Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Julio es el cumple de
Anton Kolig, pintor expresionista nacido en Neutitschein, Austria-Hungría, en 1886.
Amigo de Oskar Kokoschka y Egon Schiele, Kolig expuso en 1910 con el grupo de la Secesión de Viena, donde conoció a Gustav Klimt. Anton Kolig es un pintor del desnudo masculino. Su bisexualidad era conocida y considerada escandalosa, pero a diferencia de Klimt y Schiele, parece que sólo expresó su sexualidad en su pintura.
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)
Kolig, casado desde 1911, comenzó a trabajar con modelos en 1904. Comenzó pagando profesionales, pero más tarde, cuando abandonó Viena, usó a su familia, amigos, campesinos y sus propios alumnos. Entre los cerca de tres mil dibujos y cuatrocientas pinturas que dejó, Kolig celebra la belleza y la sensualidad del cuerpo masculino joven, pero preocupado por la investigación psicológica. En sus dibujos la cabeza del personaje está a veces ausente, y a menudo esbozada en sus lienzos. La imaginación artística de Kolig no se apega a una persona en particular sino que busca lo efímero.
The Artist’s Wife with Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,5 x 61 cm., 1913
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 201 cm., 1928
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)
Kolig una vez invocó la noción de "coito espiritual" para definir el acto de "pintar y ser pintado y por extensión dibujar y ser dibujado". Durante años soñó con un taller de pintura inspirado en las logias masónicas, en el que podría enseñar y vivir con sus alumnos. Como se puede ver en el dibujo inacabado "La familia del pintor", el artista estaba menos interesado en su propio círculo familiar - él y su esposa tuvieron cinco hijos - que el que él había elegido.
Varias de sus obras se conservan en el Museo Leopold de Viena.
Murió en 1950.
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)
El 2 de Julio es el cumple de
Eduardo Zamacois y Zabala, pintor español de origen vasco nacido en 1841, especializado en lienzos de pequeña escala.
Recibió una completa educación, que incluyó clases de dibujo con un artista local llamado Joaquín Balaca (c.1820-?). Más tarde, cuando la escuela de su padre cerró, la familia se trasladó a Madrid, y en 1856 se inscribió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió con Federico de Madrazo.
Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)
En 1860, por recomendación de Madrazo, fue a París y asistió a las clases de Charles Gleyre en preparación para postularse a la Ècole des Beaux-Arts. Su solicitud se negó, por lo que se dirigió a los talleres de Ernest Meissonier, donde encontró una posición.
El éxito llegó rápidamente. En 1861 fue encargado de crear pinturas decorativas en los barrios del futuro rey, Alfonso XII en el Palacio Real de Madrid. Esta obra le valió una beca de la Diputación de Vizacaya, que le permitió continuar sus estudios. En 1862 y 1864 fue galardonado con medallas en la Exposición Nacional de Bellas Artes.
En 1866 se hizo amigo del pintor Marià Fortuny.
Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)
Hábil negociador, se esforzó por acceder a tantas exposiciones europeas como fuera posible. En 1870 le concedieron la medalla de oro en el Salón por su pintura "La educación de un príncipe". Después de una muestra en Londres, una de sus pinturas fue comprada por Charles Dickens.
La guerra franco-prusiana creó dificultades que finalmente lo obligaron a regresar a Madrid. Su llegada allí coincidió con la coronación oficial del rey Amadeo I, y asistió a las ceremonias. Fue un invierno inusualmente frío y enfermó al día siguiente. Murió repentinamente en 1871, de lo que se describió como "angina gangrenosa" (posiblemente difteria). En 1878 fue galardonado con un diploma póstumo por la Escuela de Bellas Artes y se realizó una importante retrospectiva en la Exposición Universelle. Goupil & Cie también publicó un gran volumen de fotografías de sus principales obras.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44,3 x 52 cm., 1866
Walters Art Museum (Baltimore, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons
Dos guerrilleros españoles luchan por deshacerse del cadáver de un dragón francés arrojándolo en un pozo. La anciana en la entrada lleva los cascos y las espadas de su víctima y de otro soldado francés que presumiblemente ha sufrido el mismo destino. Zamacois fue alumno de Jean-Louis Ernest Meissonier. Como su maestro, representó escenas de la época napoleónica, pero mostrándolas desde el punto de vista de las víctimas españolas./
Two Spanish partisans struggle to dispose of the corpse of a French dragoon by dumping it into a well. The old woman at the entrance carries the helmets and swords of their victim and of another French soldier who presumably has suffered the same fate. Zamacois was a pupil of Jean-Louis Ernest Meissonier. Like his teacher, he depicted scenes from the Napoleonic era; however, he showed them from the point of view of the Spanish victims.
