octubre 18, 1977" están basadas en fotografías de momentos en las vidas y muertes de cuatro miembros de la RAF (Facción del Ejército Rojo), un grupo terrorista de izquierda que perpetró varios secuestros y asesinatos durante los '70.
Las pinturas tienen una fecha como título. En la misma, los cuerpos de tres de los principales miembros de la RAF fueron encontrados muertos en sus celdas en la prisión alemana donde estaban encarcelados. Aunque oficialmente las muertes fueron atribuídas a suicidios, hubo una sospecha muy extendida de que los prisioneros fueron asesinados por la policía estatal alemana.

"18 de octubre, 1977 / October 18, 1977", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1988

The fifteen paintings that compose October 18, 1977 are based on photographs of moments in the lives and deaths of four members of the Red Army Faction (RAF), a German left-wing terrorist group that perpetrated a number of kidnappings and killings throughout the 1970s.
These paintings have a single date as their title. On this date the bodies of three principal RAF members were found in the cells of the German prison where they were incarcerated. Although the deaths were officially deemed suicides, there was widespread suspicion that the prisoners had been murdered by the German state police.

Gerhard Richter en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (II)]


Traducción en inglés / English Translation

[1] 
Gottfried Helnwein is an Austrian born (1948) Austrian-Irish fine artist, painter, photographer, installation and performance artist.
His early work consists mainly of hyper-realistic watercolors, depicting wounded and mistreated children, as well as performances – often with children – in public spaces. Helnwein is concerned primarily with psychological and sociological anxiety, historical issues and political topics. As a result of this, his work is often considered provocative and controversial.
In 2004, The Fine Arts Museums of San Francisco organized the first one-person exhibition of Gottfried Helnwein at an American Museum: "The Child, works by Gottfried Helnwein" at the California Palace of the Legion of Honor. The show was seen by almost 130,000 visitors and the San Francisco Chronicle quoted it the most important exhibition of a contemporary artist in 2004.

[2]
The decision to become an artist came to Helnwein "in a split second" at the age of 18, he says. "I saw it as the only way to find answers to the questions that no one in Austria would give me, such as why the post-war republic portrayed itself as the first victim of the Nazis rather than as one of the main perpetrators."
He enrolled at the Experimental Institute for Higher Graphic Instruction in Vienna, but soon got bored. One day he took a razor blade and cut his palms, using the blood to paint a portrait of Adolf Hitler. The academies stormed in, confiscated the painting and Helnwein was expelled. "This was the moment when I sensed for the first time that you can change something with aesthetics," he says. "You can get things moving in a very subtle way, you can get even the strong and powerful to slide and totter - anything, actually, if you know the weak points and tap at them ever so gently by aesthetic means."

[3]
«I was born right after the 2nd World War, into a dark and depressed world and when I looked around as a little child I saw only daunted, grouchy and broken grown-ups. I had the feeling I had landed at the wrong place. I didn't know then that my parents' generation had just lost 2 world wars in a row and in addition to that accomplished the biggest genocide in history. The breath of death was still all over the place... Besides that, my parents were very Roman Catholic so I spent a lot of time in cold churches and I had plenty of time to look at the pictures of bleeding and dying saints and sacred corpses.»

[4]
«My first encounter with great art that changed my life entirely was a Donald Duck comic book by Carl Barks, the great Disney artist. It was a religious experience. I was 5 years old and it redeemed me from the limbo of post-war Vienna. For the first time I had hope -- life had a meaning and the journey of my life had a destination: Duckburg.»

«Any relevant art asks the questions that people need to be asked at that time.
I think sometimes it's the responsibility of the artist to force people to look at things they would rather ignore or forget.»

[5]
«I always experimented with different media and I like to mix and use them in unorthodox manners. I need them all because they inspire, inform and reflect each other. Photography and performance was always the main source of inspiration for my paintings, and my paintings are the base for my work for the theatre. And for the stage I have created characters, masks and costumes which I later used in paintings.»

