viernes, 21 de septiembre de 2018

Asonancias / Assonances (XVI) - Anexo / Annex

Este anexo complementa el post anterior de "Asonancias" sobre la serie de Philip Gladstone "Cuadros dentro de cuadros (Museo)".

This annex complements the previous post of "Assonances", about the Philip Gladstone's Pictures Within Pictures (Museum) Series.
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(1) Referencias a / References to
Van Gogh, Mondrian, Rubik & Hieronymus Bosch (El Bosco)
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(2)
John Singer Sargent
(Florencia, Italia / Florence, Italy, 1856 -
Londres, Reino Unido / London, UK, 1925)

"Desnudos masculinos luchando / Male Nudes Wrestling"
Carboncillo / charcoal, 52,4 x 44.3 cm. Colección privada / Private Collection. Beverly & Mitchell

John Singer Sargent en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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(3)
Roy Lichtenstein
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1923 - 1997)

"En el coche / In the Car"
Óleo y magna sobre lienzo / oil and magna on canvas, 172 x 203,5 cm., 1963
© Estate of Roy Lichtenstein/DACS 2018
National Galleries (Edimburgo, Escocia / Edinburgh, Scotland)

Roy Lichtenstein en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Pablo Ruiz Picasso
(Málaga, España / Spain, 1881 - Mougins, Francia / France, 1973)

(4)
"Las señoritas de Avignon / The Young Ladies of Avignon" en "El Hurgador" / in this blog:

(7)
Tres Músicos / Three Musicians

"Trois musiciens / Tres músicos / Three Musicians"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200,7 x 222,9 cm., Fontainebleau, verano / summer 1921
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Tres músicos" es el título de dos collages y pinturas al óleo similares del artista español Pablo Picasso. Ambos fueron completados en 1921 en Fontainebleau, cerca de París, Francia, y ejemplifican el estilo Cubista Sintético; los planos planos de color y la "compleja composición en forma de rompecabezas" se hacen eco de los arreglos de papel recortado con los que se originó el estilo. Estas pinturas representan a tres músicos con máscaras en la tradición del popular teatro italiano Commedia dell'arte.
Cada cuadro presenta un Arlequín, un Pierrot y un monje, de quienes generalmente se cree que representan a Picasso, Guillaume Apollinaire y Max Jacob, respectivamente. Apollinaire y Jacob, ambos poetas, habían sido amigos íntimos de Picasso durante la década de 1910. Sin embargo Apollinaire murió de la gripe española en 1918, mientras que Jacob decidió ingresar a un monasterio en 1921.
Una versión está en la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA) en la ciudad de Nueva York, y la otra en el Museo de Arte de Filadelfia.

"Nous autres musiciens / Nosotros los músicos (Tres músicos) / We Musicians (Three Musicians)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 204,5 x 188,3 cm., 1921
Philadelphia Museum of Art (Filadelfia, Pensilvania, EE.UU./ Pennsylvania, USA). Wikimedia Commons

Three Musicians is the title of two similar collage and oil paintings by Spanish artist Pablo Picasso. They were both completed in 1921 in Fontainebleau near Paris, France, and exemplify the Synthetic Cubist style; the flat planes of color and "intricate puzzle-like composition" echoing the arrangements of cutout paper with which the style originated. These paintings each colorfully represent three musicians wearing masks in the tradition of the popular Italian theater Commedia dell'arte.
Each painting features a Harlequin, a Pierrot, and a monk, who are generally believed to represent Picasso, Guillaume Apollinaire, and Max Jacob, respectively. Apollinaire and Jacob, both poets, had been close friends of Picasso during the 1910s. However, Apollinaire died of the Spanish flu in 1918, while Jacob decided to enter a monastery in 1921.
One version is in the permanent collection of the Museum of Modern Art (MoMA) in New York City; the other version is in the Philadelphia Museum of Art.