Eduardo Zamacois y Zabala en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXII)], [Pintando perros (LXXV)]
El 3 de Julio es el cumple de
José Vento Ruiz, pintor español nacido en Valencia en 1925.
Museu d'art contemporani Vicente Aguilera Cerni (MACVAC) (Vilafamés, Valencia, España / Spain)
Vento cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, en Valencia, y posteriormente, gracias a una beca de la Diputación de Valencia, los amplió en Madrid. Fue cofundador del grupo Hondo junto con Juan Genovés, e impulsor de la Nueva Figuración durante la década de 1950. También fue fundador del Grupo artístico Z. De 1954 a 1960 vivió en Madrid, donde trabajó en diversas pinturas murales.
Colección CajaSur (España / Spain). Link
Sus obras pueden verse en los Museos de Arte Contemporáneo de Madrid y Sevilla, en el de Arte Moderno de Alejandría, en el de Arte Abstracto de Cuenca y en el de Bellas Artes de Valencia.
Murió en 2005.
Óleo sobre lienzo, sobre masonita / oil on canvas, on masonite, 49,5 x 69,9 cm., 1983. Rubylane
El 4 de Julio es el cumple de
David Prentice, artista y ex profesor de arte inglés nacido en Solihull en 1936. En 1964 fue uno de los cuatro miembros fundadores de la Ikon Gallery de Birmingham.
Fue educado en la escuela secundaria de Arte Moseley Road, Birmingham, entre 1949 y 1952, y la Escuela de Arte de Birmingham entre 1952 y 1957. En 1957 hizo el Servicio Nacional en la artillería real, volviendo a la Escuela de Arte de Birmingham para enseñar a partir de 1959. Prentice enseñó en la Facultad de Politécnica de Birmingham entre 1971 y 1986, inicialmente a cargo del taller experimental, y fue artista visitante en Trent Polytechnic, Nottingham University, la Escuela Ruskin y el Birmingham Institute of Art and Design. Prentice realizó exposiciones individuales en la Royal Birmingham Society of Artists en 1961 y 1963, y en el mismo año fue el segundo en la exposición Four Letter Art organizada por Trevor Denning. Prentice celebró desde entonces más de cuarenta exposiciones individuales.
Fue en la exposición individual de Prentice en 1963 que su pintura "Kate y los Nenúfares" fue comprada por Angus Skene por £ 25, que Prentice entregó en la casa de Skene en Selly Oak atada a un lado de su moto Vespa. Durante la comida subsiguiente, los dos discutieron la falta de apoyo brindado a los artistas locales por las galerías existentes de Birmingham, y decidieron iniciar una nueva organización para "dinamizar la ciudad con ideas progresistas sobre el arte". Prentice reclutó a tres artistas de la Escuela de Arte - Jesse Bruton, Robert Groves y Sylvani Merilion - y en 1965 los cuatro establecieron la Ikon Gallery en un quiosco en el Bull Ring de Birmingham. Prentice dijo más tarde de los fundadores de Ikon: "Las posturas de los artistas originales eran todas muy diferentes, a veces íbamos en direcciones opuestas, pero todos éramos Brummies, todos salimos de la escuela de arte pensando 'podemos hacerlo mejor que esto'... había un elemento de querer cambiar el terreno que todos compartimos".
Prentice había mostrado su obra en John Davies Fine Art, Moreton en Marsh Glos., Inglaterra, en ocho exposiciones individuales desde 1996 hasta 2010. Se habían realizado exposiciones individuales de su obra en la Mark Barrow Bellas Artes (www.markbarrowfineart.co.uk), Art First Londres, Anna Mei Chadwick Londres, Medici Galería Londres y Lemon Street Galley Truro Cornwall en los años siguientes a 1994 y hasta 2008. Las exposiciones durante julio y agosto de 2011 para celebrar su 75 cumpleaños fueron en la Galería John Davies Moreton en Marsh, el número nueve la Galería Birmingham y en el Centro de Arte Monnow, en Walterstone, Herefordshire.