[6]
«My first paintings were little watercolors of wounded, disfigured and bandaged children. I was incredibly naive at that time and completely uninformed about any aspect of traditional art; deliberately, because I rejected anything that came from my parents’ generation. Once I learned about the Holocaust, I realized its implications, and saw the collective denial and amnesia in Austria at that time. Everything froze for me and I refused to move on from that point. Maybe due to my infantile obsession with ‘justness,’ something broke for me, and from then on I felt detached from my ancestors, their traditions and values. I avoided all established cultural institutions like museums, and I never visited a gallery. I was a proud ‘orphaned’ street kid, glad to be ignorant. I only cared about the so-called ‘trivial arts’ like comics and rock music. In a way, I was privileged when I began painting because I was completely free. I had no influences from other artists and I had no goals regarding a career. I took cheap watercolors and started to paint. It was like talking to myself, I didn’t know where this would lead to and if anyone would ever notice my little paintings. I had no idea if they were any good either because I had nothing to compare them to.»

[7]
«Originally I didn’t even want to become an artist. As a kid I thought painters were boring old guys with beards and berets standing in front of easels and painting abstract canvases all day long. Being a member of the Rolling Stones seemed to me more like the ideal form of existence as an artist.»

[8]
«The first child I collaborated with in my performances was Sandra, a six-year old girl. Her parents considered her a problem child and I think her mother had a hard time coping with Sandra’s twisted sense of humor. One time, when she confined her daughter to her bedroom as punishment for something, Sandra cut up all her mothers clothes into tiny little pieces, arranged them in a neat pile in the middle of the room and called her mom with her innocent voice. Another time she set fire to her parent’s apartment. She was one tough and mean little lady, but I liked her instantly. She had the pride of a Latino street gang leader. When she looked at you, her piercing little eyes had a very clear message: “don’t mess with me”.
I asked Sandra if she would like to participate in some art performances with me. “What’s in it for me?” she replied with the cool of a Yakuza negotiating business. “What do you want?” I asked her. “A bicycle” she said. So we had a deal. I bandaged her and she would stand or lay on the street or sidewalks at different locations in Vienna, amidst the stream of irritated pedestrians. Sometimes she would walk slowly like a sleepwalker and bump into people. She took these actions serious and was very dedicated but always with a cool head - no emotions involved.
I did a series of photographs with bandages, strings and surgical instruments and I was careful not to hurt her, but she was acting with a professional curiosity and encouraged me to try more extreme distortions of her face. Sandra was my first model and she appeared in photographs, short-films and my early watercolors of the “beautiful victim” series. I had a great respect for her. We never talked much, but there was always implicitness and an almost telepathic communication and understanding.»

[9]
«‘Pleasant’ is an extremely subjective term. At different times and at different places, depending on education, cultural background, social class or ethnic tradition, people have very different notions about what they consider pleasant or unpleasant.
Goya’s Saturn Devouring his Children, Gruenewald’s tortured Christ in his Isenheim Altarpiece, or Gerhard Richter’s October 18, 1977 paintings of the dead Baader-Meinhof gang are very pleasant works of art in my opinion. [check out the previous section] Today everybody considers Michelangelo’s Sistine Chapel ceiling one of the most beautiful artworks ever, but back then many critics were shocked and angered by the nudity: Pope Adrian VI described the ceiling as “a stew of naked bodies” and ordered the destruction of the ceiling. (God obviously didn’t agree because he let him die instantly).
The only thing I am looking for in any art is the aesthetic quality, power or intensity. I actually don’t care much about style, genre, subject or medium. I was never able to think in common categories like beautiful or ugly, pleasant or unpleasant etc. I actually don’t even know what people mean when they use these terms.»

domingo, 30 de marzo de 2014

Aniversarios, Fotografía (VIII) [Marzo / March 24-31]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 24 de Marzo es el cumple de

Edward Henry Weston, fotógrafo estadounidense nacido en 1886. Se ha dicho de él que fue "uno de los más innovadores e influyentes fotógrafos estadounidenses..." y "uno de los maestros de la fotografía del siglo XX". Durante sus 40 años de carrera, Weston fotografió una gran cantidad de temas, incluyendo paisajes, bodegones, desnudos, retratos, escenas de género e incluso caprichosas parodias. Se ha dicho que desarrolló "un abordaje esencial de la fotografía moderna estadounidense, y especialmente californiana" debido a su acento en las personas y lugares del oeste del país. En 1937 Weston fue el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim, y en los dos años posteriores produjo cerca de 1400 negativos utilizando su cámara de 8 × 10. Algunas de sus fotografías más famosas fueron árboles y rocas en Point Lobos en California, cerca de donde vivió durante varios años. Murió en 1958.



