martes, 24 de mayo de 2016

Sucedió en el museo... (IV, Anexo) / It Happened at the Museum... (IV, Annex)

Este post complementa el anterior de la serie, "Sucedió en el museo (IV)", repasando algunas de las obras presentes en las fotografías de la selección. Números de referencia en cada imagen.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

This post complements the previous one of the series, It Happened at the Museum (IV), reviewing some of the artworks of the selection. Reference numbers in each image.
English text at the end of the post, marked with [*] in each paragraph
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Oscar-Claude Monet
(1) (París, Francia / France, 1840 - Giverny, 1926)

"Les Nymphéas / Los nenúfares / The Water Lilies". Musée de l'Orangerie (París, Francia / France)

Ofrecido al Estado de Francia por el pintor Claude Monet el día siguiente al Armisticio del 11 de Noviembre de 1918 como símbolo de la paz, los Nenúfares se encuentran instalados de acuerdo al plan del Museo l'Orangerie en 1927, pocos meses después de su muerte. Este conjunto único, una auténtica "Sixtina del impresionismo", en palabras de André Masson en 1952, da testimonio de la obra tardía de Monet. Fue diseñado como un entorno real y corona el ciclo de los Nenúfares comenzado casi 30 años antes.

Foto / Photo: Javier Fuentes, 9/2016

El conjunto es uno de las más grandes logros monumentales de principios del s. XX en pintura. Las dimensiones del área cubierta por la pintura rodea y acompaña al visitante a lo largo de casi 100 metros lineales que despliegan un paisaje dotado de nenúfares, ramas de sauce, árboles y reflejos de las nubes, generando la "ilusión de un todo infinito, de una ola sin horizonte ni costa", en palabras de Monet. Esta obra maestra única no tiene igual en el mundo entero. [1]


De acuerdo con las sugerencias del propio Monet, las ocho composiciones fueron instaladas en dos salas ovales consecutivas. Esas habitaciones tienen la ventaja de la luz natural del techo, y están orientadas de oeste a este, siguiendo el curso del sol y una de las principales rutas a través de París, a lo largo del Sena. Los dos óvalos evocan el símbolo del infinito, mientras que las pinturas representan el ciclo de luz durante el día.
Monet incrementó en gran medida las dimensiones de su proyecto inicial, comenzado antes de 1914. El pintor quería que los visitantes fueran capaces de sumergirse completamente en la pintura y olvidar el mundo exterior. El fin de la Primera Guerra Mundial en 1918 reafirmó su deseo de ofrecer belleza a las almas heridas. 
La primera sala reune cuatro composiciones que muestran los reflejos del cielo y la vegetación en el agua, desde la mañana a la tarde, mientras que la segunda contiene un grupo de pinturas con contrastes creados por las ramas de los sauces llorones alrededor de la orilla del agua. [2]
Textos del sitio web del Museo de l'Orangerie.

El conjunto / The Set: Link
Visita virtual / Virtual Visit: Link

Claude Monet en "El Hurgador" / in this blog:
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François Auguste René Rodin
(2) (Paris, Francia / France, 1840 - Meudon, Île-de-France, 1917)

"Le Basier / El Beso / The Kiss" (segunda copia / second copy)
Mármol pentélico / Pentelican marble, 182,2 x 121,9 x 153 cm, 3.180 kg., 1901-4. 
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

El beso originalmente representaba a Paolo y Francesca, dos personajes tomados, otra vez, de la Divina Comedia de Dante: asesinados por el marido de Francesca quien los sorprendió mientras se daban su primer beso, ambos amantes fueron condenados a vagar eternamente por el infierno. Este grupo, diseñado en las primeras etapas de la elaboración de Las Puertas, iba a ocupar una posición destacada en la parte baja de la puerta izquierda, opuesto a Ugolino, hasta 1886 cuando Rodin decidió que esta representación de la felicidad y la sensualidad era incongruente con el tema de su vasto proyecto. [3]