Murió en 2014.
David Prentice en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XI)]
El 5 de Julio es el cumple de
Sergei Alekseyevich Grigoriev (Сергей Алексеевич Григорьев), Artista del Pueblo de la Unión Soviética y miembro de la Academia de las Artes de la URSS, jugó un papel importante en la formación de la escuela de arte de la Ucrania Soviética como destacado pintor y maestro. Grigoriev se embarcó en su carrera artística a finales de la década de 1920 - principios de la de 1930. Comenzó como artista gráfico, trabajando duro como ilustrador de libros, diseñador de carteles y murales, y decorador de interiores. Gradualmente emergió como un pintor lírico.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 × 149 cm., 1951
Арт-фонд семьи Филатовых / Fundación de arte de la familia Filatov / Filatov family Art Foundation
En 1933 se le pidió a Grigoriev que enseñara en el Kharkov Art Institute, primero como asistente en el taller de dibujo de Vasili Kasiyan, más tarde en el taller de pintura del profesor Krichevsky.
En 1934, cuando Kiev se convirtió en la capital de la República de Ucrania, Grigoriev aceptó un cargo de docente en el Instituto de Arte de Kiev.
En el invierno de 1940 fue llamado para el servicio militar. Al estallar la guerra en 1941 se unió al partido comunista. Durante este apenas pintó nada. En la década de 1950 se concentró en composiciones de género con múltiples figuras, construidas alrededor de temas dramáticos o de contraste. Estaba especialmente preocupado por los problemas de la educación de los niños y jóvenes, la construcción de sus personalidades y sus perspectivas sociales. Estos temas se tratan en cuadros tan conocidos como "Unirse al Komsomol", "Discusión de la Señal Fallida" y "El Retorno".
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118 × 181 cm., 1950
Арт-фонд семьи Филатовых / Fundación de arte de la familia Filatov / Filatov family Art Foundation
Государственная Третьяковская галерея / Galería Estatal Tretyakov / Tretyakov State Gallery (Moscú, Rusia / Russia)
En 1951 recibió el premio Slate de la URSS para su cuadro "Discusión de la Señal Fallida". También en ese año se hizo Artista Popular de la República de Ucrania. Tres años más tarde fue elegido miembro asociado de la Academia de Artes de la URSS, y en 1958 se convirtió en miembro pleno.
La pintura de retratos se convirtió en una característica dominante del arte de Grigoriev en los años '60. El artista creó una serie de retratos de hombres conocidos, escritores de prosa y poetas ucranianos.
Amplias y diversas, las actividades del académico Grigoriev están inseparablemente ligadas a la vida de su pueblo, con la fe puesta en el tremendo potencial transformador del arte socialista.
Murió en 1988.
Государственная Третьяковская галерея / Galería Estatal Tretyakov / Tretyakov State Gallery (Moscú, Rusia / Russia)
El 6 de Julio es el cumple de
James "Jamie" Browning Wyeth, pintor realista estadounidense nacido en 1946, hijo de Andrew Wyeth y nieto de N.C. Wyeth. Fue criado en Chadds Ford Township, Pensilvania, y es heredero artístico de la tradición de la Escuela Brandywine: pintores que trabajaron en el área rural del río Brandywine de Delaware y Pennsylvania, retratando a su gente, animales y paisajes.
Colección de / Collection of Andrew and Betsy Wyeth. WikiArt
Asistió a la escuela pública durante seis años y luego, a petición suya, recibió tutoría en privado en casa, para poder concentrarse en el arte. De niño Jamie estuvo en contacto con el arte de muchas maneras: las obras de sus talentosos miembros de la familia, libros de arte, asistencia a exposiciones, reunión con coleccionistas y familiarizándose con historiadores del arte. También desarrolló un raro sentido del humor, a veces llegando a lo macabro.