El 25 de Marzo es el cumple de 

Anna Zavileiskaia, arquitecta y fotógrafa rusa nacida en Moscú en 1966, que se graduó en el Instituto de Arquitectura moscovita con un Master en Arquitectura de edificios residenciales y civiles. Actualmente vive y trabaja en Budapest y es miembro de la Cámara húngara de Arquitectos. Sus fotografías han sido exhibidas en exposiciones individuales y colectivas en Bélgica, Hungría, Italia, Luxemburgo, Argentina y USA.

"Playing Zebra" © Anna Zavileiskaia

Anna Zavileiskaia en "El Hurgador" / in this blog: [Anna Zavileiskaia (Fotografía)]


El 26 de Marzo es el cumple de 

Harold Stephen Chapman, fotógrafo británico nacido en 1927, conocido por su crónica del París de los años '50.
Produjo una gran obra durante varios años, aunque su período más significativo es el que va desde mediados de los '50 hasta principios de los '60, cuando vivió en un hostal parisino más tarde apodado "The Beat Hotel" por by Verta Kali Smart. Allí llevó una crónica detallada de las vidas de sus residentes, entre ellos Allen Ginsberg y su amante Peter Orlovsky, William S. Burroughs, Gregory Corso, Sinclair Beiles, Brion Gysin, Harold Norse y otros grandes nombres de la Generación Beat del arte y la poesía. Cuando el Beat Hotel cerró sus puertas en 1964, Chapman fue el último cliente en irse. La colección de fotografías que produjo ofrecen un registro artístico e histórico y se convirtió en el pilar de su reputación. 
El resto de su obra atrajo la atención mundial, e incluyó retratos, paisajes, objetos extraños que encontraba y, especialmente, unas enigmáticas y distintivas escenas de las calles (a menudo incluyendo incongruentes fondos publicitarios) que combinaban sus dos emociones características: una persistente ansiedad de humor cambiante y un ingenio particular.

Peter Golding (armónica), Robin Page (guitarra) y Madame Rachou (tras la barra), como aparecen en "The Beat Hotel", la película de Alan Govenar. Foto: H.Chapman, 1960 / 
Peter Golding (harmonica), Robin Page (guitar) and Madame Rachou (behind counter) as seen in THE BEAT HOTEL, a film by Alan Govenar. Photo: H. Chapman, 1960


El 27 de Marzo es el cumple de

Edward Jean Steichen, fotógrafo, pintor, galerista y curador de museo estadounidense nacido en 1879.
Steichen fue el fotógrafo que apareció con mayor frecuencia en la innovadora revista de Alfred Stieglitz "Camera Work" mientras se editó, desde 1903 a 1917. Juntos Stieglitz y Steichen abrieron las "Pequeñas Galerías de la Foto Secesión", que más tarde serían conocidas como "291".
Sus fotos de vestidos para la revista "Art et Décoration" en 1911 son consideradas como las primeras fotografías modernas de moda que se publicaron. Entre 1923 y 1938 Steichen fue fotógrafo de las revistas "Condé Nast", "Vogue" y "Vanity Fair", mientras que también trabajaba para varias agencias de publicidad, incluyendo J. Walter Thompson. Durante estos años, Steichen fue considerado como el fotógrafo más reconocido y mejor pagado del mundo. En 1944 dirigió el documental de guerra "La Dama Luchadora", que al año siguiente ganó el Premio de la Academia al Mejor Documental.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Steichen fue Director del Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York hasta 1962. Murió en 1973.