(15), (19)
"Guernica" en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (X)]

Pablo Picasso en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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(5)
Referencias a / References to Jackson Pollock
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(6)
Keith Allen Haring
(Reading, Pensilvania, EE.UU./ USA, 1958 - Nueva York / NY, 1993)

Keith Allen Haring fue un artista estadounidense cuyo arte pop y grafitis surgieron de la cultura callejera de la ciudad de Nueva York de los años ochenta.
La obra de Haring saltó a la popularidad desde sus dibujos espontáneos en el metro de la ciudad de Nueva York (contornos de tiza en fondos negros de espacios publicitarios), que muestran bebés radiantes, platillos voladores y perros divinizados. Después del reconocimiento público creó obras a mayor escala, como murales coloridos, muchos de ellos por encargo. Sus imágenes se han "convertido en un lenguaje visual ampliamente reconocido". Su obra posterior a menudo abordaba temas políticos y sociales, especialmente la homosexualidad y el SIDA, a través de su propia iconografía.
Murió en 1990.
"Árbol de la vida / Tree of Life", acrílico sobre lienzo de lona con arandelas de metal /
acrylic on canvas tarpaulin with metal grommets, 294 x 362 cm., 1985. Christie's

Keith Allen Haring was an American artist whose pop art and graffiti-like work grew out of the New York City street culture of the 1980s.
Haring's work grew to popularity from his spontaneous drawings in New York City subways – chalk outlines on blank black advertising-space backgrounds – depicting radiant babies, flying saucers, and deified dogs. After public recognition he created larger scale works such as colorful murals, many of them commissioned. His imagery has "become a widely recognized visual language". His later work often addressed political and societal themes – especially homosexuality and AIDS – through his own iconography.
He died in 1990.
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(8)
Marcel Duchamp
(Blainville-Crevon, Francia / France, 1887 - Neuilly-sur-Seine, 1968)

"Nu descendant un escalier n° 2 / Desnudo bajando una escalera Nº 2 /
Nude Descending a Staircase, No. 2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 57 7/8" x 35 1/8", 1912
Philadelphia Museum of Art (Filadelfia, Pensilvania, EE.UU./ Pennsylvania, USA). Wikipedia

La obra es considerada como un clásico modernista y se ha convertido en una de las más famosas de su tiempo. Antes de su primera presentación en el Salon des Indépendants parisino de 1912, fue rechazada por los cubistas como demasiado futurista. Sin embargo, la obra fue exhibida con el mismo grupo en Galeries Dalmau, Exposició d'Art Cubista, en Barcelona, del 20 de abril al 10 de mayo de 1912, y posteriormente causó un gran revuelo durante su exhibición en 1913 Armory Show en Nueva York.

The work is widely regarded as a Modernist classic and has become one of the most famous of its time. Before its first presentation at the Parisian 1912 Salon des Indépendants, it was rejected by the Cubists as too Futurist. Yet the work was exhibited with the same group at Galeries Dalmau, Exposició d'Art Cubista, in Barcelona, 20 April–10 May 1912, and subsequently caused a huge stir during its exhibition at the 1913 Armory Show in New York. 

Marcel Duchamp en "El Hurgador" / in this blog[Arte & humor (II)], [Aniversarios (CXLI)]

Thomas Cowperthwaite Eakins
"El pozo para nadar"en "El Hurgador" / "The Swimming Hole" in this blog[Pintando perros (LXV)]
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(9)
Jean-Hippolyte Flandrin
"Joven desnudo sentado junto al mar. Estudio de figura" en "El Hurgador" / 
"Nude Youth Sitting by the Sea. Figure Study" in this blog[Asonancias (IV)]
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(10)
Bridget Louise Riley
(West Norwood, Londres, Reino Unido / London, UK, 1931-)

"Movimiento en cuadrados / Movement in Squares"
Témpera sobre panel duro / tempera on hardboard, 123,2 x 121,2 cm., 1961. ArtUK
Arts Council Collection, Southbank Centre (Londres, Reino Unido / London, UK)

Bridget Riley en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXXI)]
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(11)
Edgar Degas
Hilaire-Germain-Edgar de Gas
(París, Francia / France, 1834 - 1917)

"L'Étoile / La estrella / The Star"
Pastel sobre monotipo / pastel sur monotype, 58,4 x 42 cm., c.1876
Musée d'Orsay (París, Francia / France)

Edgar Degas en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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(12)
Diego Rivera
(Guanajuato, México, 1886 - Ciudad de México / Mexico City, 1957)