El alcance artístico de Wyeth es más amplio que el de su padre y su abuelo. Destaca en el dibujo, la litografía, el aguafuerte, la tempera del huevo, la acuarela y las técnicas mixtas. Aunque basado en los temas y tradición artística de esta familia, y atado por la misma soledad de su arte, sus grandes viajes y experiencias han dado forma a un artista más desarrollado. En sus viajes a Europa estudió a los maestros flamencos y holandeses, y aprendió el intrincado y exigente proceso de litografía, produciendo una cantidad sustancial de obra gráfica.
Colección de / Collection of Brandywine River Museum (Delaware, Pensilvania, EE.UU./ PA, USA)
Según el Brandywine River Museum, "James Wyeth se ganó la atención nacional con un retrato póstumo de John F. Kennedy y otras orbas, y después produjo impresionantes retratos de Rudolf Nureyev y Andy Warhol, cuyos estudios están en la colección del museo. Wyeth ha establecido un estilo distintivo caracterizado por imágenes potentes y fuertes contrastes en sus paisajes y retratos, conocido por sus monumentales retratos de animales, entre ellos "Retrato de un cerdo" y "Cuervo" en la colección del museo, que representan varias etapas de su estilo cambiante."
Colección privada / Private Collection. Link
Andrew Wyeth en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
El 7 de Julio es el cumple de
Wolfgang Robert Paalen, pintor, escultor y filósofo del arte alemán-austriaco-mexicano, nacido en Viena, Austria, en 1905.
Miembro del grupo Abstraction-Création de 1934-35, se unió al influyente movimiento surrealista en 1935 y fue uno de sus destacados exponentes hasta 1942.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29" x 39 3/8", 1938, Weinstein Gallery
En el curso de su asociación con los surrealistas y sus intentos de transformar la escritura automática en dibujo y pintura, creó el fumage - una técnica para generar patrones evocadores con el humo y el hollín de una vela encendida. Entre 1936 y 1937 desarrolló con estas formas visionarias y efímeras sobre el lienzo, que luego pintaba en óleo, una serie de pinturas maduras que pronto le granjearon una reputación internacional. Junto con Marcel Duchamp, Man Ray y Salvador Dalí, Paalen fue uno de los responsables del diseño de la Exposición Internacional del Surrealismo de 1938 en el Palais des Beaux Arts de París.
Succession Wolfgang Paalen, Berlin. Wikimedia Commons
El desarrollo ulterior en la obra de Paalen continúa con la idea de un continuo biológico-evolutivo-físico-cosmológico, en el cual el organismo humano puede evolucionar y desarrollarse.
En 1938 Paalen y su esposa socializaron con Frida Kahlo durante su visita en París. Ella invitó a la pareja a México, donde Paalen quería organizar una exposición surrealista junto con Breton. En otoño de 1939 organizó la Exposición Surrealista Internacional en la Galería de Arte Mexicano junto con el poeta peruano César Moro.
Wendi Norris Gallery San Francisco © Succession Wolfgang Paalen
Durante su exilio en México, fundó su propia revista de arte contra-surrealista DYN, en la que resumió su actitud crítica hacia el subjetivismo radical y el freudo-marxismo en el surrealismo con su filosofía de la contingencia.
Los últimos años de Paalen en México se caracterizan por problemas de salud cada vez mayores, originados principalmente por su trastorno bipolar (maníaco-depresivo).
Murió en Taxco, en 1959.
Daniel Malingue, Paris © Succession Wolfgang Paalen
Hoy, 8 de Julio, es el cumple de
Stanton MacDonald-Wright, artista moderno estadounidense nacido en Charlottesville, Virginia, en 1890. Fue cofundador del Sincromismo, un modo abstracto de pintura basado en el color, que fue el primer movimiento de arte vanguardista estadounidense en recibir atención internacional.
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
Disfrutó de una adolescencia privilegiada en Santa Mónica, California, donde su padre tenía un hotel en la playa. Artista aficionado y empresario, el padre de Macdonald-Wright animó su desarrollo artístico desde muy joven y le aseguró clases particulares de pintura.