"Gloria Swanson", imágen publicada por Vanity Fair en 1928 / image appeared in Vanity Fair’s 1928 issue

Edward Steichen en "El Hurgador" / in this blog:
[Aniversarios Fotografía (II)][Aniversarios Fotografía (CXXXI)][Recolección (LXX)]


El 28 de Marzo es el cumple de

Hiroshi Hamaya (濱谷 浩), fotógrafo japonés nacido en Tokyo en 1915. 
Desde 1937 comenzó a ejercer como fotógrafo independiente y en 1939 conoció al antropólogo Keizo Shibusawa que le animó a realizar un estudio etnográfico sobre las costumbres y tradiciones del año nuevo en los pueblos de la prefectura de Niigata.
Entre 1940 y 1942 estuvo viajando por Manchuria y China antes de que fuesen invadidas por Japón durante la segunda guerra mundial. Después de la guerra fotografió de nuevo el norte de Japón, realizando su conocida serie de fotografías titulada "Pueblo en la nieve". A partir de 1950 comenzó a documentar la vida en las grandes ciudades aunque continuó realizando reportajes sobre la vida rural japonesa.
En 1969 ingresó como miembro de la agencia Magnum, siendo el primer asiático en lograrlo. En 1987 recibió el Premio de la Fundación Hasselblad de Fotografía.
Entre sus obras más conocidas se encuentran Yikugumi realizada en 1957, Niños de Japón en 1959 y la Vida de las mujeres en Japón en 1976. Murió en 1999.

"Días de furia y dolor / Days of Rage and Grief", 20,3 X 25,4 cm., 1960. 
Hamaya Hiroshi archivos privados / private archives


El 29 de Marzo es el cumple de

Huỳnh Công Út, conocido profesionalmente como Nick Ut, fotógrafo de la agencia Associated Press (AP), nacido en 1951. Ganó el Premio Pulitzer en 1973 por "El Terror de la Guerra", que muestra a los niños que huyen de un bombardeo con napalm. En su foto más conocida se va a una niña de 9 años de edad desnuda, Phan Thị Kim Phúc, corriendo hacia la cámara, huyendo de un ataque con napalm en la aldea de Trảng Bàng durante la guerra de Vietnam.
Ut comenzó a tomar fotografías para la Associated Press cuando sólo contaba 16 años, justo después de que su hermano mayor, Huynh Thanh My, otro fotógrafo de AP, fuese asesinado en Vietnam. El propio Ut fue herido tres veces en la guerra. Desde entonces ha trabajado para AP en Tokio, Corea de Sur y Hanói, y aún mantiene contacto con Kim Phuc, quien actualmente reside en Canadá.
Antes de entregar su película con la foto de Kim Phuc llevó a la niña al hospital. La publicación se retrasó debido al debate de la oficina de AP sobre la transmisión por cable de la imagen de una chica desnuda. Con motivo del 40 aniversario de esa foto ganadora del Premio Pulitzer en septiembre de 2012, Ut se convirtió en la tercera persona en entrar en el Salón de la Fama de Leica por sus contribuciones al fotoperiodismo.

"Vietnam, Napalm", 1972. Los niños, de derecha a izquierda, son Phan Thanh Tam, hermano menor de Kim Phuc, quien perdió un ojo, Phan Thanh Phouc, otro hermanito de Kim Phuc, Kim Phuc, y los primos de Kim, Ho Van Bon, y Ho Thi Ting. Tras ellos, soldadoes de la 25ª división del ejército vietnamita / 
The children from left to right are: Phan Thanh Tam, younger brother of Kim Phuc, who lost an eye, Phan Thanh Phouc, youngest brother of Kim Phuc, Kim Phuc, and Kim's cousins Ho Van Bon, and Ho Thi Ting.  Behind them are soldiers of the Vietnam Army 25th Division. (AP Photo/Nick Ut) 


Hoy, 30 de Marzo, es el cumple de

Johannes Pääsuke, fotógrafo y cineasta estonio nacido en 1892 (30 de marzo, Calendario Juliano 18 de marzo). 
Empezó en fotografía a los quince años, en 1907, y es probable que contactara con el Museo Nacional de Estonia (ERM) en 1912, habiendo tomado ya fotografías en diferentes lugares en Estonia. 
En 1913, Pääsuke comenzó un proyecto para el ERM, para documentar las tierras, artes y arquitectura de Estonia a través de la fotografía y recolección de objetos. 
Es conocido por haber tomado más de 1300 fotografías en placas de vidrio durante su proyecto etnográfico nacional. También fue el primer estonio en hacer una película. Hizo alrededor de 40 en su carrera, de las cuales se conservan 10. Murió en 1918 en un accidente de tren.