"Le Basier / El Beso / The Kiss", tercera copia / third copy.
Ny Carlsberg Glyptotek (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

"Le Basier / El Beso / The Kiss", primera copia / first copy
Mármol / marble, 181,5 cm. x 112,5 x 117 cm., c.1882. Musée Rodin (París, Francia / France)
Foto / Photo: Javier Fuentes

"Le Basier / El Beso / The Kiss" (detalle / detail). Musée Rodin (París, Francia / France). Foto / Photo: Javier Fuentes

"Le Basier / El Beso / The Kiss". Musée Rodin (París, Francia / France). Foto / Photo: Javier Fuentes

Así que transformó el grupo en una obra independiente y la expuso en 1887. El modelado suave y fluido, la composición muy dinámica y el encantador tema llevaron a este grupo a un éxito inmediato. Al no haber detalles anecdóticos que identificaran a los amantes, el público lo llamó "El beso", un título abstracto que expresa muy bien su carácter universal. El Estado francés encargó una versión grande en mármol, que Rodin tardó 10 años en entregar. No fue hasta 1898 que accedió a que se expusiera lo que él llamaba su "enorme chuchería" como pieza compañera de su audaz Balzac, como si El beso pudiera hacer más fácil para el público aceptar el retrato del escritor. [4]
Texto de la ficha de la obra en el sitio web del Musée Rodin.

"Le Basier / El Beso / The Kiss", cuarta copia tras la muerte de Rodin / fourth copy after Rodin's death
Mármol / marble, 182,9 × 116,8 × 121,9 cm. 2494,78 kg.
Hecha en Francia / made in France, 1929. Museo Rodin (Filadelfia, EE.UU./ Philadelphia, USA)


Auguste Rodin en "El Hurgador" / in this blog:
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(3) Sekhmet

Estatuas de Sekhmet en el Museo Metropolitano de Nueva York /
Sekhmet statues at the Metropolitan Museum, New York

Las estatuas de Sekhmet tienen su origen durante el reinado de Amenhotep III, dinastía 18 (ca 1390-1352 aC). Se han recuperado más de seiscientas estatuas en Egipto. La mayoría de ellas fueron creadas durante el reinado de Amenhotep III. Se las ha encontrado en el templo mortuorio de Amenhotep III  / Complejo en Kom el Heittan en la orilla occidental de Tebas y en el templo de Mut en Karnak en la orilla oriental, en Tebas. Las estatuas de Sekhmet son una parte de su programa estatuario masivo. [5]
Información de Wikipedia (en inglés)

"Estatua de la diosa Sakhmet / Statue of the Goddess Sakhmet"
Diorita / granodiorite, altura / high: 210 x ancho de base / width of base: 47,5 x 95,5 cm.
Imperio Nuevo, Dinastía 18, Reinado de Amenothep III / 
New Kingdom, Dynasty 18, Reign of Amenhotep III, c.1390-1352 A.C / B.C.
del Alto Egipto, Tebas, Karnak / from Upper Egypt, Thebes, Karnak
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
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(4) Augustus Saint-Gaudens