Casado a los diecisiete años, Macdonald-Wright se trasladó a París con su esposa para sumergirse en el arte europeo y estudiar en la Sorbona, la Académie Julian, la École des Beaux-Arts y la Academia Colarossi. Él y su compañero Morgan Russell estudiaron con el pintor canadiense Percyval Tudor-Hart entre 1911 y 1913. Fueron profundamente influenciados por la teoría del color de sus profesores, que conectaba las cualidades de color con las de la música, así como con las obras de Delacroix, los Impresionistas, Cézanne y Matisse, que pusieron un gran énfasis en las yuxtaposiciones y reverberaciones de color. Durante estos años, MacDonald-Wright y Russell desarrollaron el Sincromismo (que significa "con color"), buscando liberar su forma de arte de una descripción literal del mundo, en la creencia de que la pintura era una práctica afín a la música que debería separarse de las asociaciones representacionales.
Óleo sobre panel / oil on board, 40" x 30", 1973. Peyton Wright
MacDonald-Wright colaboró con Russell pintando "sincromías" abstractas y organizó exposiciones sincromistas en Munich en junio de 1913, en París en octubre de 1913 y en Nueva York en marzo de 1914. Esto estableció el sincromismo como influencia en el arte moderno, aunque los seguidores de otros artistas abstractos (principalmente los orfistas Robert y Sonia Delaunay) afirmarían más tarde que los sincromistas habían tomado prestados los principios de la abstracción del color del orfismo, un punto discutido vehementemente por Macdonald-Wright y Russell. Mientras estuvo en Europa, Macdonald-Wright conoció a Matisse, Rodin, Gertrude y Leo Stein y Thomas Hart Benton, de quien Stanton hablaba como "el hombre más talentoso que conozco". Él y Russell volvieron a los Estados Unidos esperanzados de la aclamación y del éxito financiero, e impacientes por promover su causa.
Macdonald-Wright se trasladó a Los Ángeles en 1918. En 1920, con el apoyo de Stieglitz, organizó la primera exposición de arte moderno en Los Ángeles, "La Exposición de Modernistas Americanos", en el Museo de Historia, Ciencia y Arte del Condado de Los Ángeles, mostrando sus propias sincromías abstractas a gran escala, así como obras de John Marin, Arthur Dove y Marsden Hartley.
En 1922 se convirtió en el jefe de la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles. También se involucró en el teatro local, sirviendo como el director del gremio del teatro de Santa Mónica, así como escribiendo y dirigiendo textos, diseñando escenarios y actuando él mismo.
Fue una presencia significativa y una personalidad carismática en la escena artística de Los Angeles durante las décadas siguientes.
A principios de los años cincuenta la obra de Macdonald-Wright había caído en relativa oscuridad. Un renovado interés en el modernismo estadounidense llevó a su redescubrimiento gradual y nueva atención académica, y se realizaron varias retrospectivas.
Murió en 1973.
"Embarkación / Embarkation", óleo sobre panel / oil on panel, 122,6 x 91,8 cm., 1962. Sotheby's
Textos en inglés / English translation
On July 1 is the birthday of
Anton Kolig, Expressionist painter born in Neutitschein, Austria-Hungary, in 1886.
A friend of Oskar Kokoschka and Egon Schiele, Kolig exhibited in 1910 with the Secessionist group in Vienna where he met Gustav Klimt. Anton Kolig is a painter of the masculine nude. His bisexuality was known and considered scandalous, but unlike Klimt and Schiele, it would seem that he only expressed his sexuality in his painting.
Kolig, married since 1911, began to work with models in 1904. He began by paying professionals, but later, when he left Vienna, he used his family, friends, farm boys and his own pupils. Among about three thousand drawings and four hundred paintings that he left, Kolig celebrates the beauty and sensuality of the young male body, but concern for psychological research. In his drawings, the head of the character is sometimes absent, and often sketched in his canvases. Kolig's artistic imagination does not attach itself to a particular person but seeks the ephemeral.
Kolig once invoked the notion of "spiritual coitus" to define the act of "painting and being painted and by extension drawing and being drawn". For years he dreamed of a painting workshop inspired by Masonic lodges in which he could teach and live with his pupils. As can be seen in the unfinished drawing The Family of the Painter, the artist was less interested in his own family circle - he and his wife had five children - than the one he had chosen.
Several of his works are kept in Vienna at the Leopold Museum.
He died in 1950.
On July 2 is the birthday of
Eduardo Zamacois y Zabala, Spanish Academic painter of Basque ancestry born in 1841, who specialized in small-scale canvases.