Cargadores de estiércol Gustav (65) y Anton (68) fumando en sus pipas.
Pueblo de Pühajõu, granja Mõnnelohu, Junio, 1913 / 
Manure Carriers Gustav (65) and Anton (68), with his pipes. Pühajõu village, Mõnnelohu farm, June, 1913.


El 31 de Marzo es el cumple de

Art Shay, fotógrafo y escritor estadounidense nacido en 1922. Se crió en el Bronx, y más tarde sirvió como navegante para el ejército de los Estados Unidos durante la 2ª Guerra Mundial.
Se unió al equipo de la revista LIFE como escritor, y pronto se convirtió en fotógrafo freelance con base en Chicago para LIFE, Time, Sports Illustrated y otras publicaciones nacionales. Fotografió a siete presidentes estadounidenses y muchas figuras destacadas del s.XX. Shay también escribió columnas semanales para varios periódicos, algunos guiones, libros para niños, manuales de reglas deportivas y varios ensayos. Las fotografías de Shay se venden en galerías y están presentes en colecciones permanentes de grandes museos, incluída la National Portrait Gallery y el Art Institute de Chicago.

"Marlon Brando", 1961

Marlon Brando en "El Hurgador" / in this blog:
[Aniversarios (XVI)], [Aniversarios Fotografía (CLXXVI)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXIV)]


Textos en inglés / English translation

On March 24 is the birthday of

Edward Henry Weston, American photographer born in 1886. He has been called "one of the most innovative and influential American photographers…" and "one of the masters of 20th century photography." Over the course of his 40 year career Weston photographed an increasingly expansive set of subjects, including landscapes, still lifes, nudes, portraits, genre scenes and even whimsical parodies. It is said that he developed a "quintessentially American, and specially Californian, approach to modern photography" because of his focus on the people and places of the American West. In 1937 Weston was the first photographer to receive a Guggenheim Fellowship, and over the next two years he produced nearly 1,400 negatives using his 8 × 10 view camera. Some of his most famous photographs were taken of the trees and rocks at Point Lobos, California, near where he lived for many years. He died in 1958.
"El Hurgador"Wikipedia

On March 25 is the birthday of

Anna Zavileiskaia, Russian architect and photographer born in 1966 in Moscow and graduated from the Moscow Architectural Institute (State Academy) in 1989 with Master Diploma in architecture of residential and civic buildings.
She currently lives and works in Budapest and is a member of the Hungarian Chamber of Architects. Her photographs has been exhibited in solo and group shows in Belgium, Hungary, Italy, Luxembourg, Argentina and the USA.

On March 26 is the birthday of

Harold Stephen Chapman, british photographer born in 1927, noted for chronicling the 1950s in Paris.
He has produced a large body of work over many years, with his most significant period from the mid-1950s to the early 1960s, when he lived in a backstreet Left Bank guesthouse in Paris later nicknamed (by Verta Kali Smart) ‘the Beat Hotel’. There he chronicled in detail the life and times of his fellow residents – among them Allen Ginsberg and his lover Peter Orlovsky, William S. Burroughs, Gregory Corso, Sinclair Beiles, Brion Gysin, Harold Norse, and other great names of Beat Generation poetry and art. When the Beat Hotel closed its doors in 1964, Chapman was the last guest to leave. The collection of photographs he had taken there provide an artistic and historic record, and became the mainstay of his reputation.
His other works attract worldwide attention, and include portraits, landscapes, bizarre objets trouvés and, especially, distinctive enigmatic street scenes (often involving incongruous background advertising) that combine his two characteristic emotions: pervasive moody anxiety and quirky wit.