"Vendedora de flores / The Flower Seller", 1941. Link

Entre las obras más importantes de Diego Rivera se cuentan enromes pinturas murales, llenas de figuras grandes y simplificadas con colores intensos, que hablan sobre la historia y política de México, incluyendo la Revolución Mexicana de 1910.
También pintó muchas obras de menor escala, incluidas varias versiones de vendedores y cargadores de flores. Todas estas escenas representan a los pueblos indígenas de México, pero de manera genérica o simbólica. Téngase en cuenta que en todos estos cuadros, las figuras humanas son prácticamente anónimas, con la cabeza inclinada o alejadas del observador. Los cuerpos y la ropa se simplifican en sus formas y se rellenan con áreas planas de color. Estos elementos eliminan cualquier individualidad específica, y en su lugar nos dejan con un tipo: el trabajador humilde y pobre. Las flores representan riqueza o lujo, y estas imágenes simbolizan cuán duro deben laborar los trabajadores pobres para el lujo de los ricos.

"Festival de las flores / Flower Festival"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147,3 x 120,7 cm., 1925
Los Angeles County Museum of Art (LACMA) (California, EE.UU./ USA). Wikiart

"Desnudo con calas / Nude With Calla Lilies"
Óleo sobre panel duro / oil on hardboard, 157 x 124 cm., 1944. Link

En todos los casos las flores parecen más importantes que los humanos, generalmente reunidas en enormes ramos, con una escala que casi parece superar a las figuras humanas. Los colores de las flores son más brillantes también. El fondo sombreado oscuro alrededor de los bordes de la pintura sirve de fuerte contraste con las flores resaltadas, que a menudo llenan todo el plano de la imagen. También cabe señalar la forma en que Rivera repite colores y formas para unir la imagen y crear patrones. Cada pintura también parece tener un color que destaca, como una correa azul, un chal azul o un cinturón rojo, detalles que ayudan a centrar nuestra atención sobre el elemento humano de la imagen. Y, a pesar de la presencia masiva de las flores, las figuras humanas son sólidas y firmes, nítidas en su presentación, sin una sensación de lucha o inquietud. Pueden ser pobres, pero Rivera los describe como manejando sus cargas con orgullo y dignidad. Texto de aquí.

"Vendedora de flores (Chica con calas) / The Flower Vendor (Girl with Lilies)"
Óleo sobre masonita / oil on masonite, 121.9 x 121.9 cm., 1941. 
Norton Simon Museum (Pasadena, California, EE.UU./ USA). Pinterest

Rivera's most important works include large wall mural paintings.  These murals are filled with large, simplified figures and bold colors, and they tell stories about Mexican history and politics, including the 1910 Mexican Revolution.  
He also painted many smaller scale works, including several versions of flower sellers, vendors and carriers.  All of these scenes represent the indigenous people of Mexico, but in a broadly generic or symbolic way.  Notice that in all of these images the human figures are practically anonymous, with their heads bowed or turned away from the viewer.  The bodies and clothing are simplified in shape and filled in with flat areas of color.  These things remove any specific individuality and instead leave us with a type - the humble, poor worker.  The flowers represent wealth or luxury, and these images symbolize how hard the poor laborers must work for the wealthy people's luxury.

"Vendedoras de alcatraces / Calla Lily Vendor", 1943. Alive
The Jacques and Natasha Gelman Collection of 20th Century Mexican Art.

In all cases the flowers seem more important than the humans, usually gathered in enormous bunches, with a scale that almost seems to overtake the human figures.  The colors of the flowers are brighter too.  The dark shadowed background around the edges of the painting serve as sharp contrast to the highlighted flowers, which often fill up the entire picture plane.  Also notice the way Rivera repeats colors and shapes to unite the image and create patterns.  Each painting also seems to have one color that is unique, like a blue strap, a blue shawl, or a red belt.  These details help return our focus to the human element of the picture.  And, despite the massive presence of the flowers, the human figures are solid and firm, crisp in their presentation, without a sense of struggle or unease.  They may be poor, but Rivera portrays them as handling their burdens with pride and dignity. Text from here.