He received a thorough education, which included drawing classes with a local artist named Joaquín Balaca (c.1820-?). Later, when his father's school closed, the family moved to Madrid and, in 1856, he was enrolled at the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, where he studied with Federico de Madrazo.
In 1860, on Madrazo's recommendation, he went to Paris and attended the classes of Charles Gleyre in preparation for applying to the Ècole des Beaux-Arts. His application there was denied, so he turned to the workshops of Ernest Meissonier, where he found a position.
Success came quickly. In 1861, he was commissioned to create decorative paintings in the quarters of the future king, Alfonso XII at the Palacio Real de Madrid. This work won him a grant from the Diputación de Vizacaya, which enabled him to continue his studies. In 1862 and 1864, he was awarded medals at the National Exhibition of Fine Arts.
In 1866, he became good friend with the painter, Marià Fortuny.
A skillful business negotiator, he strove to gain access to as many European exhibitions as possible. In 1870, he was awarded the Gold Medal at the Salon for his painting, The Education of a Prince. After a showing in London, one of his paintings was purchased by Charles Dickens.
The Franco-Prussian War created difficulties that eventually forced him to return to Madrid. His arrival there coincided with the official coronation of King Amadeus I, and he attended the ceremonies. It was an unusually cold winter and he became ill the following day. He died suddenly in 1871, of what was described as "gangrenous angina" (possibly Diphtheria). In 1878, he was awarded a posthumous diploma by the Ècole des Beaux-Arts and a major retrospective at the Exposition Universelle. Goupil & Cie also published a large volume of photographs of his major works.
On July 3 is the birthday of
José Vento Ruiz, Spanish painter born in Valencia in 1925.
Vento studied at the School of Fine Arts of San Carlos in Valencia, and later, thanks to a grant from the Diputación de Valencia, he expanded them in Madrid. He was co-founder of the Hondo group together with Juan Genovés, and promoter of the New Figuration during the 1950s. He was also the founder of the Z Artistic Group. From 1954 to 1960 he lived in Madrid, where he worked on various mural paintings.
His works can be seen in the Museums of Contemporary Art of Madrid and Seville, in the Modern Art of Alexandria, the Abstract Art of Cuenca and the Fine Arts of Valencia.
He died in 2005.
On July 4 is the birthday of
David Prentice, English artist and former art teacher born in Solihull in 1936. In 1964 he was one of the four founder members of Birmingham's Ikon Gallery.
He was educated at Moseley Road Secondary School of Art, Birmingham between 1949 and 1952, and Birmingham School of Art between 1952 and 1957. In 1957 he did National Service in the Royal Artillery, returning to the Birmingham School of Art to teach from 1959. Prentice taught at the Faculty of Birmingham Polytechnic between 1971 and 1986, initially in charge the experimental workshop, and has been a visiting artist at Trent Polytechnic, Nottingham University, the Ruskin School and the Birmingham Institute of Art and Design. Prentice held solo exhibitions at the Royal Birmingham Society of Artists in 1961 and 1963, and in the same year as the second featured in the Four Letter Art exhibition organised by Trevor Denning. Prentice held over forty solo exhibitions since.
It was at Prentice's 1963 solo exhibition that his painting Kate and the Waterlilies was bought by Angus Skene for £25, with Prentice delivering the painting to Skene's house in Selly Oak strapped to the side of his Vespa scooter. Over the subsequent meal the two discussed the lack of support provided to local artists by Birmingham's existing galleries, and decided to start a new organisation to "invigorate the city with progressive ideas about art". Prentice recruited three fellow artists from the School of Art - Jesse Bruton, Robert Groves and Sylvani Merilion - and in 1965 the four established the Ikon Gallery in a kiosk in Birmingham's Bull Ring. Prentice later said of Ikon's founders: "The stances of the original artists were all very different. Sometimes we were going in opposite directions, but we were all Brummies. We had all come out of the art school thinking 'we can do better than this' ... there was an element of wanting to shift the ground we all shared."