On March 27 is the birthday of

Edward Jean Steichen, American photographer, painter, and art gallery and museum curator born in 1879.
Steichen was the most frequently featured photographer in Alfred Stieglitz' groundbreaking magazine Camera Work during its run from 1903 to 1917. Together Stieglitz and Steichen opened the Little Galleries of the Photo-Secession, which eventually became known as 291.
His photos of gowns for the magazine Art et Décoration in 1911 are regarded as the first modern fashion photographs ever published. From 1923 to 1938, Steichen was a photographer for the Condé Nast magazines Vogue and Vanity Fair while also working for many advertising agencies including J. Walter Thompson. During these years, Steichen was regarded as the best known and highest paid photographer in the world. In 1944, he directed the war documentary The Fighting Lady, which won the 1945 Academy Award for Best Documentary.
After World War II, Steichen was Director of the Department of Photography at New York's Museum of Modern Art until 1962. He died in 1973.
El Hurgador, El HurgadorWikipedia

On March 28 is the birthday of

Hiroshi Hamaya (滨 谷 浩), Japanese photographer born in Tokyo in 1915.
From 1937 he began to work as a freelance photographer and in 1939 met Keizo Shibusawa anthropologist who encouraged him to conduct an ethnographic study of the customs and traditions of the New Year in the villages of Niigata prefecture.
Between 1940 and 1942 he was traveling in Manchuria and China before they were invaded by Japan during World War II. After the war again photographed northern Japan, performing his famous series of photographs entitled 'Village in the Snow'. From 1950 he began documenting life in big cities but continued making reports on Japanese rural life.
In 1969 became a member of the Magnum agency, becoming the first Asian to do so. In 1987 he received the Hasselblad Foundation Prize for Photography.
Among his best known works are Yikugumi (1957), Children of Japan (1959) and The Life of Women in Japan (1976). He died in 1999.

On March 29 is the birthday of

Huỳnh Công Út, known professionally as Nick Ut, photographer for the Associated Press (AP) born in 195. He won the 1973 Pulitzer Prize for "The Terror of War", depicting children in flight from a napalm bombing. In particular, his best known photo features a naked 9-year-old girl, Phan Thị Kim Phúc, running toward the camera from a napalm attack at the Trảng Bàng village during the Vietnam War.
Ut began to take photographs for the Associated Press when he was 16, just after his older brother Huynh Thanh My, another AP photographer, was killed in Vietnam. Ut himself was wounded three times in the war. Ut has since worked for the Associated Press in Tokyo, South Korea, and Hanoi and still maintains contact with Kim Phuc, who now resides in Canada. 
Before delivering his film with the Kim Phúc photo, he took her to the hospital. The publication of the photo was delayed due to the AP bureau's debate about transmitting a naked girl's photo over the wire. On the 40th anniversary of that Pulitzer Prize-winning photo in September 2012, Ut became the third person inducted by the Leica Hall of Fame for his contributions to photojournalism.

Today, March 30, is the birthday of

Johannes Pääsuke, Estonian photographer and filmmaker born in 1892 (30 March, O.S. 18 March).
He started photography at fifteen, in 1907, and it is likely that he contacted the Estonian National Museum (ERM) in 1912, having already taken photographs in various places in Estonia.
In 1913, Pääsuke began a project for the ERM to document Estonia's lands, trades and architecture through photography and the collection of artifacts.
He is known to have taken more than 1,300 photographs on glass plates in his national ethnographic project. He was also the first Estonian to make a film. He made about 40 films in his career with 10 films still in existence. He died in a train accident in 1918.

On March 31 is the birthday of

Art Shay, American photographer and writer born in 1922. He grew up in the Bronx and then served as a navigator in the U.S. Army Air Forces in World War II. 
Shay joined the staff of Life magazine as a writer, and quickly became a Chicago-based freelance photographer for Life, Time, Sports Illustrated and other national publications. He photographed seven US Presidents and many major figures of the 20th century. Shay also wrote weekly columns for various newspapers, several plays, children's books, sports instruction books and several photo essay books. Shay's photography is sold at galleries and is in permanent collections of major museums including the National Portrait Gallery and The Art Institute of Chicago.

LinkWithin

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...