"Diana", bronce, dorado / bronze, gilt, 258,4 x 135,9 x 35,9 cm., 1892-93, fundido / cast, 1928.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Augustus Saint-Gaudens fue un escultor estadounidense de la generación de Bellas Artes nacido en Dublín en 1848, que encarnó los ideales del "Renacimiento Estadounidense". Criado en la ciudad de Nueva York, viajó a Europa para continuar su formación y el estudios artísticos, y luego regresó logrando un éxito importante crítico por sus monumentos conmemorativos de los héroes de la guerra civil estadounidense, muchos de las cuales aún se conservan. Además de sus obras, como el Robert Gould Shaw Memorial en Boston Common, y los fantásticos grandes monumentos ecuestres a los generales de la Guerra Civil, John A. Logan en el Grant Park de Chicago, y William Tecumseh Sherman, en la esquina de Central Park de Nueva York , Saint-Gaudens también creó obras como Diana y empleó sus habilidades en la numismática. Él diseñó la pieza de oro de $ 20 "doble águila", para la Casa de la Moneda de Estados Unidos en 1905-1907, considerada una de las más bellas monedas de Estados Unidos que se emitieron, así como la "Cabeza de Indio" águila de oro de $ 10, ambas acuñadas a partir de 1907 y hasta 1933. En sus últimos años se fundó la "Colonia de Cornualles", una colonia artística que incluyó a pintores, escultores, escritores y arquitectos notables. Su hermano Louis Saint-Gaudens fue también un conocido escultor con el que colaboró ​​ocasionalmente.
Murió en 1907. [6]
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(7) James (Jean-Jacques) Pradier
(Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland, 1790 - París, Francia / France, 1852)

"Les Trois Grâces / Las tres gracias / The Three Graces", mármol blanco / white marble, 45 x 172 x 102 cm., 1825
Presentada en el Salón de / presented at the Salon of 1831
Musée du Louvre (París, Francia / France)

James Pradier en "El Hurgador" / in this blog[Léo Caillard (Fotografía)], [Aniversarios (XVII)]
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(9) Satyres

Las estatuas pertenecen a un grupo de cuatro personajes similares a los encontrados en el teatro de Dioniso en Atenas. Espléndidamente restauradas, transformadas en soporte de una pila y expuestas al aire libre, se encontraban en el s.XVIII entre las más famosas piezas de la Villa Salaria del cardenal Albani (1692 - 1779). Varios pintores contemporáneos, como Hubert Robert, las representaron. [7]

"Satyres en atlante / Sátiros en Atlante / Satyrs in Atlantean", mármol / marble, altura / height: 218 cm.
Roma, época imperial, siglo II d.C. /  Rome, Imperial Age, 2nd century A.D.
Musée du Louvre (París, Francia / France)
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(11) Zeus / Poseidón

Zeus o Poseidón, bronce, c.460 a.C. / Zeus or Poseidon, bronze, c.460 BC
Foto / Photo: Javier Fuentes

Encontrada en el mar de Cabo Artemisio, en el norte de Euboea.
El dios, presentado dando una gran zancada, extiende su brazo izquierdo por delante del cuerpo, mientras sostiene un rayo o tridente en su mano derecha. 
Su identificación con Zeus o Poseidón es controvertida (la identificación antigua es la más probable). Es una de las pocas estatuas originales del Estilo Severo que se conserva, notable por la exquisita representación del movimiento y la anatomía. Es ciertamente obra de un gran escultor del período clásico temprano. [8]

Zeus o Poseidón, bronce, c.460 a.C. / Zeus or Poseidon, bronze, c.460 BC
Foto / Photo: Javier Fuentes
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(12-13) Paul Delvaux

"El Museo / The Musee Spitzner", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 200 cm., 1943

Paul Delvaux, pintor belga nacido en 1897, asociado con el surrealismo, famoso por sus pinturas de desnudos femeninos.
El joven Delvaux tomó clases de música, estudió griego y latín, y absorbió la ficción de Julio Verne y la poesía de Homero. Toda su obra fue influenciada por estas lecturas, empezando por sus primeros dibujos con escenas mitológicas. Estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruselas, aunque fue en el departamento de arquitectura debido a la desaprobación de su ambición de ser pintor por parte de sus padres. Sin embargo, para realizar su meta, asistió a clases de pintura impartidas por Constant Montald y Jean Delville. Los pintores Frans Courtens y Alfred Bastien también alentaron a Delvaux, cuyas obras de este período fueron principalmente paisajes naturales. Realizó alrededor de 80 pinturas entre 1920 y 1925, que fue el año de su primera exposición en solitario. [9]