David Prentice had shown his work at John Davies Fine Art, Moreton in Marsh Glos. England in eight solo exhibitions up until 2010 since 1996. He had held solo exhibitions of his work at Mark Barrow Fine Art (www.markbarrowfineart.co.uk), Art First London, Anna Mei Chadwick London, Medici Gallery London and Lemon Street Galley Truro Cornwall in the years following 1994 and up to 2008. Exhibitions during July and August 2011 to celebrate his 75th birthday were at John Davies Gallery Moreton in Marsh, Number Nine the Gallery Birmingham and at Monnow Art Centre, Walterstone, Herefordshire.
He died in 2014.
On July 5 is the birthday of
Sergei Alekseyevich Grigoriev (Сергей Алексеевич Григорьев), Soviet artist born in Lugansk, Prov. Ekaterinoslav, Russian Empire, in 1910.
People’s Artist of the Soviet Union and member of the USSR Academy of Arts, has played a major role in the formation of the Soviet Ukraine school of art as an outstanding painter and teacher. Grigoriev embarked on his artistic career in the late 1920s - early 1930s. He started as a graphic artist, working hard as a book illustrator, designer of posters and murals, and interior decorator. He gradually emerged as a lyrical painter.
In 1933 Grigoriev was asked to teach at the Kharkov Art Institute, first as an assistant in the drawing workshop of Vasili Kasiyan, later in the painting workshop of Professor Krichevsky.
In 1934 when Kiev became the capital of the Ukrainian Republic, Grigoriev accepted a teaching position at the Kiev Art Institute.
In the winter of 1940 Grigoriev was called up for the military service. At the outbreak of war in 1941 he joined the Communist Party. During this time he did hardly any painting. In the 1950s Grigoriev concentrated on multifigural genre compositions built around dramatic or contrast subjects. He is especially concerned with problems of the education of children and youth, the building of their characters and social outlooks. These themes are dealt with in such well- known pictures as Joining the Komsomol, Discussion of the Failing Mark, and The Return.
In 1951 Grigoriev received the USSR Slate Price for his picture Discussion of the Failing Mark. Also in that year he was made People’s Artist of the Ukrainian Republic. Three years later, the painter was elected corresponding member of the USSR Academy of Arts, and in 1958 he became lull member of the Academy.
Portrait painting became a dominant feature of Grigoriev’s art in the 1960s. The artist created a large series of portraits of noted men of Ukrainian prose writers and poets.
Extensive and diverse, Academician’s Grigoriev’s activities are inseparably linked with the life of his people, with the faith in the tremendous transformative potential of socialist art.
He died in 1988.
On July 6 is the birthday of
James "Jamie" Browning Wyeth, American realist painter born in 1946, son of Andrew Wyeth, and grandson of N.C. Wyeth. He was raised in Chadds Ford Township, Pennsylvania, and is artistic heir to the Brandywine School tradition - painters who worked in the rural Brandywine River area of Delaware and Pennsylvania, portraying its people, animals, and landscape.
He attended public school for six years and then, at his request was privately tutored at home, so he could concentrate on art. As a boy, Jamie was exposed to art in many ways: the works of his talented family members, art books, attendance at exhibitions, meeting with collectors, and becoming acquainted with art historians. He also developed an offbeat sense of humor, sometimes veering to the macabre.
Wyeth's artistic reach is broader than his father's and grandfather's. He excels in drawing, lithography, etching, egg tempera, watercolor, and mixed media. Though grounded in this family’s artist tradition and subjects, and bound by the same solitude of his art, his wider travels and experiences have shaped a more rounded artist. In travels to Europe, he studied the Flemish and Dutch masters, and learned the intricate and exacting process of lithography, producing a substantial amount of graphic work.
According to the Brandywine River Museum, "James Wyeth had earned national attention with a posthumous portrait of John F. Kennedy and other work. Later, he produced striking portraits of Rudolf Nureyev and Andy Warhol, studies for which are in the museum's collection. Since then, Wyeth has established a distinctive style, characterized by strong images and sharp contrasts in his landscapes and portraits. He is known for his monumental animal portraits, including Portrait of Pig and Raven in the museum's collection, which represents various stages in his changing style."
On July 7 is the birthday of
Wolfgang Robert Paalen, German-Austrian-Mexican painter, sculptor and art philosopher, born in Vienna, Austria, in 1905.
A member of the Abstraction-Création group from 1934-35, he joined the influential Surrealist movement in 1935 and was one of its prominent exponents until 1942.