"Vendedora de flores / Flower Vendor", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1942. Link

Diego Rivera en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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(13)
Andrew Newell Wyeth
(Chadds Ford, Pensilvania, EE.UU./ Pennsylvania, USA, 1917 - 2009)

En 1950, Andrew Wyeth completó una pintura grande, oscura e inquietante de tres buitres volando sobre el campo de Pensilvania. Llamó al trabajo "Planeando / Soaring". Producto de una gestación creativa inusualmente larga y un tanto tumultuosa, esta visión magistral de carroñeros en vuelo ocupó al pintor durante la mayor parte de una década, un período que no solo fue testigo de su surgimiento como artista de reputación nacional sino que también coincidió con el ascenso de una nueva moralidad provocada por los horrores de la Segunda Guerra Mundial y las tensiones generalizadas de la Guerra Fría. Aunque Wyeth abandonó el esfuerzo más de una vez, la pintura final se reconoce hoy como un hito temprano en una carrera larga e influyente. Al igual que muchos de los mejores esfuerzos de Wyeth (el contemporáneo "El mundo de Cristina / Christina's World" de 1948 no es más que un ejemplo), "Planeando" es a la vez accesible y ambigua. Es elíptica al punto de ser ominosa. Como un drama representativo en una época que aprecia la abstracción, la pintura es un valor atípico que recompensa la observación cercana por lo que revela sobre la cultura visual estadounidense de mediados de siglo.
Texto de Thomas Andrew Denenberg. AFA News

"Planeando / Soaring"
Témpera sobre masonita / tempera on masonite, 48" x 87", 1942-50
Shelburne Museum (Vermont, EE.UU./ USA). Link

In 1950, Andrew Wyeth completed a large, dark, and unsettling painting of three vultures flying above the Pennsylvania countryside. He called the work Soaring. The product of an unusually long and somewhat tumultuous creative gestation, this magisterial view of scavengers in flight preoccupied the painter for the better part of a decade—a period that not only witnessed his emergence as an artist of national reputation but also coincided with the rise of a new morality brought about by the horrors of World War II and the pervasive tensions of the Cold War. Although Wyeth abandoned the effort more than once, the final painting is today recognized as an early landmark in a long and influential career. Like many of Wyeth’s best efforts—the contemporaneous Christina’s World of 1948 is but one example—Soaring is both accessible and ambiguous. It is elliptical to the point of being ominous. As a representational drama in an era that prized abstraction, the painting is an outlier that rewards close observation for what it reveals about mid-century American visual culture.
Text by Thomas Andrew Denenberg. AFA News

Andrew Wyeth en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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(14)
Referencias a / References to Keith Haring, Andy Warhol, Roy Lichtenstein...

(16)
Pablo Picasso, Piet Mondrian
"Broadway Boogie Woogie" en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (XIX)]
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(17)
Henri Émile Benoît Matisse
(Le Cateau-Cambrésis, Francia / France, 1869 - 1954)

"Nu Bleu I / Desnudo azul I / Blue Nude I"
Aguada sobre papel, recortado y pegado sobre papel blanco, montado sobre lienzo / 
gouache on paper, cut and pasted on white paper, mounted on canvas, 106 × 78 cm., 1952
Fondation Beyeler (Riehen, Suiza / Switzerland). Artsy

La serie "Desnudos azules" representa desnudos femeninos sentados, y se encuentra entre el grupo final de obras de Matisse. La postura de la mujer desnuda es como la de una serie de desnudos sentados realizados en los primeros años de la década de 1920, en última instancia, la postura deriva de las figuras en reposo de Le bonheur de vivre.
Los desnudos azules también reflejan las primeras esculturas de Matisse. A pesar del carácter plano del papel, los recortes son esculturales en su calidad tangible y de relieve, especialmente la sensación de volumen creada por la superposición de los recortes. "Desnudo Azul I", en particular, se puede comparar con esculturas como La Serpentine, de 1909. Wikipedia

"Nu bleu II / Desnudo azul II / Blue Nude II"
Aguada sobre papel, recortado y pegado sobre papel blanco, montado sobre lienzo / 
gouache on paper, cut and pasted on white paper, mounted on canvas, 116,2 × 88,9 cm., 1952.
Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou (París, Francia / France)Artsy

The Blue Nudes series represents seated female nudes, and is among Matisse’s final body of works. The posture of the nude woman is like the posture of a number of seated nudes made in the first years of the 1920s, ultimately, the posture derives from the reposed figures of Le bonheur de vivre.
The Blue Nudes also reflect Matisse’s earlier sculptures. Despite the flatness of paper, the cut-outs are sculptural in their tangible, relief-like quality, especially the sense of volume created by the overlapping of the cut-outs. Blue Nude I, in particular, can be compared with sculptures such as La Serpentine, from 1909. Wikipedia