"L'echo / El eco / The Echo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 128 cm., 1943
Museo de Arte de la Prefectura de Aichi (Nagoya, Japón / Japan)

Las pinturas de Delvaux de finales de 1920 y principios de 1930, que presentan desnudos en paisajes, están fuertemente influenciadas por los expresionistas flamencos tales como Constant Permeke y Gustave De Smet. Un cambio de estilo hacia 1933 refleja la influencia del arte metafísico de Giorgio de Chirico, con quien se había encontrado por primera vez en 1926 o 1927. En la década de 1930 encontró más inspiración en las visitas a la Feria de Bruselas, donde el Museo Spitzner, un museo de curiosidades médicas, mantuvo un stand en el que los esqueletos y una figura mecánica de Venus se mostraban en una ventana con cortinas de terciopelo rojo. Este espectáculo cautivó a Delvaux, proporcionándole motivos que aparecerían en toda su obra posterior. A mediados de la década de 1930 también comenzó a adoptar algunos de los motivos de su compañero belga René Magritte, así como el estilo inexpresivo de ese pintor en la prestación de las yuxtaposiciones más inesperadas de objetos por lo demás ordinarios.
Las pinturas de Delvaux se hicieron famosas por presentar generalmente varias mujeres desnudas que miran como si estuvieran hipnotizadas, con gesto misterioso, a veces reclinadas incongruentemente en una estación de tren o vagando por edificios clásicos. A veces van acompañadas de esqueletos, hombres con sombrero hongo, o intrigantes científicos sacados de las historias de Julio Verne
Murió en 1994. [10]

"Estudio para El eco / Study for The Echo", tinta india sobre papel / indian ink on paper, 35 x 27 cm., c.1943

Paul Delvaux en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (VI)]
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(14) Victor Mijáilovich Vasnetsov
Виктор Михайлович Васнецов
(Viatca (hoy Kirov), Imperio ruso / (today Kirov), Russian Empire, 1848 - 
Moscú, Unión Soviética / Moscow, URSS, 1926)

"Иван-царевич на Сером Волке / Ivan Tsarevich sobre el lobo gris / on the Grey Wolf"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 249 x 187 cm., 1889
Museo Pushkin (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

Victor Vasnetsov en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XVI)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
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(15-16) León y Gudea / Lion and Gudea

"Estatua de un león / Statue of a lion", mármol / marble, 79,4 x 161,3 cm.
Griega, periódo clásico / greek, classical period, 400 - 390 a.C / B.C.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Las estatuas de mármol de leones se utilizaban a veces como monumentos de tumbas o como guardianes en ambos extremos de una gran fachada de la tumba. [11]
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"Estatua de Gudea / Statue of Gudea", diorita / diorite, 44 x 21,5 x 29,5 cm.
Neo-Sumeria, Mesopotamia, probablemente de Girsu (actual Tello) /
Neo-Sumerian, Mesopotamia, probably from Girsu (modern Tello), c.2090 a.C / B.C.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Gudea fue un gobernante (ensi) del estado de Lagash, en el sur de Mesopotamia, que gobernó entre c.2144 - 2124 a.C.
Veintiséis estatuas de Gudea se han encontrado hasta ahora durante las excavaciones en Tello (antigua Girsu).
Las más tempranas están hechas de arenisca, esteatita y alabastro. Más tarde, al establecerse intercambios comerciales de más largo alcance, se utilizó la más exótica y costosa diorita. La diorita ya había sido utilizada por los antiguos gobernantes sumerios (Estatua de Entemena). Estas estatuas incluyen inscripciones describiendo el comercio, regencias y religión. [12]

"Estatua de Gudea, príncipe de Lagash / Statue of Gudea, prince of Lagash", diorita / diorite, 46 x 33 x 22,5 cm.
Dedicada al dios Ninishzida, período Neo Sumerio /
dedicated to the god Ningishzida, neo-Sumerian period, c.2120 a.C / B.C.
Musée du Louvre (París, Francia / France)
Wikimedia Commons
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El resto de las obras ya publicadas pueden verse en / The rest of the artworks already published can be see in:

(5) - Pablo Picasso, "Guernica": [Manos a la obra (X)]
(6) - Francisco de Goya, "Maja": [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)]
(8) - Escuela de Fontainebleau / Fontainebleau School, "Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas / and One of Her Sisters": [Asonancias (I)]
(10) - Coloso de Constantino / The Colossus of Constantine[Sucedió en el museo (III) - Anexo]



Textos en inglés / English Translation

[1]
Offered to the French State by the painter Claude Monet on the day that followed the Armistice of November 11, 1918 as a symbol for peace, the Water Lilies are installed according to plan at the Orangerie Museum in 1927, a few months after his death. This unique set, a true "Sixtine of Impressionism", in the words of André Masson in 1952, testifies to Monet’s later work. It was designed as a real environment and crowns the Water Lilies cycle begun nearly thirty years before. The set is one of the largest monumental achievements of early twentieth century painting. The dimensions and the area covered by the paint surrounds and encompasses the viewer on nearly one hundred linear meters which unfold a landscape dotted with water lilies water, willow branches, tree and cloud reflections, giving the "illusion of an endless whole, of a wave with no horizon and no shore" in the words of Monet. This unique masterpiece has no equivalent worldwide.

[2]
According to Claude Monet’s own suggestion, the eight compositions were set out in the two consecutive oval rooms. These rooms have the advantage of natural light from the roof, and are oriented from west to east, following the course of the sun and one of the main routes through Paris along the Seine. The two ovals evoke the symbol of infinity, whereas the paintings represent the cycle of light throughout the day.
Monet greatly increased the dimensions of his initial project, started before 1914. The painter wanted visitors to be able to immerse themselves completely in the painting and to forget about the outside world. The end of the First World War in 1918 reinforced his desire to offer beauty to wounded souls.
The first room brings together four compositions showing the reflections of the sky and the vegetation in the water, from morning to evening, whereas the second room contains a group of paintings with contrasts created by the branches of weeping willow around the water’s edge.
Texts from Musée de l'Orangerie's website.

[3]
The Kiss originally represented Paolo and Francesca, two characters borrowed, once again, from Dante’s Divine Comedy: slain by Francesca’s husband who surprised them as they exchanged their first kiss, the two lovers were condemned to wander eternally through Hell. This group, designed in the early stages of the elaboration of The Gates, was given a prominent position on the lower left door, opposite Ugolino, until 1886, when Rodin decided that this depiction of happiness and sensuality was incongruous with the theme of his vast project.

[4]
He therefore transformed the group into an independent work and exhibited it in 1887. The fluid, smooth modelling, the very dynamic composition and the charming theme made this group an instant success. Since no anecdotal detail identified the lovers, the public called it The Kiss, an abstract title that expressed its universal character very well. The French state commissioned an enlarged version in marble, which Rodin took nearly ten years to deliver. Not until 1898 did he agree to exhibit what he called his “huge knick-knack” as a companion piece to his audacious Balzac , as if The Kiss would make it easier for the public to accept his portrait of the writer.
Text from the record about the piece in Musée Rodin's website.

[5]
The origin of the Sekhmet statues was during the reign of Amenhotep III dynasty 18 (ca 1390-1352 BC). There have been more than six hundred statues that have been recovered from Egypt. Most of these Sekhmet statues were created during the reign of Amenhotep III. Sekhmet statues have been found at Amenhotep III Mortuary Temple/Complex at Kom el Heittan on the Theban West Bank and at the Temple of Mut at Karnack on the east bank at Thebes. The Sekhmet statues are a part of his massive statuary program.
Information from Wikipedia