In the course of his association with the Surrealists and their attempts to transform automatic writing into drawing and painting, he created fumage – a technique for generating evocative patterns with the smoke and soot of a lit candle. Between 1936 and 1937 Paalen developed with these visionary-ephemeral forms on canvas, which he then mostly painted over in oil, a number of mature paintings which soon made his international reputation. Together with Marcel Duchamp, Man Ray and Salvador Dalí, Paalen was among those responsible for the design of the 1938 International Exhibition of Surrealism at the Palais des Beaux Arts in Paris
The further development in the work of Paalen continues to follow up the idea of a biological-evolutionary-physical-cosmological continuum, in which the human organism can evolve and unfold.
In 1938 Paalen and his wife socialised with Frida Kahlo during her visit in Paris. She invited the couple to Mexico, where Paalen wanted to organize a Surrealist exhibition together with Breton. In autumn 1939 he organized the International Surrealist Exhibition in the Galería de Arte Mexicano together with the Peruvian poet César Moro.
Whilst in exile in Mexico, he founded his own counter-surrealist art-magazine DYN, in which he summarized his critical attitude towards radical subjectivism and Freudo-Marxism in Surrealism with his philosophy of contingency.
Paalen´s last years in Mexico are characterized by increasing health problems, mainly originated in his bipolar (manic-depressive) disposition.
He died in Taxco, in 1959.
Today, July 8, is the birthday of
Stanton MacDonald-Wright, modern American artist born in Charlottesville, Virginia, in 1890. He was a co-founder of Synchromism, an early abstract, color-based mode of painting, which was the first American avant-garde art movement to receive international attention.
He spent a privileged adolescence in Santa Monica, California, where his father ran a seaside hotel. An amateur artist as well as a businessman, Macdonald-Wright's father encouraged his artistic development from a young age and secured him private painting lessons.
Married at the age of seventeen, Macdonald-Wright moved to Paris with his wife to immerse himself in European art and to study at the Sorbonne, the Académie Julian, the École des Beaux-Arts and the Académie Colarossi. He and fellow student Morgan Russell studied with Canadian painter Percyval Tudor-Hart between 1911 and 1913. They were deeply influenced by their teacher's color theory, which connected the qualities of color to those of music, as well as by the works of Delacroix, the Impressionists, Cézanne, and Matisse that placed a great emphasis on juxtapositions and reverberations of color. During these years MacDonald-Wright and Russell developed Synchromism (meaning "with color"), seeking to free their art form from a literal description of the world and believing that painting was a practice akin to music that should be divorced from representational associations. MacDonald-Wright collaborated with Russell in painting abstract "synchromies" and staged Synchromist exhibitions in Munich in June 1913, in Paris in October 1913, and in New York in March 1914. These established Synchromism as an influence in modern art well into the 1920s, though followers of other abstract artists (principally, the Orphists Robert and Sonia Delaunay) were later to claim that the Synchromists had merely borrowed the principles of color abstraction from Orphism, a point vehemently disputed by Macdonald-Wright and Russell. While in Europe, Macdonald-Wright met Matisse, Rodin, and Gertrude and Leo Stein, and Thomas Hart Benton, who called Stanton "the most gifted all-around fellow I ever knew". He and Russell returned to the United States hopeful of acclaim and financial success and were eager to promote their cause.
Acknowledging that he would never be able to secure a living in New York, Macdonald-Wright moved to Los Angeles in 1918. In 1920, with Stieglitz's support, he organized the first exhibition of modern art in Los Angeles, "The Exhibition of American Modernists" at the Los Angeles County Museum of History, Science, and Art, showing his own large-scale abstract synchromies as well as works by John Marin, Arthur Dove, and Marsden Hartley. In 1922, he became the head of the Los Angeles Art Students League. He also became involved in local theater, serving as the director of the Santa Monica Theater Guild as well as writing and directing plays, designing sets, and acting himself.
Macdonald-Wright was a significant presence and a charismatic personality in the Los Angeles art scene for the next several decades.
By the early 1950s, Macdonald-Wright's work had fallen into relative obscurity. A renewed interest in American modernism led to his gradual rediscovery and new scholarly attention, and he was given several retrospectives.
He died in 1973.
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