"Nu bleu III / Desnudo azul III / Blue Nude III"
Aguada sobre papel, recortado y pegado sobre papel blanco, montado sobre lienzo / 
gouache on paper, cut and pasted on white paper, mounted on canvas, 112 x 73,5 cm., 1952
Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou (París, Francia / France). Artsy

Matisse conservó un cuaderno de dibujos con los bocetos preliminares para los tipos de los desnudos azules. Estos dibujos ahora están dispersos, pero Galerie Huguette Beres y Berggruen et Cie, París, editaron una edición facsímil en 1955. El orden de los dibujos de Matisse en este cuaderno parece ser cronológico y permite seguir sus primeros pensamientos y elaboraciones del tema del desnudo azul. Por ejemplo, el primer dibujo muestra un desnudo femenino sentado con su brazo derecho extendido, una pose única en el cuaderno de dibujo, pero la misma con la que Matisse aparentemente comenzó Desnudo Azul IV. El segundo boceto del cuaderno, sin embargo, plantea el desnudo con el brazo derecho doblado, que Matisse retuvo no solo para el resto de los dibujos de los desnudos azules del cuaderno, sino también para los cuatro recortes. La fotografía del estado inicial indica los muchos cambios que hizo Matisse en este recorte en particular, los cambios realizados con carboncillo y papel recortado que permanecen visibles en el trabajo final y le dan una apariencia elaborada que se puede encontar sólo en algunos otros recortes. El asistente de Matisse recordaba que Desnudo Azul IV exigió tantos ajustes que ocupó a Matisse durante unas dos semanas.
La misma fotografía documental registra que Desnudo Azul IV evolucionó no en la pared del estudio sino en un caballete. Esto sugiere que Matisse trabajó en él de cerca, directamente, agregando y eliminando trozos de papel para refinar la curva de un contorno tal como lo había modelado previamente con arcilla. Habiendo calculado pacientemente la pose aquí, luego procedió a las tres variantes, que completó con relativa facilidad. Texto de Henrimatisse.org

"Nu bleu IV / Desnudo azul IV / Blue Nude IV"
Aguada sobre papel, recortado y pegado sobre papel blanco y carboncillo, montado sobre lienzo / 
gouache on paper, cut and pasted on white paper and charcoal, mounted on canvas, 103 x 74 cm., 1952
Musée Matisse (Niza, Francia / Nice, France). Artchive

Matisse kept a sketchbook of drawings which were the preliminary sketches for the blue nude types. The drawings from this important carnet are now dispersed, but a facsimile edition was issued by Galerie Huguette Beres and Berggruen et Cie, Paris in 1955. The order of Matisse's drawings in this sketch book appears to be chronological and allows one to follow his first thoughts and elaborations of the blue nude theme. For example, the first drawing shows a seated female nude with her right arm extended, a pose unique in the sketch book but the very one with which Matisse apparently began Nu bleu IV. The second sketch book drawing, however, poses the nude with the bent right arm, which Matisse retained not only for the rest of the blue nude drawings in the carnet but for the four cutouts, themselves. The photograph of the early state indicates the many changes Matisse made in this cutout, changes made with both charcoal and cut paper which remain visible in the final work and give it a labored appearance found only in a few other cutouts. Matisse's assistant has recalled that Nu bleu IV demanded so many adjustments that it occupied Matisse for some two weeks. 
The same documentary photograph records that Nu Bleu IV evolved not on the studio wall but on an easel. This suggests that Matisse worked on it at close range, directly, adding and deleting bits of paper to refine the curve of a contour just as he had previously modeled with clay. Having patiently worked out the pose here, he then proceeded to the three variants, which he completed with relative ease. Text from Henrimatisse.org

Henri Matisse en "El Hurgador" / in this blog [Todos los enlaces / All links]
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(18)
Louise Nevelson
(Pereiáslav-Khmelnytskyi, Óblast de Kiev, Imperio Ruso / Russian Empire, 1899 -
Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1988)
"Total - Totalidad - Todo / Total - Totality - All"
Madera pintada / painted wood, 258 x 430 x 18 cm, 1959 - 1964 © Louise Nevelson/Bildupphovsrätt 2018
Moderna Museet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Widewalls

Louise Nevelson en "El Hurgador" / in this blog[Arte perdido (VII)]

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