[6]
Augustus Saint-Gaudens was an American sculptor of the Beaux-Arts generation born in Dublin in 1848, who most embodied the ideals of the "American Renaissance". Raised in New York City, he traveled to Europe for further training and artistic study, and then returned to New York, where he achieved major critical success for his monuments commemorating heroes of the American Civil War, many of which still stand. In addition to his works such as the, Robert Gould Shaw Memorial on Boston Common, and the outstanding grand equestrian monuments to Civil War Generals, John A. Logan in Chicago's Grant Park, and William Tecumseh Sherman, at the corner of New York's Central Park, Saint-Gaudens also created such works the Diana and employed his skills in numismatics. He designed the $20 "double eagle" gold piece, for the US Mint in 1905–1907, considered one of the most beautiful American coins ever issued as well as the $10 "Indian Head" gold eagle, both of which were minted from 1907 until 1933. In his later years he founded the "Cornish Colony", an artistic colony that included notable painters, sculptors, writers, and architects. His brother Louis Saint-Gaudens was also a well-known sculptor with whom he occasionally collaborated.
He died in 1907.

[7]
The statues belong to a group of four similar characters to those found in the theater of Dionysus in Athens. Splendidly restored, transformed into a sink support and exposed outdoors in the eighteenth century, were among the most famous pieces of the Villa Salaria Cardinal Albani (1692-1779). They were represented by several contemporary painters like Hubert Robert.

[9]
Paul Delvaux, Belgian painter born in 1897, associated with Surrealism, famous for his paintings of female nudes.
The young Delvaux took music lessons, studied Greek and Latin, and absorbed the fiction of Jules Verne and the poetry of Homer. All of his work was to be influenced by these readings, starting with his earliest drawings showing mythological scenes. He studied at the Académie Royale des Beaux-Arts in Brussels, albeit in the architecture department owing to his parents' disapproval of his ambition to be a painter. Nevertheless, he pursued his goal, attending painting classes taught by Constant Montald and Jean Delville. The painters Frans Courtens and Alfred Bastien also encouraged Delvaux, whose works from this period were primarily naturalistic landscapes. He completed some 80 paintings between 1920 and 1925, which was the year of his first solo exhibition.

[10]
Delvaux's paintings of the late 1920s and early 1930s, which feature nudes in landscapes, are strongly influenced by such Flemish Expressionists as Constant Permeke and Gustave De Smet. A change of style around 1933 reflects the influence of the metaphysical art of Giorgio de Chirico, which he had first encountered in 1926 or 1927. In the early 1930s Delvaux found further inspiration in visits to the Brussels Fair, where the Spitzner Museum, a museum of medical curiosities, maintained a booth in which skeletons and a mechanical Venus figure were displayed in a window with red velvet curtains. This spectacle captivated Delvaux, supplying him with motifs that would appear throughout his subsequent work. In the mid-1930s he also began to adopt some of the motifs of his fellow Belgian René Magritte, as well as that painter's deadpan style in rendering the most unexpected juxtapositions of otherwise ordinary objects.
The paintings Delvaux became famous for usually feature numbers of nude women who stare as if hypnotized, gesturing mysteriously, sometimes reclining incongruously in a train station or wandering through classical buildings. Sometimes they are accompanied by skeletons, men in bowler hats, or puzzled scientists drawn from the stories of Jules Verne
He died in 1994.

[11]
Marble statues of lions were sometimes used as tomb monuments or as guardians at both ends of a large tomb facade.

[12]
Gudea was a ruler (ensi) of the state of Lagash in Southern Mesopotamia who ruled c. 2144 - 2124 BC.
Twenty-six statues of Gudea have been found so far during excavations of Telloh (ancient Girsu)
The early statues were made of limestone, steatite and alabaster; later, when wide-ranging trade-connections had been established, the more costly exotic diorite was used. Diorite had already been used by old Sumerian rulers (Statue of Entemena). These statues include inscriptions describing trade, rulership and religion. 

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